L'Eredità Eterna di Jack Whitten

Jack Whitten—celebre pittore astratto, filosofo sociale e leader culturale—è morto all'età di 78 anni. In una carriera espositiva che ha coperto più di 50 anni, Whitten ha creato un'eredità artistica basata sullo stesso principio secondo cui ha vissuto: che cambiando la nostra percezione, possiamo creare una cultura più pacifica. In studio, era concettualmente rigoroso, esteticamente dinamico e un instancabile sperimentatore. La maggior parte degli artisti è fortunata a sviluppare una singola posizione visiva unica nel corso della propria carriera. Whitten ne ha sviluppate diverse. Il suo approccio era così innovativo e sperimentale che spesso lo portava a essere frainteso, anche dai suoi sostenitori. Questa realtà ha fatto sì che Whitten fosse sottovalutato dal mercato per la maggior parte della sua vita e poco riconosciuto nella conversazione storica sull'arte. Ma la mentalità dei galleristi e degli acquirenti ha finalmente iniziato a recuperare Whitten nell'ultimo decennio e mezzo, durante il quale il suo lavoro è apparso in più di 40 esposizioni. La gente sta iniziando ad apprezzare che, nonostante la gamma di stili diversi impiegati da Whitten, ci sono molti aspetti unificanti nella sua opera. Ad esempio, l'idea di strati è importante per tutto ciò che Whitten ha prodotto. Anche il concetto di percezione è fondamentale. La luce è anch'essa importante. E così è il pattern. Questi quattro elementi si collegano a ciò che Whitten descriveva vagamente come la sua “visione del mondo”. Come spiegava, “La visione del mondo è una dichiarazione cosmica dell'essere.” La sua visione del mondo era che la luce è ciò che ci aiuta a percepire; e la percezione è ciò che ci aiuta a riconoscere i pattern; i pattern sono ciò che ci porta a formulare le nostre credenze; e le nostre credenze determinano come strutturiamo la società. Whitten sosteneva che l'arte può essere un potente agente di cambiamento, perché affronta la nostra percezione e può quindi aiutarci a creare un mondo più etico ed empatico.

L'arte è la nostra unica speranza

Whitten abbracciò per la prima volta il potenziale trasformativo dell'arte nei suoi primi 20 anni. La vedeva come un metodo per affrontare quella che fino a quel momento era stata, per lui, un'esperienza orribile del mondo. Descrisse la sua crescita nel sud americano in termini chiari: razzismo e violenza incessanti rivolti verso di lui e ogni altra persona di colore. Lasciò il suo stato natale dell'Alabama nel 1960, all'età di 21 anni, e non tornò mai più. Si trasferì a New York City e si iscrisse al Cooper Union. Quattordici anni dopo, le sue opere venivano celebrate in una mostra personale al Whitney Museum of American Art. Molte delle opere in quella mostra appartenevano a quella che è considerata la sua prima posizione visiva iconica: i suoi cosiddetti dipinti "slab". Per realizzare queste opere, Whitten posava le sue tele sul pavimento e spingeva la vernice su di esse con una spatola. Non appena un strato di vernice si asciugava, ne applicava un altro, e così via. Costruì gli strati fino a quando la superficie non divenne densa e dimensionale. Ogni colore sottostante emerge alla fine.

Jack Whitten - Untitled, 1968, Pastel on paper, 11 3/8 × 19 3/4 in, 28.9 × 50.2 cm, photo credits Allan Stone Projects, New York

Per Whitten, questi dipinti erano un tentativo filosofico di superare un'alternativa al suo passato violento. Erano un tentativo non tanto di scoprire ciò che è universale, ma piuttosto di scoprire ciò che esiste al di là del sé. Credeva che la cultura fosse piena di stereotipi e che questo processo di lavoro, di lasciare che tutti i diversi colori e strati affiorassero nella composizione finale e astratta, fosse un modo per distruggere le aspettative su cui si basano quegli stereotipi. I suoi dipinti "slab" sono inviti a meravigliarsi su cosa stia accadendo; a interrogarsi su come qualcosa venga creato; ad analizzare assunzioni preesistenti; e a pensare a qualcosa di diverso da ciò che è noto. Li vedeva come un tentativo diretto di confondere il pensiero rigido. Come disse una volta, “L'arte ha il potere di abbattere le barriere erette da pensatori fondamentalisti sempliciotti che tentano di mantenere il potere. Se i fondamentalisti hanno paura del Rosso, del Giallo e del Blu, allora il Rosso, il Nero e il Verde, o il Rosa e il Lavanda devono dargli incubi!"

Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York

Nessuna Destinazione, Solo Struttura

Non appena Whitten divenne noto per i suoi dipinti "slab", abbandonò quella tecnica e iniziò a lavorare in uno stile collage, utilizzando pezzi di vernice acrilica secca come piastrelle. Usando le piastrelle, creò opere che sembrano mosaici. Si rese conto che non disponendo questi pezzi di vernice in piano, riflettevano la luce in modo diverso, aggiungendo dimensione e vita alle opere. Questo divenne la sua prossima posizione visiva iconica. Continuò a svilupparla nel corso degli anni, arrivando infine a una tecnica di creazione di stampi per le sue piastrelle di vernice, piuttosto che fare affidamento su pezzi di vernice. Chiamò queste piastrelle di vernice stampate "ready nows" e le utilizzò per costruire composizioni architettoniche che somigliano a muri di mattoni. Usò questa tecnica per realizzare i suoi dipinti "memoriali", come 9-11-01, che ha commemorato gli attacchi al World Trade Center, che ha visto dal suo appartamento a Tribeca. Ma anche questa tecnica, che si è rivelata la più popolare tra collezionisti e istituzioni, non era la sua destinazione estetica finale. Ha continuato a sperimentare ed evolversi per il resto della sua vita.

Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York

Esistono molteplici cliché per affrontare la questione metafisica di ciò che è più importante nella vita: il viaggio o la destinazione. Whitten aveva un detto preferito, che aveva preso dal suo ex rivenditore Allan Stone. Diceva: “Non c'è una destinazione.” Per Whitten, la vita esisteva su un continuum—una strada verso il nulla. Tutto ciò che contava per lui erano i processi—processi di vedere; di pensare; di sperimentare; di creare. Durante la sua carriera, è rimasto fedele all'idea che ci fosse sempre qualcosa di nuovo in attesa dietro l'angolo. Come un musicista jazz che suona in una certa tonalità, si dava delle strutture sottostanti—punti di partenza intellettuali basati su filosofie fondamentali. E da lì, improvvisava. I modelli, i livelli e la luce che ci ha lasciato per ammirare ci offrono percorsi verso nuovi sistemi di percezione. Ci mostrano una via da seguire verso qualcosa di più profondo e importante del sé.

Jack Whitten - Black Monolith, II: Homage To Ralph Ellison The Invisible Man, 1994, Acrylic, molasses, copper, salt, coal, ash, chocolate, onion, herbs, rust, eggshell, razor blade on canvas, 58 × 52 in, 147.3 × 132.1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), New York

Immagine in evidenza: Jack Whitten - Cinque decenni di pittura, Target e Friedman Galleries, 13 settembre 2015 - 24 gennaio 2016, Organizzato dal Museo d'Arte Contemporanea, San Diego

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo

Di Phillip Park