Fare Tradizione Contemporanea - Jeffrey Gibson

Ho vissuto un’esperienza rara di recente mentre osservavo le opere di Jeffrey Gibson. Qualcosa nel suo lavoro ha aperto una porta per me. Mi ha esposto a un rapporto più ampio e interessante con lo spazio fisico. Vedete, frequento molte mostre d’arte. E tendo ad avere lo stesso tipo generale di rapporto con ogni mostra a cui partecipo. Probabilmente potete immaginare che tipo di rapporto sia, basandovi su come ne sto parlando ora. È definito dal fatto che mi sento separato dall’arte e dallo spazio che essa occupa. Mi vedo, l’arte, la mostra e lo spazio come quattro cose distinte, senza un legame intrinseco. Entro in uno spazio dove l’arte è esposta, guardo l’arte, rifletto su ciò che sto osservando, poi più tardi, col passare del tempo, l’opera può o non può risuonare in me in vari modi. Certo, ci sono stati casi in cui l’opera mi ha fatto non vederla in quel modo, come ad esempio uno Skyspace di James Turrell, in cui lo spazio è l’arte. Ma per la maggior parte, vedo quasi sempre le mostre d’arte come occasioni per andare da qualche parte e guardare qualcosa. Ciò che è successo con le opere di James Gibson, invece, è che ha suscitato in me un tipo diverso di rapporto. Non voleva accettare il limite di essere solo cose in uno spazio da guardare e su cui riflettere. Con la forza della sua presenza mi ha fatto capire che non stavo vedendo l’intero quadro. Mi ha fatto realizzare che l’arte non occupa solo lo spazio: spazio e arte si abitano a vicenda. E quando una persona entra in quel rapporto, si verifica un evento in cui tutti e tre—l’arte, lo spazio e la persona—diventano collaboratori alla pari. Non sto parlando di nulla di spirituale o metafisico. Sto dicendo che allo stesso modo in cui una persona che indossa una divisa militare “diventa” un soldato, o una persona che indossa un abito liturgico “diventa” un ministro, quando uno spazio ospita una mostra d’arte “diventa” qualcosa di nuovo, qualcosa di più. E quando entriamo in relazione con questa nuova cosa—questa combinazione di arte e spazio—la abitiamo allo stesso modo in cui un sacerdote abita un abito liturgico o un soldato una divisa. Le diamo vita. Le conferiamo potere e privilegi. È più di quello che sarebbe stata senza la nostra presenza. E spetta a noi dimostrare cosa significa.

Powwow e Raduni

Jeffrey Gibson è nato in Colorado nel 1972. La sua eredità familiare è nativa americana, in parte Cherokee e in parte Choctaw. A causa del lavoro del padre, Gibson ha viaggiato da giovane, vivendo in diversi periodi in Corea del Sud, Germania, Inghilterra e varie località negli Stati Uniti. La mescolanza di influenze culturali a volte è stata illuminante per lui, altre volte frustrante. Un esempio principale è il suo amore per la musica e la danza. Da giovane è stato iniziato alla tradizione nativa americana del powwow, un raduno sociale in cui si suona musica e costumi vivaci prendono vita grazie ai danzatori. E da adolescente in Asia ed Europa, ha potuto portare quello stesso spirito nella sua vita andando nei locali con gli amici per ascoltare musica e ballare. Ma quando è tornato negli Stati Uniti a 16 anni, si è trovato in una cultura in cui era troppo giovane per entrare in bar e locali. Era una stranezza culturale sottile ma pervasiva. Era attratto dalla musica e dalla danza, ma aveva pochi modi per esprimere quel sentimento in modo socialmente accettabile.

Una via di sfogo che ha trovato è stata la scena rave sotterranea, che in molti modi sentiva avere lo stesso spirito del powwow: era sociale, ruotava attorno alla musica, e la scena incoraggiava gli individui a manifestare la propria personalità attraverso ornamenti e costumi, attirando l’attenzione su di sé attraverso la danza. Dopo il diploma, ha conseguito il BFA all’Istituto d’Arte di Chicago nel 1995. Poi, dopo essere stato ammesso al programma di Master in Belle Arti al Royal College of Art di Londra, ha scoperto dal suo Capo che la Mississippi Band of Choctaw Indians era disposta a pagargli la retta. Gibson ha detto in un’intervista del 2007 con ARTnews: “Il mio capo sentiva che il fatto che io andassi lì, essendo un artista forte, lo rendeva più forte.” Il lavoro che Gibson ha realizzato da quando ha conseguito il suo MFA nel 1998 e si è trasferito di nuovo negli Stati Uniti è informato da quella vasta e diversificata gamma di esperienze culturali che hanno riempito la sua crescita, specialmente un senso delle sue molte comunità e un’attrazione per l’eredità di powwow e rave: spazi che prendono vita quando abitati da persone e arte.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Tecniche Miste, Foto di Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Combattere le Generalizzazioni

Le opere di Gibson incorporano molti mezzi e forme, ma trasmettono un linguaggio estetico unificante. Quel linguaggio è dominato da colori vividi e puri, forme geometriche dai contorni netti e motivi ottici. Le immagini richiamano immediatamente sia l’astrazione modernista sia l’estetica nativa americana. Ciò che è così efficace in questa combinazione è che apre subito ciò che entrambe queste posizioni estetiche possono potenzialmente offrire. L’arte astratta modernista utilizza forme e motivi in modo autoreferenziale, chiamando i triangoli semplicemente triangoli, e nient’altro, chiedendo agli spettatori di godere delle relazioni cromatiche per il loro valore intrinseco senza cercare alcun senso nascosto o codificato. Ma la tradizione nativa americana è intrinsecamente codificata. Un triangolo non è mai solo un triangolo. Simboleggia qualcosa: forse qualcosa di personale, forse qualcosa di culturale, forse qualcosa di poetico. Ma comunque, ha un significato per qualcuno. Grazie alle due tradizioni da cui emergono queste opere, siamo liberi di interpretarle apertamente, aggiungendo le nostre tradizioni, codici e aspettative al mix.

Uno dei corpi di lavoro più iconici che Gibson ha creato finora è una serie di sacchi da boxe adornati con perline colorate. Ha incontrato per la prima volta i sacchi da boxe quando il suo terapeuta gli ha suggerito di assumere un allenatore personale per aiutarlo con la rabbia che provava da giovane artista che cercava di trovare la propria voce e la propria strada nel mondo dell’arte contemporanea. La forma del sacco è essa stessa simbolica. Implica resistenza, isolamento e trasferimento di energia. I sacchi da boxe si muovono e oscillano. Cedono alla pressione, ma tornano sempre alla posizione originale. Sono morbidi e duri allo stesso tempo. Gibson crea immagini su di essi usando mezzi come perline e tessuti fluttuanti, che parlano alla comprensione preconcetta che le persone contemporanee hanno dell’arte nativa americana. A volte inserisce anche testi nelle composizioni, invitando a una contemplazione più profonda delle immagini e della forma. I sacchi da boxe sono coperti dal linguaggio visivo della storia dell’arte, così come dal linguaggio codificato della narrazione culturale e dal linguaggio materiale della generalizzazione. Parlano della lotta che tutti noi viviamo mentre cerchiamo di capire cosa diventeremo.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrilico e Grafite su Tela, 31 × 27 pollici, 78,7 × 68,6 cm (Sinistra) e Village, 2017, Acrilico e Grafite su Tela, 31 × 27 pollici, 78,7 × 68,6 cm (Destra), foto per gentile concessione De Buck Gallery

Abitare le Forme

Ciò che più mi influenza direttamente quando considero il lavoro di Jeffrey Gibson sono i suoi costumi. Crea costumi fluidi, colorati, elaborati e li colloca su strutture di legno. Immagino subito di indossarne uno. Penso a come il costume mi trasformerebbe se lo indossassi. Poi penso a come io lo trasformerei. Insieme diventeremmo qualcosa di più espressivo di quanto ciascuno di noi sia da solo. Le forme, i colori e i motivi sul costume assumerebbero un nuovo significato se combinati con i movimenti del mio corpo. L’oggetto d’arte e io ci fonderemmo per diventare una forma vivente di comunicazione.

Qualcosa nel modo in cui questi costumi illustrano la fusione tra arte, spazio e corpo umano mi ha dato una nuova comprensione—non solo di queste opere ma di tutte le opere d’arte. Lo spazio espositivo è un contenitore di immagini e oggetti, proprio come questi costumi. Io vi entro, proprio come indossare un costume sul mio corpo. Mentre abito la mostra e mi muovo al suo interno, le immagini e gli oggetti sulle sue superfici prendono vita grazie al mio movimento. Forse suona banale, ma non mi sento più solo un tipo che va alle mostre d’arte per guardare l’arte. Ora capisco che ogni spazio che mostra arte è come uno di questi costumi che Jeffrey Gibson crea. Ci aspetta, aspetta il nostro respiro e i nostri corpi affinché possiamo riempirlo, animarlo, dargli vita e conferirci a vicenda più significato di quanto nessuno di noi avrebbe mai potuto avere da solo.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016 18 × 11 1/2 × 13 pollici, 45,7 × 29,2 × 33 cm (Sinistra) e I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 pollici, 47 × 38,1 × 35,6 cm (Destra), foto per gentile concessione Roberts & Tilton, Culver City

Immagine in evidenza: Jeffrey Gibson - Infinite Sampling, 2010, Matita, acquerello, pittura acrilica, nastro, filo, stampe pigmentate d’archivio, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 pollici, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio