Pat Passlof - Sei Decenni di Arte Importante

Pat Passlof mi ha fatto uno dei regali più significativi che un artista possa fare a un osservatore d'arte, oltre al dono del puro piacere sensoriale: mi ha convinto a mettere in discussione il mio stesso gusto. Il mio primo incontro con il suo lavoro (mi vergogno ad ammetterlo) è avvenuto a dicembre 2019, quando, quasi un decennio dopo la sua morte alla fine di una carriera di sei decenni, è stata inaugurata la mostra “Pat Passlof: Cinquant'anni su carta” presso il New York Studio School. Le opere in mostra hanno scosso la mia mente quando le ho viste per la prima volta. Ho percepito la loro palette di colori come fangosa e le loro composizioni disarmoniche, tanto che ho trascorso quasi nessun tempo con esse. La mia reazione è stata così negativa e così forte, in effetti, che mi ha spinto a scavare nel passato per scoprire chi fosse questa artista, cosa avesse realizzato e perché non avessi mai visto il suo lavoro prima. Ho appreso che queste opere su carta erano effettivamente destinate a essere oniriche—anche se non da incubo, forse, ma d'altra parte quella parola è relativa. Ho anche scoperto che per più di 40 anni, Passlof è stata sposata con il pittore Milton Resnick e aveva la reputazione di deviare l'attenzione da sé stessa verso suo marito. (Tuttavia, era stata presentata in più di 50 mostre, quindi la colpa del fatto che non avessi mai notato il suo lavoro prima è interamente mia.) Infine, ho appreso che per la maggior parte della sua carriera, Passlof si era concentrata sull'astrazione. Gioiosa, chiassosa, sicura di sé e cruda, l'energia innegabile dei suoi dipinti astratti mi ha ispirato a tornare indietro e dare un secondo sguardo alle opere su carta quasi figurative che avevo inizialmente visto. Quello sguardo secondario ha rivelato mondi di sfumature e maestria che avevo precedentemente trascurato. Più a lungo fissavo la pittura, più la palette attenuata si trasformava, rivelando strati luminosi di sottofondo e ampliando mondi interiori di profondità. Una volta che ho dato alle opere il tempo che meritavano, le composizioni si sono rivelate non solo armoniose, ma quasi classiche. Come la maggior parte delle persone, quasi mai torno a guardare di nuovo i dipinti che inizialmente ho rifiutato. Passlof mi ha ricordato quanto sia sciocco e di non cadere vittima della presunta autorità del mio stesso gusto.

Fuga dalla Scuola di New York

Passlof iniziò la sua carriera di pittrice come studentessa al famoso Black Mountain College, dove apprese da luminari come Josef Albers e Willem de Kooning. Molte delle sue prime opere, come “Escalator” (1948), mostrano l'inconfondibile influenza di de Kooning, con le loro superfici lavorate e raschiate, segni gestuali emotivi e forme semi-figurative. Fu de Kooning a presentare Passlof al suo futuro marito, Resnick. I due si trasferirono insieme negli anni '50, proprio mentre Passlof stava guadagnando la fiducia per allontanarsi dall'influenza dei suoi insegnanti. Più giovane e meno dogmatica rispetto alla prima generazione di espressionisti astratti, non vedeva valore nel rimanere fedele a uno stile o metodo unico. A metà degli anni '50, aveva iniziato a sviluppare un linguaggio visivo aperto e brutto, dominato dalla presenza caratteristica di innumerevoli segni di pennello impasto e ravvicinati.

Pat Passlof - Red Eye, 1959. Olio su lino. 42 x 35 pollici. La Fondazione Milton Resnick e Pat Passlof.

Oltre a svegliarsi con il crescente peso della loro influenza estetica, Passlof iniziò anche a percepire il potere che la generazione più anziana di artisti di New York, e i loro critici sostenitori, come Clement Greenberg, avevano di pregiudicare i galleristi e i curatori quando si trattava di opportunità espositive. Pertanto, a metà degli anni '50, iniziò a affermarsi come attivista dell'arte. Insieme ad artisti come Jim Dine, Louise Bourgeois e Romare Bearden, Passlof contribuì a stabilire quello che divenne noto come le Gallerie di 10th Street: una collezione di spazi espositivi gestiti da artisti che rifiutavano il tradizionale sistema delle gallerie di New York incentrato su 8th Street. Quei broker di potere—soprattutto Greenberg—lamentavano queste gallerie collettive e insultavano il lavoro: ma il lavoro non era male; segnava semplicemente la fine della loro capacità di controllare quali artisti potessero farsi notare.

Pat Passlof - Sky Pasture, 1961. Olio su lino. 68 x 144 pollici. La Fondazione Milton Resnick e Pat Passlof.

Modelli e griglie

Nel 1972, 24 anni dopo essere stata una studentessa con gli occhi spalancati al Black Mountain College, Passlof iniziò quella che divenne la sua carriera di 38 anni come professoressa d'arte alla City University of New York (CUNY) Staten Island. Amava i suoi studenti ed è stata una profonda influenza su generazioni di artisti. Le sue lettere agli studenti furono persino raccolte in un libro, intitolato Pat Passlof, To Whom the Shoe Fits: Letters to Young Painters. Solo un anno dopo aver iniziato a insegnare, Passlof si posizionò nuovamente all'avanguardia della politica espositiva quando, insieme a Ce Roser e Sylvia Sleigh, fu una delle artiste originali coinvolte nella storica mostra del 1973 Women Choose Women, che presentava le opere di 109 artiste, selezionate da una giuria interamente femminile. Lucy Lippard e gli altri organizzatori della mostra furono infamemente rifiutati da ogni grande istituzione della città, tranne che dal New York Cultural Center. Quando l'esposizione aprì, ogni pubblicazione d'arte di rilievo la recensì, creando un'attenzione che rivoluzionò la consapevolezza pubblica sulla profondità e la varietà delle voci femminili nelle arti visive.

Pat Passlof - Melone 2, 2001. Olio su lino. 60 x 48 pollici. La Fondazione Milton Resnick e Pat Passlof.

Nel corso del resto della sua carriera, Passlof continuò a spingersi per evolversi. Negli anni '90, creò un insieme di dipinti astratti, esuberanti e a motivi, intitolati a autori come Frost, Hawthorne, Thoreau e Whitman. Allo stesso tempo, stava dipingendo gouaches figurative e inquietanti come “Birches and Skulls” (1999) e “Hermes” (1996). Uno dei suoi ultimi dipinti, “Melon 2” (2011), si distingue per me come il suo apice. Una miscela magistrale e stratificata di forme biomorfiche, colori luminosi e i suoi caratteristici tratti di pennello stretti, ha un'aria così disinvolta e maestosa, sembra esistere al di fuori della storia dell'arte. Come vedi il tuo tempo è destinato a essere diverso da come i tuoi contemporanei, o le persone del futuro, vedono il tuo tempo. Puoi solo reagire di conseguenza a ciò che tu stesso percepisci come vero. Passlof rimase fedele alla propria visione di dove si collocava nel campo dell'arte, e facendo ciò creò un corpo di opere che esiste al di fuori delle tendenze. Mi sfidò a guardare oltre le mie stesse preconcezioni. Ora la vedo come una rivelazione.

Immagine in evidenza: Pat Passlof - Senza titolo, 1995-96. Olio su lino. 78 x 117 pollici. La Fondazione Milton Resnick e Pat Passlof.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park