Fare Tradizione Contemporanea - Jeffrey Gibson

Recentemente ho avuto un'esperienza rara mentre osservavo il lavoro di Jeffrey Gibson. Qualcosa nel lavoro ha aperto una porta per me. Mi ha esposto a una relazione più ampia e interessante con lo spazio fisico. Vedi, partecipo a molte mostre d'arte. E tendo ad avere lo stesso tipo generale di relazione con ogni mostra a cui partecipo. Probabilmente puoi indovinare che tipo di relazione sia basata su come ne sto parlando in questo momento. È definita dal fatto che mi sento separato dall'arte e dallo spazio che essa abita. Vedo me stesso, l'arte, la mostra e lo spazio come quattro cose separate, senza alcuna connessione intrinseca. Entro in uno spazio dove l'arte è esposta, guardo l'arte, penso a ciò che sto guardando, poi più tardi, con il passare del tempo, l'opera può o meno risuonare con me in vari modi. Certo, ci sono state alcune istanze in cui l'opera mi ha fatto vedere le cose in modo diverso, come in uno Skyspace di James Turrell, in cui lo spazio è l'arte. Ma per la maggior parte, vedo quasi sempre le mostre d'arte come occasioni per andare da qualche parte e guardare qualcosa. Ciò che è accaduto con il lavoro di James Gibson, tuttavia, è che ha estratto da me un diverso tipo di relazione. Non era disposto ad accettare la limitazione di essere solo oggetti in uno spazio da guardare e pensare. Con il potere della sua presenza mi ha fatto sapere che non stavo vedendo l'intero quadro. Mi ha fatto rendere conto che l'arte non occupa solo spazio: lo spazio e l'arte si abitano a vicenda. E quando una persona entra in quella relazione, si verifica un evento in cui tutti e tre—l'arte, lo spazio e la persona—diventano collaboratori uguali. Non sto parlando di nulla di spirituale o metafisico. Sto dicendo che, allo stesso modo in cui una persona che indossa una divisa militare "diventa" un soldato, o una persona che indossa un abito liturgico "diventa" un ministro, quando uno spazio ospita una mostra d'arte "diventa" qualcosa di nuovo, qualcosa di più. E quando entriamo in relazione con questa nuova cosa—questa combinazione di arte e spazio—la abitiamo nello stesso modo in cui un sacerdote abita un abito liturgico o un soldato abita una divisa. Le diamo vita. Le conferiamo potere e privilegi. È più di quanto sarebbe stato altrimenti grazie alla nostra presenza. E sta a noi dimostrare cosa significa.

Powwow e rave

Jeffrey Gibson è nato in Colorado nel 1972. La sua eredità familiare è nativa americana, parte Cherokee e parte Choctaw. A causa del lavoro di suo padre, Gibson ha viaggiato da giovane, vivendo in diversi momenti in Corea del Sud, Germania, Inghilterra e in varie località degli Stati Uniti. Il mix di influenze culturali è stato a volte illuminante per lui e altre volte frustrante. Un esempio lampante è il suo amore per la musica e la danza. Da giovane è stato iniziato alla tradizione nativa americana del powwow, un incontro sociale in cui si suona musica e costumi vivaci prendono vita grazie ai ballerini. E da adolescente in Asia e in Europa, è riuscito a portare quel medesimo spirito nella sua vita andando con i suoi amici nei club per ascoltare musica e ballare. Ma quando è tornato negli Stati Uniti all'età di 16 anni, è stato catapultato in una cultura in cui era troppo giovane per entrare in bar e club. Era un'anomalia culturale sottile, ma pervasiva. Era attratto dalla musica e dalla danza, ma aveva poche possibilità di esprimere quel sentimento in modo socialmente accettabile.

Un outlet che trovò fu la scena rave sotterranea, che sentiva in molti modi avere lo stesso tipo di spirito del powwow: era sociale, era costruita attorno alla musica e la scena incoraggiava gli individui a manifestare la propria personalità attraverso ornamenti e costumi, e a attirare l'attenzione su di sé attraverso la danza. Dopo essersi diplomato al liceo, conseguì il suo BFA presso l'Art Institute of Chicago nel 1995. Poi, dopo aver ottenuto l'ammissione al programma di Master of Fine Art al Royal College of Art di Londra, scoprì dal suo Capo che la Mississippi Band of Choctaw Indians era disposta a pagare la sua retta. Gibson ha dichiarato in un'intervista del 2007 con ARTnews: “Il mio capo sentiva che io andassi lì, essendo un artista forte, lo rendeva più forte.” Il lavoro che Gibson ha realizzato da quando ha conseguito il suo MFA nel 1998 e si è trasferito di nuovo negli Stati Uniti è informato da quella vasta e diversificata gamma di esperienze culturali che hanno riempito la sua crescita, specialmente un senso delle sue molte comunità e un'attrazione per l'eredità dei powwow e dei rave: spazi che prendono vita quando sono abitati da persone e arte.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Mixed Media, Photo Credit Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Combattere le Generalizzazioni

Il lavoro di Gibson incorpora molti medium e forme, ma trasmette un linguaggio estetico unificante. Quel linguaggio è dominato da colori vividi e puri, forme geometriche dai contorni netti e schemi ottici. L'immagine richiama immediatamente alla mente sia l'astrazione modernista che l'estetica dei nativi americani. Ciò che è così efficace in questa combinazione è che apre immediatamente a ciò che entrambe queste posizioni estetiche possono potenzialmente offrire. L'arte astratta modernista utilizza forme e schemi in modo autoreferenziale, chiamando i triangoli triangoli, e nient'altro, e chiedendo agli spettatori di godere delle relazioni cromatiche per il loro stesso merito senza cercare alcun tipo di significato codificato o sottostante. Ma la tradizione dei nativi americani è intrinsecamente codificata. Un triangolo non è mai solo un triangolo. Simboleggia qualcosa: forse qualcosa di personale, forse qualcosa di culturale, forse qualcosa di poetico. Ma in ogni caso, ha un significato per qualcuno. A causa delle doppie tradizioni da cui emergono questi pezzi, siamo liberi di interpretarli apertamente, aggiungendo le nostre tradizioni, codici e aspettative al mix.

Uno dei corpi di lavoro più iconici che Gibson ha creato finora è una serie di sacchi da boxe adornati con coloriti lavori di perline. Ha incontrato per la prima volta i sacchi da boxe quando il suo terapeuta gli ha suggerito di assumere un personal trainer per aiutarlo con la rabbia che provava come giovane artista che cercava di trovare la sua voce e la sua strada nel mondo dell'arte contemporanea. La forma del sacco è di per sé simbolica. Implica resistenza, isolamento e trasferimento di energia. I sacchi da boxe si muovono e oscillano. Si piegano alla pressione, ma tornano sempre alla loro posizione originale. Sono morbidi e duri allo stesso tempo. Gibson crea immagini su di essi utilizzando mezzi come perline e tessuti in movimento, che parlano della comprensione preconcetta che le persone contemporanee hanno dell'arte dei nativi americani. A volte inserisce anche del testo nelle composizioni, invitando a una contemplazione più profonda dell'immagine e della forma. I sacchi da boxe sono coperti dal linguaggio visivo della storia dell'arte, così come dal linguaggio codificato della narrativa culturale e dal linguaggio materiale della generalizzazione. Parlano della lotta che tutti noi viviamo mentre cerchiamo di capire cosa diventeremo.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Left) and Village, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Right), photo credits De Buck Gallery

Abitare le forme

Ciò che mi influenza maggiormente quando considero il lavoro di Jeffrey Gibson sono i suoi costumi. Crea costumi fluidi, colorati ed elaborati e li colloca su strutture di legno. Immagino immediatamente di indossarne uno. Penso ai modi in cui il costume mi trasformerebbe se lo indossassi. Poi penso al modo in cui io lo trasformerei. Insieme diventeremmo qualcosa di più espressivo di quanto ciascuno di noi sia da solo. Le forme, i colori e i motivi del costume assumerebbero un nuovo significato quando combinati con i movimenti del mio corpo. L'oggetto d'arte e io ci fonderemmo per diventare una forma vivente di comunicazione.

Qualcosa nel modo in cui questi costumi illustrano la fusione tra arte, spazio e corpo umano mi ha dato una nuova comprensione—non solo di queste opere d'arte, ma di tutte le opere d'arte. Lo spazio espositivo è un contenitore di immagini e oggetti, proprio come questi costumi. Vi entro, proprio come indossare un costume sul mio corpo. Mentre abito l'esposizione e mi muovo al suo interno, le immagini e gli oggetti sulle sue superfici prendono vita grazie al mio movimento. Forse suona banale, ma non mi sento più solo un tipo che va a mostre d'arte per guardare arte. Ora realizzo che ogni spazio che mostra arte è come uno di questi costumi che Jeffrey Gibson crea. Sta aspettando noi, aspettando il nostro respiro e i nostri corpi affinché possiamo riempirlo, animarlo, dargli vita e conferire a vicenda più significato di quanto ciascuno di noi avrebbe mai potuto avere da solo.

Jeffrey Gibson - Un'altra lingua, 2016 18 × 11 1/2 × 13 in, 45.7 × 29.2 × 33 cm (Sinistra) e Dovrei saperlo meglio, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 in, 47 × 38.1 × 35.6 cm (Destra), crediti fotografici Roberts & Tilton, Culver City

Immagine in evidenza: Jeffrey Gibson -Infinite Sampling, 2010, Matita, acquerello, vernice acrilica, nastro, filo, stampe a pigmento archivio, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 in, 148.9 × 244.8 × 7 cm

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo

Di Filippo Parco