叙情的抽象：冷たさを拒むアート
1957年、東京。裸足で着物をまとい、ばねのように巻きついた長い身体を解き放とうとするGeorges Mathieuが、8メートルのキャンバスの前に立っている。彼は純粋な素材との出会いとしての芸術を説く前衛グループ、具象美術協会のJiro Yoshiharaに招かれた。観客が見守る中、Mathieuはスケッチも計画もためらいもなく、絵の具のチューブに手を伸ばし、直接キャンバスに絞り出す。腕を振るうと、書道の渦巻きが爆発した。数分でLa Bataille de Hakataが完成した。彼は帰国の飛行機に乗る前にさらに20枚のキャンバスを描く。Bienvenue à l'abstraction lyrique。
Georges Mathieuが描くBataille de Bouvines - 1954年4月25日 - ©Robert Descharnes
もしそのシーンに心が動かされ、リスクや汗、触れられない絵の具を感じるなら、あなたはすでにこのエッセイの議論の中にいる。リリカル・アブストラクションの重要な事実に興味がある読者のために、下部に非常に詳しいFAQを用意している。
二度生まれ、常に対立の中で
リリカル・アブストラクションはどこからともなく現れたわけではない。それは冷たさに対する具体的で身体的な嫌悪から生まれた。最初の誕生は1947年のパリで、ナチス占領の傷跡がまだ残る街だった。批評家のJean José Marchandと画家のGeorges Mathieuは、ギャラリー・デュ・ルクセンブルクで開催された「L'Imaginaire」に展示された作品を表すためにAbstraction Lyriqueという言葉を作り出した。Marchandが指摘したように、それらの絵画はあらゆる隷属から解き放たれた叙情性を示していた。幾何学への隷属はない。最も歪んだ政治的形態でヨーロッパを殺そうとした合理的なグリッドへの隷属もない。そのジェスチャーは生存の行為だった。筆跡は人間の存在が続いている証拠だった。
第二の誕生は1969年のニューヨークで訪れた。敵は変わっていたが、依然として冷たかった。アメリカの批評家でコレクターのLarry AldrichはArt in America誌で「Young Lyrical Painters」を発表し、ミニマリズムの冷徹な完璧主義とポップアートの計算された皮肉に疲れ果てた世代の画家たちを名付けた。ホイットニー美術館は1971年にこの運動を全面的な展覧会で体系化した。再び、システムに対抗する温かさが立ち上がった。リリカル・アブストラクションが現れるたびに、それは単なるスタイルではなく、拒絶として現れた。絵画を身体のない概念に、脈動のない形にさせないという拒絶である。
この二重の系譜（パリ1947年／ニューヨーク1969年）は単なる歴史的な雑学以上のものです。叙情的抽象が何であるかについて構造的な何かを明らかにします。それは何か他のものに対して自らを定義する運動であり、そのアイデンティティは常に生きていて、常に反応的です。数十年にわたりパリで生活し制作しているアルゼンチン生まれの画家、Martin Reynaを考えてみてください。彼のインクと希釈アクリルは同時に構成され解放されています：Reynaは構造を確立します：領域、リズム、一連の条件、そして色が独自の論理に従ってその中を動くことを許し、最終的な表面はアーティストの決定と絵の具の両方に等しく属します。Reynaのキャンバスを見ると、特定の歴史的運動に対する抵抗ではなく、絵画を閉じられた決定されたものとする考え自体に対する抵抗を感じます。この意味で彼は1947年のパリの拒絶の直接の継承者です。
Martin Reyna - L'Ile - 2023
身体が知っていること
ここに叙情的抽象が他の表現的絵画形式と異なる点があります： プロセスは手段ではなく、メッセージです。
マチューの「チュービズム」（チューブから直接素早く絵の具を絞り出す）は技術的な近道ではありませんでした。それは哲学的な宣言でした：衝動と表面の間に仲介はない。パリのアール・アンフォルメルのカナダ人メンバーであるジャン＝ポール・リオペルは、筆を完全に廃止し、パレットナイフだけで作業し、頑固で物質的に存在感のある厚いモザイクのインパストを築き上げました。ヘレン・フランケンサラーは逆の方向に進みました：彼女のソーク・ステイン技法は、未処理のキャンバスに顔料を注ぎ込み、絵の具が塗られるのではなく吸収されるようにし、絵画と支持体の境界を完全に崩壊させました。これらはすべて、コントロールに対する異なる賭けであり、心が編集する前に身体が語る異なる方法です。
この身体中心の論理は、パリを拠点に活動する画家Macha Poynderの作品にまさに表れています。彼女はパフォーマティブなジェスチャー、自動描画、そして知性ではなく無意識の表現として説明する直感的な色彩選択を通じてキャンバスを構築します。彼女の表面は、ペイントが飛び散ったり滴ったりした一見ランダムな部分と、訓練された手によって意図的に正確に施された部分が混ざり合い、その二つの状態の緊張感が絵画そのものとなっています。Poynderは自身のプロセスを音楽の創作に例えています。事前に作曲されたものではなく、行為の中で発見されるものです。彼女の作品はポンピドゥー・センターやライクスミュージアムの常設コレクションに収蔵されており、機関もまた、単に作られた絵画とパフォーマンスされた絵画の違いを感じ取れることを示しています。
Macha Poynder - Far Away - 2026
Janise Yntemaは、ブリュッセルでエンカスティックワックス（ブロートーチで溶かして定着させる蜜蝋）を使い、コントロールと解放の間の同様に緊張感のある領域を占めています。ワックスはある程度までは従います。しかし熱が加わると、置かれたものはそのままの形ではなくなります。半透明の各層は光を異なる方法で閉じ込めるため、Yntemaのキャンバスを見ることは内側から照らされたものを覗き込むような体験です。指示と偶然の間の瞬間は彼女が解決しようとする問題ではなく、それ自体が主題です。そしてブルックリンでは、Emily Bergerが木製パネル（ヒーローイメージ参照）に油彩で広い水平のジェスチャーを用いて制作しています。彼女は腕全体を使い（スクレイピング、スカンブリング、ドラッギング）あらゆる跡が身体的なコミットメントの記録であることを明確に示しています。Bergerは、自身の表面はアーティストの手を讃えていると言っています。手の存在を隠すことが好まれる時代において、これは単なる美学の好みではなく、立場の表明です。
Janise Yntema - Montauk - 2015
Paul Landauerは、ベオグラードを拠点とするオーストリア生まれの画家で、身体とプロセスの問題にまた別の角度をもたらします。彼の絵画は、精密でほぼ建築的なドローイングから広大な大気的色彩のフィールドまで多様に動きますが、どのモードでもマークは計算されずに考慮されており、表面はあらかじめ決められた計画ではなく真の身体的関与を通じて到達されます。Landauerは自身の制作を発掘のプロセスと表現し、ベオグラードに移ったことで馴染みのあるものを問い直す距離が得られ、その問いかけは構築され発見されたように感じられる表面に現れています。
Paul Landauer - Movement - 2023
世界はパリやニューヨークを待たなかった
美術史の根強い神話の一つに、ムーブメントは一つの場所で始まり、他の場所に「広がる」というものがありますが、まるで文化が一種の感染症であるかのようです。リリカル・アブストラクションはこのモデルを大きく複雑にします。日本の具体美術協会はフランスのアンフォルメルの衛星ではなく、戦後の緊急性や物質やパフォーマンスとの出会いに駆動された並行した発明でした。白髪一雄はキャンバスの上でロープに吊るされながら足で絵を描きました。1957年にマチューが東京に来たとき、出会いは教師と弟子ではなく、同じく完全に形成された感性同士のものでした。
趙無極は、杭州で学んだ後パリに定住した中国生まれの画家で、東洋の墨の技法の自発的なエネルギーとヨーロッパのアンフォルメルの空間的志向を、どちらの伝統だけでも生み出せなかった方法で融合させました。彼の大規模なキャンバスは同時に書道的でありながら大気的であり、彼の経歴とまさに彼の交差点が必要とされたため、前例のない種類の絵画です。カナダでは、リオペルとオートマティストが1948年にレフュ・グローバル宣言を発表し、地方の聖職者の権威を拒否し、実験的で世俗的な芸術のビジョンを支持しました。これもまた冷たい体制の拒絶であり、温かさの主張の一つでした。
今日、テヘラン生まれで現在サンフランシスコで活動するYari Ostovanyは、このグローバルな統合を前進させています。彼の絵画は、濃密で大気的な層に顔料を重ね、それを洗い流し、削り落とし、表面を溶解し再構成して、考古学的ではないが古代を感じさせる何かを持つものにします。Ostovanyはペルシャ詩を形成的影響として語り、その影響は彼の作る表面に読み取れます：開閉する深み、現れては引く色、決して静止に完全には解決しない表面。彼の作品はアメリカのカラーフィールドでもイランのミニアチュールでもその中間でもなく、まさにそれ自体であり、グローバルな融合だけが生み出せた感性です。
Yari Ostovany - Night Pilgrim 25 - 2022
第三の寒波：叙情的抽象と現代世界
21世紀初頭の現代美術の世界で、叙情的抽象は三度目の寒波に直面しています。最初は合理主義的なグリッドでした。二度目はミニマリズムの還元的論理でした。三度目は技術的に完璧で瞬時に生成され、人間の視覚文化がすでに作り出した統計的分布から生み出されるアルゴリズム画像です。AI生成画像はこれまでで最も冷たいものです：リスクもコミットメントも身体も持ちません。失敗することができません。つまり、意味のある形で成功することもできないのです。
Poynderのキャンバスは、特定の瞬間、特定の身体と心の状態で行われたジェスチャーの記録を持ち、それは繰り返すことができません。Landauerの絵画は、特定の身体の特定の時間に数えられたジェスチャーの生体認証的痕跡を保持します。Jill Moserによる作品は、絵画と言語の間、イメージと言葉に先立つ意味の間を航行する叙情的で書道的なマークを持ち、計算から実行へと進むプロセスで作られるものではありません。これらの絵画は、絵画がどのように見えるべきかを予測するアルゴリズムの産物ではありません。人間の身体が真の不確実性の条件下で素材に出会ったときに起こることなのです。
Jill Moser - 絵画 - 2007
それは小さなことではありません。実際、それがすべてです。叙情的抽象画は決して特定のスタイルや技法に関するものではありません。常に絵画は製品ではなく出来事であるという主張に関するものでした：表面の痕跡は生きている証拠であり、リスクを取った瞬間であり、統計データから再構築できない瞬間です。第三の冷たさに対して、その主張はノスタルジックではありません。それは必要なことなのです。
フランシス・ベルトミエによる
もっと冷たさを拒む絵画
このエッセイで紹介されている現代アーティスト（Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer, Jill Moser）は、IdeelArtが代表する叙情的かつジェスチャー的な画家コミュニティからの個人的な選択です。コレクションの他の多くのアーティストもこの感性を共有しています。
今日入手可能な作品を通じて叙情的抽象画を探求したいコレクターのために、IdeelArtは700点以上のジェスチャー的かつ叙情的な抽象作品の独占コレクションをこちらをクリックして発見できます。
叙情的抽象画：よくある質問
事実を知りたい読者のために、そしてGoogleのために。
1. 叙情的抽象画とは何ですか？
叙情的抽象画は、幾何学的構造や知的体系よりも、即興性、感情の強さ、そして画家のジェスチャーの痕跡を優先する非具象絵画の一形態です。歴史的には二つの異なるが哲学的に関連したバージョンが存在します。ヨーロッパ版のAbstraction Lyriqueは、1940年代後半の戦後パリでArt Informelの一派として登場し、占領と全体主義のトラウマの後に人間の自由の主張として本能的な痕跡を称賛しました。アメリカ版は1960年代後半から1970年代初頭にコレクターのLarry Aldrichによって認識され、1971年のホイットニー美術館の展覧会で結実しました。これはミニマリズムの臨床的な還元主義やポップアートの皮肉な距離感に対する反応としてのものでした。両バージョンは流動性、色彩、そして「生産的偶然」と呼べるものへのコミットメントを共有しています。これは、絵画が画家の完全な計画を超えて何かを生み出し、その予期せぬものが計画よりも真実であるために保持される瞬間です。視覚的には、叙情的抽象画は大気的な空間、ジェスチャー的または絵画的な痕跡、そして全体的な動きの感覚に傾き、幾何学的抽象の硬いエッジ、定規で引かれた線、計算された対称性とは対照的です。
展覧会カタログ - ホイットニー美術館 - リリカル・アブストラクション - 1971 - カタログを閲覧する
2. リリカル・アブストラクションと抽象表現主義の違いは何ですか？
混同は理解できます。両方のムーブメントはジェスチャー、身体、感情の直接性を称賛しますが、違いは確かに存在し重要です。抽象表現主義は1940年代半ばからニューヨークで発展し、しばしば英雄的で暴力的なエネルギーを特徴としました。ポロックのドリップ技法によるアクション・ペインティング、デ・クーニングの抽象の中の人物の壮大な対決、ロスコのカラーフィールドの崇高さなどです。これは特定の（かなりマッチョな）芸術家を実存的戦士として神話化するものでした。リリカル・アブストラクション、特に1960年代後半のアメリカ版はその正統性に対する反応の一部でした。より流動的で詩的であり、美しさをそれ自体の正当な目的として重視しました。ヘレン・フランケンサラー、ジョーン・ミッチェル、ダン・クリステンセンのようなアーティストは、より軽やかで、より満ちあふれた、正確に言えばリリカルな表現で制作しました。違いは真剣さの問題ではなく、トーンの違いです。抽象表現主義が全音量のジャズなら、リリカル・アブストラクションは窓を開けた部屋で演奏される同じジャズです。
マーク・ロスコ - フォンダシオン・ルイ・ヴィトン - 2023年12月 - ©IdeelArt
3. 「リリカル・アブストラクション」という用語を造ったのは誰ですか？
この用語は1947年にパリで美術評論家ジャン José Marchand と画家 Georges Mathieu によって造られ、「L'Imaginaire」展でルクセンブルク・ギャラリーに展示された作品を表すために使われました。Marchandは、具象、理論、戦前スタイルの残存する要求から解放された絵画の感覚を伝えるためにこの言葉を用いました。この用語は後にアメリカで独立して復活し、アメリカのコレクターでオルドリッチ現代美術館の創設者であるLarry Aldrichが1969年のArt in America誌の「Young Lyrical Painters」記事で使用しました。Aldrichはヨーロッパでの用法を知っていた可能性がありますが、彼がこの用語を使った動機は異なる批評的文脈にあり、戦後ヨーロッパではなくポストミニマリズムの感性を表現したいというものでした。
展覧会カタログより抜粋 - 1968-69年アートシーズンのハイライト - オルドリッチ現代美術館 - カタログを閲覧する
4. 最も重要なリリカル・アブストラクションのアーティストは誰ですか？
ヨーロッパ側の基礎的な人物には、自己宣言した創始者であり、劇的なパフォーマンスとチュービスト技法で有名なGeorges Mathieu、戦後の虚無主義を反映した生の即興的な痕跡を残したWols（アルフレッド・オットー・ヴォルフガング・シュルツ）、速く規律ある筆致で自由意志を探求したHans Hartung、パレットナイフのモザイクが象徴的なカナダ生まれのパリジャンJean-Paul Riopelle、東洋の書道とArt Informelを独自に融合させたZao Wou-Ki、そして叙情的抽象画の中で始まり1958年に完全に離れて独自の折りたたみ技法「プリアージュ」を開発したSimon Hantaïがいます。アメリカ側の主要な名前には、浸透染色技法の発明者Helen Frankenthaler、仏教の空の概念と関わるタシストの飛沫を描いたSam Francis、アクションペインティングと印象派の色彩感覚を融合させたJoan Mitchell、工業用スプレーガンで光るループを作り出したDan Christensen、そして自身の世代の活動を「新感覚」と表現したRonnie Landfieldが含まれます。
Riopelle - Chevreuse - 1954 - Exposition Parfums D'ateliers, Fondation Maeght, 2023年9月 - © IdeelArt
5. 叙情的抽象画を定義する技法とは何ですか？
プロセスと技法は叙情的抽象画においてほぼ定義的な意味を持ちます。つまり、「どのように描くか」は「何を描くか」と切り離せません。Mathieuの「チュービズム」（下絵なしでチューブから直接素早く絵具を塗る技法）は、即興性と書道的な精密さを同時に最大化しました。Riopelleはパレットナイフのみを使い、モザイクや地層のような密度の高い彫刻的なインパストの表面を作り上げました。Frankenthalerは薄めた絵具を下地処理していないキャンバスに注ぎ込み、織り目に染み込ませることで、表面と地の区別をなくしました。Christensenは工業用スプレーガンを使い、腕の届く範囲を超えた連続的でループ状の線を描きました。近年では、Macha Poynderのようなアーティストが自動描画とパフォーマティブなジェスチャーを意図的な重ね塗りと融合させ、偶然と意図の両方の記録を表面に刻みます。Janise Yntemaはブロートーチで融合させたエンコースティック（蜜蝋）を使い、光を閉じ込め伝える半透明の層を作り、Emily Bergerは木のパネルに全身を使って水平のジェスチャーストロークを描き、削りや擦りを繰り返して複数の身体的な痕跡を残します。これらすべての技法に共通するのは、不可逆性へのこだわりです。痕跡は一度つけられ、完全に取り消すことはできません。
Janise Yntema - 孤独のささやき - 2017
6. 叙情的抽象はいつどこで生まれましたか？
叙情的抽象には、精神的には関連しているものの混同すべきでない二つの明確な歴史的起源があります。第一は1947年のパリ：Galerie du Luxembourgでの展覧会「L'Imaginaire」で、Jean José MarchandとGeorges Mathieuが戦後のアール・アンフォルメルの文脈から生まれた新しい完全抽象の流れを表すためにAbstraction Lyriqueという用語を使いました。このヨーロッパの運動は1950年代を通じてパリを中心に栄え、フランス、カナダ、日本、中国のアーティストたちが重要な貢献をしました。第二の起源は1969年から1971年のニューヨーク：Larry AldrichのArt in America誌の記事「Young Lyrical Painters」（1969年）がミニマリズムから離れる新世代のアメリカ人アーティストを名付け、1971年のホイットニー美術館の展覧会「Lyrical Abstraction」でこの運動が確立されました。これら二つの瞬間は歴史的に異なり、ヨーロッパのアーティストたちはニューヨークの批評界にほとんど知られていなかったか、無視されていましたが、彼らは並行する問題に対する並行する応答を表しています：あまりにも冷たくなったシステムに対して人間性、ジェスチャー、感情を再主張する必要性です。（詳細は質問12も参照してください）
ジャン＝ポール・リオペルとフェルナン・ルデュク、1947年パリのGalerie de Luxembourgでの展覧会「Automatisme」にて
7. 叙情的抽象と幾何学的抽象の違いは何ですか？
これは20世紀抽象芸術の根本的な対立であり、真剣に考える価値があります。幾何学的抽象は、MondrianのグリッドからAlbersの正方形、1960年代のハードエッジ・ペインティングに至るまで、計画に基づいて進行します。形は絵画が存在する前に存在します。実行は正確さの問題であり、線は決められた場所に引かれます。一方、叙情的抽象は逆の確信に基づいています：形は絵を描く行為の中で、アーティストの身体、媒体、そして瞬間の出会いを通じて現れます。計画があったとしても、それはすぐに放棄されるか超えられます。幾何学的抽象はコントロール、構造、反復性を重視し、叙情的抽象は自発性、偶然、そして還元できない唯一性を重視します。どちらが優れているわけではなく、絵画とは何か、何のためにあるのかという本質的に対立する哲学を表しています。幾何学的伝統の詳細な探求については、IdeelArtの関連エッセイ「幾何学的抽象：マレーヴィチとモンドリアンのもう一つの英雄的物語ではない」をご覧ください。
Piet Mondrian - Tableau iii (Composition in oval - 詳細) - 1914 - アムステルダム市立美術館
8. リリカル・アブストラクションは今日でも重要ですか？
これは単に関連性があるだけでなく、これまでのどの時期よりも必要とされていると言えます。技術的には完璧で体験的には空虚なアルゴリズム生成画像がますます溢れる視覚文化の中で、リリカル・アブストラクションは人間の痕跡の不可欠な主張を表しています：この身体、この瞬間、この真の不確実性の条件下でしか作り得ない絵画です。ペルシャの詩的伝統とアメリカのカラーフィールドを同時に参照する顔料が豊かな表面を持つYari Ostovany（サンフランシスコ、テヘラン生まれ）、建築的精密さと大気的広がりの間を動き、常に物理的なコミットメントによって到達するPaul Landauer（ベルグラード、ウィーン生まれ）、絵画と言語、ジェスチャーと意味の境界にある書道的なマークを持つJill Moser（ニューヨーク）などの現代の実践者たちは、生成AIが真に再現できない作品を作っています。これは視覚的な外観の問題ではありません：アルゴリズムは確かにリリカル・アブストラクションのように見えるものを作ることができ、説得力もあります。しかし、この実践の中心にある人間の存在はシミュレートできません。
これらの画家が生み出すものは主にイメージではありません：それは一度だけ起こり、統計データから再現できない人生、リスク、身体的瞬間の証拠です。表面は記録であり、結果ではありません。主要な機関の関心は引き続き高まっており、2025年にはモネ・ド・パリとポンピドゥー・センターが共同でGeorges Mathieuの大規模な回顧展「Geste, Vitesse, Mouvement」を開催しました。これは50年以上ぶりの大規模な調査展です。
Georges Mathieu - Karaté - 1971 - 2025年モネ・ド・パリでの「Geste, Vitesse, Mouvement」展より。カタログはこちらからご覧ください
9. リリカル・アブストラクションとタシスムの違いは何ですか — 同じものですか？
完全に同じではありませんが、二つは密接に関連しており、用語がしばしば混同されるため、混乱が生じています。タシスム（フランス語の"タッシュ、意味は染みや斑点）とは特定の技法であり、1940年代後半のパリで生まれ、1952年に批評家Michel Tapiéによって体系化されました。叙情的抽象はタシスムを包含するより広い感性ですが、それに限定されません。タシスムは叙情的抽象が用いる方法の一つと考えることができ、その同義語ではありません。両者は戦後のヨーロッパにおける合理的で幾何学的な絵画アプローチの拒否であるアール・アンフォルメルという大きな傘の下にあります。
典型的なタシスト絵画：サム・フランシス - Around the Blues - 1957年、1962–3年
10. 叙情的抽象とカラーフィールド絵画の違いは何ですか？
これら二つのムーブメントは同じ世代、地理（どちらも戦後アメリカで栄えた）、そして感情の主要な担い手としての色彩へのコミットメントを共有しているため、しばしば混同されます。重要な違いはジェスチャーの役割にあります。Mark Rothko、Barnett Newman、Morris Louisのようなカラーフィールドの画家たちは、目に見える筆跡から離れ、アーティストの手を消し去るような大きく没入的な色のフィールドへと向かっていました。叙情的抽象は逆の方向に進みます：ジェスチャー、マーク、画家の身体の物理的な痕跡こそが作品の本質です。Helen Frankenthalerは最も示唆に富む例で、彼女のソーク・ステイン技法は大気的な色のフィールドを生み出しつつも、ジェスチャー的なプロセスに深く根ざしています。実際には、この二つの境界は非常に曖昧で、多くの絵画は両方の陣営に快適に位置しています。
モリス・ルイス - Pi - 1960 - ノースカロライナ美術館（2015年展覧会） - ©IdeelArt
11. ジョーン・ミッチェルは叙情的抽象ですか、それとも抽象表現主義ですか？
正直に言うと、両方であり、その曖昧さこそが彼女を重要な存在にしている理由の一つです。Mitchellはニューヨークのアブストラクト・エクスプレッショニストのサークルで訓練を受け育まれ、大規模で身体的に没入する絵画へのコミットメントを共有していました。しかし彼女の作品には叙情性、輝き、そして風景や自然の感覚とのつながりがあり、それが叙情的伝統とも同等に結びついています。彼女はキャリアの多くをフランスで過ごし、そこではヨーロッパの アブストラクション・リリック ニューヨーク派の英雄的マチズモよりも感受性に重きを置いています。今日の多くの美術史家は彼女を両運動の境界に位置づけており、それはおそらく画家が占めうる最も興味深い立場です。
1983年、ヴェテュイユのスタジオでのジョーン・ミッチェル。写真：ロバート・フレソン、ジョーン・ミッチェル財団アーカイブ。© ジョーン・ミッチェル財団
12. 「abstraction lyrique」と「lyrical abstraction」の違いは何ですか？
彼らは哲学的なDNAを共有していますが、歴史的には異なるものです。
Abstraction Lyriqueはフランス語の用語であり、1947年にパリでJean-José MarchandとGeorges Mathieuによって作られました。これは戦後のヨーロッパの潮流を表し、Art Informel、実存主義思想、そして幾何学的合理主義の拒絶に根ざしています。
Marchandという美術評論家が最初にこの名前を作り出し、1947年11月に第14回サロン・デ・シュランデパンダンで展示されたMathieuの作品を表現しました。これは彼が4か月前にサロン・デ・レアリテ・ヌーヴェルでMathieuを見た後のことです。
「まず抽象画家ジョルジュ・マチューの作品に注目したい。この若者は非常に叙情的で感動的な大作を2点展示しており、何も表現していなくても観客の心に触れることができると思う。」
しかし、この運動を理論化したのはMathieu自身でした。彼の最初の美術に関する著作「La liberté, c’est le vide」（自由とは虚無である）は1947年に書かれ、1948年4月22日にH.W.P.S.M.T.B.展覧会カタログで発表されました。ここでMathieuは「虚無の形而上学」の基礎を示し、リスクの形而上学を予告し、Abstraction Lyriqueの道筋を開きました。この用語は、最初にMarchandが使った「Abstractivisme Lyrique」（叙情的抽象主義）よりも彼が好んだものです。
Mathieuにとって、Abstraction Lyriqueは「集中が即興の古典的概念に取って代わる」ことを要求します。これは方法や定型に代わって精神性、エネルギー、直感への呼びかけを促進し、最終的には芸術家の真の感受性と「宇宙への開放」を必要とします。
"自分の役割を果たし、できる限りのことをしたと自覚している私は、時間が味方であり、真実はやがて日の光の中に爆発的に現れることを知っています。この自由なアブストラクションは致命的な勝利を享受し、さらには最大の混乱と最大の容易さをもたらすかもしれないとさえ推測しています。"-ジョルジュ・マチュー
H.W.P.S.M.T.B.展覧会カタログ（抜粋）
「Lyrical Abstraction」はアメリカのムーブメントとして、1969年にコレクターのラリー・オルドリッチによって、ミニマリズムとポップアートへの反応として独立して命名されました。 ホイットニー美術館は1971年に「Lyrical Abstraction」というタイトルの大規模な展覧会でアメリカのムーブメントを体系化し、ラリー・オルドリッチによる展覧会声明が書かれました。
「昨シーズン初め、絵画において幾何学的でハードエッジ、ミニマルな方向から離れ、よりリリカルで官能的、ロマンチックな抽象表現へと動いていることが明らかになりました。色彩はより柔らかく鮮やかです。多くの画家が視覚的に『美しい』作品を制作しており、60年代のアート界ではそれは忌み嫌われる言葉でした。彼らは過去のスタイルに戻るわけではありませんが、これらの新しい若い画家たちは20年以上にわたり画家的な絵画を続けてきたマーク・ロスコ、ロバート・マザウェルらと関連しています。このタイプの絵画では、スプレーガンやスポンジ、その他の道具を使っていても、常に作家のタッチが見て取れます。ミニマル絵画のように表面が匿名的になることはなく、繊細なニュアンスがあり、しばしば曇った空洞を想起させます。これらの絵画はすべて表現的な関心への明確な転換を示しています。リリカルな傾向を調査する中で、多くの若いアーティストの絵画に強く惹かれ、多数を収集せざるを得ませんでした。Lyrical Abstraction展の作品の大半は1969年に制作され、現在はすべて私のコレクションの一部です。」 -ラリー・オルドリッチ
展覧会カタログ - ホイットニー美術館 - 「Lyrical Abstraction」（1971年）- 32ページと33ページ - 閲覧はこちら
この二つのムーブメントはほぼ並行して発展し、当時はほとんど相互認識がありませんでした。1950年代から60年代のニューヨークの批評界はパリのシーンを酷評していました。今日ではこれらの用語はほぼ同義で使われ、共通の感性を表していますが、歴史家が厳密に使う場合、Abstraction Lyriqueはヨーロッパの戦後の潮流を指し、「Lyrical Abstraction」は1960年代後半から70年代のアメリカのムーブメントを指します。
リリカル・アブストラクションを見分けるにはどうすればいいですか — 絵画で何を探せばよいでしょうか？
いくつかの指標がありますが、それだけで決定的ではなく、組み合わせると説得力があります。まず、物理的なプロセスの痕跡を探してください：速度や圧力を記録した筆跡、キャンバスから腕の長さで持つ道具ではつけられない跡、何度も手を加えられた証拠のある表面。次に、リリカル・アブストラクションは硬質なエッジの絵画の平坦で断定的な表面よりも深みと動きを志向するため、雰囲気や感情的な空間の感覚を探してください。三つ目に、色が構造的ではなく表現的に感じられるかどうかに注目してください：リリカル・アブストラクションでは色は建築ではなくムードです。最後に最も重要なのは、その絵が設計されたというより発見されたように感じられるかどうかを問うことです。もし答えが「はい」で、作品がリスクと偶然の過程を経て自らに到達したように見えるなら、ほぼ間違いなくリリカル・アブストラクションを見ています。
Emily Berger - Fire And Ice - 2020
14. リリカル・アブストラクションにおける偶然と事故の役割は何ですか？
中心的ですが微妙です。リリカル・アブストラクションは偶然をそれ自体のために崇拝しません。なぜならそれは単なる無作為であり、無作為は自発性とは異なるからです。リリカル・アブストラクションの作家が重視するのは「生産的偶然」と呼べるもので、絵の具が画家の完全な意図とは異なる動きをした瞬間であり、その意図しなかったものが計画よりも真実で、生き生きとしていて、より表現的であると認識される時です。画家の技術はこれらの瞬間を避けることではなく、それを読み取り、反応し、保持することにあります。Mathieuはこれを「恍惚の集中状態」と表現し、完全な意識と意図的なコントロールの停止を組み合わせた状態としました。Frankenthalerは絵の具を信頼することを学んだと言い、Riopelleのパレットナイフのモザイクは前の筆触に応じて絶えず微細な判断を必要としました。いずれの場合も、偶然が作品の作者ではなく、アーティストが作者ですが、偶然は欠かせない協力者です。
1962年、エルサレムのベザレル国立博物館でのジョルジュ・マチュー、ヨナ・フィッシャー・アーカイブ
15. リリカル・アブストラクションと音楽の関係は何ですか？
名前にその意味が込められています。「リリカル」はリラ（竪琴）に由来し、オルフェウスの楽器であり、叙情詩の起源であり、話すのではなく歌う芸術の概念を表しています。Kandinskyは、リリカル・アブストラクションが後に成し遂げる多くのことを予見した初期の抽象作品で、絵画を視覚的な音楽として明確に語りました。彼は色と形が音のように言語を介さずに感情を直接伝えられると信じていました。多くのリリカル・アブストラクションの作家はこの類似性を意識的に発展させました。Mathieuはライブジャズに合わせて絵画を演奏し、1959年のキャンバスもそうでした。 サン・バルテルミの虐殺 はドラマーのKenny Clarkeが即興演奏をする傍らで描かれました。Joan Mitchellはしばしば自分の絵画を音楽的な用語で表現し、リズム、テンポ、沈黙を持つ構成としました。このつながりは単なる比喩ではありません。音楽もリリカル・アブストラクションも、固定された読み取れるイメージではなく、持続、反復、変奏、緊張と解放の管理を通じて意味を生み出します。
Georges Mathieu - Le Massacre de la Saint Barthélémy - 1959年
16. リリカル・アブストラクションとネオ・エクスプレッショニズムの違いは何ですか？
ネオ・エクスプレッショニズムは1970年代後半に登場し、1980年代のアート市場を支配しました。Georg Baselitz、Anselm Kiefer、Jean-Michel Basquiat、Julian Schnabelなどのアーティストが代表的です。両方のムーブメントはジェスチャー、感情、絵具の物理的存在を重視するため、混同されやすいのも理解できます。主な違いは具象的な内容と文化的な温度感です。ネオ・エクスプレッショニズムはほぼ常に認識可能なイメージを保持します：歪んだ人物、象徴的な物体、物語の断片など。リリカル・アブストラクションは断固として非具象的です。ネオ・エクスプレッショニズムはより生々しく、対立的で、神話や歴史、文化的トラウマを明確な主題として扱います。リリカル・アブストラクションは純粋な感覚、色彩の関係、知覚の心理学により関心があります。リリカル・アブストラクションが窓を開けて演奏するジャズなら、ネオ・エクスプレッショニズムはまったく別の楽器であり、より大きく、演劇的で、物語を語ることに非常に興味を持っています。
ポンピドゥー・センター - Baselitz La Retrospective - 2023年2月 - インスタレーションビュー - ©IdeelArt
17. リリカル・アブストラクションに具象的な要素は含まれますか？
技術的には違いますが、実際には境界が曖昧で興味深いものです。リリカル・アブストラクションは定義上、具象的ではなく、認識可能な対象を描写しません。しかし、リリカルな伝統で制作する多くの画家は、ジェスチャーの跡、雰囲気のある色彩、有機的な形が、意図せずに風景や身体、天候を連想させ始めることに気づきます。Joan Mitchellの晩年の作品は、風景の境界に常に漂いながらも、決して風景を描いてはいません。Riopelleのモザイクは地形の空中写真を想起させます。これはアブストラクションの失敗ではなく、絵画が十分に生き生きと身体的であるときに起こることで、世界が再び漏れ出してくるのです。重要なのは意図の違いであり、リリカル・アブストラクションは人物や場所から始まるものではありません。意図せずに現れるものこそが、その誠実さの一部なのです。
Joan Mitchell - River - 1989 - Fondation Louis Vuitton - Le Parti de la Peinture - 2019年6月 - ©IdeelArt
Paul Landauerの「The night: Self Portrait as a Young Boy」（下図）は、この境界を特に強く示しています。深紅と黒の激しいフィールドから一つの姿が現れますが、それは描かれたというよりも呼び起こされたもので、形は絵具自身の論理から結晶化しています。Landauerは伝統的な意味での人物像から始めたのではなく、絵具から、プロセスから、感情の内面から始めました。人物像はそこから現れました。そしてそうして現れたために、単純な肖像画では決して持ち得ないものを携えています。それは記憶が表面化する感覚であり、説明されるのではないのです。
Paul Landauer - The Night (Self Portrait as a Young Boy) - 2025
18. 叙情的抽象を購入する際、コレクターは何を探すべきか？
状態、来歴、アーティストの実績といった通常の考慮事項を超えて、叙情的抽象はコレクターにいくつかの特定の問いを投げかけます。まず：表面はじっくり見続けるに耐えうるか？叙情的抽象はゆっくりとその姿を現し、部屋の遠くから見て良い絵は、近くで観察しても制作過程の物理的証拠が見えて報われるべきです。次に：ジェスチャーは説得力があるか？本物の身体的コミットメントを伴うマークと、実際には何もリスクを取らずに即興を演じているだけのマークには違いがあり、経験を積むと目はその違いを感じ取るようになります。三つ目：作品には内的な一貫性があるか？最高の叙情的抽象は混沌としていません。読める論理ではなく感じ取る論理があり、計画がなかったにもかかわらず成立する構造があります。最後に、自分自身の本能的な反応を信じてください。叙情的抽象は理解される前に感じられるために作られており、作品に身体的に反応し、心が追いつく前にそのエネルギーを体で感じるコレクターは、まさに画家が意図した体験をしているのです。
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特集画像：Emily Berger、 In a heartbeat, 2020（詳細）
在庫からの叙情的アート（セレクション）
