Stripping Down the Canvas - Addio a Ron Gorchov

Durante un'intervista del 2017 con il curatore svizzero Hans Ulrich Obrist, il pittore americano Ron Gorchov (1930 - 2020) ha offerto il seguente consiglio ai giovani artisti: “Sii disperato e paziente.” L'affermazione apparentemente ossimorica racchiude perfettamente l'atteggiamento con cui Gorchov, scomparso all'inizio di questo mese, affrontava la sua pratica. Nato a Chicago nel 1930, la sua famiglia si trasferì di città in città più di una dozzina di volte durante la Grande Depressione mentre suo padre, con una mentalità imprenditoriale, cercava lavoro. Le circostanze potrebbero averli resi disperati per il denaro, ma suo padre insegnò a Gorchov a vedere il denaro come separato dallo scopo. La sua famiglia era al verde, dice Gorchov, ma mai povera. Gorchov lavorò come bagnino quando si trasferì a New York negli anni '50 e in seguito insegnò arte: lavori che gli diedero il tempo necessario per affrontare la sua arte con la pazienza che meritava. Il suo principio guida era che gli artisti dovrebbero sempre creare opere per il secolo successivo, non per il secolo in cui vivono. La sua idea per portare la pittura nel 21° secolo era di combinarla, nelle giuste quantità, con scultura e architettura. “Per me,” disse Gorchov, “l'essenza della scultura è la massa. Nell'architettura, si percepisce il volume. E la pittura enfatizza la superficie.” I dipinti “a forma di sella” per cui divenne famoso erano la sua soluzione al problema. Già nel 1949, Gorchov aveva l'idea che il mondo della pittura fosse diventato troppo attaccato all'idea del rettangolo, un attaccamento accelerato da Piet Mondrian, che Gorchov ragionava avesse esaurito la forma. Gorchov considerò varie opzioni per alterare la planarità di una tipica tela rettangolare, come posizionare una pallina da tennis dietro di essa per creare un rigonfiamento. Ci vollero 19 anni per sviluppare i “cavalletti a sella” che usò per creare le sue ora iconiche superfici pittoriche convesse e curve. Il suo primo dipinto a forma di sella, realizzato nel 1968, si intitola “Mine”—un doppio senso che fa riferimento al fatto che vedeva l'opera come unicamente sua e la considerava anche come una potenziale miniera d'oro piena di possibilità creative inesplorate.

Astratto o Concreto

La maggior parte degli spettatori considera il lavoro di Gorchov come astratto. Tuttavia, il suo gallerista John Cheim, Principal e Direttore delle Esposizioni presso la galleria Cheim & Read—che ha una reputazione distinta per aver lavorato con giganti dell'astrazione come Joan Mitchell, Milton Resnick e Louis Fishman—afferma che Gorchov non dovrebbe essere visto come totalmente astratto. "Le forme hanno una forte relazione con il lavoro di Giorgio Morandi. Gorchov non è un pittore puramente astratto così come Morandi non è puramente figurativo," dice Cheim. Il Direttore della Galleria Stephen Truax aggiunge: "Ron usava cose che vedeva e incontrava nella vita reale come ispirazione per le forme che utilizzava nelle sue astrazioni."

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, Olio su lino, 85 x 75 x 13 pollici, 215.9 x 190.5 x 33 centimetri. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Tutte le immagini delle opere sono gentilmente fornite dall'artista e da Cheim & Read, New York.

Un indizio sul contenuto emotivo delle sue opere può essere trovato nei titoli che Gorchov ha dato loro, che frequentemente fanno riferimento a miti classici o a storie di testi teologici come la Bibbia. Tuttavia, Gorchov non ha iniziato cercando di dipingere una figura o una scena particolare da un mito. Piuttosto, dipingeva in modo intuitivo e subconscio, spesso dipingendo il lato destro della tela con la mano destra e il lato sinistro con la mano sinistra. Pensava al contenuto dopo il fatto. "Quando faccio un dipinto e lo guardo," spiegò una volta Gorchov, "devo chiedermi, come mi sono sentito quando l'ho fatto? Perché ero coinvolto nella sua realizzazione, non so come mi sono sentito. Così studio il dipinto per capirlo... e cerco di trovare una storia che rispecchi come mi sono sentito." Questo dare e avere tra le cose viste nella vita, l'atto subconscio di dipingere e le analisi successive dei sentimenti mi sembra sia astratto che concreto. Mi ricorda come Jean Arp parlasse del vero significato del Dada: come l'imprevedibilità, l'insensatezza e la logica perfetta della natura espressa attraverso l'arte.

Ron Gorchov - Prometeo, 2016. Olio su lino. 49 x 65 x 10 1/2 pollici / 124,5 x 165,1 x 26,7 centimetri. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Tutte le immagini delle opere sono cortesemente fornite dall'artista e da Cheim & Read, New York.

Il Riformatore Rivoluzionario

Per me, c'è qualcosa di profondamente americano nell'opera che Gorchov ha creato. L'America è sia una cosa concreta, sia un concetto astratto, che è costantemente lacerato tra rivoluzione e riforma. Quando ha sviluppato per la prima volta i suoi strettoi a sella, Gorchov era un artista rivoluzionario, determinato a sovvertire il concetto centrale della pittura, che doveva essere realizzata su superfici rettangolari e piatte. Anche mentre stava sviluppando la sua prima tela curva, in effetti, la nozione di piattezza veniva ancora una volta esaltata dai principali critici d'arte come Clement Greenberg come l'obiettivo dell'Astrattismo Post Pittorico, l'ultima tendenza nella pittura secondo Greenberg. Eppure, dopo aver audacemente minato i sistemi strutturali dei rettangoli e della piattezza, Gorchov si è completamente impegnato nel suo nuovo sistema, ripetendolo per il resto della sua carriera, sostituendo il vecchio normale con il nuovo normale. Cosa potrebbe essere più americano che cedere agli impulsi rivoluzionari la compulsione per una riforma infinita, lavorando all'interno di sistemi appena stabiliti per creare variazioni infinitamente intriganti?

RITRATTO CON EAST JAMB Ron Gorchov nel suo studio di Brooklyn. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov EAST JAMB 1971 Olio su lino 77 x 77 x 12 1/2 pollici 195.6 x 195.6 x 31.8 centimetri © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

In verità, una volta che vedi un dipinto di Gorchov, tutti i futuri dipinti di Gorchov che incontri sono immediatamente riconoscibili come suoi. Ma questo non è un insulto. È la stessa critica che si potrebbe dare alla natura, che lavora anche all'interno dei propri sistemi speciali per creare infinite e belle variazioni. Infatti, nel contesto della sua relazione con i modi della natura, sento che Gorchov appartiene meglio alla linea di Hans Arp—un altro artista biomorfico, che era parte Dadaista, parte Surrealista e parte astrattista, ma che ha sempre definito la sua arte come concreta. Gorchov ha creato un corpo di opere che è sia cerebrale che fantasioso—completamente idiosincratico eppure immediatamente riconoscibile—e così, come Arp, credo che questo metta Gorchov in una sua categoria speciale.
Sono colpito da come Gorchov sia riuscito a raggiungere il suo principio guida originale, ricordandoci attraverso il suo esempio quanto siano importanti sia il pensare che il sentire per gli artisti che desiderano essere rilevanti non solo nel loro secolo, ma anche nel successivo.

Immagine in evidenza: RITRATTO DI AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Riprodotto con permesso.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park