フランク・アウエルバッハの風景画と肖像画 ニューヨークにて
偉大な英国の画家フランク・アウアーバッハによる絵画の小規模で優雅な展示が、現在ニューヨークのティモシー・テイラーで開催されています。フランク・アウアーバッハ：風景と肖像は、今日の英国で最も影響力のある画家の一人の長いキャリアの数十年を振り返ります。アウアーバッハは60年以上にわたり絵を描き続けていますが、この展示の特筆すべき点は、その一貫性にあります。これは、彼の視覚的な様式が時間とともに進化しつつも安定しているという特別な画家の証です。現在80代後半のアウアーバッハは、北ロンドンの同じアトリエで半世紀以上制作を続けています。その間、主に二つの一般的な題材に焦点を当ててきました。地元の風景と限られた数のモデルです。アウアーバッハのためにポーズをとった人々が語るその体験は、華やかなものではありません。ある人は長時間の医療処置のようだと表現し、また別の人はアウアーバッハの作業環境を原始的な実験室のようだと述べ、油分の多い絵具があふれているといいます。それでも、偉大なアウアーバッハのためにポーズをとることは名誉とされています。その理由は、この画家が長いキャリアの中で成し遂げてきたことの本質に関係しています。彼は毎日、週7日、アトリエで一日中制作に取り組んでいます。その献身と集中力は、彼自身の本質に触れることを可能にしました。彼の個性的な様式は非常に簡潔で認識しやすく、一度アウアーバッハの絵を見れば、他の作品もすぐに見分けられます。それでいて、すべてのアウアーバッハの絵は間違いなく唯一無二です。独自の署名的な様式を作り上げる一方で、この画家は共感的な直感も磨き上げ、被写体の本質を抽出し、彼らやそれらが何であるかについて少なくとも一つの真実を伝えることができるのです。
絵具への本能的な愛情
アウアーバッハの絵を見て最初に気づくのは、絵具の厚みです。彼の厚塗りの表面は、絵が別のものになってしまう前にどれだけの絵具を盛れるかという限界に挑戦しているように見えます。近くで見ると、材料の香りも体験の一部となり、絵具の隆起による影が細部の読み取りを歪めます。遠くから見ると、絵具の存在感は薄れ、被写体の魂が現れます。アウアーバッハは、鑑賞者がこのような本能的な方法で彼の絵と関わることを意図しています。絵具であれ、質感であれ、色と光の相互作用であれ、あなたを引き込むものが何であれ、彼は直感的なレベルで作品とつながってほしいのです。彼はかつてこう言いました。「絵が機能するためには、読む前に機能しなければならないと強く感じています。」
フランク・アウアーバッハ：風景と肖像、ニューヨーク・ティモシー・テイラーでの展示風景、2018年。写真提供：ティモシー・テイラー・ニューヨーク
アウアーバッハが完成した作品に至る過程は時間がかかり骨の折れるものです。彼の風景画は写生から描かれるのではなく、まずスケッチをし、そのスケッチをもとに制作します。一見完成したように見えても、翌日にはほとんど満足せず、上層の絵具を削り落として再び描き始めます。削り取られたキャンバスには構図の残響が残り、以前の何か本質的で抽象化された記憶が宿っています。毎日その記憶に新たな印象を重ねていきます。最終的に完成した絵は重みがあり、実体感があります。過去の層が覗き見え、その歴史を主張し、まるで独自の魂を持つかのような印象を与えます。これは人や場所に好奇心を持ち、絵具を愛し理解する者の制作過程です。
フランク・アウアーバッハ：風景と肖像、ニューヨーク・ティモシー・テイラーでの展示風景、2018年。写真提供：ティモシー・テイラー・ニューヨーク
加えることと削ること
絵画的に言えば、ティモシー・テイラーで展示されているアウアーバッハ作品のキュレーションは、彼の独自性を示すもう一つの側面、すなわち加法的かつ減法的な制作方法を示しています。同じモデルを描いた二つの作品、「Head of JYM」（1984年）と「J.Y.M Seated in the Studio III」（1988年）を考えてみてください。どちらの絵も厚い絵具の層が積み重なっています。アウアーバッハが絵具を多く重ねるほど、画像はほとんど詳細がゼロにまで削ぎ落とされるという逆説を体現しています。一見すると、これら二つの絵の人物は非常に簡略化され、ほとんど完全な抽象に溶け込んでいるように見えます。しかし、じっくりと鑑賞すると、より多くの感情的な細部が見えてきます。外見はほとんど似ていなくても、両方の絵の人物のエネルギーは同じであることに気づきます。これがアウアーバッハが習得した減法の秘密の加法的力です。視覚的な要素を単純化することで、感情を増幅させているのです。細部を減らせば減らすほど、内面の生命がより多く現れるのです。
フランク・アウアーバッハ：風景と肖像、ニューヨーク・ティモシー・テイラーでの展示風景、2018年。写真提供：ティモシー・テイラー・ニューヨーク
同じ効果は、この展覧会のいくつかの風景画にも見られます。例えば「Koko, Mornington Crescent, summer morning」（2006年）です。線やくねった筆跡の連なりにほぼ還元されたこの絵は、純粋に抽象的に見えます。しかし、厚塗りの層をじっと見つめるほどに、色の押し引きが魔法のように作用し、空間の構成が明らかになります。ゆっくりと都市環境が現れますが、純粋な都市ではありません。自然の要素も存在し、日光の感覚が公園のような雰囲気を呼び起こします。これらの絵は、アーネスト・ヘミングウェイがかつて作家に「真実の一文を書けばよい」と助言したことを思い出させます。アウアーバッハはその絵画版を体現しています。彼の描く一枚一枚の絵は、被写体の本質、すなわち一つの真実を示しています。そしてこの展覧会が明らかにするように、各作品はアウアーバッハ自身の一端も垣間見せています。その結合の中で何か魔法のようなものが起こり、アウアーバッハは被写体と一体となり、その交感は常に絵具の中に表れます。フランク・アウアーバッハ：風景と肖像はティモシー・テイラー・ニューヨークにて2018年6月23日まで開催中です。
特集画像：フランク・アウアーバッハ：風景と肖像、ニューヨーク・ティモシー・テイラーでの展示風景、2018年。写真提供：ティモシー・テイラー・ニューヨーク
フィリップ・Barcio 著
