革命的な画家 – オリヴィエ・モスネとのインタビュー

スイス生まれの抽象画家オリヴィエ・モッセは、50年以上にわたり革新的な美学を表現し続けています。彼の作品は視覚的に強烈でミニマルであり、幾何学的で単色の形態言語に基づいています。彼を革新的だと考える理由の一つは、しばしば彼の作品とともにオートバイを展示することです。絵画はバイクの地位を高め、バイクは絵画をより民主的なものにします。この習慣は1960年代のパリで、ダニエル・ビュレン、ニエル・トロニ、ミシェル・パルマンティエと共にミニマリストの芸術集団BMPTの一員だった頃に始まりました。最近では、マルセイユのル・コルビュジエ設計の集合住宅「輝く都市」の屋上ギャラリーMAMOで、1957年製ハーレーダビッドソン74パンヘッドと二点の輝く大作絵画を同時に展示しました。作品とオートバイが一体となり、美しく官能的で意味深く、感動を呼ぶ対象を讃える聖域へと空間を変貌させました。モッセは1977年から住み制作しているアリゾナ州ツーソンの自宅から最近私と話をしました。以下に掲載する対話では、方法、意図、そして芸術と時間の関係など多くの話題について寛大に語ってくれました。

フィリップ・バルシオ（IdeelArt）: あなたの作品における意味ある偶然の役割とは何でしょうか？つまり、観る者に共時性を呼び起こすと信じる構図を積極的に作ろうとしていますか？
オリヴィエ・モッセ: 人々が何を見るかは正直よくわかりませんし、あまり気にしていません。ただ、物事は空から降ってくるわけではありません。確かにここには他のものや、それらを可能にした条件と関係する何かがあります。

IA: 私にとって、あなたのオートバイはこの考えに関係しているように思えます。芸術の知識がない人でも本能的にそれらを本能的に尊重します。
OM: 特定の種類のオートバイを街に停めると、人々がそれを見ていることに気づきました。

オリヴィエ・モッセ - 無題、1970年。キャンバスにアクリル。39 2/5 × 39 2/5インチ；100 × 100センチ。ギャラリー・アンドレア・カラッチ、サンモリッツ

IA: あなたのオートバイを展示空間で見て、芸術に無知な観客が歓迎されたと感じたことを覚えていますか？
OM: そのような状況はハンター・カレッジで起こったかもしれません。ギャラリーは通りに面した窓がありました。

IA: 妻はあなたの単色画が観る者に「着地する場所」を与えると言います。焦点を提供するのではなく、視点を提供するのだと。あなたも単色画をそのように理解していますか？
OM: 自分がしていることを、実際にやることで理解しようとしています。

IA: かつて、三つの連結したピラミッド形の黒い床彫刻と、ピラミッドの形を反響させるオレンジの線が入ったピンクの絵画を一緒に展示しましたね。言葉にしにくい視覚的な問題を解決してくれました。
OM: はい、カンポリ＝プレスティでのことです。あなたはその視覚的状況を「言葉にしにくい」と言いましたが、それがまさに私にとっての効果でした。

IA: その展示は、あなたがかつて言った「絵画は基本的に制度批判である」という言葉を超越しているように見えました。絵画はそれだけのものだと思いますか？
OM: ここで絵画を定義するつもりはありませんが、私にとって絵画はそれが何であるか、他の絵画が何であるか、そして最終的には一つの体系を問いかけるものかもしれません。

オリヴィエ・モッセ - 無題（T）、2013年。キャンバスにポリウレタン。71 3/10 × 95 1/2インチ；181 × 242.5センチ。ギャラリー・アンドレア・カラッチ、サンモリッツ

IA: あなたの現在の住まいであるツーソンの自然環境は、ニューヨーク、パリ、ベルンのそれと比べてどのように異なりますか？
OM: ここにはサボテンがあります。でも絵画には独自の論理があります。

IA: あなたはかつて作品の起源について「はい、物事はどこかから来る」と答えましたね。それが面白かったです。芸術の起源は私たちの反応と比べて重要でしょうか？
OM: 無視できない歴史があり、もちろん実際の状況もあります。あまり説明しすぎないようにしています。誰でも質問はできますが、答えが得られるとは限りません。

IA: あなたの芸術は時間の外に存在しますか？
OM: 時間から逃れることはできないと思います。

IA: いわゆる直線的な美術史にあなたの作品はどう関わっていますか？
OM: 「我々は一度そこにいる」とフロイトが引用した詩人の言葉があります。[フロイトは『文明とその不満』でクリスチャン・ディートリヒ・グラッベの言葉を引用しました：「はい、我々は世界から落ちることはない。一度そこにいるのだ。」] 私たちには歴史と美術史があります。グリーンバーグ的な歴史観は20世紀には興味深く、ある意味で理にかなっていました。私にとってはルネサンス、バロック、19世紀、20世紀初頭を見ていました。また、私が制作していた時期の他の芸術家の動向も見ていました。しかし20世紀末には状況が変わったように思えます。ネオエクスプレッショニズムやネオジオも弁証法の一部でしたが、その後すべてが爆発しました。何でも可能になったのです（それは悪くないかもしれません）が、正直言って今は少し迷っています。結局、私の制作はかなり自己中心的です。だからあまり多く語りたくありません。見る時にそれが何であるかに向き合うしかないのです。すべてはそこにあります。特定の時代に作られ、もしかしたらその時代には特に関係がないかもしれません。

オリヴィエ・モッセ - 無題、2015年。キャンバスにアクリル。116 1/2 × 116 3/10インチ；296 × 295.5センチ。ギャラリー・アンドレア・カラッチ、サンモリッツ

IA: あなたのラディカル・ペインティング・グループの仲間がかつて「絵画制作こそが絵画の唯一の重要性であると知る必要があった」と言いました。この考えはアグネス・マーティンの「芸術への反応こそが真の芸術の場である」とは対立しますね。
OM: フレッド・サーズの言葉です。[Robert] ライマンは「何をするかではなく、どうするかが重要だ」と言いました。そしてアグネス・マーティンが言ったかもしれないように、最終的には「何を見るか」なのです。

IA: 芸術を作ることと芸術に反応することの違いは何だと思いますか？
OM: これらの絵を作らなければ見られないという感覚があります。そして幸運にもそれらを展示できるので、それが何であるかを見る助けになります。

IA: あなたの絵画は記号だと考えますか？それとも目的地のように見ますか？
OM: 目的地や記号という意味がよくわかりません。私の絵画は「自らの外に向かっている」と言われたことがありますが、それには同意します。いずれにせよ、ここでも決めるのは他者です。

2018年11月17日まで、モッセのグラフィック作品がローレ・ジェニラード・ギャラリー（ロンドン）で展示されています。

特集画像：オリヴィエ・モッセ - ゴールドスター、2008年。キャンバスにポリウレタン吹き付け。69 7/10 × 73 1/5インチ；177 × 186センチ。ギャラリー・アンドレア・カラッチ、サンモリッツ