Perché Naum Gabo è stato fondamentale per la scultura del XX secolo
Naum Gabo è stato uno degli “artisti importanti” per eccellenza del XX secolo. È stato plasmato dal suo tempo, e ha sviluppato una posizione artistica che ha a sua volta plasmato il suo tempo e il nostro. Ciò che rende il suo contributo particolarmente impressionante è che ha vissuto circostanze che avrebbero facilmente potuto rendere qualcuno cupo. Ma invece di soccombere alla depressione o alla sconfitta, ha scoperto i modi in cui l’arte si intreccia con la vita quotidiana, creando opere che hanno migliorato la sua visione e quella di molti altri. Inoltre, Gabo faceva parte della generazione di artisti che immaginava che un artista non dovesse essere vincolato a un solo tipo di espressione creativa. Le opere create da Gabo spaziano in molte discipline, dalla scultura alla pittura, dall’architettura alla scenografia teatrale. Egli vedeva l’artista non come una figura isolata, sola in una stanza con il proprio genio, ma come un ambasciatore creativo socialmente impegnato, la cui immaginazione poteva essere un canale per la diffusione di una vasta gamma di esperienze e concetti. Pioniere del costruttivismo; membro chiave di Abstraction-Création; apripista dell’arte cinetica; Gabo è davvero un esempio per gli artisti di ogni generazione su come non solo esprimersi attraverso le proprie opere, ma anche su come incorporare le proprie opere e se stessi nel tessuto stesso della propria cultura.
La strada verso il costruttivismo
Nato in una famiglia di sette figli a Brjansk, in Russia, Gabo fu espulso da scuola a 14 anni per aver scritto poesie “sovversive”. A 15 anni, assistette in prima persona alle atrocità durante la rivoluzione russa del 1905, durata un anno e mezzo. Le scene di operai picchiati per strada consolidarono la sua coscienza di rivoluzionario sociale e anticonformista. Ma a quell’età Gabo non era ancora un artista. Il suo primo contatto con l’arte avvenne solo quando aveva vent’anni. A 21 anni si iscrisse a medicina, dicendo di voler essere in grado di curare sua madre, che soffriva di mal di testa. Presto cambiò indirizzo, passando rapidamente da una materia all’altra, studiando prima matematica, poi scienze, filosofia e ingegneria. Fu solo quando seguì un corso di storia dell’arte nel 1912 e lesse Lo spirituale nell’arte di Wassily Kandinsky che ebbe un’epifania, rendendosi conto di come gli artisti della sua generazione intrecciassero le loro convinzioni con altri aspetti della vita moderna. Ispirato a iniziare la sua vita creativa, si trasferì a Parigi con suo fratello, Antoine Pevsner, che stava anch’egli diventando artista.
Naum Gabo - Fusione in bronzo dell’alabastro in ‘Costruzione con intaglio di alabastro’, 1966. Bronzo e plexiglass. 15 × 18 1/5 × 5 1/10 pollici; 38 × 46,2 × 12,9 cm. Edizione 4/6. Foto per gentile concessione di Annely Juda Fine Art, Londra
Naum Gabo - Tema sferico: variazione nera, 1937. Rodioide trasparente e celluloide nera.
Diametro 16 7/10 pollici; diametro 42,5 cm. Foto per gentile concessione Galerie Natalie Seroussi
Creare lo spazio
Un’idea chiave che Gabo ha aggiunto alla storia della scultura è che una massa non deve essere scolpita o fusa affinché una scultura prenda forma. Il suo metodo era quello di “costruire”, assemblando una forma da elementi disparati in modo da permettere che lo spazio esista tra gli elementi — uno dei significati del termine costruttivismo. Un altro significato di quella parola, costruttivismo, riguarda la creazione di arte che sia costruttiva, cioè utile o funzionale alla società. Gabo credeva che il suo metodo di costruzione delle sculture rispondesse anche a questa descrizione, poiché incarnava l’idea dello spazio, un concetto moderno espresso da Albert Einstein nella sua Teoria generale della relatività, pubblicata nel 1915, e del tempo, un elemento che Gabo aggiunse alle sue opere cinetiche, poiché vedeva il movimento sia come espressione letterale sia artistica del passare dei momenti.
Naum Gabo - Costruzione lineare nello spazio n. 1, 1943. Lucite con filo di nylon.
24 1/8 × 24 1/4 × 9 7/8 pollici; 61,3 × 61,6 × 25,1 cm. Phillips Collection
Quando Gabo tornò in Russia, sperando di portare a maturazione le sue idee costruttiviste al servizio della sua patria, l’epoca del realismo socialista stava prendendo slancio. La sua arte astratta non aveva valore per il suo paese, così fu costretto ancora una volta a viaggiare. Trascorse del tempo in Germania, dove strinse amicizia con membri chiave del Bauhaus; a Parigi, dove progettò scenografie e costumi per il balletto e conobbe artisti come Piet Mondrian; e in Inghilterra, dove strinse amicizia con membri della Scuola di St. Ives, come Barbara Hepworth e Ben Nicholson. Infine, dopo la Seconda guerra mondiale, Gabo si trasferì in America, dove continuò a far evolvere la sua posizione estetica fino alla sua morte nel 1977. Le opere che ha lasciato sono sia un frutto delle sue esperienze, sia una risposta a esse. La sua visione si è formata dall’idea che storicamente la civiltà umana fosse stata poco più che caos e violenza. Ha dimostrato attraverso la sua arte che le cose superficiali non sono importanti quanto la sostanza interiore e i ritmi universali. La sua importanza risiede non solo nell’unicità della sua visione estetica, ma anche nel modo in cui le sue opere esemplificano come l’arte astratta possa interagire con la vita quotidiana al servizio di un mondo più armonioso.
Immagine in evidenza: Naum Gabo - Pietra bianca, 1963-1964. Marmo grigio chiaro su marmo dipinto di nero. 18 1/10 × 23 1/5 pollici; 46 × 59 cm. Foto per gentile concessione di Annely Juda Fine Art, Londra.
Di Phillip Barcio
