L'Eredità Eterna di Jack Whitten

Jack Whitten—celebrato pittore astratto, filosofo sociale e guida culturale—è morto all'età di 78 anni. In una carriera espositiva durata più di 50 anni, Whitten ha creato un'eredità artistica basata sullo stesso principio con cui ha vissuto: cambiando la nostra percezione, possiamo creare una cultura più pacifica. In studio, era concettualmente rigoroso, esteticamente dinamico e un instancabile sperimentatore. La maggior parte degli artisti ha la fortuna di sviluppare una singola posizione visiva unica nel corso della propria carriera. Whitten ne ha sviluppate diverse. Il suo approccio era così innovativo e sperimentale che spesso lo portava a essere frainteso, anche dai suoi sostenitori. Questa realtà ha fatto sì che Whitten fosse poco apprezzato dal mercato per la maggior parte della sua vita e poco riconosciuto nella conversazione storica dell'arte. Ma la mentalità di mercanti e acquirenti d'arte ha finalmente iniziato a colmare il divario con Whitten nell'ultimo decennio e mezzo, durante il quale le sue opere sono state esposte in più di 40 mostre. La gente sta iniziando a comprendere che, nonostante la varietà di stili diversi impiegati da Whitten, ci sono molti aspetti unificanti nella sua opera. Per esempio, l'idea di strati è importante in tutto ciò che Whitten ha prodotto. Lo è anche il concetto di percezione. La luce è altrettanto importante. Così come il motivo. Questi quattro elementi si collegano a ciò che Whitten descriveva vagamente come la sua “visione del mondo”. Come spiegava, “La visione del mondo è una dichiarazione cosmica dell'essere.” La sua visione del mondo era che la luce è ciò che ci aiuta a percepire; e la percezione è ciò che ci aiuta a riconoscere i motivi; i motivi sono ciò che ci porta a formulare le nostre convinzioni; e le nostre convinzioni determinano come strutturiamo la società. Whitten sosteneva che l'arte può essere un potente agente di cambiamento, perché agisce sulla nostra percezione e può così aiutarci a creare un mondo più etico ed empatico.

L'arte è la nostra unica speranza

Whitten abbracciò per la prima volta il potenziale trasformativo dell'arte nei suoi primi vent'anni. La vedeva come un metodo per affrontare ciò che fino a quel momento era stata per lui un'esperienza orribile del mondo. Descrisse la sua crescita nel sud degli Stati Uniti in termini chiari: razzismo incessante e violenza diretti verso di lui e ogni altra persona di colore. Lasciò il suo stato natale, l'Alabama, nel 1960, a 21 anni, e non vi fece mai più ritorno. Si trasferì a New York e si iscrisse al Cooper Union. Quattordici anni dopo, le sue opere venivano celebrate in una mostra personale al Whitney Museum of American Art. Molte delle opere in quella mostra appartenevano a quella che è considerata la sua prima posizione visiva iconica: le cosiddette pitture “slab”. Per realizzare queste opere, Whitten posava le sue tele sul pavimento e spingeva la vernice su di esse con una spatola. Non appena uno strato di vernice si asciugava, ne applicava un altro, e così via. Costruiva gli strati fino a quando la superficie diventava densa e tridimensionale. Ogni colore sottostante traspariva alla fine.

Jack Whitten - Senza titolo, 1968, Pastello su carta, 28,9 × 50,2 cm, foto per gentile concessione di Allan Stone Projects, New York

Per Whitten, queste pitture erano un tentativo filosofico di aprirsi a un'alternativa oltre il suo passato violento. Erano un tentativo non tanto di scoprire ciò che è universale, quanto piuttosto di scoprire ciò che esiste oltre il sé. Credeva che la cultura fosse piena di stereotipi e che questo processo di lavoro, di lasciare che tutti i diversi colori e strati trasparissero nella composizione astratta finale, fosse un modo per distruggere le aspettative su cui quegli stereotipi si basano. Le sue pitture “slab” sono inviti a chiedersi cosa stia succedendo; a interrogarsi su come qualcosa venga creato; ad analizzare le supposizioni preesistenti; e a pensare a qualcosa di diverso da ciò che è noto. Le vedeva come un tentativo diretto di confondere il pensiero rigido. Come disse una volta, “L'arte ha il potere di abbattere le barriere erette da pensatori fondamentalisti semplici che cercano di mantenere il potere. Se i fondamentalisti hanno paura del Rosso, Giallo e Blu, allora Rosso, Nero e Verde, o Rosa e Lavanda devono far loro fare incubi!”

Jack Whitten - mostra personale alla Hauser & Wirth, New York, 26 gennaio – 8 aprile 2017, vista dell'installazione, foto per gentile concessione di Hauser & Wirth, New York

Nessuna meta, solo struttura

Non appena Whitten divenne noto per le sue pitture “slab”, abbandonò quella tecnica e iniziò a lavorare in uno stile collage, usando frammenti secchi di vernice acrilica come tessere. Con queste tessere realizzò opere che sembrano mosaici. Si rese conto che, non posando queste schegge di vernice in piano, riflettevano la luce in modo diverso, aggiungendo dimensione e vita alle opere. Questa divenne la sua successiva posizione visiva iconica. La sviluppò nel corso degli anni, arrivando infine a una tecnica per creare stampi per le sue tessere di vernice, invece di affidarsi a schegge di vernice. Chiamò queste tessere modellate “ready nows” e le usò per costruire composizioni architettoniche che ricordano muri di mattoni. Usò questa tecnica per realizzare le sue pitture “memoriali”, come 9-11-01, che commemoravano gli attacchi al World Trade Center, che lui stesso aveva visto dal suo appartamento a Tribeca. Ma anche questa tecnica, che si rivelò la più apprezzata da collezionisti e istituzioni, non fu la sua destinazione estetica finale. Continuò a sperimentare ed evolversi per tutta la vita.

Jack Whitten - mostra personale alla Hauser & Wirth, New York, 26 gennaio – 8 aprile 2017, vista dell'installazione, foto per gentile concessione di Hauser & Wirth, New York

Esistono molti luoghi comuni per affrontare la questione metafisica su cosa sia più importante nella vita: il viaggio o la meta. Whitten aveva un detto preferito, che aveva preso dal suo ex mercante Allan Stone. Diceva: “Non c'è meta.” Per Whitten, la vita esisteva su un continuum—una strada verso il nulla. Ciò che contava per lui erano i processi—processi di vedere; di pensare; di sperimentare; di creare. Nel corso della sua carriera, rimase fedele all'idea che ci fosse sempre qualcosa di nuovo ad aspettarlo dietro l'angolo. Come un musicista jazz che suona in una certa tonalità, si dava strutture di base—punti di partenza intellettuali basati su filosofie fondamentali. E da lì improvvisava. I motivi, gli strati e la luce che ci ha lasciato da ammirare ci offrono sentieri verso nuovi sistemi di percezione. Ci mostrano una via verso qualcosa di più profondo e importante del sé.

Jack Whitten - Black Monolith, II: Omaggio a Ralph Ellison L'uomo invisibile, 1994, Acrilico, melassa, rame, sale, carbone, cenere, cioccolato, cipolla, erbe, ruggine, guscio d'uovo, lametta su tela, 147,3 × 132,1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), New York

Immagine in evidenza: Jack Whitten - Cinque decenni di pittura, Gallerie Target e Friedman, 13 settembre 2015 - 24 gennaio 2016, organizzato dal Museum of Contemporary Art, San Diego

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio