L'eredità della pioniera dell'arte astratta, Gillian Ayres

La pittrice e incisore astratta britannica Gillian Ayres è morta all'età di 88 anni. La sua scomparsa lascia un vuoto nel mondo dell'arte, ma anche nei campi dell'istruzione e dell'esempio da seguire. Ayres è stata senza dubbio una delle insegnanti d'arte più carismatiche e sicure di sé in Gran Bretagna, soprattutto grazie al suo totale abbraccio della non conformità. Ha insegnato alla Bath Academy of Art dal 1959 al 1965, ha tenuto lezioni alla Saint Martin’s School of Art di Londra dal 1966 al 1978, e poi nel 1978 è diventata direttrice del Dipartimento di Pittura alla Winchester School of Art. Quest’ultimo incarico era più un ruolo gestionale che didattico. Lo lasciò dopo continue lotte con gli amministratori della scuola su come, e in effetti se, gestire il dipartimento. Ayres credeva che l’educazione artistica sarebbe stata meglio servita senza che un ufficio ne fosse responsabile. Sebbene quella fosse la sua ultima posizione accademica ufficiale, Ayres continuò a insegnare con il suo esempio. Fu un modello per l’importanza di avere principi e sostenerli con vigore. I suoi principi includevano un’immensa generosità verso i suoi studenti e amici (che spesso ospitava a casa sua), l’amore per lo champagne e le sigarette (che si concedeva fino alla fine), e un odio totale per i membri della cosiddetta Scuola di Euston Road, un collettivo di artisti realisti tradizionali contrari all’avanguardia e all’arte astratta. La sua dedizione all’astrazione ispirò innumerevoli altri artisti astratti britannici e contribuì a invertire il pregiudizio istituzionale contro l’astrazione nelle scuole, nelle gallerie e nei musei. L’eredità che sperava di lasciare può essere riassunta in una dichiarazione fatta in un’intervista al Financial Times nel 2015. Disse: “La gente ama capire, e vorrei che non lo facesse. Vorrei che si limitasse a guardare.”

Forme e Spazi

Ayres terminò la scuola d’arte nel 1950 e prese un lavoro come assistente in una galleria. Mantenne la posizione per sei anni part-time mentre dipingeva. Ha detto che in questi primi anni della sua carriera fu largamente influenzata da Jackson Pollock e dagli espressionisti astratti. Tuttavia, ciò che la ispirava maggiormente in loro non erano le tendenze metafisiche, cioè i loro tentativi di connettersi con un pozzo primordiale di emozioni profonde e nascoste. Piuttosto, era ispirata dai loro metodi di lavoro, che le sembravano liberi e sperimentali. Adottò la tecnica di lavorare sul pavimento e di usare movimenti sciolti e lirici mentre dipingeva. Molte delle sue opere di quel periodo potrebbero essere descritte come pitture d’azione. Spesso includono vernice spruzzata e gocciolata, segni di pennello gestuali e ampi campi di colore applicati con energia.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Xilografia su carta giapponese Unryu-shi da 75gsm, 33 3/5 × 64 2/5 pollici, 85,4 × 163,5 cm, foto per gentile concessione della Alan Cristea Gallery, Londra

Parallelamente alla sua esplorazione dello stile “all-over” della pittura d’azione, Ayres mostrò anche interesse per l’esplorazione diretta di forme e spazi. Molti dei suoi dipinti degli anni ’50 e ’60 contengono composizioni libere di cerchi, quadrati e altre forme geometriche o quasi geometriche. Le forme sembrano spesso fluttuare l’una intorno all’altra in un vuoto. Questi dipinti sono puramente astratti, ma non nel senso che Ayres li abbia “astratti” dal mondo naturale. Piuttosto, cercava semplicemente di creare composizioni senza alcun contenuto narrativo o figurativo, perché credeva nel potenziale delle immagini astratte di forme che interagiscono nello spazio di essere “inebrianti”. In altre parole, sentiva che tali immagini potevano essere inebrianti. Credeva che questa qualità fosse vitale affinché le persone potessero semplicemente godersi la sua arte senza sentirsi obbligate a riflettere logicamente su di essa, o addirittura a impegnare l’intelletto.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Xilografia su carta giapponese Unryushi da 75gsm, 36 1/5 × 40 9/10 pollici, 92 × 104 cm, foto per gentile concessione della Alan Cristea Gallery, Londra

Colore Generoso

Oltre al suo amore per forme e spazi, Ayres era un’appassionata amante del colore. Una volta disse: “Per me, il colore nell’arte è meravigliosamente indulgente.” Voleva che le persone si abbeverassero alle sue pitture. Le considerava banchetti per gli occhi. Disse: “Non capisco perché non dovresti riempirti, renderti felice—goderti, banchettare con la bellezza.” Per quanto oggi questo possa sembrare un punto di vista innocuo, ci fu un tempo in cui ciò fece sì che Ayres fosse profondamente diffidata dal pubblico britannico. Questa diffidenza culminò nel 1957, quando, dopo essere stata inclusa nella mostra Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, Ayres fu incaricata di dipingere un murale nella sala da pranzo di una scuola londinese. Quasi subito dopo aver terminato il murale, gli amministratori della scuola ordinarono che fosse coperto con carta da parati. Solo decenni dopo, quando Ayres era famosa, il murale fu riscoperto in condizioni quasi perfette sotto la carta da parati.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Xilografia su carta Unryushi da 75gsm, 18 4/5 × 22 4/5 pollici, 47,8 × 57,9 cm, foto per gentile concessione della Alan Cristea Gallery, Londra

L’affetto che Ayres nutriva per il colore come soggetto è evidente in tutta la sua carriera. Man mano che le sue composizioni divennero meno liriche, meno gestuali e più strutturate e architettoniche col tempo, il suo amore per il colore crebbe solo più forte. Negli anni ’80 sviluppò una visione estetica un po’ giocosa e celebrativa basata su colori vivaci e chiari e forme biomorfiche. Queste opere più recenti sembrano ispirate dalla natura. Alcuni sospettano che ciò sia dovuto al fatto che in quel periodo della sua vita Ayres si trasferì con la famiglia in una comunità rurale costiera del Galles. Ha detto che le condizioni lì, specialmente il paesaggio, furono una grande influenza su di lei. Tuttavia, ha sempre insistito che il suo lavoro non fosse astratto dalla natura, né ridotto da immagini di campagna. In qualche modo, gli ultimi dipinti di Ayres ricordano i ritagli di Matisse. Entrambi gli artisti adottarono una tavolozza di colori simile verso la fine della loro carriera, e svilupparono un senso simile delle relazioni spaziali. Tranne che mentre Matisse sperava orgogliosamente di evocare le forme e le figure del mondo naturale nelle sue opere tarde, Ayres rimase fino alla fine fedele all’idea che le sue opere non fossero basate su nulla. Sono solo immagini di colori e forme nello spazio senza significato oltre a se stesse, offrendo puro piacere a chi ha il coraggio di lasciarsi andare alla loro bellezza.

Immagine in evidenza: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Xilografia su carta giapponese Unryu-shi, 30 7/10 × 45 7/10 pollici, 78 × 116 cm, Edizione di 18, foto per gentile concessione della Alan Cristea Gallery, Londra

Di Phillip Barcio