Il Lato Femminile del Minimalismo da Thaddaeus Ropac

Ogni anno, varie mostre sostengono di annunciare opere di artiste emarginate ingiustamente escluse dal canone storico. Spesso, le artiste sono in realtà affermate, solo non “famose”, e le opere difficilmente giustificano una revisione della storia. Il Lato Femminile del Minimalismo presso la sede londinese di Ely House di Thaddaeus Ropac è un’eccezione notevole alla formula abituale. Presentando più di 70 opere datate dagli anni ’20 fino agli anni 2000, di un gruppo internazionale e intergenerazionale di 13 artiste, la curatela amplia con cura la comprensione generale del Minimalismo mettendo in luce molteplici artiste le cui carriere arricchiscono il movimento in modi inaspettati. La selezione di opere include dipinti, disegni, video, fotografie, sculture e rilievi, dimostrando il vasto campo di sperimentazione coltivato da queste artiste. Sebbene non tutte le artiste in mostra rientrino perfettamente nella definizione di Minimalismo, la conversazione che la loro inclusione avvia vale sicuramente la pena. Originariamente prevista fino al 18 dicembre 2020, la mostra è attualmente chiusa a causa delle restrizioni COVID-19 vigenti nel Regno Unito. Nel frattempo, ecco una presentazione di otto delle artiste in mostra, le cui opere troviamo particolarmente coinvolgenti.

Mary Miss

Co-fondatrice della rivista Heresies, Mary Miss non è spesso considerata nel contesto della storia Minimalista. Il suo lavoro è più familiare a chi segue la Land Art e l’Arte Femminista. Le sue preoccupazioni plastiche ruotano spesso attorno all’elegante idea di creare un’esperienza simultanea di piattezza e spazio. Essendo la prima artista menzionata nel saggio fondamentale del 1979 Sculpture in the Expanded Field, di Rosalind Krauss, Miss è tutt’altro che anonima. Questa mostra, tuttavia, la colloca in un contesto che aggiunge una dimensione rinfrescante alla sua pratica.

Mary Miss - Rilievo, 1968. Acciaio e filo. 41 x 635 cm (16,14 x 250 in). Cortesia Mary Miss e Galerie Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Mary Miss Foto: Charles Duprat

Maria Lai

Quando morì nel 2012, l’artista sarda Maria Lai era ancora in gran parte sconosciuta fuori dalla sua terra natale. Nel 2017, ciò cambiò quando la sua opera fu presentata sia alla Biennale di Venezia che alla Documenta. Un’altra artista non normalmente associata al Minimalismo, Lai creò opere che collegavano sensibilità materiali con memoria, storia ed esperienze collettive. La sua opera più nota fu una performance del 1981 chiamata Legare la Montagna, in cui cittadini di ogni età aiutarono a far passare un unico nastro blu attraverso l’intera città di Ulassai. Considerata in termini di linea e colore, fu certamente un’opera minimalista. Considerata nel suo impatto più ampio, condivide un’eredità che va dal movimento Neo Concreto al Fluxus fino all’Arte della Pratica Sociale.

Maria Lai - Spazio e Telaio, 1971. Legno, corda, tela, tempera. 197 x 70 x 30 cm (77,56 x 27,56 x 11,81 in). Cortesia Galerie Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Archivio Maria Lai by SIAE 2020 Foto: Bani

Magdalena Wiecek

Fuori dai musei nella sua patria polacca, le opere di Magdalena Wiecek sono difficili da vedere di persona. La sua pratica si fondava su un’esplorazione umanista delle forme e delle relazioni. Più legata all’astrazione organica e biomorfa che al Minimalismo, la sua produzione include comunque numerosi oggetti — da piccole sculture a installazioni monumentali — che esplorano le semplici preoccupazioni spaziali e geometriche dell’arte minimalista. Di particolare rilievo è la selezione di piccole sculture in ottone incluse in Il Lato Femminile del Minimalismo presso Thaddaeus Ropac, che toccano non solo questioni formaliste, ma suggeriscono anche temi metafisici come l’introspezione e il sé ombra.

Magdalena Wiecek - Volatile I, 1970. Ottone. 65 x 30 x 54 cm (25,59 x 11,81 x 21,26 in). Cortesia Patrimonio di Magdalena Więcek e Galerie Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Patrimonio di Magdalena Więcek

Lolo Soldevilla

Quasi completamente sconosciuta fuori dalla sua Cuba natale, Loló Soldevilla fu una delle figure chiave di un piccolo collettivo d’avanguardia di artisti Concreti attivo a L’Avana a metà del XX secolo. Morì nel 1971, all’età di 70 anni, lasciando un meraviglioso corpus di rilievi, dipinti e disegni che esprimono con leggerezza preoccupazioni spaziali e geometriche. Il suo lavoro era particolarmente orientato a fini costruttivi piuttosto che puramente plastici. Includerla in questa conversazione sul Minimalismo amplia la prospettiva sia per lei che per il movimento.

Lolo Soldevilla - Composizione, 1954. Strutture xilografiche su legno. 45,7 x 94 cm (18 x 37 in). © Patrimonio di Lolo Soldevilla Foto: Charles Duprat

Ana Sacerdote

Per me, l’artista argentina Ana Sacerdote, novantacinquenne, è la rivelazione più gratificante de Il Lato Femminile del Minimalismo. Un dipinto e un film di Sacerdote sono inclusi nella mostra. Il film, realizzato negli anni ’60, è una semplice animazione di forme geometriche colorate. Si relaziona in modo sublime con il dipinto, che lei creò quasi un decennio prima. Il suo lavoro dialoga perfettamente con l’estetica minimalista, pur rivendicando un posto nei mondi dell’Arte Cinetica, dell’Arte Informatica, dell’Arte Video e dell’Arte Neo-Concreta.

Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1953. Olio su tela. 85 x 65 cm (33,46 x 25,59 in). Cortesia Fondazione Verena Loewensberg e Galerie Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Fondazione Verena Loewensberg Foto: Charles Duprat

Verena Loewensberg

L’artista svizzera Verena Loewensberg è stata un’altra rivelazione per me in questa mostra. Le sue composizioni tranquille e colorate possono facilmente essere collocate nella discendenza di icone minimaliste come Agnes Martin, eppure sono anche vivaci e brillanti abbastanza da offrire un ponte estetico intrigante che collega artisti del Bauhaus come Mondrian e Albers con movimenti come la Pop Art e l’Astrazione Post-Pittorica.

Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1963. Olio su tela. 61 x 61 cm (24,02 x 24,02 in). Cortesia Fondazione Verena Loewensberg e Galerie Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Fondazione Verena Loewensberg Foto: Charles Duprat

Shizuko Yoshikawa

L’artista giapponese Shizuko Yoshikawa condivide molto con Verena Loewensberg in termini di colore e composizione, ma ha portato il suo lavoro in direzioni sottilmente uniche, specialmente per quanto riguarda i suoi rilievi. Basandosi su semplici griglie, ha creato superfici tridimensionali che coinvolgono luce e ombra per trasformare una tavolozza altrimenti monocromatica in campi apparentemente luminosi e illusori. Insieme ai rilievi, ne Il Lato Femminile del Minimalismo sono inclusi diversi studi geometrici che offrono uno sguardo sulla intensa ricerca di Yoshikawa riguardo alla geometria e alle relazioni cromatiche.

Shizuko Yoshikawa - farbschatten 89/ 3x4, 1979—1980. Lacca e acrilico su poliestere. 75 x 100 cm (29,53 x 39,37 in). Cortesia Fondazione Shizuko Yoshikawa e Joseph Müller-Brockmann e Galerie Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Fondazione Shizuko Yoshikawa e Joseph Müller-Brockmann Foto: Charles Duprat

Rosemarie Castoro

L’artista americana Rosemarie Castoro è forse l’inclusione più controversa ne Il Lato Femminile del Minimalismo. Castoro disse specificamente una volta: “Non sono una minimalista. Sono una massima.” Le sue preoccupazioni erano in gran parte concettuali piuttosto che formali, e il suo lavoro si estendeva in diversi campi, tra cui disegno, scultura e installazione. Ciò che potrebbe essere considerato minimalista nel suo lavoro è il suo linguaggio visivo generale, che ruotava attorno a tavolozze monocromatiche, composizioni lineari e talvolta forme geometriche. Tuttavia, altrettanto spesso, si addentrava in un mondo inquietante e straniante di forme organiche evocative della natura e del corpo umano. A differenza di alcune delle altre estensioni teoriche in questa mostra, definire Castoro una minimalista sembra in realtà togliere qualcosa a ciò che cercava di fare. Eppure, c’è anche qualcosa di essenzialmente riduttivo, o forse deduttivo, nella poesia che emerge in tutte le sue opere, quindi se riduzione e deduzione stanno al cuore dell’estetica minimalista, Castoro vi appartiene.

Rosemarie Castoro - Sept 68, 1968. Grafite su carta. Motivo 33,66 x 38,1 cm (13,25 x 15 in) Carta 66,04 x 48,9 cm (26 x 19,25 in) Cornice 65,41 x 69,85 x 4,45 cm (25,75 x 27,5 x 1,75 in). © Patrimonio di Rosemarie Castoro. Cortesia Anke Kempkes Art Advisory Foto: Charles Duprat

Immagine in evidenza: Lolo Soldevilla - Senza titolo, 1954. Tecnica mista su legno. 46 x 72,1 cm (18,125 x 28,375 in). © Patrimonio di Lolo Soldevilla
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio