Perché la critica d'arte Rosalind Krauss è ancora cruciale per l'astrazione

Rosalind Krauss è considerata da molti artisti, educatori d'arte e professionisti del mondo dell'arte la critica d'arte più importante in vita. E mentre è innegabile che attraverso i suoi scritti abbia diffuso alcune delle teorie d'arte più influenti degli ultimi cinquant'anni, per quanto mi riguarda non riesco a capire perché venga etichettata con quella parola: critica. Secondo la mia comprensione di ciò che fa, Krauss non è una critica. È un'anti-critica. È qualcuno che riflette profondamente sull'arte e ne scrive, ma che non definisce il modo in cui il resto di noi dovrebbe valutarla. È una scrittrice d'arte. È un'avvocata dell'arte. È una difensora dell'arte. Ma la critica? A chi serve? Gli artisti certamente non hanno bisogno di critica. L'unica cosa che un artista ha bisogno di sentire è lodi. La critica è per il mercato. È un modo per mantenere standard di gusto. Ma non esiste un'arte "buona" o "cattiva". L'unica cosa che i critici d'arte finiscono realmente per fare è avviare discussioni, rovinare il divertimento e limitare le possibilità. Diffondono tra le masse giudizi di valore soggettivi e spesso infondati. Influenzano l'opinione pubblica basandosi sulle opinioni di una minoranza di uno. Ma ciò che Krauss ha trascorso la sua vita a fare, a mio parere, è esattamente l'opposto. Ha ampliato le possibilità per gli artisti. Ha sfidato lo status quo e per più di cinque decenni ha continuamente ampliato il modo in cui le persone si sentono autorizzate a guardare, parlare e scrivere sull'arte. Per quanto mi riguarda, Krauss mi ha insegnato attraverso i suoi scritti che la cosa più importante che posso fare al servizio di un'opera d'arte è descriverla. Mi ha mostrato che una descrizione attenta e accurata è il più alto complimento che posso dare a un artista o a un'opera d'arte, molto più alta rispetto all'arrivare alla fase di giudizio: dire che qualcosa è "buono" o che "mi piace" qualcosa. Il gusto è soggettivo. Il giudizio è manipolativo. Una descrizione accurata dimostra che si è rispettato il lavoro abbastanza da osservarlo da vicino e tradurlo onestamente in un linguaggio semplice che tutti possono comprendere.

La giovane Rosalind Krauss

Rosalind Krauss è nata nel 1941 a Washington, D.C. Suo padre era un avvocato per il Dipartimento di Giustizia degli Stati Uniti. Spesso portava Rosalind a visitare la National Gallery of Art. È lì che ha iniziato a sviluppare il desiderio e la capacità di parlare intellettualmente del valore dell'arte moderna. In un'intervista del 2016 con Dylan Kerr per Artspace, Krauss ha ricordato che suo padre era critico nei confronti dell'arte moderna. Ma anche da giovane donna si sentiva spinta a difendere il lavoro. Aveva l'idea che fosse vitale e regolarmente lo sosteneva a suo padre mentre visitavano il museo. “Ho adottato una certa militanza,” dice, “perché dovevo cercare di convincere mio padre che queste opere d'arte moderne non erano false, che erano davvero importanti. Questo ha affinato il mio desiderio di spiegare.”

Iscrittasi al Wellesley College nel 1958, iniziò quella che è diventata una carriera accademica di vita dedicata all'idea di spiegare l'importanza dell'arte. Studiò storia dell'arte e cominciò a leggere seriamente ciò che altri scrittori d'arte avevano da dire sulle tendenze prevalenti del momento. Era un periodo emozionante per l'arte americana. L'Espressionismo Astratto era al culmine della sua potenza, e gli artisti che si opponevano ad esso o ne traevano ispirazione stavano muovendo il panorama artistico americano in una moltitudine di direzioni affascinanti: Arte Concettuale, Arte d'Installazione, Earth Works e Land Art, Arte Performativa, Arte della Luce e dello Spazio, e Minimalismo, giusto per citarne alcune. Krauss era acuta e perspicace. Sebbene fosse una rapida studiosa della storia, sviluppò anche le proprie idee su ciò che studiava. E nel processo affrontò una dura realtà del tempo: il punto di vista ristretto su come fosse accettabile parlare di arte e il numero esiguo di voci influenti che la definivano.

Rosalind Krauss - The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (MIT Press), book cover

I Berg

I due critici d'arte più influenti della metà del XX secolo furono Harold Rosenberg e Clement Greenberg. Clement Greenberg fu responsabile della carriera di alcuni dei più famosi artisti del periodo post-bellico. È meglio conosciuto per aver sostenuto i Espressionisti Astratti bianchi e maschi come Jackson Pollock e Willem de Kooning, e per aver ignorato le donne e gli artisti di colore. Il modo più semplice per descrivere il modo in cui Greenberg scriveva d'arte è dire che era un formalista. Parlava dei dipinti non in termini di contenuto, narrazione o significato culturale. Ne parlava in termini di colore, linea, forma, qualità della superficie e specificità del medium.

Harold Rosenberg parlava d'arte usando un linguaggio diverso da quello di Clement Greenberg. Rosenberg potrebbe essere descritto nel modo più semplice come un critico che si concentrava sugli elementi poetici dell'arte. Scrisse sulla capacità di alcuni artisti di creare opere contemplative e scrisse sulle qualità trascendenti della loro arte. Sia Greenberg che Rosenberg erano ampiamente rispettati e continuano a essere presi sul serio oggi. In larga misura, sono eroi perché hanno in gran parte legittimato l'astrazione nella coscienza americana. Ognuno a modo suo, questi due critici insegnarono agli americani del dopoguerra che l'arte astratta era più grande, più profonda e più complicata di quanto sembrasse alla maggior parte delle persone dell'epoca. Elevavano l'astrazione allo stesso prestigio dell'arte realistica che riempiva musei e libri di storia. Ma in un altro modo, entrambi questi critici rappresentavano un vecchio modo di parlare d'arte. Si impegnavano con essa in un modo strutturato radicato nelle tradizioni del passato. La giudicavano e facevano valutazioni basate su agende che si inserivano nella struttura di potere esistente della società, e in questo modo limitavano ciò che l'arte poteva diventare.

Rosalind Krauss - Perpetual Inventory (October Books), book cover

Scrittura Artistica Post-Strutturalista

Dopo la sua laurea a Wellesley, Rosalind Krauss andò ad Harvard, da cui ottenne il dottorato nel 1969. Mentre era ancora studentessa, iniziò a scrivere di arte su Artforum. Inizialmente, aveva un'affinità per il lavoro di Clement Greenberg. Ma col tempo arrivò ad abbracciare un punto di vista Post-Strutturalista. Fondamentalmente, lo Strutturalismo è l'idea che il mondo possa essere compreso in termini di strutture identificabili e descrivibili che a loro volta rendono tutto il resto comprensibile. La storia è spesso descritta come una serie strutturata di eventi che hanno portato inevitabilmente al mondo di oggi. Un critico d'arte strutturalista crede che ogni elemento di un'opera d'arte possa essere compreso in termini di come si relaziona a un sistema di pensiero esistente e strutturato. E viceversa, il Post-Strutturalismo sfida essenzialmente quell'idea.

La scrittura artistica post-strutturalista non è critica in quanto non si tratta di un giudizio finale su un'opera d'arte. Il post-strutturalismo invita a molteplici interpretazioni. Sostiene la valutazione individuale. Rifiuta l'autorità delle strutture ereditate. Promuove il parlare di cose in modi che mettono in discussione lo status quo. Riconosce che le strutture sociali storiche supportano un modo di vedere e interagire con il mondo che si adatta alle narrazioni esistenti dei detentori del potere. I post-strutturalisti credono che, sfidando quei modi di vedere e interagire con il mondo, possa emergere un mondo più diversificato, equo, sperimentale e interessante: uno che alla fine sarà anche più vero.

Rosalind Krauss - Bachelors, book cover

Sulla griglia

Dopo dieci anni di scrittura per Artforum, Rosalind Krauss ha lasciato per co-fondare un nuovo giornale d'arte con Annette Michelson, chiamato October. L'idea di October era quella di promuovere nuovi modi di pensare all'arte. Il giornale prende il nome dal mese che segnò l'inizio della Rivoluzione Bolscevica. Nelle pagine di October, Krauss ha pubblicato i suoi scritti d'arte più influenti. Nel Volume 8, ha pubblicato il suo saggio Sculpture in the Expanded Field, che spiegava un punto di vista notevolmente ampliato sulla scultura. Il saggio non descriveva un modo specifico per definire la scultura, ma piuttosto iniziava una conversazione su come trovare un modo di parlare delle tendenze dell'arte plastica senza dover rigidamente definire cosa siano. Questo saggio resiste come una linea di salvezza per gli artisti sperimentali e multidisciplinari di oggi.

E nel Volume 9 di ottobre, Krauss pubblicò un saggio chiamato Grids, che è considerato da molte persone oggi uno dei saggi più importanti del XX secolo che spiega l'astrazione. Il saggio esplora la storia dell'uso delle griglie nell'arte e contempla i vari modi in cui gli artisti hanno ridotto il loro lavoro a esplorazioni della griglia. Ciò che è notevole del saggio, a mio avviso, è che, nonostante sia informato accademicamente e altamente descrittivo, è aperto e arriva a poche conclusioni. Una generalizzazione a cui Krauss arriva è l'idea che le griglie siano fondamentalmente simboliche. Ma per quanto riguarda ciò che simboleggiano, questo rimane aperto. Krauss presenta molti esempi, aprendo molte possibilità, e li supporta con esempi educati. Ma alla fine descrive molto più di quanto giudichi. E questo, per me, è il suo più grande lascito. Apre la porta a ciò che potrebbe venire dopo e consente al futuro dell'arte di svilupparsi come vuole.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, book cover

Immagine in evidenza: Rosalind Krauss, foto di Judy Olausen, c.1978

Di Phillip Park