Navigare tra le Opere d'Arte del Regno dell'Arte Astratta Digitale

Lo sviluppo rapido della tecnologia digitale ha avuto un impatto profondo su tutti gli aspetti della nostra esistenza e l'arte non poteva certo essere risparmiata dalla sua influenza dirompente. L'arte di oggi emerge con un clic del mouse - o più recentemente, con un tocco sullo schermo - mentre software e app che consentono agli artisti di creare nel regno digitale proliferano a un ritmo esplosivo. Grazie alla sua natura non rappresentativa e non mimetica, l'arte astratta ha tratto i maggiori benefici da questa trasformazione tecnologica senza pari. L'arte astratta digitale sta prosperando poiché nuove funzionalità software offrono una miriade di scelte estetiche affascinanti - a pochi clic di distanza. Il software è indubbiamente il fulcro centrale dell'arte astratta digitale e ha contribuito ad espandere gli orizzonti della creatività in modo insuperabile. Mentre molti artisti mescolano il digitale con la pittura tradizionale, la scultura o la fotografia, alla fine ricorrono al software per costruire l'essenza del loro lavoro ed esplorare nuove frontiere artistiche. Mentre Photoshop, Adobe Illustrator e Corel Painter erano ampiamente utilizzati da illustratori e fotografi realistici e figurativi, molti dei suoi filtri (come Photoshop Wave) sono noti per creare un'immensa varietà di modelli astratti. Tuttavia, molti credono che solo gli algoritmi generativi possano creare arte astratta genuina (basata su codice) e il numero crescente di strumenti, programmi, framework e linguaggi è impiegato per soddisfare questa convinzione. Presso IdeelArt, ospitiamo artisti che descrivono il loro lavoro come arte dei nuovi media e utilizzano la tecnologia digitale più divergente per crearla. Questa settimana presentiamo con orgoglio cinque delle opere d'arte astratta digitale più affascinanti che puoi aggiungere alla tua collezione.

Luuk de Haan - Straec 26

Parte della sua serie basata su vettori, Straec 26 incarna il significato originale catturato in una parola dell'inglese antico stræc - qualcosa che è rigido dopo essere stato allungato - poiché le sue immagini appaiono allungate ma rigide. De Haan ha sperimentato l'idea dei vettori nella sua precedente serie di astrazione geometrica, poiché i vettori, come quantità matematica, comunicano una traiettoria verso un punto in uno spazio tridimensionale. Il suo processo creativo inizia scegliendo una palette di colori e poi utilizzando software di imaging per creare rettangoli su una superficie. Questi rettangoli sono il punto iniziale da cui si immerge nella generazione di triangoli casuali e altre forme geometriche che evocano l'essenza dei vettori. Ispirato dal lavoro astratto geometrico di Malevich e Mondrian, de Haan rivela appropriatamente la sua estetica minimalista e una composizione definita da forme geometriche sicure, linee chiare, superfici lisce che risuonano vivacemente con il suo vocabolario visivo. De Haan è ampiamente celebrato per la sua espressione distintiva nella creazione di composizioni geometriche utilizzando software di imaging che fotografa direttamente dallo schermo. Modifica le condizioni fisiche sotto le quali viene scattata la fotografia, enfatizzando l'incertezza e l'elemento erratico della sorpresa che viene rivelato attraverso l'interazione con l'immagine digitale. Le nuove immagini emergenti catturano l'eloquenza visiva naturale e organica, così come un rigoroso esplorazione grafica di forma, colore, geometria e linea. De Haan è nato a Vlaardingen, nel Sud Olanda, Paesi Bassi. È un artista visivo e designer del suono. La sua arte visiva si basa sui mezzi della fotografia, del disegno e degli strumenti digitali per creare composizioni astratte geometriche organiche.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Arte dei Nuovi Media. 100 x 72,5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Parte della serie Emanations di Kane, EM-78 Vajra 3, esplora la luce come l'aspetto più essenziale della fotografia. Indagando visivamente l'ambigua dualità del significato della parola sanscrita vajra - un'arma mitica brandita dal dio Indra che simboleggia sia le proprietà di un diamante (indistruttibilità) sia un fulmine (forza irresistibile) - Kane scansiona l'immagine di vajra, la sfoca fino alle sue possibilità più finite e poi la allunga fino a lasciare solo un'immagine distillata di colore e forma. Utilizza meticolosamente software per computer per esprimere il potenziale spirituale della luce come elemento definente della fotografia. Per lui, questo è un punto di partenza per esperienze percettive più ampie e la sua intenzione con la serie Emanation era tradurre un fenomeno spirituale unico in qualcosa di secolare, contemporaneo e universale. Kane è un artista multimediale americano il cui lavoro interseca i confini della fotografia, della pittura e della stampa nel tentativo di esaminare l'idea di cosa sia e possa essere un'immagine. Vive e lavora in California, vicino a San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigmento su tela. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Un'altra opera di Kane che fa parte della sua ultima serie Emanations, EM2020-59 esplora ulteriormente le qualità della luce come elemento etereo che trasforma le proprietà materiali della fotografia nel regno metafisico/spirituale. Un'immagine scansionata di un thangka buddista - un dipinto che rappresenta una divinità buddista - è nuovamente sfocata e allungata, risultando in un'immagine distillata di colore e forma. Kane stampa queste immagini ridotte su carta da acquerello come rappresentazioni elementari dei corpi di luce dei Buddha che conferiscono una benedizione a coloro che le osservano. Interpreta queste benedizioni come momenti di tranquillità e consapevolezza e per innescare la stessa esperienza di pace e serenità che un osservatore vive quando incontra l'arte di Rothko o Turrell. Kane è stato profondamente ispirato dall'idea che un oggetto inanimato creato dall'applicazione della tecnologia potesse conferire tale sentimento a un osservatore.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigmento su carta da acquerello. 50,8 x 50,8 cm.

Gesù Perea - M338

Nella sua ricerca della bellezza attraverso la geometria, Perea esamina la struttura razionale che sottende la natura imprevedibile e affettiva dell'intelligenza. Stampato su Hahnemuhle photo rag, M338 incarna la manifestazione più unica dell'astrazione grafica di Perea. Oscilla tra illustrazione ed espressionismo, sintetizzando il mondo della ragione e il mondo delle emozioni in una creazione digitale espressiva e persuasiva. Situata tra il geometrico e il biomorfico, emerge una bellezza matematica della natura che rivela i misteri sia della struttura che dell'espressione. La vivacità delle sue opere create digitalmente evoca un senso di movimento costante - anche quando completate sembrano essere vive di potenziale. Sta deliberatamente cercando immagini che fluttuano tra il passato e il futuro; tra i mondi architettonici e naturali. Nel 2018, dopo tre anni di utilizzo esclusivo di un computer come strumento per la composizione e la creazione, ha sentito il bisogno di rivivere il ritmo e lo sviluppo della fusione dei processi creativi manuali e digitali e M338 esemplifica il suo ritorno alla mescolanza di due regni nella sua incessante ricerca di bellezza e pura emozione. Perea è un artista astratto multidisciplinare che vive e lavora a Madrid, Spagna. Insieme a Richard Caldicott, Luuk de Haan e Pieter Bijwaard, Perea è membro del collettivo di arte astratta contemporanea Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Creazione digitale, stampata su Hahnemuhle Photo Rag da 308 gr. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bleed # 202001

Questo ultimo lavoro di Snell rivela strutture visive ritmiche e armoniose che trasportano lo spettatore nelle profondità del pensiero puro. Crea suggerimenti visivi che traducono la riflessione in uno stato autenticamente meditativo. Bleed # 202001 rivela il dinamismo delle relazioni cromatiche di Snell che nasce da una combinazione di aspetti architettonici delle sue composizioni e delle sue superfici vibranti e luminose. L'assenza di meta-semantica e rappresentazione trascina lo spettatore nel mezzo della materia estetica primordiale e tonale. In questa esperienza primordiale, lo spettatore è immerso nel colore, nel ritmo e nello spazio che si apre alla sua riflessione interpretativa, liberando così il cammino verso la pura trascendenza. Cattura un oggetto o un luogo con una macchina fotografica tradizionale, decodifica digitalmente le informazioni visive riducendo e semplificando i colori e le forme fino a quando questi elementi ridotti si dispiegano nelle loro relazioni autoreferenziali. Questo processo di dispiegamento mappa l'ambiguità e gli stati transitori intrinseci al medium. Snell combina tecniche tradizionali e digitali per esplorare le possibilità di astrazione e minimalismo nella fotografia contemporanea. Vive e lavora a Launceston, Tasmania.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Stampa cromogenica montata su plexiglass opaco da 3mm. 180 x 115 cm.

Immagine in evidenza: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, vista dell'installazione.
Di Jovana Vuković