Cosa era la dematerializzazione dell'oggetto d'arte?

Lucy Lippard—gigante della critica d’arte americana, autrice di più di 20 libri e cofondatrice di Printed Matter, il venditore per eccellenza di libri realizzati da artisti—ha compiuto 80 anni quest’anno. Nonostante la sua moltitudine di altri successi, Lippard è più conosciuta per “La Dematerializzazione dell’Arte,” un saggio che ha co-scritto nel 1968 con John Chandler (disponibile online qui). Nel saggio, Lippard presentava prove che l’arte potesse entrare in una fase di puro intellettualismo, il cui risultato poteva essere la completa scomparsa dell’oggetto artistico tradizionale. Il testo nacque e contribuì a contestualizzare il decennio precedente di arte concettuale estremamente inventiva, che spesso lasciava dietro di sé solo reliquie effimere, non archiviate, o nessuna reliquia se non forse registrazioni di esperienze. Gli artisti concettuali erano dediti a fare delle idee il fulcro centrale del loro lavoro, e molti sostenevano con convinzione che gli oggetti che gli artisti creano per esprimere le loro idee non sono altro che scarti, e che le idee stesse sono le uniche cose degne di considerazione. Il saggio fu enormemente influente all’epoca: tanto che Lippard lo seguì con un libro intitolato Sei Anni, che analizzava ampiamente le prove di questa tendenza. Ma ovviamente a lungo termine la sua premonizione si rivelò inesatta, poiché gli oggetti d’arte non si sono ancora dematerializzati. Tuttavia, in occasione del prossimo 50° anniversario della pubblicazione originale di La Dematerializzazione dell’Arte, abbiamo pensato di prenderci un momento per approfondire questo saggio influente e mettere in luce ciò che di esso è rilevante per il nostro tempo.

La Scienza dell’Arte

Lippard basò i concetti fondamentali discussi in La Dematerializzazione dell’Arte su un’idea esposta per la prima volta in un libro intitolato La Base Matematica delle Arti, scritto dal pittore americano Joseph Schillinger. In quel libro, Schillinger suddivideva tutta la storia dell’arte in cinque categorie di fenomeni estetici. Per prima veniva, spiegava, la fase “pre-estetica” dell’imitazione. Seguiva l’arte rituale o religiosa. Poi l’arte emotiva. Poi l’arte razionale, basata sull’esperienza. E infine la quinta, e presumibilmente “finale” fase estetica descritta da Schillinger era quella “scientifica,” o quella che chiamava “post-estetica.” Questa fase finale, prevedeva, avrebbe portato alla “liberazione dell’idea” e alla “disintegrazione dell’arte.”

Mentre rifletteva sull’evoluzione dell’arte negli anni ’50 e ’60, Lippard credeva che ciò a cui assisteva fosse l’emergere di questa quinta fase dell’arte. E ne era entusiasta. Considerava la dematerializzazione un cambiamento positivo e vitale. Dopotutto, se l’oggetto estetico potesse cessare di esistere come fulcro centrale dell’arte, allora l’arte potrebbe liberarsi dalla mercificazione, quel sistema spesso vile che esercita tanta forza distruttiva sulle vite e sul lavoro di molti artisti.

Joseph Schillinger - Quadrati Verdi, dalla serie La Base Matematica delle Arti, ca. 1934, tempera su cartone, Smithsonian, foto via rendaan.com

La Scienza delle Merci

Come prova che la dematerializzazione era iniziata, Lippard citava movimenti come Light and Space, che erano di natura visiva ma non basati su oggetti, e il Minimalismo, che riduceva drasticamente l’oggetto estetico. Tali movimenti, credeva, diminuivano l’importanza dell’aspetto visivo di un’opera d’arte, definendo il visivo più come un punto di partenza per un’esperienza immateriale e intellettuale. Ma una delle prime, e ovvie, critiche a La Dematerializzazione dell’Arte era che, anche se questi concetti effimeri e concettuali erano meno basati su oggetti, producevano comunque fenomeni fisici. Anche un artista performativo crea una cosa—una performance—che può essere venduta come esperienza, o registrata.

Non importa quanto piccolo sia il reperto che un artista crea, può diventare oggetto di culto e scambiato come merce. L’unico modo per evitare completamente la possibilità di mercificazione è non condividere mai un’idea: allora forse il rispetto e la sacralità dell’esperienza intellettuale possono essere preservati. Ma solo le idee condivise possono essere veramente chiamate arte. E non appena un’idea è condivisa, può essere posseduta, manipolata ed espressa in altri modi, o in altre parole, materializzata. E non appena qualcosa si materializza, può essere comprato e venduto come merce.

Joseph Schillinger - Studio Incompiuto nel Ritmo, serie sviluppata da La Base Matematica delle Arti, ca. 1934, pastello e matita su cartoncino illustrativo, foglio: 37,78 x 50,48 cm, Collezione Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Le Cinque Fasi

Rileggendo oggi La Dematerializzazione dell’Arte , l’unico vero errore che sembra evidente è come presenta le cinque fasi dell’arte, come spiegato da Schillinger, come qualcosa di lineare. È sempre allettante per ogni generazione vedersi come in prima linea nella modernità. Schillinger pensava che l’arte fosse progredita storicamente attraverso fasi, e Lippard credeva di far parte della generazione che stava portando l’arte verso il suo apice evolutivo. Ma il tempo non procede in avanti; semplicemente passa. La cultura non è lineare; si ripete. L’umanità regredisce con la stessa rapidità con cui evolve. E la verità era negli anni ’60 e ’70, e lo è ancora oggi, che gli artisti trovano modi per dematerializzare con la stessa rapidità con cui altri riscoprono come materializzarla.

In definitiva, Lippard deve averlo capito anche mentre scriveva sul tema della dematerializzazione, perché il suo saggio si conclude chiedendo se il cosiddetto punto zero nell’arte sia probabile che venga raggiunto presto. La risposta, afferma, è: “Non sembra molto probabile.” Anche oggi, mentre gli artisti vendono creazioni virtuali che esistono solo nello spazio digitale, possiamo ancora sostenere che la dematerializzazione è una fantasia. Qualsiasi cosa che può essere vista è per definizione materiale, anche se può essere vista solo attraverso occhiali per realtà virtuale. Ma a nostro avviso questo dimostra solo che forse raggiungere la dematerializzazione non è mai stato davvero l’obiettivo. L’obiettivo che Lippard stava veramente esprimendo era semplicemente che un aspetto importante dell’arte visiva è impegnarsi instancabilmente nella ricerca di come esprimere di più con meno. Qualsiasi artista che lavori verso la dematerializzazione sta anche lavorando verso la semplicità. E la semplicità conduce alla scoperta di ciò che è veramente indispensabile, e quindi veramente significativo. Questa sicuramente non è la fase finale dell’arte. Ma è una che è capace di ricordarci qual è il vero valore dell’arte.

Immagine in evidenza: Joseph Schillinger - Ritmo Rosso (dettaglio), serie sviluppata da La Base Matematica delle Arti, ca. 1934, gouache su carta, area immagine: 20,32 x 30,32 cm; foglio: 26,67 x 35,24 cm, Collezione Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio