Le Curiose Sculture di Sarah Braman

Gli oggetti Sarah Braman crea sono inquietanti. Assemblati da una gamma di prodotti di consumo trovati, materiali industriali e mezzi artistici tradizionali, sono immediatamente familiari, ma anche in qualche modo alieni. Ogni entità che Braman riesce a far esistere ci affronta come parte artefatto e parte essere: un individuo, ma anche ovviamente parte di una famiglia o specie più grande. Assemblati dai detriti visivi del nostro universo costruito, ci invitano felicemente nel loro gruppo. Le loro forme giocose ci coinvolgono con un'oggettualità antropomorfica, somigliando a miseri ma amati abitanti di qualche Isola dei Trasformatori Sbagliati. Una volta immersi nella loro presenza abbassiamo la guardia. Ed è allora che ci strappano per esporre le nostre vulnerabilità: la nostra nostalgia; il nostro materialismo; e la nostra vergogna segreta per i modi strani in cui riorganizziamo il nostro mondo in cerca di conforto. Potremmo disimpegnarci e parlare del lavoro che Braman fa in termini estetici formali, concentrandoci su elementi come geometria, colore, luce e spazio. Ma il suo successo è che il suo lavoro richiede di più. Estrae ricordi. Evoca sentimenti. Inizia conversazioni—tra spettatori, tra il presente e il passato, tra il naturale e il sintetico, tra l'oggettivo e il soggettivo, e tra il figurativo e l'astratto.

Il bottino di guerra

Il lavoro recente di Sarah Braman è tra i più raffinati. È eloquente e diretto—il prodotto di un'artista con grandi idee e una solida comprensione di come comunicarle. Guardando indietro all'inizio della sua carriera, è affascinante vedere le radici della sua estetica e le proto-manifestazioni di ciò che lei chiama i suoi “monumenti alla vita quotidiana.” Nel 2005, Braman ha partecipato a un'esposizione collaborativa chiamata Settemila anni di guerra, presso CANADA, una galleria gestita da artisti nel Lower East Side di New York. Ha contribuito con un assemblaggio scultoreo e un elemento murale collage allo spettacolo. Ha anche collaborato con il fotografo Phil Brauer spruzzando pile di neve incontrate in un parcheggio commerciale. Attraverso la sua macchina fotografica, Brauer ha contestualizzato le pile come paesaggi montani luminosi e da incubo. Sempre nell'esposizione c'erano diverse sculture completamente bianche di Aidas Bareikis che somigliavano a un'architettura a cumuli post-apocalittica reclamata dalla natura.

Il titolo dell'esposizione invita a porsi la domanda: “Quale guerra?” L'opera sembra rispondere: “La guerra tra cultura e natura.” Circa 7000 anni fa, i nostri antenati neolitici intrapresero quello che potremmo definire civilizzazione. È allora che furono inventati la ruota e il linguaggio scritto, segnando l'inizio di processi che portarono, tra le altre cose, all'accumulo di rifiuti di consumo, cartone, vernice spray, fotografia, plastica, ecc. L'opera parla certamente dell'impegno tra l'umanità e il mondo naturale. Ma nessun cinismo era evidente nel lavoro che Braman ha contribuito. Ha espresso fiducia, come se questa guerra non fosse inequivocabilmente una cosa negativa; è solo una cosa. Ciò che ne pensiamo è personale, non universale.

Settemila Anni di Guerra, 2005, Vista dell'Installazione, CANADA New York, © CANADA, Sarah Braman, Phil Brauer, Aidas Bareikis

Accumulo e Obiettività

L'estetica che Braman ha sviluppato è quella degli oggetti trovati, dell'accumulo e dell'intervento estetico. Non è affatto la stessa espressione associata agli artisti modernisti del passato che hanno sviluppato posizioni simili, come Robert Rauschenberg o Arman. Rauschenberg ha utilizzato oggetti trovati in modo tale che mantenessero la loro essenza originale. Il suo famoso Monogram, che presenta una capra con un pneumatico attorno alla pancia, esprime piena capra-ità e piena pneumatico-ità. È un assemblaggio di oggetti trovati ampiamente intervenuti, ma siamo consapevoli delle sue parti individuali. Arman, nelle sue accumulazioni, si è deliziato nella somiglianza intrinseca degli oggetti simili. Le sue accumulazioni di corni evocano solo il pensiero di corni. Le sue accumulazioni di orologi ci fanno pensare: “Orologi.”

Sarah Braman - Second Surrender, 2002, Cardboard, acrylic paint (left) and Installation View from PS1 Greater New York, 2005, MoMA PS1, © Sarah Braman

Braman realizza qualcosa di diverso con il suo lavoro. Le sue creazioni assumono personalità, come se l'unione delle loro parti fosse inevitabile; elementi che erano sempre destinati a combinarsi si sono configurati in qualcosa di nuovo. Ha un talento per esprimere il carattere dei materiali e degli oggetti, non in modo bizzarro ma semplicemente in un modo che li anima. Che si tratti di cartone, Plexiglas, parte di un'auto, un pezzo di arredamento, una porta, una tenda o un ceppo, collabora con i materiali piuttosto che imporre un punto di vista su di essi. La loro verità nascosta si manifesta. È vivace, e noi ci identifichiamo.

Sarah Braman - You Are Everything, 2016, Installation view at Mitchell-Innes & Nash, NY, © Sarah Braman, courtesy Mitchell-Innes & Nash, NY

Design emozionale

Gran parte della forza del suo lavoro deriva dalla capacità di Braman di scegliere materiali di origine che trasmettono emozione. Considera Coffin, un assemblaggio scultoreo che incorpora una sezione smembrata di un veicolo ricreazionale. Il "pezzo di camper" non evoca la stessa reazione personale in ogni spettatore, ma tocca senza dubbio un ricordo nella mente di chiunque lo veda. L'opera accoglie la contemplazione personale, mentre il suo design consente un'interpretazione oggettiva sulla base di colore, forma, luce e spazio.

Forse l'elemento più essenziale che Sarah Braman cattura nel suo lavoro è la curiosità. Ogni oggetto ci attira verso di esso. Chiede di essere esaminato. Ci offre familiarità ma poi ci chiede di guardare oltre ciò che conosciamo. Alcuni lavori permettono persino agli spettatori di arrampicarsi all'interno di essi. Abitare fisicamente una scultura rompe una barriera. Trasforma qualcosa di astratto in qualcosa di utilitario. Invita la curiosità a un altro livello suscitando domande non solo sul lavoro, ma anche su quale possa essere la natura di tutta l'arte.

Sarah Braman - Coffin, 2011, Camper chunk, steel, Plexiglas and paint, © Sarah Braman, courtesy Mitchell-Innes & Nash, NY

Immagine in evidenza: Sarah Braman - Space Talk, 2016, ceppo d'albero, acciaio e vetro, © Sarah Braman, cortesia di Mitchell-Innes e Nash
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park