記事: 合成キュビズムの解説 - 平面、形状、視点
合成キュビズムの解説 - 平面、形状、視点
キュビスムの父パブロ・ピカソは、進化への意欲で知られていました。1907年に分析的キュビスムを生み出した後、何十年もその様式で描き続けても、富と名声を得ることは十分にできたでしょう。しかし彼は実験を続け、1911年には、色彩の幅を広げ、新しい質感、より単純な形、新しい素材を加え、視点と平面の扱いを簡略化することで、後に総合キュビスムと呼ばれるものの成立に貢献しました。発明されてから1920年頃まで、総合キュビスムはアバンギャルドの頂点と見なされていました。画家たちが現実を探究できる方法の幅を広げ、ダダイスト、シュルレアリスト、さらにはポップアートの台頭にも寄与しました。
総合キュビスムを200語で
総合キュビスムは、より現実的なものを創り出そうとする試みの中で、それまでの技法から離れることで生まれました。ピカソ、ブラック、そして画家のフアン・グリスは、鮮やかな色彩を作品に再び取り入れ、奥行きを復活させ、画面における同時的な視点と平面の数を減らしました。最も重要なのは、絵画に究極の現実感を与えるため、紙、布、新聞紙、文字、さらには砂や土まで作品に加え、主題の本質を余すところなく引き出そうとしたことです。
パブロ・ピカソ - 籐椅子のある静物、1912年、ロープで縁取ったキャンバスに張った油布に油彩
パリ国立ピカソ美術館、© Artists Rights Society (ARS), New York
新しい素材と技法
1912年、ピカソはコラージュの最初の例と見なされ、総合キュビスムを代表する作品でもある籐椅子のある静物を制作しました。この作品は、食べ物、新聞、飲み物が置かれたカフェのテーブルをキュビスムの手法で表現したものです。ピカソは伝統的な画材に加え、当時カフェの椅子に一般的に使われていた籐張りの一部を絵画の表面に貼り付けました。この一見些細な追加は、近代美術に大きな影響をもたらしました。椅子を描くのではなく、椅子の一部を実際に絵画の上に置いたのです。現実らしく見せるために複数の視点から何かを描くのではなく、ピカソは実物そのもの、少なくともその一部を、作品に直接取り入れました。
ピカソはこの作品にも文字を加え、画面の一部に「JOU」と書きました。この「Jou」という語はフランス語で文字どおり「ゲーム」と訳せるため、ピカソが学術的な厳格さを持つ分析的キュビスムの後に、芸術へ再び軽妙さを加えようとしたのが総合主義的キュビスムだったと、多くの人が考える一因となっています。しかし「JOU」は、日刊紙または新聞を意味するフランス語「journal」の最初の部分として意図された可能性も十分にあり、これは画中に見える新聞の断片を指しているとも考えられます。
ピカソは作品に椅子の籐編みの一部を加えることで先駆者となりましたが、絵画に文字を加えた最初のキュビスム画家ではありませんでした。1911年、ジョルジュ・ブラックは《ポルトガル人》という作品を制作し、文字を導入した最初のキュビスム作品となりました。ピカソの最初のコラージュとブラック初の文字作品の両方に明らかなのは、後期の分析的キュビスム作品の一部に見られる、深刻で過度に複雑な性質からの転換です。これらの作品のイメージには、気まぐれで素朴な簡潔さがあります。遠近法は単純化され、イメージはほとんど遊び心を帯びるようになっています。これは、広告画像に見られる擬人化されたイメージに似ています。
ジョルジュ・ブラック -《ポルトガル人》、1911年、キャンバスに油彩、ピカソ美術館（パリ）
© Artists Rights Society (ARS), New York
1912年、ブラックは少なくともあと2度、新境地を切り開きました。その年、彼は作品に質感と奥行きの層を加えるため、絵画に砂を加えた最初のキュビスム画家となりました。また、紙片を切り抜いて表面に貼り付ける技法「パピエ・コレ」を初めて取り入れた画家にもなりました。これら2つの技法は、彼の作品《果物皿とグラス》で用いられています。この絵画では、切り抜いた壁紙を表面に直接貼り付け、その後、砂を混ぜた絵具で作品に陰影を施し、イメージに奥行きと質感を加えました。
ブラックはこの作品に文字も取り入れ、はっきりと定義され容易に読める「Ale」と「Bar」という言葉を用いました。これらの言葉は、広告イメージといわゆる高尚な芸術を隔てる境界線に疑問を投げかけます。これら3つの技法を組み合わせたことは、後にダダイストたちに大きな影響を与えることになります。彼らはコラージュと文字を多用して、作品に表れる一見した意味を混乱させ曖昧にし、芸術に対するブルジョワ的な観念に異議を唱えました。
ジョルジュ・ブラック -《果物皿とグラス》、1912年、62.9 × 45.7 cm
© Artists Rights Society (ARS), New York
面、形、視点、そして色彩
合成キュビズムに鮮やかな色彩を取り入れるうえで最も大きな役割を果たした芸術家は、スペインのキュビズム画家フアン・グリスでした。グリスはまた、視点の数を減らし、形と面の使用を簡潔化することで合成キュビズムを特徴づける、非常に簡潔化された視覚言語も用いました。グリスの作品「新聞とフルーツ皿」では、これらすべての要素が展開されています。また、この同じ絵画には、合成キュビズムがしばしばポップアートの先駆けと見なされる理由の多くも見て取れます。
合成キュビズムの芸術家たちが、低俗芸術と高級芸術、そして芸術と広告の境界が曖昧になるという概念で遊んでいたというだけではありません。この絵画は、ロイ・リキテンスタインのベン・デイ・ドットも見事に想起させ、ロバート・ラウシェンバーグの「バッファロー II」の反復、イメージの配置、カラーパレットをほとんどそのまま先取りしているようにも見えます。
ロバート・ラウシェンバーグ - バッファロー II、1964年、キャンバスに油彩およびシルクスクリーン・インク。
© Robert Rauschenberg Foundation / Artists Right Society (ARS), New York
初期の分析的キュビズムの絵画には非常に多くの異なる視点が取り入れられていたため、イメージの複雑さは、ほとんど解きほぐせないほどになっていました。題材は、認識できないほど抽象化されているように見えました。それぞれの視点は、別々の面に描かれた個別の幾何学的形状によって表現され、各面は他の面の上に積み重ねられたように見え、さらに再び平面化されていました。また、分析的キュビズムの絵画で用いられた幾何学的形状は、時にほとんど透明に見えました。それらは、速度、振動、動きを示すような方法で描かれていました。そこには、一日の異なる時間帯、異なる照明、そして異なる視点が表現されていました。
フアン・グリス - 新聞とフルーツ皿、1916年、キャンバスに油彩
ソロモン・R・グッゲンハイム美術館、ニューヨーク
キュビズムの絵画に鮮やかなカラーパレットを再び取り入れることで、フアン・グリスは、それ以前のキュビズム作品に欠けていた遊び心と躍動感をこの様式にもたらしました。また、グリスの簡潔化された視覚言語は、キュビズムがその目的を、率直で、簡潔かつ美的に魅力的な方法で達成できるという考えを示しました。グリスの絵画「ヴァイオリン」では、キュビズム作品であり続けるために必要な、視点、形、面の数をぎりぎりまで減らしています。その結果生まれたイメージは、キュビズムの厳密な定義というよりも、キュビズムを思わせる表現の一例のように見えます。
フアン・グリ - ヴァイオリン、1916年、三層合板に油彩
バーゼル市立美術館
総合的：偽物を意味するもう一つの言葉？
ピカソ、ブラック、グリは、文字や日用品の断片を絵画に加えることで、描かれた対象の現実感をより大きなものとして捉えようとしました。しかし、そうした人工的な要素を作品に加えることで、彼らは明らかに非現実的で、それまでのどのキュビスム作品とも異なるものも生み出しました。ときにはコラージュのように見える形を描き、同じ作品の中で、模倣されたコラージュ要素と実際のコラージュ要素を混在させることさえありました。この新しいスタイルが総合的キュビスムと名付けられたのは、まさにそのためです。そこでは、それ以前のキュビスム作品の重厚さに対して、用いられた技法の人工性が際立っていたのです。
総合的キュビスムは分析的キュビスムよりも象徴的でした。四次元の現実をより高次の視点から捉えようとしたのではありません。むしろ、現実をほのめかすことを目指しましたが、それは歪められた形で行われました。この変革は、シュルレアリスムをめぐる理論と探究に多大な貢献をしました。
総合的キュビスムは、絵画 と彫刻の違いにも挑戦しました。イメージを分解して複数の異なる視点から再構成するのではなく、総合的キュビスムはイメージを組み立て、平らな表面から立体的なオブジェクトへと積み上げました。それは、二次元の表面に置かれた三次元のオブジェクトのようでした。こうしたあらゆる点で、総合的キュビスムは明確で意図的なパラドックスを通じて成果に到達しました。ますます偽りのものを制作することで、彼らはますます現実的なものを実現したのです。
現代アートにおける色彩、コラージュ、構築された空間
総合的キュビスムは、現代の抽象を捉える方法も提示します。組み合わされた形、重なり合う平面、イメージとその表面の関係について考えさせるために、絵画がギターやカフェのテーブルを描く必要はありません。以下のアーティストたちは、こうした問いにそれぞれ異なる方法で取り組んでいます。彼らの作品は歴史的な総合的キュビスムの例ではありませんが、構成と色彩に関するその実験との比較を促します。
Jeremy Annear: 重なり合う平面と絵画空間
Jeremy Annearは、形、色、絵具の層を重ねることで絵画を構築しており、その作品にはBraqueやPicasso、そしてセント・アイヴスの作家たちとの公認された親和性があります。Metrographic II No.8では、斜めの白い平面が土色の画面を遮り、黒い骨組み、赤い曲線、質感のある部分が、競合する空間的関係を生み出しています。視線は、形の見かけ上の堅固さと、描かれた線の開放性の間を行き来します。表面と構造のBraque的な相互作用に惹かれる読者にとって、これはキュビスムの主題を再現することなく、現代的な比較対象を提示しています。
Dana Gordon：より大きな全体の中の色彩の形
Dana Gordonの万華鏡のような構成は、オルフィスム・キュビスムとの関連で語られてきました。これは総合的キュビスムと同義ではなく、明確に異なる比較対象です。彼の作品は、ここで論じる色彩と構築された形の魅力へと至る、もう一つの道筋を示しています。New Spaceでは、鮮やかな色の正方形が、ペイントされた渦巻きモチーフの密集したグリッドにアクセントを加えています。これらのより静かなブロックは、複雑な表面の上に浮かんでいるように見え、個々の形と構成全体の間に緊張感を生み出します。Gordonは、隣接する形やまとまりを、大きな絵の中にある小さな絵として捉えています。この考え方は、近くから見ることにも、距離を置いて見ることにも報いてくれます。
Anne Katrine Senstad：スキャンしたカラーネガによるコラージュ
Anne Katrine SenstadのCosmosis Collagesでは、構成が写真という形を取っています。作家が説明するように、素材となったネガはスキャンされた後にコラージュされたもので、撮影されたものではありません。それらは、彼女の初期の抽象的な色面写真作品The Pink Project（2004–2007）に由来します。Composition no 2C4 Blueでは、細いピンク、ピーチ、黄色のバーが濃い青の画面を横切り、半透明の長方形の平面が表面下の層を示唆しています。描かれた対象ではなく、色と配置が構成の空間的な関係を生み出しています。Braqueの貼り紙とは異なり、これらの要素はスキャンによる写真プロセスを通して組み立てられています。シュプレマティスムと構成主義からの影響が記録されているこのシリーズは、分離した要素の関係を通してイメージを生み出すコラージュの力を、現代的に比較する機会を与えてくれます。
現代抽象作品を収集する：素材、価格、文脈
作品の購入を検討している人にとって、こうした比較は好みを明確にするのに役立ちます。惹かれているのは、テクスチャーのある表面、リズミカルな色彩の配置、それとも重なり合う平面の錯視でしょうか。その好みを見極めることは、有名な歴史的絵画に似ているという理由だけで現代作品を探すよりも、役立つ出発点になります。
購入前に何を確認すべきですか？
まずは個々の作品から始めましょう。素材、寸法、状態、文書記録を確認します。その作品がアーティストの幅広い制作活動の中でどのような位置を占めるのかを尋ね、展示歴やコレクション記録を確認して、その紹介を裏付ける情報を検討してください。レイヤーを重ねた絵画やミクストメディア作品については、クローズアップ写真と表面構造に関する情報を求めましょう。Senstadの選ばれたCosmosis作品のような写真エディションは、作家所蔵用2部を含む6部限定で提供されているため、エディションの詳細、印刷仕様、付属文書を確認してください。写真コラージュと一点ものの絵画は、視覚的な関心を共有していても、所有する対象としては大きく異なる場合があります。
価格と市場価値について、どのように考えるべきですか？
歴史的重要性、視覚的な親和性、市場価値は、それぞれ別の問題です。現代アーティストとキュビズムの思想との関係があるからといって、その作品がオリジナルのピカソ、ブラック、グリと同じ市場に位置づけられるわけではありません。価格を比較する際は、媒体、サイズ、制作年、作品が一点ものかエディション作品かを考慮し、同じアーティストによる本当に比較可能な作品を探しましょう。提示価格は実際の成約価格と同じではなく、限定エディションであることだけで将来の需要が確立されるわけでもありません。展覧会歴や批評的評価は背景を示すものであり、値上がりや容易な転売を保証するものではありません。
作品と暮らすとは、どのようなことですか？
購入価格に加えて、額装、配送、保険、専門的な設置費用も考慮しましょう。特に写真表面や積層構造の作品については、素材に適した取り扱い方法を確認し、作品を展示する光と空間についても考えてください。美術史との最も意義深いつながりは、最終的には個人的なものかもしれません。つまり、なぜその作品に目を引かれるのかを理解し、繰り返し鑑賞する中で、その色彩、構造、表面がどのように変化し続けるのかを発見することです。
掲載画像：Pablo Picasso - 三人の音楽家、1921年（ディテール）、©Artists Rights Society (ARS), New York
すべての画像は説明目的でのみ使用されています
Phillip Barcio著（2016年）
IdeelArt編集部編集（2026年）
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