フランク・アウエルバッハの風景画と肖像画 ニューヨークにて

現在、ニューヨークのティモシー・テイラーで、偉大なイギリスの画家フランク・アウエルバッハのコンパクトでエレガントな絵画展が開催されています。フランク・アウエルバッハ：風景と肖像は、今日のイギリスで最も影響力のある画家の一人の長いキャリアの数十年を考察しています。アウエルバッハは60年以上にわたり絵を描いてきましたが、この展示の際立った点は、彼が伝える一貫性です。これは、この特別なアーティストへの証であり、彼の視覚スタイルは、時間の経過とともに進化しつつも安定しているのです。現在80代後半のアウエルバッハは、北ロンドンの同じアトリエで50年以上働いています。その間、彼は主に二つの一般的な主題、すなわち地元の風景と選ばれた数人のモデルの絵を描くことに集中してきました。アウエルバッハのためにポーズをとることがどのようなものであるかについて、喜びを感じた人々が語った説明は、華やかではありません。ある人はそれを長い医療手続きに似ていると表現し、他の人はアウエルバッハが働く環境を原始的な実験室のようで、粘り気のある絵の具があふれていると描写しました。それでも、偉大なアウエルバッハのためにポーズをとることは名誉と見なされています。その事実は、この画家が長いキャリアの中で達成してきたことの本質に関係しています。彼は毎日、週7日、アトリエでフルタイムで働いています。彼の献身と集中力は、彼自身の本質に触れることを可能にしました。彼の個人的なスタイルは非常に簡潔で認識しやすく、一度アウエルバッハの絵を見れば、他のすべての作品を瞬時に認識できるようになります。それでも、すべてのアウエルバッハの絵は否応なく独自のものです。彼自身に特有のシグネチャースタイルを創造する一方で、このアーティストは、彼の主題の本質を凝縮することを可能にする共感的な直感を磨いてきました。これにより、彼は彼らが誰であるか、または何であるかについての真実の一つを伝えることができるのです。

ペイントへの本能的な愛

アウエルバッハの絵画を見たときに最初に気づくのは、絵の具の厚みです。彼のインパストの表面は、絵画が別のものになる前にどれだけのメディウムを塗りたくれるかという限界に挑戦しているようです。近くで見ると、材料の香りが体験の一部となり、画家の隆起によって生じる影が画像の詳細な読み取りを歪めます。遠くから見ると、メディウムの重要性は薄れ、主題の魂が現れます。アウエルバッハは、あなたがこの生々しい方法で彼の絵画と対話することを意図しています。絵の具、テクスチャー、または色と光の相互作用のいずれがあなたを引き込むにせよ、彼はあなたが直感的なレベルで作品とつながることを望んでいます。彼がかつて言ったように、「絵画が機能するためには、読む機会が与えられる前に機能しなければならないと強く感じています。」

フランク・アウエルバッハ：風景と肖像、ティモシー・テイラー・ニューヨークでのインスタレーションビュー、2018年。写真提供：ティモシー・テイラー・ニューヨーク

アウエルバッハが完成したイメージに到達するプロセスは、時間がかかり、労力を要します。彼の風景画は実物を見て描かれるのではなく、シーンをスケッチし、そのスケッチをもとに作業を進めます。絵画が一見完成したかのように見えた後、彼は翌日それに戻り、ほとんど満足することはありません。そこで、彼は絵の上層を削り取り、再び始めます。削られたキャンバスは、構図のいくらかのエコーを保持しており、以前のものの本質的で抽象化された記憶を持っています。彼は毎日その記憶の上に積み重ね、新しい印象を加えていきます。最終的に、完成した絵画には重みがあり、実際の物理性があります。過去の層が覗き見え、何かが自らの精神を持っているかのような印象を与えながら、その歴史を主張します。これは、人々や場所に対して好奇心を持ち、絵の具を愛し理解している人のプロセスです。

フランク・アウエルバッハ：風景と肖像、ティモシー・テイラー・ニューヨークでのインスタレーションビュー、2018年。写真提供：ティモシー・テイラー・ニューヨーク

足し算と引き算

視覚的に言えば、ティモシー・テイラーで展示されているアウエルバッハの作品のキュレーションは、アウエルバッハをユニークにする別の側面を示しています。それは、アーティストがどのように作業するかの加法的および減法的な側面です。同じモデルの2つの絵画、「JYMの頭部」（1984年）と「スタジオに座るJ.Y.M III」（1988年）を考えてみてください。両方の画像は、厚い絵の具の層で高く積み上げられています。これらは、アウエルバッハが塗料を追加すればするほど、画像がほぼゼロの詳細にまで減少するという逆説を示しています。一見すると、これら2つの絵画の中の人物は非常に削ぎ落とされていて、ほとんど完全な抽象に溶け込んでしまいます。しかし、画像をじっくりと鑑賞すればするほど、より多くの感情的な詳細を認識するようになります。各絵画の中の人物のエネルギーは同じであることを徐々に認識しますが、見た目はほとんど似ていません。これが、アウエルバッハが習得した減少の秘密の加法的な力です。光学を単純化することで、彼は感情を加えます。彼が示す詳細が少ないほど、彼は何らかの形で内面的な生命を明らかにします。

フランク・アウエルバッハ：風景と肖像、ティモシー・テイラー・ニューヨークでのインスタレーションビュー、2018年。写真提供：ティモシー・テイラー・ニューヨーク

この展覧会のいくつかの風景画においても同様の効果が見られます。例えば、「ココ、モーニントン・クレセント、夏の朝」（2006年）です。ほとんど線とくねくねした筆致のシリーズに還元されているこの絵画は、純粋に抽象的に見えます。しかし、インパストの層をじっと見つめていると、色の押し引きがその魔法を発揮し、空間の構造が明らかになっていきます。徐々に都市環境が現れますが、純粋な都市ではありません。自然の要素も存在し、昼光の感覚が公園のような雰囲気を呼び起こします。これらの絵画は、アーネスト・ヘミングウェイがかつて作家に「ただ一つの真実の文を書くことだけをすればよい」と助言したことを思い出させます。アウエルバッハは、そのアドバイスの絵画的なバージョンを体現しています。彼が創り出す各絵画は、主題についての本質的な何か—一つの真実を示しています。そして、この展覧会が明らかにするように、各絵画はアウエルバッハ自身の一瞥でもあります。その結びつきの中で、何か魔法のようなことが起こります—アウエルバッハは彼の主題と一体となり、その共鳴は常に絵の中に表れます。フランク・アウエルバッハ：風景と肖像は、ティモシー・テイラー・ニューヨークで2018年6月23日まで展示されています。

特集画像：フランク・アウエルバッハ：風景と肖像、ティモシー・テイラー・ニューヨークでのインスタレーションビュー、2018年。写真提供：ティモシー・テイラー・ニューヨーク

フィリップ Barcio による