Le sculture umane di Jonathan Borofsky

Quando iniziò la sua carriera artistica negli anni Sessanta, Jonathan Borofsky aspirava a trovare un modo per unificare il Minimalismo con la Pop Art; fondere nozioni essenzialmente astratte come purezza e semplicità con un linguaggio visivo che potesse avere un ampio richiamo popolare. Nel corso degli anni, Borofsky ha attraversato numerosi cicli di opere distinti alla ricerca di questo obiettivo sfuggente. Un’idea che ha perseguito riguardava i numeri, che egli ritiene possiedano una sorta di potere quasi spirituale: essi collegano persone, luoghi e cose in modi concreti e determinano ogni aspetto dei regni fisico e metafisico. Per anni, Borofsky annotava quotidianamente il suo conteggio crescente e realizzò diverse opere che semplicemente indicavano il numero a cui era giunto in un dato momento. Firmava altre opere, apparentemente non correlate ai numeri, non con la sua firma, ma con il suo conteggio numerico del giorno in cui l’opera era stata completata. Oltre alla sua serie numerica, Borofsky creò un corpus di opere basate su semplici dichiarazioni testuali su superfici bidimensionali, come cartelli. Un altro ciclo di opere ricreava immagini e oggetti visti da Borofsky nei suoi sogni. Ognuno di questi esperimenti toccava in modo diverso le nozioni di astrazione e figurazione. Ognuno a suo modo era sia altamente concettuale che del tutto letterale. Eppure nessuno raggiunse veramente ciò che desiderava – un’incarnazione del Minimalismo e della Pop Art che potesse essere compresa istantaneamente. Borofsky infine raggiunse il suo scopo concentrandosi su ciò che forse è il soggetto più modesto immaginabile: la forma umana. Partendo da sculture di piccole dimensioni per gallerie, passando a installazioni complesse con centinaia di figure umane, per poi espandersi infine nel dominio pubblico, Borofsky ha creato un vasto corpus di sculture umane. Molti spettatori che incontrano queste sculture le leggono come opere figurative dirette, eppure, in adempimento della sua ambizione, molti altri vi trovano qualità che rivelano gli ampi e complessi misteri del mondo invisibile.

Essenza Materiale e Pittorica

Uno dei modi più evidenti con cui Borofsky unificò i metodi del Minimalismo con quelli della Pop Art è stato conferire alle sue sculture umane un’essenza materiale concisa. Materiali e processi sono aspetti chiave dell’etica minimalista. Artisti come Donald Judd apprezzavano materiali industriali come metallo, plastica e cemento per le loro qualità impersonali, che per loro natura rifiutavano la virtuosità nascondendo la “mano dell’artista”. I processi industriali sono inoltre preferiti dagli artisti minimalisti perché democratizzano l’arte. Invece che un’opera d’arte essere idolatrata per la sua rarità, può essere apprezzata per il fatto che potrebbe essere riprodotta all’infinito – un vero riflesso dell’epoca moderna. Oltre alla sconfitta della virtuosità e della rarità, il Minimalismo sostiene anche la semplicità, cercando di raggiungere la purezza attraverso l’eliminazione dei dettagli superflui. Sebbene le sue sculture umane assumano una grande varietà di qualità fisiche e visive, Borofsky sceglie sempre con cura materiali e processi industriali e semplifica le sue forme, assicurando che l’opera esprima quei tre ideali minimalisti: democrazia, abbondanza e purezza.

Jonathan Borofsky - Uomo che Cammina, alto 17 metri, struttura interna in acciaio con guscio esterno in fibra di vetro. Installazione permanente, edificio Munich Re, Monaco, Germania, 1995. © Jonathan Borofsky

Una differenza essenziale tra Pop Art e Minimalismo è che gli artisti minimalisti tendono quasi esclusivamente a realizzare opere non narrative e non figurative, mentre gli artisti Pop tendono a fare esattamente il contrario, prendendo spudoratamente contenuti narrativi e figurativi direttamente dalla cultura popolare. Nel modo più generale possibile, la figura umana può essere considerata l’esempio supremo di soggetto culturale appropriato. Ma Borofsky non si ferma qui. Per le sue sculture umane, cerca manifestazioni particolari della figura umana che si riferiscono alla cultura popolare in altri modi, aggiungendo strati all’opera che riguardano non solo l’umanità in generale, ma momenti umani specifici. Spesso, gli elementi più narrativi dell’opera rivelano gli aspetti più nascosti, e talvolta più cinici, della natura umana. Per esempio, una scultura umana che una volta installò a Los Angeles fa riferimento ad atleti che si abbracciano dopo una partita. Parte della serie “Molecule Men”, la scultura presenta centinaia di fori praticati nelle forme. Un critico la interpretò grossolanamente come un monumento alle sparatorie da auto in corsa, vedendo i fori come buchi di proiettile e assumendo che il metallo scurito fosse una dichiarazione sul razzismo.

Jonathan Borofsky - Torre di Persone. Alta 20 metri, acciaio verniciato. Installazione permanente, Parco Olimpico, Pechino, Cina, 2008. © Jonathan Borofsky

Tutto sulle Relazioni

Sotto certi aspetti, con le sue sculture umane, si potrebbe dire che Borofsky stia imitando, o almeno cercando di imitare, l’intera gamma della potenzialità umana. Anche quando individua un atto umano specifico, come nelle sue sculture “Hammering Man” che mostrano una persona impegnata nell’atto quotidiano del lavoro manuale, riesce a evocare entrambi gli estremi dello spettro della cultura umana. In senso materiale, “Hammering Man” è estremamente austero. In termini di scala e potenziali implicazioni politiche, tuttavia, è potenzialmente appariscente. Presentando la combinazione di entrambi gli estremi all’interno della figura umana, Borofsky invita gli spettatori a riflettere non solo su cosa sia la scultura, ma su cosa essa rappresenti per loro. Questa ampia dichiarazione sociale riecheggia le parole di Walt Whitman: “Contengo moltitudini.”

Jonathan Borofsky - Uomo che Martella, Museo d’Arte di Seattle. © Jonathan Borofsky

Ciò che è più affascinante è come gli elementi più astratti nelle Sculture Umane spesso finiscano per influenzare maggiormente la narrazione pubblica che si sviluppa intorno all’opera. Nel caso della scultura di Los Angeles menzionata prima, colore e forma – due degli elementi più astratti del pezzo – divennero più importanti della vera storia dietro l’opera. Nel frattempo, altre opere, come quelle della serie “People Walking to the Sky”, presentano enormi pali diagonali d’argento con piccole figure umane che camminano verso l’alto su di essi. Il soggetto narrativo è facilmente riconoscibile, ma ciò che conferisce potere e presenza all’opera sono le sue forti qualità lineari e la finitura metallica. Questi aspetti definiscono il rapporto dell’opera con l’architettura circostante. Definiscono anche il suo rapporto con gli spettatori, mentre ci rendiamo conto che ciò che stiamo realmente guardando è un riflesso di noi stessi. Siamo noi a percorrere un cammino facilmente descrivibile mentre marciamo felici verso l’ignoto.

Immagine in evidenza: Jonathan Borofsky - Strutture Umane e la Luce della Coscienza. Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park - 30 gennaio - 10 maggio 2009. © Jonathan Borofsky
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio