Londra per riappropriarsi del lavoro di Elaine Sturtevant, courtesy Thaddaeus Ropac

Se siete appassionati di filosofia e arte, segnatevi la data: l’opera di Elaine Sturtevant, nota professionalmente come Sturtevant, torna a Londra quest’anno con la mostra Vice Versa. In esposizione dal 23 febbraio al 31 marzo 2018 presso la Galerie Thaddaeus Ropac – Ely House, è la prima retrospettiva postuma della sua opera nel Regno Unito dalla morte di Sturtevant nel 2014. Londra era stata anche la sede dell’ultima grande retrospettiva della sua opera prima della sua scomparsa, presso le Serpentine Galleries nel 2013. Durante l’allestimento di quella mostra, Sturtevant percepì di stare mettendo in scena un capolavoro: un esempio completo e autoesplicativo di tutto ciò che aveva cercato di comunicare durante i precedenti cinquant’anni della sua carriera professionale. Una carriera segnata da continue critiche, dovute a un fraintendimento intrinseco sul significato di ciò che Sturtevant stava facendo. Dalla sua prima mostra personale nel 1964, fu costantemente derisa come una delle artiste più controverse del mondo occidentale. Questa controversia derivava dalle sue “ripetizioni”, come le chiamava lei: quasi repliche delle opere di altri artisti, realizzate nello stesso stile e con le stesse tecniche. Queste opere suscitarono un’ira quasi universale, tanto che Claes Oldenburg avrebbe minacciato Sturtevant di morte, e alcuni galleristi che rappresentavano gli artisti le cui opere lei ripeteva acquistarono e distrussero le sue opere. Da un lato, è un peccato che Sturtevant non sia più presente per difendere la sua opera: era più intelligente dei suoi critici, e le sue risposte alle loro osservazioni erano un piacere da leggere. Ma dall’altro lato, è una benedizione che Sturtevant sia andata oltre. Ora tocca a noi contemplare da soli il significato della sua opera e decidere l’entità del suo valore duraturo per la cultura.

La regolarità di tutto ciò che accade

Per comprendere l’ira che Sturtevant suscitò con le sue prime opere, bisogna considerare la cultura che circondava la sua prima mostra personale. Era il 1964 a New York. Il mondo dell’arte era dominato dal mercato artistico. Celebrità e fortune si facevano da un giorno all’altro, un fenomeno relativamente nuovo. La sua prima mostra prendeva di mira alcune delle più grandi stelle dell’arte del momento, tra cui George Segal, lo scultore pop art noto per le sue figure umane bianche e nette, e Andy Warhol, che a quel tempo era già una star internazionale. Nella sua mostra, Sturtevant ripeté le loro opere. Esibì sculture nello stile esatto di Segal e stampe floreali realizzate con la stessa tecnica che Warhol aveva usato per creare le stampe floreali che lui stesso aveva esposto poco lontano poche settimane prima.

Elaine Sturtevant - Warhol Marilyn, 1973, serigrafia in polimero sintetico e acrilico su tela, 45 x 39,5 x 4 cm, Collezione Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo

La reazione della maggior parte dei critici che videro la mostra fu di sdegno. Anche se Warhol stesso aveva preso la sua immagine floreale da una rivista, chiamarono Sturtevant una dilettante per averla ripetuta. Ciò che li lasciava particolarmente perplessi era che Warhol approvava ciò che Sturtevant faceva e le aveva effettivamente permesso di usare la stessa matrice che lui aveva usato per realizzare le sue stampe floreali. Warhol capiva cosa stava facendo Sturtevant, perché in qualche modo stava facendo la stessa cosa. Ma il pubblico generale rimase sbalordito. Alcuni chiamarono Sturtevant una falsaria; altri la difesero erroneamente, dicendo che rendeva omaggio a quegli altri artisti; altri ancora considerarono l’opera una beffa, come l’anti-arte dadaista. Pochi riconobbero la sua stessa spiegazione, che stava “pensando alla struttura sottostante dell’arte. Qual è il potere, il potere silenzioso, dell’arte?”

Elaine Sturtevant - Lichtenstein Ragazza con nastro nei capelli, 1966 - 1967, olio e acrilico su tela, 120 x 120 cm, © Archivio Sturtevant. Foto: Max Yawney

L’unità di tutto ciò che esiste

Prima di diventare artista, Sturtevant conseguì laurea triennale e magistrale in psicologia. Era una lettrice appassionata di filosofia, in particolare delle opere del suo filosofo preferito, Baruch [Spinoza]. Secondo Hans Ulrich Obrist, direttore delle Serpentine Galleries e da lungo tempo confidente dell’artista, Sturtevant lasciò incompiuto un grande progetto alla sua morte: “scrivere un libretto per un’opera sul filosofo [Spinoza].” Come Sturtevant, [Spinoza] era considerato un eretico. Nei suoi scritti, concluse audacemente che dio e natura sono uno, mente e corpo sono uno, e tutte le cose nell’universo sono connesse. Credeva che non esistesse alcun intervento divino nella vita umana, e che la gerarchia dell’autorità terrena che presumibilmente deriva dall’autorità divina fosse quindi falsa. Poiché tutti proveniamo dalla stessa fonte — un essere stoico, razionale, disinteressato, dio-natura — riteneva che siamo tutti uguali nelle nostre capacità e potenzialità. Propose inoltre che esista una regolarità e prevedibilità in tutte le cose che accadono — il che significa che ogni evento è una ripetizione di innumerevoli eventi che lo hanno preceduto, e una premonizione di innumerevoli altri eventi ripetitivi che devono ancora venire.

Elaine Sturtevant - Johns Flag, 1966, collage e encausto su tela, 34 x 44,2 cm, Collezione Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo

Quando guardo l’opera di Sturtevant attraverso la lente di quelle filosofie, la vedo come un’affermazione definitiva che noi, come i contemporanei di [Spinoza], abbiamo riposto la nostra fede nelle cose sbagliate. [Spinoza] diceva alla gente di non cercare aiuto divino, ma piuttosto di abbracciare l’etica e la razionalità, e di capire che sono parte della natura. Sturtevant ci diceva di non riporre fede nell’arte o in chi la crea. Dimostrava che un dipinto, un film o una scultura, e i processi da cui emergono, non sono diversi da una foglia, una lama d’erba o un fiocco di neve, e dai processi da cui emergono. Anche se hanno differenze superficiali, non sono del tutto unici. Sono lievi variazioni della stessa cosa, rifatte più e più volte, dall’inizio del tempo fino alla fine del tempo. Venerare artisti o opere d’arte come se avessero un potere intrinseco è sciocco, e credere nella totale originalità è come aspettare Godot. Ma come mostrerà questa prossima mostra, Vice Verso, Sturtevant non ci stava prendendo in giro, né prendeva in giro l’arte. Stava sottolineando che dovremmo godere, apprezzare e celebrare l’arte per quello che è. Ma per farlo, dobbiamo sforzarci di più per comprenderne la natura e per comprendere noi stessi.

Elaine Sturtevant - Pac Man, 2012, videocamera HD - nastro metallico, video con una telecamera, installato su schermo piatto, durata: 1'15'', edizione 2 di 5, 2AP, © Archivio Sturtevant, Parigi

Immagine in evidenza: Elaine Sturtevant - Warhol Silver Clouds, 1987, Mylar ed elio, 88,5 x 126,2 cm, © Archivio Sturtevant, Parigi

Tutte le immagini sono cortesemente fornite da Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo, tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio