記事: 幾何学的抽象: マレーヴィチとモンドリアンのもう一つの英雄的物語ではない
幾何学的抽象: マレーヴィチとモンドリアンのもう一つの英雄的物語ではない
なぜ直線が今も重要なのか
幾何学的抽象は、誰もが知っていると思っている美術史の一つです。Malevichのいくつかの正方形、原色のMondrian、目が痛くなるようなオプ・アート、そして物語はそこで終わるとされています。ほとんどの美術館のラベルや一般書籍では、それは線形で英雄的、やや厳格な物語として現れます：少数の先駆者たちが一連の突破口を開き、それぞれが次へときちんとつながり、章が閉じられます。
しかし、現代の絵画、彫刻、デジタル作品における直線、グリッド、コード化された構造の持続は別の何かを示唆しています。幾何学は閉じた章ではなく、芸術家たちが繰り返し学び、争い、新たな目的に曲げていく生きた言語です。この線形の英雄的物語を繰り返すのではなく、本記事は20世紀初頭から今日までの幾何学的抽象を貫く一連の緊張関係、すなわち精神的対合理的、ユートピア対皮肉、手作業対コードに焦点を当てます。
(そして、幾何学的抽象の基本的で、正直言ってやや退屈な物語だけを求めている方は、このページの一番下にあるFAQに直接スクロールしてください：教科書的なバージョンが完璧にカバーされています！)
精神的な正方形と非客観的信仰
20世紀初頭、幾何学は今日私たちが考えるような清潔で世俗的なデザインツールではありませんでした。それは非常に奇妙なものでした。Wassily KandinskyやKazimir Malevichのような芸術家にとって、幾何学はオカルトの手段でした。神智学や「思考形態」が見えるという考えに強く影響され、彼らは三角形や円を単なる形状としてではなく、力の凝縮されたドラマとして見ていました。
MalevichがBlack Squareを描いたとき、それは形式主義的な演習ではなく、新しい宗教のための「裸の、枠のないアイコン」と呼ばれました。彼の献身は完全でした：1935年に亡くなったとき、Black Squareは彼の棺を運ぶトラックのボンネットに、連隊旗のように取り付けられました。この系譜は、硬いエッジが柔らかい精神に奉仕するものであり続けています。それは数学の問題ではなく、呼吸の問題です。
C63 by Elizabeth Gourlay (2022)
この遺産は故Elizabeth Gourlay（1961–2024）の作品に見られます。彼女の実践は決して線の硬直性についてではなく、その共鳴についてでした。視覚的な音楽を求めた初期の先駆者たちと同様に、Gourlayの構成は楽譜として機能しました。しかし、Malevichが急進的なゼロポイントを求めたのに対し、Gourlayは瞑想的な蓄積を見出し、色とトーンの微妙な変化を使って、構築されたのではなく成長したように感じられる幾何学、設計図ではなく「心の状態のグラフ」を作り出しました。
原色とConcrete Artにおけるユートピア
De Stijlや構成主義、そして後のConcrete Artとともに異なる信念が生まれました。ここで、グリッドは魂への窓ではなく、より良い社会のモデルでした。決定的な瞬間は、Theo van Doesburgが1930年にConcrete Artのマニフェストを発表し、「線、色、面ほど現実的なものはない」と宣言した時でした。この考えは急進的でした：抽象画は現実から抽象化します（単純化された木のように）が、Concrete画はそれ自体が現実です。嘘をつきません。
感情の混乱から解放された絶対的な明快さの芸術を求めるこの探求は、特定の静かな強度を生み出しました。この雰囲気は、私たちIdeelArtがよく訪れるムアン＝サルトゥーのMusée d’Art Concretで感じられます。これは、この特定の抽象形態が、混沌とした世界の中で論理の聖域としての平和の物理的な体験を提供することを思い出させてくれます。
XXIV 33 212 (Diptych) by Pierre Muckenstürm (2024)
「具体的な」安定感はPierre Muckensturmの作品の中心です。彼は一時的な感情を表現しようとしているのではなく、物体を構築しています。キャンバスを慎重に調整された間隔と重さで組織することで、避けられないように感じられる静けさを生み出しています。これはConcreteの約束の現代的な継続であり、完璧にバランスの取れたイメージが、もしかすると、バランスの取れた心を誘発するかもしれないというものです。
グリッド、都市、そしてサイン
世紀が進むにつれて、グリッドはユートピア的な設計図からより曖昧なものへと移行しました。それは刑務所の格子やスプレッドシートのレイアウトのように見え始めました。1980年代には、Peter Halleyのようなアーティストが率いるネオジオ運動が、正方形を精神的な空虚ではなく「セル」として再解釈しました—これは生物学的な細胞と刑務所の独房の両方を指し、現代のインフラの「導管」によってつながれています。
Large Test Pattern 3 by Tom McGlynn (2002)
今日の幾何学的アーティストはしばしばこの都市景観のデコーダーとして機能します。私たちは指示的なグラフィック、地下鉄の地図、警告標識に囲まれています。Tom McGlynnはこの俗語で活動しています。彼は都市の視覚的ノイズ—店舗のショーウィンドウ、標識、ロゴ—を生のデータとして扱い、商業的メッセージを取り除いて都市環境の骨格的な構文だけを残します。
Enchantment Hurdu by Philippe Halaburda (2020)
同様に、Philippe Halaburdaは異なる種類の領域をマッピングします。彼の「サイコジオグラフィー」は、慌ただしい交通地図や爆発した回路基板のように見え、私たちの生活を定義する見えないデータと動きの流れを捉えています。Mondrianがニューヨークのグリッドのブギウギを描いたのに対し、現代のアーティストはサーバーファームの過負荷を描いています。
知覚：目がグリッチするとき
初期の抽象が真面目であったなら、中世紀は人間のオペレーティングシステムに対する「ハック」をもたらしました：オプ・アートです。1965年にMoMAが「The Responsive Eye」展を開催したとき、反応は本能的でした：訪問者の中には実際に気絶したり、吐き気を訴えたりする人もいました！作品はただそこにあるだけでなく、あなたに何かをしていました。Bridget Rileyのようなアーティストは、静止した表面が魔法ではなく視覚の生理学を通じて動きを生み出せることを証明しました。
Mareas by Cristina Ghetti (2024)
現代のアーティストたちは、網膜への攻撃的な「アサルト」からより微妙な振動へと移行しました。Cristina Ghettiは、重なり合うグリッドによって生まれる干渉パターンであるモアレ効果を用いますが、それをゆっくりと進めます。60年代の目まいを引き起こすようなめまい効果の代わりに、彼女の作品は触覚的なハム音、視覚的な周波数を提供し、鑑賞者に焦点を調整するよう促します。これは目を騙すことよりも、その限界を試すことであり、デジタルのグリッチが絵画のキャンバスと出会う空間を作り出しています。
幾何学的調和：コンピューター以前のアルゴリズム
生成AIが登場するずっと前から、幾何学的アーティストはアルゴリズムを使っていました。Sol LeWittは有名な言葉で「アイデアがアートを作る機械になる」と書きました。アーティストの仕事はコード（ルール）を書くことであり、実行は二次的でした。これは文学のウリポグループに繋がります。彼らは厳しい制約（例えば「e」の文字を使わずに小説を書く）によってより大きな創造性が生まれると信じていました。
Dawn Light Skew 2 by Debra Ramsay (2023)
今日、この「アルゴリズム的」アプローチは、コンピューターの関与の有無にかかわらず標準となっています。Debra Ramsayは人間のデータロガーとして機能します。彼女は自然環境の変化、例えば特定の木の一年間の色の変化を追跡し、そのデータを厳密な線のシステムに変換します。その結果、抽象的に見えるが実際には時間と光の特定のデータセットである絵画が生まれます。
Untitled 2023 (Black-Purple) (Left) & Untitled 2023 (Red-White) by Jasper van der Graaf (2023)
私たちはJasper van der Graafにも同様の厳格さを見ます。彼の作品はパターンという概念自体を解体します。幾何学的モジュールをシフトし再結合することで、ほとんど理解できそうな言語のような視覚的リズムを作り出します。これはシステムの美しさであり、方程式が隠れていても数学がうまくいくのを見る満足感です。
厳格さといたずら心：グリッドを破る
幾何学的なアートはユーモアがないという誤解があります。しかし、「風変わりな抽象」の長い伝統があります。例えば、フランソワ・モレルレットは円周率の数字を使って絵の曲線を決定し、ハイモ・ツォベルニグは意図的で皮肉なだらしなさを持ってグリッドを使います。幾何学はゲームであり、ルールを破る楽しみのためにルールを設定する方法でもあります。
12 Shapes by Dana Gordon (2024)
Dana Gordon Dana Gordonは、この組織的な熱狂のゾーンで活動しています。彼の絵画は、グリッドに囚われることなくそれを示唆する、密集したリズミカルな形のクラスターから構成されています。これはジャズのような幾何学的即興の一形態であり、構造がビートを提供しながらも、色彩やマーク作りは自由にリフやさまよいを許されます。その結果、生き生きとして一貫して遊び心のある「ゆるい幾何学」が生まれ、計算されたものとは感じられません。
Red Frames by Daniel Göttin (2019、アムステルダム、常設展示)
三次元の領域では、Daniel Göttinがこの遊び心を現実世界に持ち込みます。彼は工業材料、テープ、木材、金属を使い建築空間に介入します。厳格なルールに従いますが、結果は部屋の不規則性、換気口、角、窓によって決まります。これは正方形のプラトン的理想と展示壁の混沌とした現実との対話です。
平面を超えて：暴力的な幾何学
"見えるものが見えるものだ"とフランク・ステラは言い、絵画は単なる物体であり窓ではないと主張しました。これによりアーティストは長方形を完全に破壊することになりました。現代アーティストのAngela de la Cruzは幾何学的単色を取り、ストレッチャーバーを壊し、絵画を彫刻的な破片にくしゃくしゃにします。
Bulge by Holly Miller (2007)
より暴力的ではないものの、多くの現代アーティストは幾何学が平面から脱出しなければならないという考えに同様に取り組んでいます。Holly Millerは描かれた線を物理的な糸に置き換え、キャンバスに直接縫い付けます。「線」はもはや表現ではなく、実際の影を落とす物理的な張力です。
Brand New Day by Tom Henderson (2018)
同様に、Tom Hendersonは工業的仕上げの領域に入り、プレキシガラスと油彩を使って光と反射を閉じ込める壁面彫刻を作り、鑑賞者の動きに応じて変化します。そしてLouise Blytonは、形状キャンバスと生リネンで絵画の標準的な四隅に挑戦し、自然素材の質感で硬いエッジを和らげます。彼らは幾何学が単なる精神的概念ではなく、重さ、質感、結果を持つ世界のものだと私たちに思い出させます。
Inside and Outside by Louise Blyton (2020)
結論：システムと共に生きる
私たちは選んでいない幾何学に囲まれて生きています：都市計画、インターフェース、物流ネットワーク。幾何学的抽象はこれらのシステムを単に映すのではなく、それらを検証し、遅らせ、あるいは代替案を想像する空間を提供します。
Elizabeth Gourlayの瞑想的なスコアやTom McGlynnの都市的解読を通じて、これらのアーティストは幾何学が檻ではなく言語であることを証明しています。そして今の課題は、規範を繰り返すことではなく、幾何学が私たちの生息地であり制約となった世界で、これらの形がどのように語り続けられるかを見ることです。
