La Luce Incontra i Chimici nella Fotografia di Mariah Robertson

L’opera di Mariah Robertson è stata descritta come entusiasmante, estrema, persino esplosiva. Basta uno sguardo alle sue installazioni su larga scala realizzate con rotoli di carta fotografica per capire il motivo. L’opera è innegabile. I suoi colori sono fantastici e vivaci, le sue composizioni incomprensibilmente complesse, e la sua presenza fisica è invitante e fresca. Robertson lavora con mezzi fotografici—carta fotografica, sostanze chimiche e luce—ma non usa più una macchina fotografica. Crea composizioni sulla carta fotografica esponendola strategicamente alla luce per creare motivi e forme controllate, e poi spruzzando, gocciolando e lanciando vari cocktail chimici sulla sua superficie, lasciando che il caos controllato trasformi l’immagine esposta in modi imprevedibili. Le sue tecniche, e le immagini che ne emergono, evocano i maestri: Helen Frankenthaler, Jackson Pollock, Man Ray. Ma la sua visione è idiosincratica e fresca. Ho avuto il piacere di vedere le sue opere più volte, mai intenzionalmente, sempre per caso. Una parola riassume come mi sono sentito ogni volta: generoso. Mi ha dato più da guardare di quanto avessi tempo per assorbire. Mi ha lasciato il desiderio di restare più a lungo. Mi ha fatto desiderare di rivederla un’altra volta. Non riesco a immaginare sensazione migliore da ricevere facendo qualcosa nella vita che quella di sperare un giorno di poterlo fare di nuovo.

Questi Non Sono Stampe

Le prime opere che ho visto di Mariah Robertson erano stampe C. Erano, per la maggior parte, figurative: fotogrammi con motivi stratificati e immagini spettrali di fiori, interni e forme umane nude. Le composizioni erano precise e sicure, e le immagini contemporanee e audaci. Non potevo fare a meno di sentirmi attratto dall’opera. Mi faceva provare qualcosa. Era magistrale. Ma per qualche motivo non sembrava preziosa. Questo è il rapporto strano che ho con alcune opere stampate. Per quanto le ami, so che sono una tra molte. Possono essere, e molto probabilmente sono state, realizzate in più copie, tutte uguali. Non è una sensazione che provo per i dipinti o altre opere che non possono essere riprodotte esattamente. Ed è un’idea che ho sentito espressa riguardo alle stampe di Andy Warhol: l’idea che il suo processo fatto a mano producesse piccole variazioni, e in quelle variazioni si trovasse l’unicità, e quindi la preziosità di ogni opera.

Mariah Robertson - vista dell’installazione al Baltic Centre for Contemporary Art, Regno Unito, 2011

Ma lungo il percorso, Robertson ebbe una rivelazione. Dopo aver trovato una scorta di carta fotografica esposta, decise che invece di buttarla avrebbe sperimentato con essa. La usò come una superficie su cui dipingere, ma invece di usare colori, usò miscele di soluzioni sviluppatrici (metolo, fenidone, borace, idrossido di sodio, solfito di sodio, ecc.), fissatore (tiosolfato di sodio o ammonio) e acqua. Sono sostanze chimiche comuni in ogni camera oscura. Ma invece di mantenere le miscele in proporzioni normali che producono risultati prevedibili, Robertson creò cocktail tossici che avrebbero avuto effetti estetici sconosciuti sulla carta fotografica. Riscaldò le sostanze chimiche, le raffreddò e le agitò, scoprendo cosa ogni nuova variazione produceva in termini di colore, viscosità e interazione con gli strati precedenti. Indossando una tuta protettiva completa per difendersi dai potenziali effetti collaterali delle sue sperimentazioni, lasciò libera la sua immaginazione. I risultati sono visivamente sorprendenti e creativamente ispiranti. La cosa migliore è che ogni opera che crea in questo modo è unica.

Mariah Robertson - Chaos Power Center, 11R, New York, 2017, vista dell’installazione

Sospesa in Bilico

I video di Robertson al lavoro mostrano una persona che si trova estaticamente sospesa tra più mondi. Incorpora un senso infantile di gioco, spruzzando chimici letali con spensieratezza su carta appesa sopra una vasca. Allo stesso tempo ha chiaramente un piano: l’allestimento dello studio è una fabbrica per una sola persona, progettata appositamente, che ha creato con ingegno per questo scopo specifico. Proietta l’intensità di un Espressionista Astratto: un artista che cerca la massima espressione dell’impulso primordiale, l’antico comando di manifestare visivamente lo spirito. Contemporaneamente è precisa: delimita motivi e forme geometriche con nastro adesivo, richiamando Bridget Riley, Agnes Martin, Josef Albers e tanti altri che lavoravano con calma esattezza. L’equilibrio più evidente nel suo processo è quello tra speranza e paura. Ha una visione e corre verso di essa, senza sapere quando fermarsi o se ha già esagerato. La speranza è che senta il momento in cui ha avuto successo e si fermi intuitivamente e saggiamente. La paura è che il caos, gli incidenti, i giudizi errati o gli errori trasformino un potenziale capolavoro in fango.

Mariah Robertson - Pubertà Permanente, American Contemporary, New York, 2013, vista dell’installazione

Una delle espressioni più eloquenti di questo equilibrio emerge nei rotoli monumentali che Robertson crea. Queste opere sono nate quando si rese conto che nessuno produceva più fogli pretagliati del tipo di carta fotografica che voleva usare. Poteva ordinare solo grandi rotoli che dovevano essere tagliati a mano. Ma poi le venne un’idea: perché tagliarli? Perché non usare l’intero rotolo come superficie per un’espressione su larga scala della sua idea? Da allora ne ha realizzati numerosi. In ognuno di essi danza l’intera gamma di successo e fallimento, pianificazione e caos, lavoro e gioco, speranza e paura. Immaginate lo stress della loro creazione: sentire l’emozione della perfezione mentre una sezione è completata, solo per affrontare la delusione schiacciante di qualche disastro chimico inatteso nella successiva. Ma l’opera non può essere annullata. Deve contenere sia gli alti che i bassi. Accettare questo fatto apre Robertson alla possibilità della sorpresa. E per gli spettatori ci accoglie nella realtà che ognuno di noi percepisce bellezza, speranza, paura, lavoro, gioco, successo e fallimento a modo suo. Come dice Robertson, l’opera è un promemoria che “Tutti i tuoi tentativi falliranno nel controllare la vita. Quindi dovresti lasciar perdere, così puoi davvero vedere cosa sta succedendo.”

Mariah Robertson - Presentazione personale, Paris Photo Los Angeles, 2014, vista dell’installazione

Immagine in evidenza:Mariah Robertson-Presentazione personale, FIAC'S (OFF)ICIELLE, Parigi, 2015, vista dell’installazione

Tutte le immagini sono di proprietà dell’artista e della Galleria M+B, tutte le immagini sono usate solo a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio