Il Lato Femminile del Minimalismo da Thaddaeus Ropac

Ogni anno, varie esposizioni affermano di annunciare opere di artisti emarginati ingiustamente esclusi dal canone storico. Spesso, gli artisti sono in realtà di successo, solo non "famosi", e le opere difficilmente valgono la pena di modificare la storia. Il Lato Femminile del Minimalismo presso la sede di Thaddaeus Ropac a Londra, Ely House, è una notevole eccezione alla formula abituale. Presentando oltre 70 opere che vanno dagli anni '20 ai 2000, di un roster internazionale e intergenerazionale di 13 artiste, la curatela espande in modo riflessivo la comprensione generale del Minimalismo mettendo in luce più artisti le cui carriere arricchiscono il movimento in modi inaspettati. La selezione di opere include dipinti, disegni, video, fotografie, sculture e rilievi, dimostrando l'ampio campo di sperimentazione che queste artiste hanno coltivato. Anche se non tutte le artiste della mostra si inseriscono perfettamente nella definizione di Minimalismo, la conversazione che la loro inclusione avvia è sicuramente degna di essere affrontata. Inizialmente prevista per estendersi fino al 18 dicembre 2020, l'esposizione è attualmente chiusa a causa delle restrizioni COVID-19 in vigore nel Regno Unito. Nel frattempo, ecco le introduzioni a otto delle artiste presenti nella mostra, le cui opere troviamo particolarmente coinvolgenti.

Maria signorina

Un'editoria fondatrice della rivista Heresies, Mary Miss non è spesso considerata in termini di storia Minimalista. Il suo lavoro è più familiare ai seguaci dell'Arte Ambientale e dell'Arte Femminista. Le sue preoccupazioni plastiche ruotano frequentemente attorno all'elegante nozione di creare l'esperienza simultanea di piattezza e spazio. Essendo la prima artista menzionata nel fondamentale saggio del 1979 Sculpture in the Expanded Field, di Rosalind Krauss, Miss è tutto tranne che anonima. Questa esposizione, tuttavia, la colloca in un contesto che aggiunge una dimensione rinfrescante alla sua pratica.

Mary Miss - Relief, 1968. Acciaio e filo. 41 x 635 cm (16,14 x 250 in). Cortesia di Mary Miss e Galerie Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Mary Miss Foto: Charles Duprat

Maria Lai

Quando morì nel 2012, l'artista sarda Maria Lai era ancora in gran parte sconosciuta al di fuori della sua terra natale. Nel 2017, questo cambiò quando il suo lavoro fu presentato sia alla Biennale di Venezia che alla Documenta. Un'altra artista normalmente non associata al Minimalismo, Lai creò opere che collegavano sensibilità materiali con memoria, storia ed esperienze comuni. La sua opera più conosciuta fu una performance del 1981 chiamata To Bind the Mountain, in cui cittadini dai bambini agli anziani aiutarono a far passare un unico nastro blu attraverso l'intera città di Ulassai. Considerata in termini di linea e colore, era certamente un'opera minimalista. Considerata in termini del suo impatto più ampio, condivide un'eredità con tutto, dal movimento Neo Concreto a Fluxus fino all'Arte della Pratica Sociale.

Maria Lai - Spazio e Telaio, 1971. Legno, corda, tela, tempera. 197 x 70 x 30 cm (77,56 x 27,56 x 11,81 in). Cortesia della Galerie Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Archivio Maria Lai by SIAE 2020 Foto: Bani

Magdalena Wiecek

Al di fuori dei musei nella sua patria polacca, le opere di Magdalena Wiecek sono difficili da vedere di persona. La sua pratica era radicata in un'esplorazione umanista delle forme e delle relazioni. Più legata all'astrazione organica e biomorfica che al minimalismo, la sua opera includeva comunque un certo numero di oggetti—dalle piccole sculture alle installazioni monumentali—che esplorano le semplici preoccupazioni spaziali e geometriche dell'arte minimalista. Di particolare rilievo è la selezione di piccole sculture in ottone incluse in The Female Side of Minimalism presso Thaddaeus Ropac, che toccano non solo questioni formaliste, ma accennano anche a problemi metafisici come l'introspezione e il sé ombra.

Magdalena Wiecek - Volatile I, 1970. Ottone. 65 x 30 x 54 cm (25,59 x 11,81 x 21,26 in). Cortesia dell'Eredità di Magdalena Wiecek e della Galerie Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Eredità di Magdalena Wiecek

Lolo Soldevilla

Quasi completamente sconosciuta al di fuori della sua nativa Cuba, Loló Soldevilla è stata uno dei membri chiave di un piccolo collettivo avanguardistico di artisti del Concreto che operava a L'Avana a metà del XX secolo. Morì nel 1971, all'età di 70 anni, lasciando dietro di sé un meraviglioso corpus di rilievi, dipinti e disegni che esprimono in modo fantasioso preoccupazioni spaziali e geometriche. Il suo lavoro era particolarmente orientato verso fini costruttivi piuttosto che puramente plastici. Includerla in questa conversazione attorno al Minimalismo sembra espansivo sia per lei che per il movimento.

Lolo Soldevilla - Composizione, 1954. Strutture in legno intagliato su legno. 45,7 x 94 cm (18 x 37 in). © Eredità di Lolo Soldevilla Foto: Charles Duprat

Anna Sacerdote

Per me, l'artista argentina di 95 anni Ana Sacerdote è la rivelazione più gratificante in The Female Side of Minimalism. Un dipinto e un film di Sacerdote sono inclusi nella mostra. Il film, realizzato negli anni '60, è una semplice animazione di forme geometriche colorate. Si relaziona sublimemente con il dipinto, che ha creato quasi un decennio prima. Il suo lavoro conversa perfettamente con l'estetica minimalista, mentre rivendica anche terreno nei mondi dell'Arte Cinetica, dell'Arte Computerizzata, dell'Arte Video e dell'Arte Neo-Concreta.

Verena Loewensberg - Senza titolo, 1953. Olio su tela. 85 x 65 cm (33,46 x 25,59 in). Cortesia della Verena Loewensberg Foundation e della Galerie Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Verena Loewensberg Foundation Foto: Charles Duprat

Verena Loewensberg

L'artista svizzera Verena Loewensberg è stata un'altra rivelazione per me in questa esposizione. Le sue composizioni silenziose e colorate possono facilmente essere collocate nella linea di icone minimaliste come Agnes Martin, eppure sono anche vivaci e pop abbastanza da offrire un intrigante ponte estetico che collega artisti del Bauhaus come Mondrian e Albers con movimenti come la Pop Art e l'Astrazione Post-Pittorica.

Verena Loewensberg - Senza titolo, 1963. Olio su tela. 61 x 61 cm (24,02 x 24,02 in). Cortesia della Verena Loewensberg Foundation e della Galerie Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Verena Loewensberg Foundation Foto: Charles Duprat

Shizuko Yoshikawa

L'artista giapponese Shizuko Yoshikawa condivide molto in comune con Verena Loewensberg in termini di colore e composizione, ma ha portato il suo lavoro in direzioni sottilmente uniche, specialmente quando si tratta delle sue rilievi. Basati su semplici griglie, ha creato superfici dimensionali che coinvolgono luce e ombra per trasformare una palette altrimenti monocromatica in campi apparentemente luminosi e illusori. Inclusi insieme ai rilievi in The Female Side of Minimalism ci sono diversi studi geometrici che offrono un'idea dell'intensa ricerca che Yoshikawa ha fatto sulle relazioni tra geometria e colore.

Shizuko Yoshikawa - farbschatten 89/ 3x4, 1979—1980. Lacca e acrilico su poliestere. 75 x 100 cm (29,53 x 39,37 in). Cortesia della Fondazione Shizuko Yoshikawa e Joseph Müller-Brockmann e della Galleria Thaddaeus Ropac, Londra · Parigi · Salisburgo © Fondazione Shizuko Yoshikawa e Joseph Müller-Brockmann Foto: Charles Duprat

Rosemarie Castoro

L'artista americana Rosemarie Castoro è forse l'inclusione più controversa in The Female Side of Minimalism. Castoro ha specificamente detto una volta: “Non sono una minimalista. Sono un Maximus.” Le sue preoccupazioni erano per lo più concettuali piuttosto che formali, e il suo lavoro si estendeva in diversi campi, tra cui disegno, scultura e installazione. Ciò che potrebbe essere considerato minimalista nel suo lavoro è il suo linguaggio visivo generale, che si centrava su palette di colori monocromatici, composizioni lineari e a volte forme geometriche. Tuttavia, altrettanto spesso, si immergeva in un mondo inquietante e strano di forme organiche evocative della natura e del corpo umano. A differenza di alcune delle altre estensioni teoriche in questa esposizione, chiamare Castoro una minimalista sembra in realtà togliere qualcosa a ciò che stava cercando di fare. Eppure, c'è anche qualcosa di essenzialmente riduttivo, o deduttivo forse, nella poesia che emerge in tutto il suo lavoro, quindi se la riduzione e la deduzione sono al cuore dell'estetica minimalista, Castoro appartiene.

Rosemarie Castoro - Set 68, 1968. Grafite su carta. Motivo 33,66 x 38,1 cm (13,25 x 15 in) Carta 66,04 x 48,9 cm (26 x 19,25 in) Cornice 65,41 x 69,85 x 4,45 cm (25,75 x 27,5 x 1,75 in). © L'eredità di Rosemarie Castoro. Cortesia di Anke Kempkes Art Advisory Foto: Charles Duprat

Immagine in evidenza: Lolo Soldevilla - Senza titolo, 1954. Tecnica mista su legno. 46 x 72,1 cm (18,125 x 28,375 in). © Eredità di Lolo Soldevilla
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park