Stripping Down the Canvas - Addio a Ron Gorchov

Durante un'intervista del 2017 con il curatore svizzero Hans Ulrich Obrist, il pittore americano Ron Gorchov (1930 - 2020) offrì il seguente consiglio ai giovani artisti: “Siate disperati e pazienti.” L'apparente affermazione ossimorica racchiude perfettamente l'atteggiamento con cui Gorchov, scomparso all'inizio di questo mese, affrontava la sua pratica artistica. Nato a Chicago nel 1930, la sua famiglia si trasferì da una città all'altra più di una dozzina di volte durante la Grande Depressione, mentre suo padre, con spirito imprenditoriale, cercava lavoro. Le circostanze li avevano forse resi disperati per il denaro, ma suo padre insegnò a Gorchov a considerare il denaro separato dallo scopo. La sua famiglia era al verde, dice Gorchov, ma mai povera. Gorchov lavorò come bagnino quando si trasferì a New York negli anni '50, e in seguito insegnò arte: lavori che gli diedero il tempo necessario per affrontare la sua arte con la pazienza che meritava. Il suo principio guida era che gli artisti dovessero sempre creare opere per il secolo successivo, non per quello in cui vivevano. La sua idea per far progredire la pittura nel XXI secolo era di combinarla, nelle giuste dosi, con la scultura e l'architettura. “Per me,” disse Gorchov, “l’essenza della scultura è la massa. Nell’architettura si percepisce il volume. E la pittura enfatizza la superficie.” Le tele “a sella” per cui divenne famoso erano la sua soluzione al problema. Già nel 1949, Gorchov aveva l’idea che il mondo della pittura fosse diventato troppo legato all’idea del rettangolo, un attaccamento accelerato da Piet Mondrian, che Gorchov riteneva avesse esaurito la forma. Gorchov considerò varie opzioni per modificare la piattezza di una tipica tela rettangolare, come mettere una pallina da tennis dietro per creare un rigonfiamento. Ci vollero 19 anni per sviluppare i “telaio a sella” che usò per creare le sue ormai iconiche superfici pittoriche convesse e curve. La sua prima tela a forma di sella, realizzata nel 1968, si intitola “Mine” — un doppio senso che fa riferimento al fatto che vedeva l’opera come unicamente sua, e anche come una potenziale miniera d’oro piena di possibilità creative inesplorate.

Astratto o Concreto

La maggior parte degli spettatori considera l’opera di Gorchov come astratta. Tuttavia, il suo gallerista John Cheim, titolare e direttore delle mostre della galleria Cheim & Read — che vanta una reputazione distinta per aver lavorato con giganti dell’astrazione come Joan Mitchell, Milton Resnick e Louis Fishman — sostiene che Gorchov non debba essere visto come totalmente astratto. “Le forme hanno un forte legame con l’opera di Giorgio Morandi. Gorchov non è un pittore puramente astratto, così come Morandi non è puramente figurativo,” afferma Cheim. Il direttore della galleria Stephen Truax aggiunge: “Ron usava cose che vedeva e incontrava nella vita reale come ispirazione per le forme che impiegava nelle sue astrazioni.”

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, Olio su lino, 85 x 75 x 13 pollici, 215,9 x 190,5 x 33 centimetri. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Tutte le immagini delle opere sono cortesemente concesse dall’artista e da Cheim & Read, New York.

Un indizio sul contenuto emotivo delle sue tele si trova nei titoli che Gorchov dava loro, che spesso fanno riferimento a miti classici o a storie tratte da testi teologici come la Bibbia. Tuttavia, Gorchov non iniziava cercando di dipingere una figura o una scena particolare di un mito. Piuttosto, dipingeva in modo intuitivo e subconscio, spesso dipingendo il lato destro della tela con la mano destra e il lato sinistro con la mano sinistra. Pensava al contenuto solo in un secondo momento. “Quando faccio un dipinto e lo guardo,” spiegò una volta Gorchov, “devo chiedermi come mi sono sentito mentre lo facevo? Perché ero coinvolto nella sua realizzazione, non so come mi sentivo. Quindi studio il dipinto per capirlo… e cerco di trovare una storia che rispecchi come mi sentivo.” Questo scambio tra ciò che si vede nella vita, l’atto subconscio della pittura e le successive analisi dei sentimenti mi sembra sia astratto che concreto. Mi ricorda come Jean Arp parlava del vero significato del Dada: come l’imprevedibilità, l’insensatezza e la logica perfetta della natura espressa attraverso l’arte.

Ron Gorchov - Prometeo, 2016. Olio su lino. 49 x 65 x 10 1/2 pollici / 124,5 x 165,1 x 26,7 centimetri. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Tutte le immagini delle opere sono cortesemente concesse dall’artista e da Cheim & Read, New York.

Il Riformatore Rivoluzionario

Per me, c’è qualcosa di profondamente americano nell’opera che Gorchov ha creato. L’America è sia una cosa concreta, sia un concetto astratto, costantemente divisa tra rivoluzione e riforma. Quando sviluppò i suoi telaio a sella, Gorchov era un artista rivoluzionario, determinato a sovvertire il concetto centrale secolare della pittura: che essa dovesse essere realizzata su superfici rettangolari e piatte. Anche mentre sviluppava la sua prima tela curva, infatti, l’idea di piattezza veniva nuovamente esaltata da critici d’arte di spicco come Clement Greenberg come obiettivo dell’Astrazione Post-Pittorica, l’ultima tendenza nella pittura secondo Greenberg. Eppure, dopo aver coraggiosamente minato i sistemi strutturali dei rettangoli e della piattezza, Gorchov si dedicò completamente al suo nuovo sistema, ripetendolo per tutta la sua carriera, sostituendo il vecchio normale con il nuovo normale. Cosa potrebbe essere più americano che cedere gli impulsi rivoluzionari alla spinta per una riforma senza fine, lavorando all’interno di sistemi appena stabiliti per creare variazioni infinite e intriganti?

RITRATTO CON EAST JAMB Ron Gorchov nel suo studio di Brooklyn. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov EAST JAMB 1971 Olio su lino 77 x 77 x 12 1/2 pollici 195,6 x 195,6 x 31,8 centimetri © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

Davvero, una volta vista una tela di Gorchov, tutte le future tele di Gorchov che incontrerete saranno immediatamente riconoscibili come sue. Ma questo non è un insulto. È la stessa critica che si potrebbe fare alla natura, che lavora anch’essa all’interno dei propri sistemi speciali per creare variazioni infinite e belle. Infatti, nel contesto del suo rapporto con i modi della natura, sento che Gorchov appartiene meglio alla linea di Hans Arp — un altro artista biomorfico, in parte dadaista, in parte surrealista e in parte astrattista, ma che ha sempre definito la sua arte concreta. Gorchov ha creato un corpus di opere che è sia cerebrale che giocoso — completamente idiosincratico eppure immediatamente riconoscibile — e quindi, come Arp, credo che questo ponga Gorchov in una categoria tutta sua.
Sono colpito da come Gorchov sia riuscito a realizzare il suo principio guida originale, ricordandoci attraverso il suo esempio quanto siano importanti sia il pensiero che il sentimento per gli artisti che desiderano essere rilevanti non solo nel loro secolo, ma anche in quello successivo.

Immagine in evidenza: RITRATTO DI AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Riprodotto con permesso.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio