Lee Krasner e la sua impressionante opera

Alcuni artisti si concentrano così intensamente su uno stile particolare che quasi ogni appassionato d'arte può facilmente descrivere esempi tipici delle loro opere. Altri, invece, evolvono il loro stile in modo intenzionale e costante, rifiutando di essere limitati da un solo approccio estetico. Lee Krasner incarnava quest'ultimo. Descrivere i dipinti tipici di Lee Krasner sarebbe impossibile, perché la sua opera non è mai stata tipica. Più volte nel corso della sua carriera Krasner ha completamente cambiato il suo approccio alla pittura. Sebbene sia normalmente associata agli Espressionisti Astratti, iniziò la sua carriera come pittrice realista classica. Lavorò anche come pittrice di murales per la Works Progress Administration e trascorse anni sperimentando varie tecniche come il collage, l'astrazione biomorfica, l'astrazione a bordi netti, opere di piccole dimensioni ispirate alla sua eredità ebraica e opere di grandi dimensioni influenzate dalla sua vita personale. Anche dopo aver subito un aneurisma cerebrale continuò a reinventare la sua arte per oltre due decenni. La sua opera è così varia e ingegnosa che oggi Lee Krasner è considerata l'incarnazione dello spirito dell'avanguardia americana del XX secolo.

Nata a Brooklyn

Lee Krasner venne al mondo a Brooklyn nel 1908, prima membro della sua famiglia nato su suolo americano. Fin da giovane sapeva di voler diventare pittrice. Ma nei primi decenni del 1900 non c'erano molte opportunità per le giovani donne che aspiravano a diventare artiste professioniste. Le donne che volevano studiare arte erano incoraggiate a intraprendere l'insegnamento. A New York c'era solo una scuola superiore, la Washington Irving High School for Girls, che permetteva alle ragazze di specializzarsi in corsi d'arte. Lee Krasner fece domanda e fu accettata in quella scuola.

Dopo il liceo, Krasner ottenne effettivamente il certificato per l'insegnamento. Ma invece di insegnare, trovò lavoro come cameriera e continuò a seguire corsi di pittura. Perfezionò la tecnica classica alla National Academy of Design e studiò come dipingere la figura umana all'Art Students League di New York. Era così talentuosa che nel 1935 ottenne una posizione ambita come pittrice di murales per la Works Progress Administration, un privilegio raro per qualsiasi artista, figuriamoci per una donna. Il lavoro consisteva nel copiare disegni figurativi di murales realizzati da altri artisti. Krasner non lo considerava ideale, avrebbe preferito dipingere i propri disegni, ma quel lavoro le garantì un sostentamento durante la depressione e ampliò la sua formazione.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Olio su tela. 175,3 x 318,8 cm. Collezione del Museum of Modern Art. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Pittura Totale

Nel 1937, due anni dopo aver iniziato il suo incarico alla WPA, Lee Krasner avviò la prima grande evoluzione nella sua opera. Si iscrisse ai corsi di Hans Hofmann, un venerato pittore e insegnante tedesco noto per sostenere il Modernismo e l'astrazione. Con la guida di Hofmann, Krasner apprese i concetti del Cubismo, Neo-Cubismo, Fauvismo, collage e molte altre tendenze dei primi Modernisti. Mise in pratica queste idee sviluppando quello che è stato chiamato il suo stile All Over, un approccio alla pittura che copriva l'intera superficie delle sue opere con motivi astratti evocativi della natura.

Krasner terminò i corsi con Hans Hofmann nel 1940. Nel 1941 iniziò una relazione romantica con il pittore Jackson Pollock. Quando vide per la prima volta le opere che Pollock stava realizzando in quel periodo, guidate dall'istinto, rivalutò immediatamente il proprio processo. Sebbene il suo lavoro fosse diventato astratto, lavorava ancora partendo dalla realtà. Ispirata da Pollock, intraprese con entusiasmo la ricerca di un contatto con il suo sé autentico e inconscio, per esprimere le sue emozioni sulla tela.

Lee Krasner - Mosaic Collage, 1939. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Serie Piccole Immagini

Nella sua ricerca del sé subconscio, Krasner tornò alle sue radici. La sua famiglia era emigrata da quella che oggi è l'Ucraina. La loro eredità ebraica russa era influenzata dalla cabala, un antico metodo simbolico di interpretazione della Bibbia. Attribuendo significato simbolico alla cabala, Krasner sviluppò un proprio linguaggio visivo simbolico e intuitivo, incorporandolo in una serie di dipinti che chiamò la Serie Piccole Immagini.

Il nome di questa serie probabilmente deriva dall'idea che ogni dipinto sembri composto da innumerevoli piccole immagini che rappresentano un vocabolario astratto senza un significato definito. Oppure il nome potrebbe derivare dal cambiamento che sperimentò nel suo ambiente proprio quando questa serie iniziò. Quel cambiamento avvenne quando Krasner e Pollock si trasferirono dalla città a una proprietà a Long Island. Pollock occupò il fienile per le sue opere di grandi dimensioni. Krasner adottò uno studio al piano superiore della casa, più intimo nelle dimensioni, e adattò il suo lavoro in relazione allo spazio.

Lee Krasner - Mezzogiorno, 1947, dalla Serie Piccole Immagini. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Collage Strappati

Il successivo grande cambiamento estetico per Lee Krasner avvenne nei primi anni '50, quando, secondo la leggenda, si frustrò per la qualità di alcune sue opere e iniziò a strappare le tele. Nei suoi primi anni di studio con Hans Hofmann, Krasner era diventata una grande ammiratrice di Matisse e aveva sperimentato il collage. Ispirata da Matisse e dai suoi ritagli, iniziò a usare le sue tele strappate come materiale grezzo per una serie di collage potenti ed emotivi, trasformando i frammenti dei suoi insuccessi in una nuova direzione radicale della sua opera.

In quel periodo della sua vita, Krasner affrontava anche molte altre difficoltà oltre a quelle legate al suo lavoro. Suo marito, Jackson Pollock, era un alcolista e un donnaiolo, e aveva rapidamente raggiunto la fama per il suo stile unico di pittura d'azione. Nel 1956, mentre Krasner era in Europa per l'estate, Pollock morì in un incidente d'auto causato dall'alcol, mentre guidava ubriaco con la sua amante e un amico.

Lee Krasner - City Verticals, 1953 (sinistra) / Lee Krasner - Burning Candles, 1955 (destra), due collage su tela. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Cicli della Vita

Già prima della morte di Pollock, Krasner aveva iniziato a cambiare nuovamente direzione nel suo lavoro. Aveva cominciato a dipingere composizioni biomorfiche rigogliose di forme astratte e naturali. Al suo ritorno dall'Europa approfondì questo motivo, permettendo alle sue opere di crescere anche in dimensioni, forse grazie alla disponibilità di più spazio per lavorare. Gesti ampi e fluidi e palette di colori semplificate apparvero nelle sue composizioni, e il caos e la frustrazione delle sue opere precedenti lasciarono spazio a una visione più ampia dei processi del mondo naturale.

Per sei anni dopo la morte del marito, Krasner perseguì questo nuovo stile emotivamente potente. I nomi che diede a queste serie di opere sembravano collegati ai cicli della vita e forse erano simbolici o guidati dal suo dolore e dalla sua guarigione. La prima di queste serie, Earth Green, presentava una palette naturale di verdi, rosso, bianco e beige. La serie successiva, Night Journeys, conteneva immagini più scure e cupe. Questa fase della sua carriera terminò bruscamente nel 1962 quando Krasner subì un aneurisma cerebrale che fermò il suo lavoro per diversi anni.

Lee Krasner - The Sun Woman II, 1958, parte della serie Earth Green. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Linee Decise

Dopo essersi ripresa dall'aneurisma, Krasner riprese da dove aveva lasciato, esplorando forme e composizioni organiche. Poi, nei primi anni '70, di colpo portò il suo lavoro in un'altra nuova direzione. Iniziò a dipingere astrazioni appiattite a bordi netti che sembravano quasi geometriche nel loro linguaggio visivo. Anche la sua palette di colori divenne più pura, dando vita a dipinti luminosi, diretti e ottimisti.

Altre tendenze estetiche che i suoi contemporanei stavano seguendo in quel periodo potrebbero aver ispirato questa nuova direzione per Krasner. La pittura a campi di colore aveva guadagnato consensi tra molti Espressionisti Astratti, e il Minimalismo dominava attivamente la scena artistica come reazione contro l'emozione e il dramma della generazione precedente. Ma anche se ci sono elementi di entrambi questi stili nelle opere a bordi netti che Krasner dipinse negli anni '70, la sua espressione di questi sentimenti è del tutto unica.

Lee Krasner - Sundial, 1972. Olio su lino. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

L'eredità di Lee Krasner

Nel 1983, Lee Krasner ricevette l'onore della sua prima retrospettiva di carriera. Fu inaugurata a Houston, Texas, al Museum of Fine Arts. Krasner era troppo malata per partecipare alla mostra, ma come nativa di Brooklyn attendeva con ansia il giorno in cui l'esposizione sarebbe arrivata nella sua città natale. Morì, però, nel giugno del 1984, appena sei mesi prima che la sua retrospettiva si aprisse al MoMA di New York. Il comunicato stampa per la mostra del MoMA diceva: “Krasner continuò a dipingere fino a poco prima della sua morte lo scorso giugno, e la sua opera fino alla fine testimonia un'esplorazione incessante.”

Ciò che è veramente straordinario della natura sperimentale della sua carriera è che, nonostante tutti i cambiamenti, Lee Krasner mantenne una voce estetica distinta e individuale. Elementi del linguaggio visivo che usò nelle sue prime opere risuonano in tutta la sua produzione nonostante le molteplici evoluzioni lungo il percorso. Le sue ultime opere dialogano fluidamente con i suoi primi lavori. Questo è un potente attestato del posto che Krasner occupa nella tradizione modernista americana. La sua opera è indicativa di una mente radicalmente creativa e testimonia la manifestazione dell'avanguardia in lei.

Immagine in evidenza: Lee Krasner - Autoritratto, 1930. Olio su lino. 76,5 × 63,8 cm. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio