L'eredità della pioniera dell'arte astratta, Gillian Ayres

La pittrice astratta britannica e stampatrice Gillian Ayres è morta all'età di 88 anni. La sua morte lascia un vuoto nel mondo dell'arte, e anche nei mondi dell'istruzione e del modello da seguire. Ayres era facilmente una delle insegnanti d'arte più carismatiche e sicure di sé in Gran Bretagna, principalmente grazie al suo totale abbraccio della non conformità. Ha insegnato all'Accademia d'Arte di Bath dal 1959 al 1965, ha tenuto conferenze alla Saint Martin’s School of Art di Londra dal 1966 al 1978, e poi nel 1978 è diventata la responsabile del Dipartimento di Pittura della Winchester School of Art. Quell'ultimo lavoro era più un incarico manageriale che un ruolo di insegnamento. Lo ha lasciato dopo aver costantemente lottato con gli amministratori della scuola su come, e in effetti se, gestire il dipartimento. Ayres credeva che l'istruzione artistica sarebbe stata meglio servita senza un ufficio a capo di essa. Anche se quella era la sua ultima posizione accademica ufficiale, Ayres ha continuato a insegnare con il suo esempio. Era un modello per l'importanza di avere principi e di difenderli con vigore. I suoi principi includevano una generosità immensa verso i suoi studenti e amici (che spesso ospitava a casa sua), un amore per lo champagne e le sigarette (di cui si è concessa fino alla fine), e un completo odio per i membri della cosiddetta Euston Road School, un collettivo di artisti realisti tradizionali che si opponevano all'arte d'avanguardia e astratta. La sua devozione all'astrazione ha aiutato a ispirare innumerevoli altri artisti astratti britannici e ha contribuito a invertire il pregiudizio istituzionale contro l'astrazione nelle scuole, gallerie e musei. L'eredità che sperava di lasciare può essere riassunta in una dichiarazione che fece in un'intervista con il Financial Times nel 2015. Disse: “La gente ama capire, e io vorrei che non lo facessero. Vorrei che si limitassero a guardare.”

Forme e spazi

Ayres ha terminato la scuola d'arte nel 1950 e ha preso un lavoro come assistente in galleria. Ha mantenuto la posizione per sei anni part-time mentre continuava a dipingere. Ha detto che in questi primi giorni della sua carriera è stata influenzata principalmente da Jackson Pollock e dagli Espressionisti Astratti. Tuttavia, ciò che l'ha ispirata di più riguardo a loro non erano le loro tendenze metafisiche, cioè i loro tentativi di connettersi con un pozzo primordiale di emozioni profonde e nascoste. Piuttosto, è stata ispirata dai loro metodi di lavoro, che le sembravano liberi e sperimentali. Ha adottato la tecnica di lavorare sul pavimento e di utilizzare movimenti sciolti e lirici mentre dipingeva. Molte delle sue opere di questo periodo potrebbero essere descritte come dipinti d'azione. Spesso includono vernice schizzata e gocciolata, segni di pennello gestuali e ampie campiture di colore applicate con energia.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, incisione su carta giapponese Unryu-shi da 75gsm, 33 3/5 × 64 2/5 in, 85.4 × 163.5 cm, foto per gentile concessione della Alan Cristea Gallery, Londra

Simultaneamente alla sua esplorazione della pittura d'azione "all-over", Ayres mostrò anche interesse per l'esplorazione diretta di forme e spazi. Molte delle sue opere degli anni '50 e '60 contengono composizioni libere di cerchi, quadrati e altre forme geometriche, o quasi geometriche. Le forme sembrano spesso fluttuare l'una intorno all'altra in un vuoto. Queste opere sono puramente astratte, ma non nel senso che Ayres le abbia "astratte" dal mondo naturale. Invece, cercava semplicemente di creare composizioni che non avessero alcun contenuto narrativo o figurativo, perché credeva nel potenziale delle immagini astratte di forme che interagiscono nello spazio di essere "intossicanti". In altre parole, sentiva che tali immagini potessero essere inebrianti. Credeva che questa qualità fosse vitale affinché le persone potessero semplicemente godere della visione della sua arte senza sentirsi sotto pressione per pensare logicamente a essa, o addirittura per coinvolgere il loro intelletto.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, incisione su carta giapponese Unryushi da 75gsm, 36 1/5 × 40 9/10 in, 92 × 104 cm, foto per gentile concessione della Alan Cristea Gallery, Londra

Colore indulgente

Oltre al suo amore per le forme e gli spazi, Ayres era un'appassionata amante del colore. Una volta disse: “Per me, il colore nell'arte è meravigliosamente indulgente.” Voleva che le persone assaporassero i suoi dipinti. Li considerava festini per gli occhi. Disse: “Non vedo perché non dovresti riempirti, renderti felice—divertirti, banchettando con la bellezza.” Per quanto possa sembrare un punto di vista innocuo oggi, c'è stato un tempo in cui questo causò ad Ayres una profonda sfiducia da parte del pubblico britannico. Quella sfiducia culminò nel 1957, quando, dopo essere stata inclusa nella mostra Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, Ayres fu incaricata di dipingere un murale nella mensa di una scuola di Londra. Quasi subito dopo aver finito il murale, gli amministratori scolastici ordinarono che fosse coperto con della carta da parati. Solo decenni dopo, dopo che Ayres divenne famosa, il murale fu riscoperto in condizioni quasi perfette sotto la carta da parati.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, incisione su carta Unryushi 75gsm, 18 4/5 × 22 4/5 in, 47.8 × 57.9 cm, foto per gentile concessione della Alan Cristea Gallery, Londra

L'affetto che Ayres aveva per il colore come soggetto è evidente per tutta la sua carriera. Man mano che le sue composizioni diventavano meno liriche, meno gestuali e più strutturate e architettoniche nel tempo, il suo amore per il colore cresceva solo più forte. Negli anni '80 aveva sviluppato una visione estetica piuttosto fantasiosa e celebrativa basata su colori vivaci e leggeri e forme biomorfiche. Queste opere alterate sono apparentemente ispirate dalla natura. Alcune persone sospettano che ciò sia dovuto al fatto che durante questo periodo della sua vita Ayres si è trasferita con la sua famiglia in una comunità rurale costiera in Galles. Ha detto che le condizioni lì, specialmente il paesaggio, hanno avuto una grande influenza su di lei. Tuttavia, ha sempre insistito sul fatto che il suo lavoro non era astratto dalla natura, né ridotto a immagini della campagna. In alcuni modi, i dipinti più recenti che Ayres ha realizzato ricordano i ritagli di Matisse. Entrambi gli artisti hanno adottato una palette di colori simile nella parte finale delle loro carriere e entrambi hanno sviluppato un senso simile delle relazioni spaziali. A differenza di Matisse, che sperava orgogliosamente di evocare le forme e le figure del mondo naturale nel suo lavoro finale, Ayres è rimasta dedicata fino alla fine al fatto che le sue opere non erano basate su nulla. Sono solo immagini di colori e forme nello spazio senza significato al di là di se stesse, offrendo puro piacere a quegli spettatori abbastanza coraggiosi da indulgere nella loro bellezza.

Immagine in evidenza: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Incisione su carta giapponese Unryu-shi, 30 7/10 × 45 7/10 in, 78 × 116 cm, Edizione di 18, foto per gentile concessione della Alan Cristea Gallery, Londra

Di Phillip Park