Il Potere della Composizione di Piet Mondrian con Rosso Blu e Giallo

Piet Mondrian dipinse “Composizione con Rosso, Blu e Giallo” nel 1930. Segna un sottile punto di svolta nell’evoluzione del suo stile pittorico distintivo e singolare, che chiamava Neo-Plasticismo. La sua voce visiva nacque da un meticoloso, quotidiano sforzo verso l’astrazione completa, che egli riteneva fosse un modo per esprimere una purezza universale attraverso le arti plastiche. Fu nel 1920, lo stesso anno in cui pubblicò il suo libro Le Néo-Plasticisme, che Mondrian dipinse le sue prime tele a griglia, caratterizzate dalle linee nere orizzontali e verticali e dai campi rettangolari di colore puro per cui è ora maggiormente conosciuto. All’inizio della sua esplorazione di questa posizione unica, Mondrian sperimentò con molteplici colori e tonalità, e esplorò una vasta varietà di configurazioni sia per le sue tele sia per le forme all’interno delle sue composizioni. Al momento della sua morte nel 1944, era giunto a una visione fantastica, complessa e matura, incarnata dal suo capolavoro, “Broadway Boogie Woogie.” Fu nel mezzo di quell’evoluzione che dipinse “Composizione con Rosso, Blu e Giallo.” Potrebbe non essere ovvio perché quest’opera sia notevole, o perché segni un importante punto di svolta. Ma ci sono alcuni aspetti che chiaramente la distinguono da molte altre opere di Mondrian, e che segnalano un momento nel suo sviluppo in cui lo stesso Mondrian stava subendo una trasformazione.

Leggere le Linee

Alcuni dicono che per comprendere il vero messaggio di ciò che una persona dice bisogna leggere tra le righe. Nel caso di “Composizione con Rosso, Blu e Giallo” sono proprio le linee a portare un messaggio nascosto. È noto che Mondrian cercava l’equilibrio nelle sue opere. Scrisse ampiamente sull’armonia compositiva come reazione al caos. Raggiungeva quel senso di armonia cercando instancabilmente l’equilibrio tra gli elementi plastici dei suoi quadri. La collocazione dei colori, la dimensione delle forme e le qualità delle superfici si influenzavano a vicenda in modi che lo facevano sentire o sbilanciato o in equilibrio. La ricerca era sempre quella di scoprire il punto perfetto in cui una composizione raggiungeva una sorta di quiete.

Tuttavia, col tempo, Mondrian cominciò a disprezzare proprio quel senso di quiete che un tempo cercava. I suoi dipinti successivi, creati a New York e ispirati dal movimento della città e dall’energia della musica jazz, sembrano quasi vibrare e risuonare. “Composizione con Rosso, Blu e Giallo” segna un punto d’inizio nella sua capacità di infondere energia alle sue opere. Il segreto si nasconde nelle linee. Può essere quasi impercettibile a un primo sguardo, ma se osservi le linee nere di questo dipinto, vedrai che la linea in alto a sinistra della composizione è doppia rispetto allo spessore delle altre linee. Mondrian credeva che questa scelta, di rendere una delle linee doppia, desse vita alla sua composizione. Stava trasformando il suo pensiero, allontanandosi dalla convinzione della quiete come necessità universale, verso l’idea che anche una composizione completamente astratta e armoniosa ha bisogno di energia per sentirsi viva.

Sospesi nell’Equilibrio

Nonostante la ricerca di energia e movimento espressa da Mondrian con la linea doppia, “Composizione con Rosso, Blu e Giallo” è comunque una suprema manifestazione di armonia pittorica. In un modo strano, infatti, l’energia infusa nel quadro dalla linea larga equilibra gli altri elementi pittorici, che altrimenti avrebbero potuto sembrare troppo concreti. Mi riferisco in particolare al massiccio quadrato rosso che domina l’immagine. Il peso visivo di questo quadrato riecheggia la forma perfettamente quadrata della tela. Evoca quasi un paragone con un dipinto di Malevich di decenni prima. È facile vedere il quadrato rosso come il soggetto dell’opera, il che avrebbe portato questo dipinto fuori dal regno della pura astrazione. Mondrian chiaramente cercava di usare il minor numero possibile di altri elementi pittorici nella composizione. Andò all’estremo opposto con il piccolo rettangolo giallo in basso sulla tela, e raggiunse un punto intermedio con il rettangolo blu. Ma è stranamente la linea doppia che suggerisce che in questa composizione c’è davvero qualcosa di più di semplici forme colorate.

Un altro aspetto interessante di questo dipinto, almeno per me, è che Mondrian lasciò i campi di colore senza cornice ai bordi della tela. Non sempre faceva così. Spesso, i suoi rettangoli sono completamente racchiusi da linee nere. Lasciando aperte le forme in questo caso, ci rimane l’idea che forse le linee non erano mai state pensate come cornici. Forse erano destinate a essere campi di colore pari alle altre forme colorate. O forse dovevano agire come qualcosa di concreto, e il colore doveva essere percepito più come luce—qualcosa di etereo che riempie lo spazio vuoto. In questo dipinto, poiché non sono delimitati da linee nere, gli spazi colorati potrebbero espandersi all’infinito nello spazio oltre il bordo della tela. Se così fosse, è quasi come se Mondrian avesse ritagliato un’immagine che vedeva nella sua mente. Posso immaginare che, invece di essere un narratore onnisciente di un mondo visivo fittizio, Mondrian fosse più un documentarista, che vedeva ciò che aveva davanti e lo modificava in modo che tutti potessimo comprenderlo come lui. Forse questa idea avrebbe infastidito Mondrian, dato che era fermamente impegnato nella sua ricerca della pura astrazione. Ma è proprio questo che rende “Composizione con Rosso, Blu e Giallo” un dipinto così trasformativo. Non solo trasformò il suo stesso sviluppo come pittore, ma trasforma anche la nostra capacità di interagire con l’eredità della sua opera in modi che sfidano persino le aspettative che aveva per sé stesso.

Immagine in evidenza: Piet Mondrian - Composizione in Rosso, Blu e Giallo. 1930. Olio e carta su tela. 46 x 46 cm. Kunsthaus Zürich
Di Phillip Barcio