Il Wadsworth Atheneum Museum of Art onora lo scultore dell'Espressionismo Astratto Herbert Ferber

Herbert Ferber era un enigma. Fu uno degli artisti più influenti del XX secolo, eppure la maggior parte delle persone oggi non ne ha mai sentito parlare. Ferber frequentava i più famosi tra i famosi—Pollock, Krasner, de Kooning, Motherwell, Rothko. Espose persino insieme a loro alla Galleria Betty Parsons. In effetti, Ferber fu uno dei 18 “Irascibili” che scrissero una lettera aperta al Metropolitan Museum of Art in protesta contro la mostra American Painting Today del 1950. È incluso nella celebre foto di quel gruppo noto che accompagnava l’articolo di Life Magazine, a cui si attribuisce il merito di aver introdotto l’Espressionismo Astratto al mondo. Nonostante tutte queste affermazioni di fama, tuttavia, Ferber non è esattamente un nome noto a tutti. Una ragione potrebbe essere che lui stesso lo desiderava così. Ferber è estremamente difficile da descrivere perché era molto dedito all’idea che l’arte dovesse essere molto più importante degli artisti. Riteneva che si dovesse discutere l’idea dietro l’opera, e che la questione di quanto bene l’idea fosse stata realizzata dovesse essere il fulcro di ogni scrittura artistica. Tuttavia, per quanto valida possa essere questa visione un po’ esistenziale, mi sembra fondamentale parlare almeno in parte dell’artista. Senza gli artisti e le loro idiosincrasie che li spingono a fare ciò che fanno, non ci sarebbe arte da guardare o di cui scrivere. Soprattutto nel caso di Ferber, i dettagli della sua vita personale sono essenziali per le idee che ha sviluppato. Se non conoscete le sue idee, questo è il momento perfetto per familiarizzarvi. Una mostra retrospettiva al Wadsworth Atheneum Museum of Art di Hartford, Connecticut, intitolata Herbert Ferber: Spazio in Tensione, presenta 40 opere dell’artista, che coprono tutta la sua carriera e gettano le basi per comprendere la sua importanza nello sviluppo dell’arte astratta.

Costruisci, Distruggi

Nato a New York nel 1906, Ferber arrivò alla scultura passando per la scuola di odontoiatria. Era tenuto a fare studi anatomici in classe. Uno dei suoi insegnanti riconobbe che era particolarmente dotato nel disegnare parti del corpo e gli consigliò di seguire l’arte come una sorta di hobby extra-odontoiatrico. Ferber si iscrisse subito ai corsi serali presso il Beaux-Arts Institute of Design di New York. Sebbene si diplomò in odontoiatria e praticò anche la professione part-time, la sua passione per le idee incontrate all’accademia d’arte rapidamente occupò tutto il suo tempo libero. Iniziò con il disegno e la pittura, ma presto si sentì più attratto dal regno concettuale della scultura.

Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Patrimonio di Herbert Ferber

I suoi primi esperimenti scultorei consistevano nel costruire strati di gesso per creare modelli figurativi della figura umana. Ferber definiva questo processo di costruzione di una forma scultorea a strati una tradizione “antica e rispettata”. Tuttavia, la sua curiosità lo spinse a cercare altri metodi. Rimase colpito dal modo in cui l’architettura romanica creava un falso senso di scala e prospettiva. Gli piaceva come lo spazio vuoto all’interno, per esempio, di una chiesa, assumesse tanta importanza quanto la struttura fisica stessa. Fu ispirato da questa idea di una struttura che collabora con lo spazio aperto. Costruire una scultura, o anche intagliarla, non poteva raggiungere lo stesso senso di spazio, così decise di lavorare con il metallo. Il processo di saldatura gli permise di creare quelle che chiamava “sculture aperte”, o forme assemblate per incorporare sia materiali solidi che spazio vuoto.

Herbert Ferber - Cavaliere Apocalittico II, 1947, © Patrimonio di Herbert Ferber

Scultura Astratta Gestuale

La prima grande mostra che Ferber ebbe fu alla Galleria Betty Parsons. Includeva quelle che lui chiamava sculture “gestuali”—forme “naturalistiche” con “una sorta di disposizione gestuale.” L’opera fu considerata Surrealista da alcuni critici, e astratta da altri. Ferber disse che nessuna delle due descrizioni era del tutto precisa. Stava semplicemente sperimentando modi per arrivare a idee semplici. Voleva creare forme che trapassassero lo spazio. Voleva capire qual è la differenza tra forma e spazio. Voleva esplorare come un gesto fisico potesse manifestarsi come un oggetto solido. Voleva permettere ai suoi materiali e processi di esprimere la loro verità. Questi, sottolineava Ferber, erano i temi di cui tutti gli artisti della Scuola di New York parlavano all’epoca. Tuttavia, non erano temi importanti per il pubblico acquirente, che in gran parte ignorava Ferber e la maggior parte dei suoi contemporanei, almeno nei primi tempi.

Herbert Ferber - Omaggio a Piranesi IV B, 1963-64, © Patrimonio di Herbert Ferber

Nonostante la povertà e l’ignoranza generale, Ferber e gli altri rimasero filosofici e idealisti. Ricorda di aver parlato senza fine con altri artisti di un’unica opera, approfondendo sempre più le sue ramificazioni concettuali. Come disse in un’intervista nel 1968 per gli Archivi Smithsonian dell’Arte Americana, “non parlavamo del tipo di cose che sento oggi, come dove esponi o cosa vendi, o quali commissioni hai ottenuto. Ma si parlava sempre delle idee coinvolte nel distaccarsi o svilupparsi verso una nuova forma o una nuova idea.” Alla fine, quelle idee maturarono nei punti di discussione ben consolidati che ora definiscono innumerevoli mostre museali e saggi sull’arte americana della metà del XX secolo. Ferber andò oltre, però. Continuò a evolversi e a spingersi nel suo studio. Ogni scelta che fece come artista gli permise di realizzare un’idea, e questo rimase il suo obiettivo principale fino alla fine. La sua avversione all’autocelebrazione potrebbe averlo tenuto lontano dai riflettori dei mass media, dato che dava sempre credito alle idee e non al suo nome, ma ha anche conferito alle sue opere autenticità, vitalità e forza. Herbert Ferber: Spazio in Tensione sarà in mostra fino al 29 luglio 2018 al Wadsworth Atheneum Museum of Art.

Immagine in evidenza: Herbert Ferber: Spazio in Tensione, vista dell’installazione al Wadsworth Atheneum Museum of Art, © Wadsworth Atheneum Museum of Art

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio