Le sculture umane di Jonathan Borofsky

Quando iniziò la sua carriera artistica negli anni '60, Jonathan Borofsky aspirava a trovare un modo per unire il Minimalismo con la Pop Art; per fondere nozioni essenzialmente astratte come purezza e semplicità con un linguaggio visivo che potesse avere un'ampia attrattiva. Nel corso degli anni, Borofsky è passato attraverso numerosi corpi di lavoro distinti nella ricerca di questo obiettivo sfuggente. Un'idea che ha perseguito era legata ai numeri, che lui sente avere una sorta di potere quasi spirituale: collegano persone, luoghi e cose in modi concreti e determinano ogni aspetto dei regni fisico e metafisico. Per anni, Borofsky ha annotato il suo conteggio crescente ogni giorno e ha realizzato diverse opere d'arte che semplicemente indicavano il numero su cui si trovava in un dato momento. Ha firmato altre opere d'arte che sembravano altrimenti non correlate ai numeri non con la sua firma, ma con il suo conteggio numerico dal giorno in cui l'opera è stata completata. Oltre alla sua serie di numeri, Borofsky ha creato un corpo di lavoro basato su semplici dichiarazioni testuali realizzate su superfici bidimensionali, come cartelli. Un altro corpo di lavoro ha ricreato immagini e oggetti che Borofsky ha visto nei suoi sogni. Ognuno di questi esperimenti ha toccato variamente nozioni di astrazione e figurazione. Ognuno a modo suo era sia altamente concettuale che completamente letterale. Eppure nessuno ha veramente raggiunto ciò che desiderava – un'incarnazione del Minimalismo e della Pop Art che potesse essere compresa istantaneamente. Borofsky ha finalmente raggiunto il suo obiettivo concentrandosi su quello che è forse il soggetto più umile immaginabile: la forma umana. Iniziando con sculture di piccole dimensioni per gallerie, passando a installazioni complesse con centinaia di forme umane, per poi espandersi nel regno pubblico, Borofsky ha creato un enorme corpo di sculture umane. Molti degli spettatori che incontrano queste sculture le leggono come opere figurative dirette, eppure, in adempimento della sua ambizione, molti altri trovano in esse anche qualità che rivelano i vasti e complessi misteri del mondo invisibile.

Essenza Materiale e Pittorica

Uno dei modi più ovvi in cui Borofsky ha unificato i metodi del Minimalismo con quelli della Pop Art è stato quello di dotare le sue sculture umane di un'essenza materiale concisa. I materiali e i processi sono aspetti chiave dell'etica minimalista. Artisti come Donald Judd apprezzavano materiali industriali come metallo, plastica e cemento per le loro qualità impersonali, che per loro natura rifiutavano la virtuosità mascherando la "mano dell'artista". I processi industriali sono anche preferiti dagli artisti minimalisti perché democratizzano l'arte. Invece di un'opera d'arte idolatrata per la sua rarità, può essere apprezzata per il fatto che potrebbe essere riprodotta all'infinito - una vera riflessione dell'Età Moderna. Insieme alla sconfitta della virtuosità e della rarità, il Minimalismo promuove anche la semplicità, cercando di raggiungere la purezza attraverso l'eliminazione dei dettagli superflui. Anche se le sue sculture umane assumono una vasta gamma di qualità fisiche e visive, Borofsky si prende sempre cura di scegliere materiali e processi industriali e di semplificare le sue forme, assicurando che l'opera esprima quei tre ideali minimalisti: democrazia, abbondanza e purezza.

Jonathan Borofsky - Uomo che cammina, alto 17 metri, struttura interna in acciaio con guscio esterno in fibra di vetro. Installazione permanente, edificio Munich Re, Monaco, Germania, 1995. © Jonathan Borofsky

Una differenza essenziale tra Pop Art e Minimalismo è che gli artisti minimalisti tendono quasi esclusivamente a creare opere non narrative e non figurative, mentre gli artisti pop tendono a fare esattamente l'opposto, prendendo spudoratamente contenuti narrativi e figurativi direttamente dalla cultura popolare. In modo molto generale, la figura umana può essere considerata l'esempio definitivo di soggetto culturale appropriato. Ma Borofsky non si ferma qui. Per le sue sculture umane, cerca manifestazioni particolari della figura umana che si relazionano alla cultura popolare in altri modi, aggiungendo strati all'opera che si riferiscono non solo all'umanità in generale, ma a momenti umani specifici. Spesso, gli elementi più narrativi nell'opera rivelano gli aspetti più nascosti e, a volte, più cinici della natura umana. Ad esempio, una scultura umana che ha installato a Los Angeles fa riferimento ad atleti che si abbracciano dopo una partita. Parte della serie "Molecule Men", la scultura presenta centinaia di fori perforati attraverso le forme. Un critico l'ha interpretata in modo crudo come un monumento agli omicidi avvenuti durante la guida, vedendo i fori come fori di proiettile e assumendo che il metallo scurito fosse una dichiarazione sulla razza.

Jonathan Borofsky - Torre delle Persone. Alta 20 metri, acciaio verniciato. Installazione permanente, Parco Olimpico, Pechino, Cina, 2008. © Jonathan Borofsky

Tutto sulle relazioni

In alcuni aspetti, con le sue sculture umane, si potrebbe dire che Borofsky stia imitando, o almeno cercando di imitare, l'intero spettro della potenzialità umana. Anche quando mette in evidenza un atto umano specifico, come nelle sue sculture "Hammering Man" che mostrano una persona impegnata nell'atto quotidiano del lavoro manuale, riesce a evocare entrambi gli estremi dello spettro della cultura umana. In un senso materiale, l'"Hammering Man" è estremamente austero. Tuttavia, in termini di scala e potenziali ramificazioni politiche, è potenzialmente ostentato. Presentando la combinazione di entrambi gli estremi all'interno del contenitore della figura umana, Borofsky invita gli spettatori a speculare non solo su cosa sia la scultura, ma su cosa sia per loro. Questa ampia dichiarazione sociale risuona con le parole di Walt Whitman: "Io contengo moltitudini."

Jonathan Borofsky - Hammering Man, Seattle Art Museum. © Jonathan Borofsky

Ciò che è più affascinante è come gli elementi che sono i più astratti nelle Sculture Umane spesso finiscono per influenzare di più il racconto pubblico che si evolve attorno all'opera. Nel caso della scultura di Los Angeles menzionata in precedenza, il colore e la forma – due degli elementi più astratti del pezzo – sono diventati più importanti della vera storia dietro l'opera. Nel frattempo, altre opere, come quelle nella serie “Persone che camminano verso il cielo”, presentano enormi pali diagonali argentati con piccole forme umane che camminano verso l'alto su di essi. Il soggetto narrativo è facilmente relazionabile, ma ciò che conferisce all'opera la sua potenza e presenza sono le sue forti qualità lineari e la sua finitura metallica. Questi aspetti definiscono la relazione dell'opera con l'architettura circostante. Definiscono anche la sua relazione con gli spettatori, poiché ci rendiamo conto che ciò che stiamo realmente osservando è un riflesso di noi stessi. Siamo noi a percorrere un terreno che è facilmente descrivibile mentre marciamo felicemente verso l'ignoto.

Immagine in evidenza: Jonathan Borofsky - Strutture Umane e la Luce della Coscienza. Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park - 30 gennaio - 10 maggio 2009. © Jonathan Borofsky
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park