Le affascinanti animazioni di Oskar Fischinger

Quest’anno ricorre il 50º anniversario della morte di Oskar Fischinger, un genio lungimirante che più di ogni altro artista si è avvicinato a esprimere le misteriose affinità astratte esistenti tra musica e immagini. Attraverso i suoi film d’animazione, Fischinger metteva in relazione i linguaggi visivi di forme, figure, linee e colori con il linguaggio musicale di note, ritmi, armonie e dissonanze. Attraverso la sua invenzione del Lumigraph, un dispositivo che emette luce e che si manipola a mano in modo simile a uno strumento musicale, dimostrò il potenziale per creare legami estetico-emotivi mediante composizioni cromatiche dinamiche e improvvisate, eseguite su una macchina. E attraverso i suoi dipinti trasmise i piani concettuali più elevati nascosti nelle sue immagini in movimento, congelandoli su superfici semplificate e bidimensionali. Nel frattempo, durante tutta la sua carriera, nei suoi scritti e nei suoi discorsi, espose dettagliatamente le proprie intenzioni artistiche. “Voglio che questo lavoro soddisfi i bisogni spirituali ed emotivi della nostra epoca”, scrisse nel 1950. “Perché c’è qualcosa che tutti cerchiamo - qualcosa per cui ci impegniamo per tutta la vita... sperando... che un giorno, forse, qualcosa si riveli, sorgendo dall’ignoto, qualcosa che riveli la Vera Creazione: la Verità Creativa!”

Oskar Fischinger: artista nato

Alcuni artisti si formano; altri nascono. Oskar Fischinger non studiò arte a scuola. Nato nel 1900 in Assia, in Germania, fu, come la maggior parte dei membri della sua generazione, arruolato nel servizio militare da adolescente. Ma, a causa delle sue precarie condizioni fisiche, non fu costretto a combattere per la Germania durante la guerra. Invece, trovò lavoro in una fabbrica di organi. Quella prima esposizione ai meccanismi della creazione musicale si sarebbe rivelata fatidica per Fischinger in seguito, soprattutto unita alla formazione ingegneristica che riuscì a ricevere dopo la guerra, quando la sua famiglia si trasferì a Francoforte. Forse queste esperienze non erano tipiche di qualcuno destinato a diventare un grande artista, ma erano creative nella loro essenza e, come si scoprì, erano perfette per il destino che attendeva questo particolare artista.

Nel 1921, Fischinger conobbe il regista cinematografico tedesco d’avanguardia Walter Ruttman. Ruttman era uno dei pochi artisti che sperimentavano con il film come mezzo astratto, esplorando i modi in cui avrebbe potuto interagire con altre forme d’arte. Fischinger fu ispirato dal lavoro di Ruttman e, grazie alla sua formazione meccanica e ingegneristica, riuscì a sua volta a impressionare Ruttman. Lo fece inventando un dispositivo per l’animazione meccanica: una “macchina per affettare la cera”. Dopo aver sentito parlare del dispositivo, Ruttman ne fu talmente impressionato da chiedere a Fischinger i diritti per utilizzarlo. Fischinger concesse a Ruttman la licenza per la sua macchina e in seguito si trasferì a Monaco, dove ebbe accesso a più attrezzature, che gli permisero di sperimentare ulteriormente per conto proprio.

Oskar Fischinger - fotogramma da Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

I film

Mentre si trovava a Monaco, Fischinger realizzò alcuni dei suoi primi film. Invece di imitare il mondo realistico, studiavano gli altri modi in cui luce e suono potessero interagire in un’immagine in movimento. Nel 1926 scrisse uno dei suoi saggi fondamentali, intitolato Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, ovvero Una nuova arte: musica spaziale della luce. Sebbene pare non sia mai stato pubblicato durante la sua vita, oggi è conservato presso il Center for Visual Music di Los Angeles, che possiede e gestisce l’opera di Fischinger, compresi i suoi film e i suoi scritti. Le idee espresse da Fischinger in questo saggio, insieme ai risultati evidenti nei suoi primi film, collocano Fischinger nella compagnia filosofica di artisti come Wassily Kandinsky, che credeva fermamente nella capacità delle immagini non oggettive di comunicare spiritualmente allo stesso livello astratto della musica. Ma concentrandosi sui film anziché sulla pittura, Fischinger riuscì a comprendere una differenza essenziale tra musica e immagini: la musica, a differenza delle immagini statiche, si svolge nel tempo.

Una singola nota che dura solo un momento non ha lo stesso effetto emotivo su un ascoltatore di una sinfonia eseguita nell’arco di un’ora. E lo stesso vale per le immagini. Una singola composizione visiva su un dipinto non ha lo stesso effetto emotivo su uno spettatore di una composizione visiva che si sviluppa nel corso del tempo in un’immagine in movimento. Applicando questo principio fondamentale, Fischinger trascorse i due decenni successivi creando alcuni dei film astratti d’animazione più innovativi mai realizzati. Alcuni erano accompagnati dalla musica e sono stati definiti i primi videoclip musicali. Ma non avevano nulla a che vedere con i videoclip come li conosciamo oggi. Erano accompagnati dalla musica esclusivamente nel tentativo di esaminare le somiglianze nei modi in cui le composizioni visive e quelle musicali comunicano astrattamente al nostro cervello.

Oskar Fischinger - fotogramma da Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Composition in Blue

Nel 1935, mentre viveva a Berlino, Oskar Fischinger realizzò quella che molti considerano la sua opera magna: un film intitolato Composition in Blue. Girato su pellicola a colori da 35 mm, il cortometraggio d’animazione è accompagnato da una melodia tratta da The Merry Wives of Windsor, un’opera del compositore tedesco Otto Nicolai, basata sull’omonima commedia di William Shakespeare. Per tutta la durata del film, forme astratte dai colori vividi danzano in perfetta sincronia con la musica. Lo sfondo sembra passare da due a tre dimensioni e spesso collassa su se stesso, trasformandosi in una delizia visiva infinita e giocosa.

Un aspetto notevole di Composition in Blue è il modo in cui fu realizzato. Fischinger costruì a mano ciascuna di quelle piccole forme che danzano nel film. Sono modelli dipinti, spostati meticolosamente durante le riprese, un fotogramma alla volta. Ogni fotogramma congelato avrebbe potuto, in circostanze diverse, costituire un dipinto astratto. Oppure, se lo avesse voluto, ogni composizione prima di essere filmata avrebbe potuto essere considerata un’installazione scultorea. Ma Fischinger credeva che queste immagini astratte potessero raggiungere lo stesso impatto delle composizioni musicali solo in movimento, sviluppandosi nel tempo, e fu verso questo obiettivo che orientò il lavoro.

Oskar Fischinger - fotogramma da Composition in Blue, 1935, © Center for Visual Music

I dipinti

Composition in Blue ottenne un riconoscimento internazionale. Anche grazie al suo successo, Fischinger poté recarsi in America nel 1936, dove ricoprì diversi incarichi a Hollywood lavorando per Paramount, Walt Disney e altri studi. Ma comprese rapidamente il divario esistente tra gli obiettivi idealistici degli artisti e quelli delle società di produzione cinematografica commerciale. Non riuscendo a trovare il sostegno finanziario per continuare a realizzare il suo lavoro d’animazione puramente artistico, alla fine Fischinger fu costretto ad abbandonare il cinema. Negli ultimi anni Quaranta concentrò gran parte della sua attenzione sulla sua invenzione, il Lumigraph. E poi, ironicamente, trascorse gli ultimi 15 anni della sua vita come pittore.

I dipinti creati da Fischinger sono notevoli per la loro varietà. Come le sue prime animazioni, sembrano contenere il linguaggio visivo astratto di ogni altro artista astratto del XX secolo. Ma non sono opere derivate. Al contrario, la maggior parte di queste immagini fu concepita da Fischinger molto prima che artisti come Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis e Kenneth Noland arrivassero autonomamente a soluzioni simili. E, contrariamente alle aspettative, invece di sottrarre qualcosa ai suoi film, i suoi dipinti aggiungono forza alle sue idee sulla musica e sulle immagini e sugli effetti della loro esperienza nel tempo. Ogni dipinto è un momento catturato - un frammento isolato di un’esperienza più ampia. Vederli nei suoi film ci conduce in un viaggio. Vederli nei suoi dipinti ci permette di apprezzarli come intenditori.

Oskar Fischinger - fotogramma da Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

Il peggior omaggio di sempre

Oskar Fischinger era ovviamente un pioniere, quindi non sorprende che le persone desiderino spesso rendere omaggio a lui e ai suoi traguardi. Ma lo scorso giugno, in occasione di quello che sarebbe stato il suo 117º compleanno, Google rese “omaggio” a Fischinger con un Google Doodle - una di quelle distrazioni interattive che Google offre agli utenti sulla sua pagina di ricerca. Il doodle offriva ai visitatori la possibilità di modificare una composizione musicale-visiva facendo clic sullo schermo. Sebbene divertente, fu un omaggio assurdo a Fischinger. Fischinger disse una volta, riferendosi alle sue esperienze a Hollywood: “Nessun artista creativo dotato di buon senso potrebbe creare un’opera d’arte sensata se un gruppo di collaboratori di ogni tipo avesse voce in capitolo nella creazione finale... Cambiano le idee, uccidono le idee prima che nascano, impediscono alle idee di nascere e sostituiscono alle motivazioni creative assolute solo idee a buon mercato, adatte al minimo comune denominatore.”

Come Google abbia pensato che un programmatore ben pagato, al lavoro per una fabbrica commerciale, potesse rendere omaggio a questo artista offrendo letteralmente a chiunque avesse una connessione Internet “voce in capitolo nella creazione finale” è un mistero. Da qualche parte, qualcosa si perde nella traduzione. Ma il resto dell’umanità riuscirà mai a raggiungere Oskar Fischinger? Forse. Non è difficile capire cosa Fischinger volesse che facessimo con il suo lavoro. Voleva che lo usassimo per il sostentamento spirituale ed emotivo. Forse il modo migliore per rendere omaggio alla sua eredità non è creare sciocchi giochi da salotto o ridurre i suoi traguardi a frasi come: “Wow, ha fatto tutto questo senza un computer?!” Invece dovremmo riconoscerlo come artista, filosofo e poeta e cercare di comprendere lo scopo più profondo del suo lavoro, che ci invita a riconnetterci con i misteri nascosti che legano i nostri diversi poteri sensoriali, ancora ampiamente fraintesi.

Google celebra il 117º compleanno di Oskar Fischinger, © Google

Immagine in evidenza: Oskar Fischinger - fotogramma da Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Tutte le immagini sono utilizzate esclusivamente a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio 2017

A cura di IdeelArt (2026)