Cosa era la dematerializzazione dell'oggetto d'arte?

Lucy Lippard—gigante della critica d'arte americana, autrice di oltre 20 libri e co-fondatrice di Printed Matter, il venditore per eccellenza di libri realizzati da artisti—ha compiuto 80 anni quest'anno. Nonostante la sua moltitudine di altre realizzazioni, Lippard è meglio conosciuta per “La Dematerializzazione dell'Arte,” un saggio che ha co-autore con John Chandler nel 1968 (disponibile online qui). Nel saggio, Lippard ha presentato prove che l'arte potrebbe entrare in una fase di puro intellettualismo, il cui risultato potrebbe essere la completa scomparsa dell'oggetto d'arte tradizionale. Il pezzo è nato e ha aiutato a contestualizzare il decennio precedente di arte concettuale incredibilmente inventiva, che spesso lasciava dietro di sé solo reliquie effimere, non archivistiche, o nessuna reliquia se non forse registrazioni di esperienze. Gli artisti concettuali erano devoti a rendere le idee il fulcro centrale del loro lavoro, e molti sostenevano in modo convincente che gli oggetti che gli artisti creano per esprimere le loro idee non sono altro che prodotti di scarto, e che le idee stesse sono l'unica cosa degna di considerazione. Il saggio è stato enormemente influente all'epoca: tanto che Lippard lo ha seguito con un libro chiamato Sei Anni, analizzando ampiamente le prove di questa tendenza. Ma ovviamente, a lungo termine, la sua premonizione si è rivelata inaccurata, poiché gli oggetti d'arte devono ancora dematerializzarsi. Tuttavia, in celebrazione del prossimo 50° anniversario della pubblicazione originale di La Dematerializzazione dell'Arte, pensavamo di prendere un momento per approfondire questo saggio influente e mettere in evidenza ciò che di esso è rilevante per il nostro tempo.

La scienza dell'arte

Lippard ha basato i concetti fondamentali di cui ha discusso in La Dematerializzazione dell'Arte su un'idea esposta per la prima volta in un libro chiamato Le Basi Matematiche delle Arti, scritto dal pittore americano Joseph Schillinger. In quel libro, Schillinger ha diviso tutta la storia dell'arte in cinque categorie di fenomeni estetici. Prima, ha spiegato, venne la fase "pre-estetica" di imitazione. Poi venne l'arte ritualistica o religiosa. Poi venne l'arte emotiva. Poi l'arte razionale, basata sull'esperienza. E poi la quinta, e presunta "fase estetica finale" descritta da Schillinger era "scientifica", o ciò che lui chiamava "post-estetica". Questa fase finale, prevedeva, culminerebbe nella "liberazione dell'idea" e porterebbe alla "disintegrazione dell'arte."

Mentre contemplava l'evoluzione dell'arte negli anni '50 e '60, Lippard credeva che ciò che stava osservando fosse l'emergere di questa quinta fase dell'arte. E ne era entusiasta. Considerava la dematerializzazione un cambiamento positivo e vitale. Dopotutto, se l'oggetto estetico potesse smettere di esistere come il fulcro centrale dell'arte, allora l'arte potrebbe essere liberata dalla mercificazione, il sistema spesso vile che esercita tanta forza distruttiva sulla vita e sul lavoro di molti artisti.

Joseph Schillinger - Quadrati Verdi, dalla serie, Le Basi Matematiche delle Arti, ca. 1934, tempera su cartone, Smithsonian, foto via rendaan.com

La Scienza delle Merci

Come prova che la dematerializzazione era iniziata, Lippard citò movimenti come Light and Space, che erano di natura visiva ma non basati su oggetti, e Minimalismo, che riduceva drasticamente l'oggetto estetico. Tali movimenti, credeva, diminuivano l'importanza dell'aspetto visivo di un'opera d'arte, definendo il visivo più come un punto di partenza per un'esperienza immateriale e intellettuale. Ma una delle critiche iniziali e ovvie a La Dematerializzazione dell'Arte era che, anche se questi concetti effimeri e concettuali erano meno basati su oggetti, risultavano comunque in fenomeni fisici. Anche un artista di performance crea una cosa—una performance—che può essere venduta come un'esperienza, o registrata.

Non importa quanto sia lieve un reperto creato da un artista, può diventare fetishizzato e scambiato come una merce. L'unico modo per evitare completamente la possibilità di mercificazione è non condividere mai un'idea: allora forse il rispetto e la sacralità dell'esperienza intellettuale possono essere preservati. Ma solo le idee condivise possono essere veramente chiamate arte. E non appena un'idea viene condivisa, può essere posseduta, manipolata ed espressa in altri modi, o in altre parole, materializzata. E non appena qualcosa si materializza, può essere comprata e venduta come una merce.

Joseph Schillinger - Studio incompleto in ritmo, serie sviluppata da Le basi matematiche delle arti, ca. 1934, pastello e matita su tavola illustrativa, foglio: 14 7/8 x 19 7/8 pollici (37,78 x 50,48 cm), Collezione Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Le cinque fasi

Rileggendo La Dematerializzazione dell'Arte oggi, l'unico vero errore che sembra evidente è come presenta le cinque fasi dell'arte, come spiegato da Schillinger, come qualcosa di lineare. È sempre allettante per ogni generazione vedersi come in prima linea nella modernità. Schillinger pensava che l'arte fosse progredita storicamente attraverso fasi, e Lippard pensava di far parte della generazione che stava portando l'arte verso il suo apice evolutivo. Ma il tempo non avanza; semplicemente passa. La cultura non è lineare; si ripete. L'umanità si de-evolve tanto rapidamente quanto si evolve. E la verità era negli anni '60 e '70, e lo è ancora oggi, che gli artisti stanno trovando modi per dematerializzarsi tanto rapidamente quanto altri stanno riscoprendo come materializzarla.

In definitiva, Lippard deve averlo realizzato anche mentre scriveva sull'argomento della dematerializzazione, perché il suo saggio si conclude chiedendo se il cosiddetto punto zero nell'arte sia probabile che venga raggiunto presto. La risposta, afferma, è: “Sembra difficile.” Anche oggi, mentre gli artisti vendono creazioni virtuali che esistono solo nello spazio digitale, possiamo ancora sostenere che la dematerializzazione è una fantasia. Qualsiasi cosa possa essere vista è per definizione materiale, anche se può essere vista solo attraverso occhiali per la realtà virtuale. Ma a nostro avviso, questo dimostra solo che forse raggiungere la dematerializzazione non è mai stato davvero l'obiettivo. L'obiettivo che Lippard stava realmente perseguendo era semplicemente che un aspetto importante dell'arte visiva è impegnarsi instancabilmente nella ricerca per scoprire come esprimere di più con meno. Qualsiasi artista che lavora verso la dematerializzazione sta anche lavorando verso la semplicità. E la semplicità porta alla scoperta di ciò che è veramente indispensabile, e quindi veramente significativo. Questo non è sicuramente la fase finale dell'arte. Ma è una fase che è in grado di ricordarci qual è il vero valore dell'arte.

Immagine in evidenza: Joseph Schillinger - Red Rhythm (dettaglio), Serie sviluppata da The Mathematical Basis of Ars, ca. 1934, gouache su carta, area dell'immagine: 8 x 11 15/16 pollici (20,32 x 30,32 cm); foglio: 10 1/2 x 13 7/8 pollici (26,67 x 35,24 cm), Collezione Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo

Di Phillip Park