Navigare tra le Opere d'Arte del Regno dell'Arte Astratta Digitale

Lo sviluppo rapido della tecnologia digitale ha avuto un impatto profondo su tutti gli aspetti della nostra esistenza e l’arte difficilmente poteva sottrarsi alla sua influenza dirompente. L’arte odierna nasce con un clic del mouse - o più recentemente, con un tocco sullo schermo - mentre software e applicazioni che permettono agli artisti di creare nel regno digitale si moltiplicano a ritmo esplosivo. Grazie alla sua natura non rappresentativa e non mimetica, l’arte astratta ha tratto i maggiori benefici da questa trasformazione tecnologica senza pari. L’arte astratta digitale prospera poiché le nuove funzionalità dei software offrono una miriade di scelte estetiche affascinanti - a portata di clic. Il software è indubbiamente il fulcro centrale dell’arte astratta digitale e ha contribuito ad ampliare gli orizzonti della creatività in modo insuperabile. Mentre molti artisti fondono il digitale con la pittura tradizionale, la scultura o la fotografia, alla fine ricorrono al software per interpretare l’essenza del loro lavoro ed esplorare nuove frontiere artistiche. Photoshop, Adobe Illustrator e Corel Painter sono stati ampiamente usati da illustratori e fotografi realistici e figurativi, ma molti dei loro filtri (come Photoshop Wave) sono noti per creare una grande varietà di motivi astratti. Tuttavia, molti ritengono che solo gli algoritmi generativi possano creare autentica arte astratta (basata sul codice) e il numero crescente di strumenti, programmi, framework e linguaggi è impiegato per soddisfare questa convinzione. Su IdeelArt ospitiamo artisti che definiscono il loro lavoro come arte dei nuovi media e utilizzano le tecnologie digitali più diverse per crearlo. Questa settimana presentiamo con orgoglio cinque opere digitali astratte tra le più coinvolgenti che potete aggiungere alla vostra collezione.

Luuk de Haan - Straec 26

Parte della sua serie Straec basata su vettori, Straec 26 incarna il significato originale catturato in una parola dell’antico inglese stræc - qualcosa che è rigido dopo essere stato teso - poiché le sue immagini appaiono tese ma rigide. De Haan ha sperimentato l’idea dei vettori nella sua precedente serie di astrazione geometrica, poiché i vettori, in quanto quantità matematica, comunicano una traiettoria verso un punto nello spazio tridimensionale. Il suo processo creativo inizia scegliendo una tavolozza di colori e poi usando un software di imaging per creare rettangoli su una superficie. Questi rettangoli sono il punto di partenza da cui si addentra nella generazione di triangoli casuali e altre forme geometriche che evocano l’essenza dei vettori. Ispirato al lavoro astratto geometrico di Malevich e Mondrian, de Haan rivela con maestria la sua estetica minimalista e una composizione definita da forme geometriche sicure, linee nette, superfici lisce che risuonano vivacemente con il suo vocabolario visivo. De Haan è ampiamente celebrato per la sua espressione distintiva di composizioni geometriche realizzate con software di imaging che fotografa direttamente dallo schermo. Modifica le condizioni fisiche in cui la fotografia viene scattata, enfatizzando l’incertezza e l’elemento erratico della sorpresa che si rivela attraverso l’interazione con l’immagine digitale. Le immagini appena nate catturano l’eloquenza visiva naturale e organica così come una rigorosa esplorazione grafica di forma, colore, geometria e linea. De Haan è nato a Vlaardingen, nell’Olanda Meridionale, Paesi Bassi. È un artista visivo e progettista del suono. La sua arte visiva si basa sui mezzi della fotografia, del disegno e degli strumenti digitali per creare composizioni astratte organiche e geometriche.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Arte dei nuovi media. 100 x 72.5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Parte della più recente serie Emanations di Kane, EM-78 Vajra 3 esplora la luce come aspetto più essenziale della fotografia. Indagando visivamente la duplice ambiguità del significato della parola sanscrita vajra - un’arma mitica impugnata dal dio Indra che simboleggia sia le proprietà del diamante (indistruttibilità) sia del fulmine (forza irresistibile) - Kane scansiona l’immagine del vajra, la sfoca fino alle sue possibilità più fini e poi la allunga finché rimane solo un’immagine distillata di colore e forma. Usa meticolosamente il software per esprimere il potenziale spirituale della luce come elemento definitorio della fotografia. Per lui questo è un punto di partenza per esperienze percettive più ampie e il suo intento con la serie Emanation era tradurre un fenomeno spirituale unico in qualcosa di secolare, contemporaneo e universale. Kane è un artista multimediale americano il cui lavoro attraversa i confini della fotografia, pittura e stampa nel tentativo di esaminare l’idea di cosa sia e possa essere un’immagine. Vive e lavora in California, vicino a San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigmento su tela. 213.36 x 60.96 x 3.81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Un’altra opera di Kane che fa parte della sua più recente serie Emanations, EM2020-59 approfondisce ulteriormente le qualità della luce come elemento etereo che trasporta le proprietà materiali della fotografia nel regno metafisico/spirituale. Un’immagine scansionata di un thangka buddista - una pittura che raffigura una divinità buddista - è nuovamente sfocata e allungata, risultando in un’immagine distillata di colore e forma. Kane stampa queste immagini ridotte su carta per acquerello come rappresentazioni elementari dei corpi di luce dei Buddha che donano una benedizione a chi le osserva. Interpreta queste benedizioni come momenti di tranquillità e consapevolezza e per suscitare la stessa esperienza di pace e serenità che un osservatore vive incontrando l’arte di Rothko o Turrell. Kane è stato profondamente ispirato dall’idea che un oggetto inanimato creato con l’applicazione della tecnologia potesse donare tale sensazione a chi lo osserva.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigmento su carta per acquerello. 50.8 x 50.8 cm.

Jesús Perea - M338

Nella sua ricerca della bellezza attraverso la geometria, Perea esamina la struttura razionale che sottende la natura imprevedibile e affettiva dell’intelligenza. Stampato su Hahnemuhle photo rag, M338 incarna la manifestazione più unica di Perea di astrazione grafica. Oscilla tra illustrazione ed espressionismo sintetizzando il mondo della ragione e quello delle emozioni in una creazione digitale espressiva e persuasiva. Situato tra il geometrico e il biomorfico, emerge una bellezza matematica della natura che rivela i misteri sia della struttura sia dell’espressione. La vivacità delle sue opere digitali evoca un senso di moto costante - anche quando completate sembrano vive di potenzialità. Cerca deliberatamente immagini che si collocano tra passato e futuro; tra mondi architettonici e naturali. Nel 2018, dopo tre anni di utilizzo esclusivo del computer come strumento di composizione e creazione, ha sentito il bisogno di sperimentare nuovamente il ritmo e lo sviluppo della fusione di processi creativi manuali e digitali e M338 esemplifica il suo ritorno a mescolare i due ambiti nella sua incessante ricerca di bellezza e pura emozione. Perea è un artista astratto multidisciplinare che vive e lavora a Madrid, Spagna. Insieme a Richard Caldicott, Luuk de Haan e Pieter Bijwaard, Perea è membro del collettivo di arte astratta contemporanea Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Creazione digitale, stampata su Hahnemuhle Photo Rag da 308 gr. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bleed # 202001

L’ultima opera di Snell rivela strutture visive ritmiche e armoniose che trasportano l’osservatore nelle profondità del puro pensiero. Crea suggestioni visive che traducono la riflessione in uno stato autenticamente meditativo. Bleed # 202001 mostra il dinamismo delle relazioni cromatiche di Snell che nasce dalla combinazione degli aspetti architettonici delle sue composizioni e delle sue superfici vibranti e luminose. L’assenza di meta-semantica e rappresentazione trascina l’osservatore nel mezzo della materia estetica primordiale e tonale. In questa esperienza primordiale, l’osservatore è immerso in colore, ritmo e spazio che si aprono alla sua riflessione interpretativa, spianando così la via alla pura trascendenza. Cattura un oggetto o un luogo con una macchina fotografica tradizionale, decodifica digitalmente l’informazione visiva riducendo e semplificando colori e forme finché questi elementi ridotti si dispiegano nelle loro relazioni autoreferenziali. Questo processo di dispiegamento mappa l’ambiguità e gli stati transitori intrinseci al mezzo. Snell combina tecniche tradizionali e digitali per esplorare le possibilità dell’astrazione e del minimalismo nella foto-media contemporanea. Vive e lavora a Launceston, Tasmania.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Stampa cromogenica montata a faccia su plexiglas opaco da 3 mm. 180 x 115 cm.

Immagine in evidenza: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, vista dell’installazione.
Di Jovana Vuković