記事: 叙情的抽象：冷たさを拒むアート
叙情的抽象：冷たさを拒むアート
1957年、東京。裸足で着物をまとったGeorges Mathieuは、まるで解き放たれようとするバネのように体を巻きながら、8メートルのキャンバスの前に立っている。彼は純粋な素材との出会いとしての芸術を説く前衛グループ、具象美術協会のJiro Yoshiharaに招かれた。観客が見守る中、Mathieuはスケッチも計画もためらいもなく、絵の具のチューブに手を伸ばし、直接キャンバスに絞り出す。腕を振るうと、書道のような渦が爆発した。数分でLa Bataille de Hakataが完成した。彼は帰国の飛行機に乗る前にさらに20枚のキャンバスを描くことになる。リリカル・アブストラクションへようこそ。
もしそのシーンに心が動かされ、リスクや汗、触れられない絵の具を感じるなら、あなたはすでにこのエッセイの議論の中にいる。リリカル・アブストラクションの重要な事実に興味がある読者のために、下部のFAQで詳しく説明している。
二度生まれ、常に対立の中で
リリカル・アブストラクションはどこからともなく現れたわけではない。それは冷たさに対する具体的で身体的な嫌悪から生まれた。最初の誕生は1947年のパリで、ナチス占領の傷跡がまだ残る街だった。批評家のJean José Marchandと画家のGeorges Mathieuは、ギャラリー・デュ・ルクセンブルクで開催された「L'Imaginaire」に展示された作品を表すためにAbstraction Lyriqueという言葉を作り出した。Marchandが指摘したように、それらの絵画はあらゆる隷属から解き放たれた叙情性を示していた。幾何学への隷属はない。最も歪んだ政治的な形でヨーロッパを殺そうとした合理的なグリッドへの隷属もない。そのジェスチャーは生存の行為だった。筆跡は人間の存在が続いている証拠だった。
第二の誕生は1969年のニューヨークで訪れた。敵は変わったが、依然として冷たかった。アメリカの批評家でコレクターのLarry AldrichはArt in America誌で「Young Lyrical Painters」を発表し、ミニマリズムの冷徹な完璧主義とポップアートの計算された皮肉に疲れ果てた世代の画家たちを名付けた。ホイットニー美術館は1971年にこの運動を全面的な展覧会で公式化した。再び、システムに対抗する温かさが立ち上がった。リリカル・アブストラクションが現れるたびに、それは単なるスタイルではなく、拒絶として現れた。絵画を身体のない概念に、脈動のない形にさせないという拒絶である。
この二重の系譜（パリ1947年／ニューヨーク1969年）は単なる歴史的な雑学以上のものです。叙情的抽象画が何であるかについて構造的な何かを明らかにしています。それは何かに対して自らを定義する運動であり、そのアイデンティティは常に生きていて、常に反応的です。数十年にわたりパリで生活し制作しているアルゼンチン生まれの画家Martin Reynaを考えてみてください。彼のインクと希釈アクリルは同時に構成され、解放されています：Reynaは構造を確立します：領域、リズム、一連の条件、そして色が独自の論理に従ってその中で動くことを許し、最終的な画面はアーティストの決定と絵具の両方に等しく属します。Reynaのキャンバスを見ると、特定の歴史的運動に対する抵抗ではなく、絵画を閉じられた決定されたものとする考え自体に対する抵抗を感じます。この意味で彼は1947年のパリの拒絶の直接の継承者です。
Martin Reyna - L'Ile - 2023
身体が知っていること
ここに叙情的抽象画が他の表現的な絵画形式と異なる点があります： プロセスは手段ではなく、メッセージです。
Mathieuの「チュービズム」（チューブから直接素早く絵具を絞り出す技法）は単なる技術的な近道ではありませんでした。それは哲学的な宣言でした：衝動と画面の間に媒介はない。パリのアール・アンフォルメルのカナダ人メンバーであるJean-Paul Riopelleは、筆を完全に廃止し、パレットナイフだけで作業し、頑固で物質的に存在感のある厚いモザイク状のインパストを築き上げました。Helen Frankenthalerは逆の方向に進みました：彼女のソークステイン技法は、未処理のキャンバスに顔料を注ぎ込み、絵具が塗られるのではなく吸収されるようにし、絵画と支持体の境界を完全に崩壊させました。これらはすべて、コントロールに対する異なる賭けであり、心が編集する前に身体が語る異なる方法です。
この身体中心の論理は、パリを拠点に活動する画家Macha Poynderの作品にまさに表れています。彼女はパフォーマティブなジェスチャー、自動描画、そして知性ではなく無意識の表現として捉える直感的な色彩選択を通じてキャンバスを構築します。彼女の表面は、ペイントが飛び散ったり滴ったりした一見ランダムな部分と、訓練された手によって意図的に精密に施された部分が混ざり合い、その二つの状態の緊張感が絵画そのものとなっています。Poynderは自身の制作過程を音楽の創作に例え、事前に作曲されたものではなく、制作の過程で発見されるものだと言います。彼女の作品はポンピドゥー・センターやライクスミュージアムの常設コレクションに収蔵されており、機関もまた、単に作られた絵画とパフォーマンスとして生まれた絵画の違いを感じ取れることを示しています。
Macha Poynder - Far Away - 2026
Janise Yntemaは、ブリュッセルでエンコースティックワックス（ブロートーチで溶かして定着させる蜜蝋）を使い、コントロールと解放の間の緊張感のある領域を表現しています。ワックスはある程度までは思い通りに動きますが、熱が加わると、置かれたものがそのままの形で存在するのではなく、変化します。半透明の層ごとに光の捉え方が異なり、Yntemaのキャンバスを見ることは内側から光が差し込むものを覗き込むような体験です。指示と偶然の間の瞬間は彼女が解決しようとする問題ではなく、それ自体が主題です。そしてブルックリンでは、Emily Bergerが木製パネルに油彩で広い水平のジェスチャーを用いて制作しています。彼女は腕全体を使い（スクレイピング、スカンブリング、ドラッグなど）、すべての痕跡が身体的なコミットメントの記録であることを明確に示しています。Bergerは、自身の表面はアーティストの手を讃えていると言っています。手の存在を隠すことが好まれる時代において、これは単なる美的好みではなく、立場の表明です。
Paul Landauerは、ベオグラードを拠点とするオーストリア生まれの画家で、身体とプロセスの問題に新たな視点をもたらします。彼の絵画は、精密でほぼ建築的なドローイングから広大な大気的色彩のフィールドまで幅広く移動しますが、どのモードにおいてもマークは計算されたものではなく、真の身体的関与を通じて到達した表面です。Landauerは自身の制作を発掘のプロセスと表現しています。ベオグラードに移ったことで馴染みのあるものを問い直す距離が生まれ、その問いかけは構築され発見されたように感じられる表面に表れています。
Paul Landauer - Movement - 2023
世界はパリやニューヨークを待ってはいなかった
美術史の根強い神話の一つに、ムーブメントは一つの場所で生まれ、そこから「広がる」ものだという考えがあります。まるで文化が一種の伝染病のように。しかし、リリカル・アブストラクションはこのモデルを大きく複雑にします。日本の具体美術協会はフランスのArt Informelの衛星ではなく、戦後の緊急性や物質との出会い、パフォーマンスという独自の動機による並行した発明でした。Kazuo Shiragaはキャンバスの上でロープに吊るされながら足で絵を描きました。1957年にMathieuが東京に到着したとき、出会ったのは教師と弟子ではなく、同じく完全に形成された感性同士でした。
中国生まれで杭州で学んだ後パリに定住した画家Zao Wou-Kiは、東洋の墨の即興的エネルギーとヨーロッパのArt Informelの空間的野心を、どちらの伝統だけでも生み出せなかった形で融合させました。彼の大規模なキャンバスは同時に書道的であり大気的であり、彼の経歴と交差点がまさに必要としたために前例のない絵画です。カナダでは、RiopelleとAutomatistesが1948年にRefus Global宣言を発表し、地方の聖職者権威を拒否して実験的で世俗的な芸術のビジョンを掲げ、もう一つの冷たいシステムを拒み、もう一つの温かさのジェスチャーを示しました。
今日、Yari Ostovanyは、テヘラン生まれで現在サンフランシスコで活動しており、このグローバルな融合を前進させています。彼の絵画は、濃密で大気的な層に顔料を重ね、その後洗い流し、削り落とし、表面を溶解し再構成して、考古学的ではないが古代を感じさせる何かを宿します。Ostovanyはペルシャ詩を形成的影響として語り、その影響は彼の作る表面に読み取れます：開閉する深み、現れては引く色彩、決して静止に収束しない表面。彼の作品はアメリカのカラーフィールドでもイランのミニアチュールでもその中間でもなく、まさにそれ自体であり、グローバルな融合だけが生み出せた感性です。
Yari Ostovany - Night Pilgrim 25 - 2022
第三の寒波：叙情的抽象と現代世界
21世紀初頭の現代美術の世界において、叙情的抽象は三度目の寒波に直面しています。最初は合理主義的なグリッドでした。二度目はミニマリズムの還元的論理でした。三度目はアルゴリズムによる画像であり、技術的に完璧で瞬時に生成され、人間の視覚文化がすでに作り出した統計的分布から生み出されます。AI生成画像はこれまでで最も冷たいものです：リスクもコミットメントも身体性も持ちません。失敗することができない。つまり、意味のある形で成功することもできないのです。
Poynderのキャンバスは、特定の瞬間、特定の身体と精神の状態で行われたジェスチャーの記録を持ち、それは繰り返せません。Landauerの絵画は、特定の身体の特定の時間に数えられ行われたジェスチャーの生体認証的痕跡を保持します。Jill Moserの作品は、叙情的で書道的なマークが絵画と言語の間、イメージと言葉に先立つ意味の間を航行し、計算から実行へと進むプロセスで作られたものではありません。これらの絵画は、絵画がどうあるべきかを予測するアルゴリズムの産物ではありません。人間の身体が真の不確実性の条件下で素材と出会ったときに起こったことなのです。
それは小さなことではありません。実際、それがすべてです。叙情的抽象は特定のスタイルや技法に関するものでは決してありませんでした。常に絵画は製品ではなく出来事であるという主張に関するものです：表面の痕跡は生きている証拠であり、リスクを取った瞬間であり、統計データから再現できない瞬間です。第三の冷たさに対して、その主張はノスタルジックではありません。必要なものです。
フランシス・ベルトミエによる
すべての画像（上記および下記）© アーティスト、IdeelArt代表
特集画像: Emily Berger、 In a heartbeat, 2020年（詳細）
Jill Moser - 絵画 - 2007年
冷たさを拒むさらなる絵画
このエッセイに登場するアーティスト（Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer, and Jill Moser）は、IdeelArtが代表する叙情的かつジェスチャー的な画家コミュニティからの個人的なセレクションです。コレクションの他の多くのアーティストもこの感性を共有しています。
今日入手可能な作品を通じてリリカル・アブストラクションを探求したいコレクターのために、IdeelArtはideelart.com/collections/artwork-style-gestural-and-lyricalにて700点以上のジェスチャー的かつリリカルな抽象作品の独占コレクションを維持しています。
リリカル・アブストラクション：よくある質問
事実を知りたい読者のために、そしてGoogleのために。
1. リリカル・アブストラクションとは何ですか？
リリカル・アブストラクションは、幾何学的構造や知的体系よりも、即興性、感情の強さ、そしてアーティストのジェスチャーの痕跡を重視する非具象絵画の一形態です。歴史的には異なるが哲学的に関連する2つのバージョンがあります。ヨーロッパ版のAbstraction Lyriqueは、1940年代後半の戦後パリでArt Informelの一派として登場し、占領と全体主義のトラウマの後に人間の自由の主張として本能的な痕跡を称えました。アメリカ版は1960年代後半から1970年代初頭にコレクターのLarry Aldrichによって認識され、1971年のホイットニー美術館の展覧会で結実しました。これはミニマリズムの臨床的な還元主義やポップアートの皮肉な距離感に対する反応としてのものでした。両バージョンは流動性、色彩、そして「生産的な偶然」と呼べるものへのコミットメントを共有しています。これは、絵画が画家の完全な計画を超えて何かを生み出し、その予期しなかったものが計画よりも真実であるために保持される瞬間です。視覚的には、リリカル・アブストラクションは大気的な空間、ジェスチャー的または絵画的な痕跡、そして全体的な動きの感覚に傾き、幾何学的抽象の硬いエッジ、定規で引かれた線、計算された対称性とは対照的です。
2. リリカル・アブストラクションと抽象表現主義の違いは何ですか？
混乱は理解できます。両方のムーブメントはジェスチャー、身体、感情の直接性を称賛しますが、違いは実際に存在し重要です。抽象表現主義は、1940年代半ばからニューヨークで発展し、しばしば英雄的で暴力的なエネルギーを特徴としました。Pollockのドリップ技法によるアクション・ペインティング、de Kooningの抽象の中の人物の壮大な対決、Rothkoのカラーフィールドの崇高さなどです。これは、芸術家を実存的戦士として描く特定の（そしてかなりマッチョな）神話と結びついていました。リリカル・アブストラクション、特に1960年代後半のアメリカ版は、その正統性に対する部分的な反応でした。より流動的で、より詩的で、美しさをそれ自体の正当な目的として重視しました。Helen Frankenthaler、Joan Mitchell、Dan Christensenのようなアーティストは、より軽やかで、より満ちあふれた、正確に言えばリリカルな表現で作品を制作しました。違いは真剣さの問題ではなく、トーンの違いです。抽象表現主義が全音量のジャズなら、リリカル・アブストラクションは窓を開けた部屋で演奏される同じジャズです。
3. 「リリカル・アブストラクション」という用語を造ったのは誰ですか？
この用語は1947年にパリで、美術評論家のジャン José Marchand と画家の Georges Mathieu によって造られ、「L'Imaginaire」展でルクセンブルク・ギャラリーに展示された作品を説明するために使われました。Marchandは、この言葉を使って、具象、理論、戦前のスタイルの残存する要求から解放された絵画の感覚を伝えました。この用語は後に、アメリカのコレクターでありAldrich Contemporary Art Museumの創設者である Larry Aldrich によって1969年のArt in America誌の「Young Lyrical Painters」という記事で独自に復活されました。Aldrichはヨーロッパでの用法を知っていた可能性がありますが、彼がこの用語を採用したのは、戦後ヨーロッパの文脈ではなく、ポストミニマリズムの感性を名付けたいという異なる批評的文脈によるものでした。
4. 最も重要なリリカル・アブストラクションのアーティストは誰ですか？
ヨーロッパ側の基礎的な人物には、自己宣言した創始者であり劇的なパフォーマンスとチュービスト技法で有名なGeorges Mathieu、戦後の虚無主義を反映した生の即興的な痕跡を残したWols（アルフレッド・オットー・ヴォルフガング・シュルツ）、速く規律ある筆致で自由意志を探求したHans Hartung、パレットナイフのモザイクが象徴的なカナダ生まれのパリジャンJean-Paul Riopelle、東洋の書道とArt Informelを独自に融合させたZao Wou-Ki、リリカル・アブストラクションの中で始まり1958年に完全に離れて独自の折りたたみ技法「プリアージュ」を開発したSimon Hantaïがいます。アメリカ側の重要な名前には、浸透染色技法の発明者Helen Frankenthaler、仏教の空の概念と関わるタシストの飛沫を描いたSam Francis、アクション・ペインティングと印象派の色彩感覚を融合させたJoan Mitchell、工業用スプレーガンで光るループを作り出したDan Christensen、そして自分たちの世代の活動を「新しい感性」と表現したRonnie Landfieldが含まれます。
5. リリカル・アブストラクションを定義する技法は何ですか？
プロセスと技法はリリカル・アブストラクションの中心であり、それはほとんど定義的とも言えます：どのように描くかは何を描くかと切り離せません。Mathieuの「チュービズム」（下絵なしでチューブから直接素早く絵具を塗る技法）は、即興性と書道的な精密さを同時に最大化しました。Riopelleはパレットナイフのみを使い、モザイクや地層のような密度の高い彫刻的なインパストの表面を作り上げました。Frankenthalerは薄めた絵具を下地処理していないキャンバスに注ぎ込み、織り目に染み込ませることで表面と地の区別をなくしました。Christensenは工業用スプレーガンを使い、腕の届く範囲を超えた連続的でループ状の線を描きました。近年では、Macha Poynderのようなアーティストが自動描画とパフォーマティブなジェスチャーを意図的なレイヤリングと融合させ、偶然と意図の同時記録を表面に持たせています。Janise Yntemaはブロートーチで融合させたエンコースティック（蜜蝋）を使い、光を閉じ込め伝える半透明の層を重ねています。Emily Bergerは木のパネルに全身を使って水平のジェスチャーストロークを描き、スクレイピングやスカンブリングを繰り返し、複数の身体的な痕跡をパネルに刻み込みます。これらすべての技法に共通するのは、不可逆性へのこだわりです：一度つけられた痕跡は完全には消せません。
Janise Yntema - 孤独のささやき - 2017
6. リリカル・アブストラクションはいつどこで生まれましたか？
リリカル・アブストラクションには、精神的には関連しているものの混同すべきでない二つの明確な歴史的起源があります。第一は1947年のパリです。Galerie du Luxembourgでの展覧会「L'Imaginaire」で、Jean José MarchandとGeorges Mathieuが、戦後のアール・アンフォルメルの文脈から生まれた新しい完全抽象の流れを表すためにAbstraction Lyriqueという用語を使いました。このヨーロッパの運動は1950年代を通じてパリを中心に栄え、フランス、カナダ、日本、中国のアーティストたちが重要な貢献をしました。第二の起源は1969年から1971年のニューヨークです。Larry AldrichのArt in America誌の「Young Lyrical Painters」（1969年）という記事が、ミニマリズムから離れつつある新世代のアメリカ人アーティストを名付け、1971年のホイットニー美術館の展覧会「Lyrical Abstraction」でこの運動が確立されました。これら二つの瞬間は歴史的に異なります。ヨーロッパのアーティストたちはニューヨークの批評界にほとんど知られていなかったか、無視されていましたが、彼らは並行する問題に対する並行する応答を表しています。すなわち、あまりにも冷たくなったシステムに対して、人間性、ジェスチャー、感情を再主張する必要性です。
7. リリカル・アブストラクションと幾何学的抽象の違いは何ですか？
これは20世紀の抽象芸術における根本的な対立であり、真剣に考える価値があります。幾何学的抽象は、MondrianのグリッドからAlbersの正方形、1960年代のハードエッジ・ペインティングに至るまで、計画に基づいて進行します。形は絵画が存在する前に存在します。実行は正確さの問題であり、線は決められた通りに引かれます。一方、リリカル・アブストラクションは逆の信念に基づいています。形は絵を描く行為の中で、アーティストの身体、媒体、そしてその瞬間の出会いを通じて現れます。計画があったとしても、それはすぐに放棄されるか超えられます。幾何学的抽象はコントロール、構造、反復性を重視し、リリカル・アブストラクションは自発性、偶然、そして還元できない唯一性を重視します。どちらが優れているわけではなく、絵画とは何か、何のためにあるのかという全く対立する哲学を表しています。幾何学的伝統の詳細な探求については、IdeelArtの関連エッセイ「Geometric Abstraction: NOT Another Heroic Tale of Malevich and Mondrian」をご覧ください。
8. リリカル・アブストラクションは今日でも重要でしょうか？
これまでのどの時代よりも重要であり、むしろ必要不可欠です。技術的には完璧で体験的には空虚なアルゴリズム生成画像が増える視覚文化の中で、リリカル・アブストラクションは人間の痕跡の不可分な主張を表しています：この身体、この瞬間、この真の不確実性の条件下でしか作り得なかった絵画です。ペルシャの詩的伝統とアメリカのカラーフィールドを同時に参照する顔料に満ちた表面を持つYari Ostovany（サンフランシスコ、テヘラン生まれ）、建築的精密さと大気的広がりの間を動き、常に公式ではなく身体的なコミットメントによって到達する絵画を描くPaul Landauer（ベオグラード、ウィーン生まれ）、書道的なマークが絵画と言語、ジェスチャーと意味の境界に存在するJill Moser（ニューヨーク）など、彼らの作品は生成AIが真に再現できないものです。これは見た目の問題ではありません：アルゴリズムは確かにリリカル・アブストラクションのように見えるものを説得力を持って作り出せます。しかし、この実践の中心にある人間の存在はシミュレートできません。彼らが生み出すものは主にイメージではなく、人生、リスク、そして一度だけ起こり統計データから再構築できない物理的瞬間の証拠です。表面は結果ではなく記録です。主要な機関の関心は引き続き高まっており、2025年にはモネ・ド・パリとポンピドゥー・センターが共同でジョルジュ・マチューの大規模回顧展「Geste, Vitesse, Mouvement」を開催しました。これは50年以上ぶりの大規模な展覧会です。
9. リリカル・アブストラクションとタシスムの違いは何ですか — 同じものですか？
完全に同じではありませんが、両者は密接に関連しており、用語がしばしば混同されるため、混乱を招いています。タシスム（フランス語から タッシュ、意味は染みや斑点）とは特定の技法であり、1940年代後半のパリで生まれた、塗料を塊や滴、飛沫として自発的に塗布する方法で、1952年に批評家のMichel Tapiéによって体系化されました。リリカル・アブストラクションはタシスムを包含するより広い感性ですが、それに限定されません。タシスムはリリカル・アブストラクションが用いる方法の一つと考えることができ、同義語ではありません。両者は戦後のヨーロッパにおける合理的で幾何学的な絵画アプローチの拒否であるアール・アンフォルメルという大きな傘の下にあります。
10. リリカル・アブストラクションとカラーフィールド・ペインティングの違いは何ですか？
これら二つのムーブメントは同じ世代、地理（どちらも戦後のアメリカで栄えました）、そして感情の主要な担い手としての色彩へのこだわりを共有しているため、しばしば混同されます。重要な違いはジェスチャーの役割にあります。Mark Rothko、Barnett Newman、Morris Louisのようなカラーフィールドの画家たちは、目に見える筆跡から離れ、アーティストの手の痕跡を消し去った大きく没入的な色のフィールドへと向かっていました。叙情的抽象は逆の方向に進みました。ジェスチャー、マーク、画家の身体の物理的な痕跡こそが作品の本質です。Helen Frankenthalerは最も示唆に富む例で、彼女のソークステイン技法は大気的なカラーフィールドを生み出しつつも、ジェスチャー的なプロセスに深く根ざしていました。実際には、この二つの境界は非常に曖昧で、多くの絵画は両方の陣営に快適に位置しています。
11. Joan Mitchellは叙情的抽象ですか、それとも抽象表現主義ですか？
正直に言うと、両方であり、その曖昧さこそが彼女を重要な人物にしている一因です。Mitchellはニューヨークのアブストラクト・エクスプレッショニズムのサークルで訓練を受け育まれ、大規模で身体的にコミットした絵画へのこだわりを共有していました。しかし彼女の作品には叙情性、輝き、そして風景や自然の感覚とのつながりがあり、それは叙情的伝統とも同様に結びついています。彼女はキャリアの多くをフランスで過ごし、そこではヨーロッパの アブストラクション・リリック ニューヨーク・スクールの英雄的マチズモよりも感受性に重きを置いています。今日の多くの美術史家は彼女を二つのムーブメントの境界に位置づけており、それはおそらくどの画家にとっても最も興味深い立場です。
12. 「abstraction lyrique」と「lyrical abstraction」の違いは何ですか？
彼らは哲学的なDNAを共有していますが、歴史的には異なるものです。 アブストラクション・リリック は、1947年にパリでJean José MarchandとGeorges Mathieuによって造られたフランス語の用語で、戦後のヨーロッパの潮流を表現しています。この潮流はアール・アンフォルメル、実存主義思想、そして幾何学的合理主義の拒否に根ざしています。アメリカのムーブメントとしての「Lyrical Abstraction」は、1969年にコレクターのLarry Aldrichによって独立して命名され、ミニマリズムやポップアートへの反応として生まれました。これら二つのムーブメントは主に並行して発展し、当時は相互の認識が限られていました。1950年代から60年代のニューヨークの批評界はパリのシーンを著しく軽視していました。今日では、これらの用語はほぼ同義で使われ、共通の感性を表すために用いられていますが、歴史家が正確に使い分ける場合、 アブストラクション・リリック ヨーロッパの戦後の潮流を指し、「Lyrical Abstraction」は1960年代後半から70年代のアメリカのムーブメントを指します。
13. リリカル・アブストラクションをどうやって見分けるか — 絵画で何を探せばいいですか？
いくつかの指標がありますが、それだけで決定的ではなく、組み合わせると説得力があります。まず、物理的なプロセスの痕跡を探してください：速度や圧力を記録した筆跡、キャンバスから腕を伸ばして持つ道具ではつけられないような跡、何度も手を加えられた証拠のある表面。次に、リリカル・アブストラクションは硬質で断定的なハードエッジ・ペインティングの平坦な表面よりも深みと動きを志向するため、雰囲気や感情的な空間の感覚を探してください。三つ目は、色彩が構造的というより表現的に感じられるかどうかに注目してください：リリカル・アブストラクションでは色は建築ではなくムードです。最後に最も重要なのは、その絵が設計されたというより発見されたように感じられるかどうかを問うことです。もし答えがイエスで、作品がリスクと偶然の過程を経て自らに到達したように見えるなら、ほぼ間違いなくリリカル・アブストラクションを見ているのです。
14. リリカル・アブストラクションにおける偶然と事故の役割は何ですか？
中心的でありながら微妙なニュアンスを持つ。リリカル・アブストラクションは偶然そのものを崇拝するわけではありません。なぜならそれは単なる無作為であり、無作為は自発性とは異なるからです。リリカル・アブストラクションの作家たちが重視するのは「生産的な偶然」と呼べるもので、絵具が画家の完全な意図を超えて何かを成し遂げ、その意図しなかったものが計画よりも真実味があり、生き生きとしていて、より表現力豊かであると認識される瞬間です。画家の技術はこれらの瞬間を避けることではなく、それを読み取り、反応し、保持することにあります。Mathieuはこれを「恍惚の集中状態」と表現し、完全な意識と意図的なコントロールの停止を組み合わせたものとしました。Frankenthalerは絵具を信頼することを学んだと言い、Riopelleのパレットナイフのモザイクは前の筆触が成したことに応じて絶え間ない微細な判断を必要としました。いずれの場合も、偶然が作品の作者ではなく、アーティストが作者ですが、偶然は欠かせない協力者なのです。
15. リリカル・アブストラクションと音楽の関係は何ですか？
名前にその意味が込められています。「リリカル」はリラ（竪琴）に由来し、オルフェウスの楽器であり、叙情詩の起源であり、話すのではなく歌う芸術の概念です。リリカル・アブストラクションの多くを予見した初期の抽象作品を持つKandinskyは、絵画を視覚的な音楽と明確に語りました：彼は色と形が音と同じ直接性で感情を伝え、言語を完全に迂回できると信じていました。多くのリリカル・アブストラクションの作家はこの類似性を意識的に発展させました。Mathieuはライブジャズに合わせて絵画を演奏し、1959年のキャンバスもそうでした。 サン・バルテルミの虐殺 ドラマーのKenny Clarkeが即興演奏をしている間に描かれました。Joan Mitchellはしばしば自分の絵画を音楽的な用語で説明し、リズム、テンポ、沈黙を持つ作曲として捉えていました。このつながりは単なる比喩ではありません：音楽とリリカル・アブストラクションは、固定された読み取れるイメージではなく、持続、反復、変化、緊張と解放の管理を通じて意味を生み出します。
16. リリカル・アブストラクションとネオ・エクスプレッショニズムの違いは何ですか？
ネオ・エクスプレッショニズムは1970年代後半に登場し、1980年代のアート市場を支配しました。Georg Baselitz、Anselm Kiefer、Jean-Michel Basquiat、Julian Schnabelのようなアーティストが代表的です。両方のムーブメントはジェスチャー、感情、絵具の物理的存在を重視するため、混同されるのも理解できます。主な違いは具象的な内容と文化的な温度感です。ネオ・エクスプレッショニズムはほぼ常に認識可能なイメージを保持します：歪んだ人物、象徴的な物体、物語の断片。リリカル・アブストラクションは断固として非具象的です。ネオ・エクスプレッショニズムはより生々しく、対決的で、神話、歴史、文化的トラウマを明確な主題として扱うことに関心があります。リリカル・アブストラクションは純粋な感覚、色の関係、知覚の心理学により関心を持っています。リリカル・アブストラクションが窓を開けて演奏するジャズなら、ネオ・エクスプレッショニズムはまったく別の楽器のようなものです：より大きな音量で、より演劇的で、物語を語ることに非常に興味を持っています。
17. リリカル・アブストラクションに具象的な要素は含まれますか？
技術的には違いますが、実際には境界はあいまいで興味深いものです。リリカル・アブストラクションは定義上、具象的ではなく、認識可能な対象を描きません。しかし、リリカルな伝統で制作する多くの画家は、ジェスチャーの跡、雰囲気のある色彩、有機的な形が、画家の意図に関係なく風景や身体、天候を連想させ始めることに気づいています。Joan Mitchellの晩年の絵画は風景の境界に常に漂いながらも、決して風景を描きません。Riopelleのモザイクは地形の空中写真を想起させます。これは抽象の失敗ではなく、絵画が十分に生き生きと身体的であるときに起こることで、世界が再び漏れ出してくるのです。重要なのは意図の違いであり、リリカル・アブストラクションは人物や場所から始まるものではありません。意図せずに現れるものは、その正直さの一部です。
18. リリカル・アブストラクションを購入する際、コレクターは何を探すべきですか？
状態、来歴、作家の経歴といった通常の考慮事項を超えて、リリカル・アブストラクションはコレクターにいくつか特定の問いを投げかけます。まず第一に：表面はじっくり見続けられるか？リリカル・アブストラクションはゆっくりとその姿を現し、部屋のどこから見ても魅力的な絵画は、近くでじっくり観察しても、制作過程の物理的な証拠が見えてくることで報いてくれます。第二に：ジェスチャーは説得力があるか？本物の身体的なコミットメントを伴うマークと、実際には何もリスクを取らずに単に即興性を演じているだけのマークには違いがあり、経験を積むと目はその違いを感じ取るようになります。第三に：作品には内的な一貫性があるか？最高のリリカル・アブストラクションは混沌としていません。計画がなかったにもかかわらず感じ取れる論理や構造が存在します。最後に、自分自身の本能的な反応を信じてください。リリカル・アブストラクションは理解される前に感じられるために作られており、作品に身体的に反応し、心が追いつく前にそのエネルギーを体で感じるコレクターは、まさに画家が意図した体験をしているのです。
