Pat Passlof - Sei Decenni di Arte Importante

Pat Passlof mi ha fatto uno dei doni più significativi che un artista possa offrire a chi osserva l’arte, oltre al dono del puro piacere sensoriale: mi ha convinto a mettere in discussione il mio stesso gusto. Il mio primo incontro con la sua opera (sono timido ad ammetterlo) è stato nel dicembre 2019, quando, quasi un decennio dopo la sua morte al termine di una carriera di sei decenni, si è aperta la mostra “Pat Passlof: Cinquant’anni su carta” presso la New York Studio School. Le opere in mostra mi hanno turbato la mente quando le ho viste per la prima volta. Ho percepito la loro tavolozza di colori come torbida e le loro composizioni come disarmoniche, tanto che vi ho dedicato quasi nessun tempo. La mia reazione è stata così negativa e così forte, infatti, che mi ha spinto a indagare chi fosse questa artista, cos’altro avesse realizzato e perché non avessi mai visto prima le sue opere. Ho scoperto che queste opere su carta erano infatti pensate per essere oniriche—anche se forse non da incubo, ma d’altra parte quella parola è relativa. Ho anche appreso che per più di 40 anni Passlof è stata sposata con il pittore Milton Resnick, e aveva la reputazione di deviare l’attenzione da sé verso il marito. (Tuttavia, era stata presente in più di 50 mostre, quindi la colpa del fatto che non avessi mai notato le sue opere prima è interamente mia.) Infine, ho appreso che per la maggior parte della sua carriera Passlof si era concentrata sull’astrazione. Gioiose, vivaci, sicure e crude, l’energia innegabile dei suoi dipinti astratti mi ha ispirato a tornare a dare un secondo sguardo alle opere su carta quasi figurative che avevo visto inizialmente. Quel secondo sguardo ha rivelato mondi di sfumature e maestria che avevo precedentemente trascurato. Più fissavo la pittura, più la tavolozza smorzata si trasformava, rivelando strati luminosi di sottofondo e ampliando mondi interiori di profondità. Una volta che ho dato alle opere il tempo che meritavano, le composizioni si sono rivelate non solo armoniose, ma quasi classiche. Come la maggior parte delle persone, quasi mai torno a guardare di nuovo dipinti che inizialmente ho rifiutato. Passlof mi ha ricordato quanto sia sciocco questo atteggiamento e di non cadere vittima della presunta autorità del mio stesso gusto.

Fuga dalla New York School

Passlof iniziò la sua carriera pittorica come studentessa al famoso Black Mountain College, dove apprese da luminari come Josef Albers e Willem de Kooning. Molti dei suoi primi dipinti, come “Escalator” (1948), mostrano l’inconfondibile influenza di de Kooning—con le loro superfici fortemente lavorate e raschiate, segni gestuali emotivi e forme semi-figurative. Fu de Kooning a presentare Passlof al suo futuro coniuge, Resnick. I due andarono a vivere insieme negli anni ’50, proprio mentre Passlof stava acquisendo la fiducia per allontanarsi dall’influenza dei suoi insegnanti. Più giovane e meno dogmatica della prima generazione di Espressionisti Astratti, non vedeva alcun valore nel rimanere fedele a uno stile o metodo unico. A metà degli anni ’50, aveva iniziato a sviluppare un linguaggio visivo aperto e grezzo dominato dalla presenza caratteristica di innumerevoli pennellate fitte e in impasto.

Pat Passlof - Red Eye, 1959. Olio su lino. 42 x 35 pollici. The Milton Resnick and Pat Passlof Foundation.

Oltre a svegliarsi al crescente peso della loro influenza estetica, Passlof iniziò anche a percepire il potere che la generazione più anziana di artisti newyorkesi, e i loro critici sostenitori, come Clement Greenberg, avevano nel pregiudicare mercanti e curatori riguardo alle opportunità espositive. Pertanto, a metà degli anni ’50 iniziò anche ad affermarsi come attivista artistica. Insieme ad artisti come Jim Dine, Louise Bourgeois e Romare Bearden, Passlof contribuì a fondare quelle che divennero note come le Gallerie di 10th Street: una raccolta di spazi espositivi gestiti da artisti che evitavano il tradizionale sistema delle gallerie newyorkesi centrato su 8th Street. Quei detentori del potere—specialmente Greenberg—lamentavano queste gallerie collettive e insultavano le opere: ma le opere non erano cattive; segnalavano solo la fine della loro capacità di controllare quali artisti potessero emergere sulla scena.

Pat Passlof - Sky Pasture, 1961. Olio su lino. 68 x 144 pollici. The Milton Resnick and Pat Passlof Foundation.

Motivi e Griglie

Nel 1972, 24 anni dopo essere stata una studentessa dagli occhi sgranati al Black Mountain College, Passlof iniziò quella che sarebbe diventata la sua carriera di 38 anni come professoressa d’arte presso la City University of New York (CUNY) Staten Island. Amava i suoi studenti ed ebbe un’influenza profonda su generazioni di artisti. Le sue lettere agli studenti furono persino raccolte in un libro intitolato Pat Passlof, A chi calza la scarpa: lettere a giovani pittori. Solo un anno dopo aver iniziato a insegnare, Passlof si posizionò nuovamente all’avanguardia della politica espositiva quando, insieme a Ce Roser e Sylvia Sleigh, fu una delle artiste originarie coinvolte nella mostra storica del 1973 Women Choose Women, che presentava le opere di 109 artiste, selezionate da una giuria tutta al femminile. Lucy Lippard e le altre organizzatrici della mostra furono famigeratamente rifiutate da tutte le principali istituzioni della città tranne il New York Cultural Center. Quando la mostra si aprì, ogni pubblicazione d’arte di rilievo la recensì, creando un fermento che rivoluzionò la consapevolezza pubblica della profondità e della varietà delle voci femminili nelle arti visive.

Pat Passlof - Melon 2, 2001. Olio su lino. 60 x 48 pollici. The Milton Resnick and Pat Passlof Foundation.

Per il resto della sua carriera, Passlof continuò a spingersi a evolversi. Negli anni ’90, creò un corpus di dipinti astratti, vivaci e decorati, intitolati a autori come Frost, Hawthorne, Thoreau e Whitman. Allo stesso tempo, dipingeva gouache figurativi e suggestivi come “Betulle e Teschi” (1999) e “Ermes” (1996). Uno dei suoi ultimi dipinti, “Melon 2” (2011), mi appare come il suo capolavoro. Un magistrale, stratificato intreccio di forme biomorfiche, colori luminosi e le sue caratteristiche pennellate fitte, ha un’aria così spontanea e magistrale che sembra esistere al di fuori della storia dell’arte. Il modo in cui si vede il proprio tempo è destinato a essere diverso da come i contemporanei, o le persone in futuro, vedranno quel tempo. Si può solo reagire di conseguenza a ciò che si percepisce come vero. Passlof è rimasta fedele alla sua visione di dove si collocava nel campo artistico e, così facendo, ha creato un corpus di opere che esiste al di fuori delle mode. Mi ha sfidato a guardare oltre le mie stesse preconoscenze. Ora la vedo come una rivelazione.

Immagine in evidenza: Pat Passlof - Senza titolo, 1995-96. Olio su lino. 78 x 117 pollici. The Milton Resnick and Pat Passlof Foundation.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio