パリのポンピドゥーセンターでのヴィクトール・ヴァザレリの形作り

50年以上ぶりに、フランスの美術館で大規模なヴィクトール・ヴァザレリの回顧展が開催されています。ポンピドゥー・センターは、今年の2月に「ヴァザレリ：シェアリング・フォーム」を開幕し、300点以上の作品やエフェメラを集め、20世紀モダニズムの巨人の一人である彼の完全な美的進化を記録しています。この展覧会は、ヴァザレリを偉大なアーティストとしてだけでなく、アートと日常生活の間に境界がないと信じる偉大な理想主義者として確立しています。1907年にオーストリア＝ハンガリーのペーチで生まれたヴァザレリは、1918年にバウハウスの地元ブダペスト版であるムヘイ（ワークショップ）学校に入学しました。この学校は、アーティストでグラフィックデザイナーのサンドール・ボルトニクによって運営されていました。ボルトニクの下で2年間学んだ後、ヴァザレリはパリに移り、グラフィックデザイナーとしてのキャリアを始めました。彼の野望は、モダニズムの視覚的教訓をマスコミュニケーションの世界に適用することでした。彼の最も有名な初期作品の一つである「ゼブラ」（1937年）は、アートとデザインという一見別々の分野が一つに融合する限界の空間を体現しています。白黒の線画構成は、戦っているのか、愛し合っているのか、絡み合った2頭のシマウマを示しています。このイメージは、平面を動的で三次元的なフィールドに変換する能力を示すことで、ヴァザレリが視点の達人であることを巧みに宣言しています。それでもなお、今日に至るまで批評家たちは、これと彼の他の初期作品がアートとして分類されるべきかデザインとして分類されるべきかという問題に苦しんでいます。実際、彼の作品の大規模な調査がフランスで行われたのは1963年が最後で、その時彼は57歳でした。美術館ではなく、装飾芸術とデザインの美術館である装飾芸術美術館でのことです。しかし、わずか2年後、ヴァザレリはオプ・アート運動の主要なアーティストを確立した画期的なニューヨーク近代美術館の展覧会「レスポンシブ・アイ」に含まれました。「ヴァザレリ：シェアリング・フォーム」は、彼の作品のすべての側面を普遍的な方法で結びつけています。この展覧会は定義を強制するのではなく、彼のビジョンの複雑さとニュアンスを尊重し、ヴァザレリの物語の必要な拡大を提供しています。

永遠の改革者

ヴァザレリがグラフィックデザイナーとしてのキャリアを始めたとき、彼は広告を視覚文化の最も普遍的な形態と考え、それをキュビズム、デ・ステイル、シュプレマティズム、その他の初期モダニズムの立場に適応させることで変革しようとしました。しかし、第二次世界大戦後、彼は焦点を移し、デザインを改革するためにアートを使用するのではなく、アートを変革する手がかりを現実の世界に求めることに決めました。彼は、建築構造から自然の形に落ちる影と光のパターン、結晶の表面に至るまで、視覚的な風景のすべてに注意を払いました。彼は、幾何学的抽象の原則が自然界と人造物の原則と共存する美的空間が存在することに気づきました。「キルナ」（1952）などの作品は、彼が視覚的世界を円や四角形などの最も基本的な構成要素と、可能な限りシンプルなカラーパレットに分解した方法を示しています。

ヴィクトル・ヴァザレリ - Re.Na II A, 1968。2019年、パリのポンピドゥーセンターでの展示風景。写真提供 IdeelArt。

彼が自分自身の真にユニークな視覚言語を発展させ始めたときでさえ、ヴァザレリは常に改革者であり続けました。彼は、自身の幾何学的構成がまだ完成していないことを認識していました。それにはもう一つの側面が必要でした—動きの現れです。しかし、アレクサンダー・カラーダーのような実際の動的アートを創造するのではなく、ヴァザレリは脳が動きをどのように知覚するかに興味を持っていました。彼は、水面の波や太陽の熱の中で、空間が歪んでいるという錯覚を生み出し、固体の物体が流動的であるように見える様子を観察しました。彼はこの考えを自身の構成に応用し、幾何学的構成に波のパターンを導入し、作品の表面を一見歪めました。「Re.Na II A」（1968）のような絵画では、表面が外側に膨らんでいるように見えます。他の絵画では、表面が崩れ落ちるように見えます。最も驚くべきことに、目がこれらの波のパターンで見ているものに気づくと、画像がシフトし、三次元空間の錯覚と動きの印象を与えます。

ヴィクトル・ヴァザレリ - ザンテ、1949年。2019年、パリのポンピドゥーセンターでの展示風景。写真提供 IdeelArt.

普遍的な視覚言語

ヴァザレリの遺産の最も理想主義的な側面の一つは、彼が「プラスチックユニット」を創造したことでした。これは無限の視覚的構成を作成するために適応できる基本的な視覚ツールです。ヴァザレリのプラスチックユニットは、一つの色の幾何学的形状の中に、異なる色の二つ目の幾何学的形状を含むもので、例えば、青い正方形が赤い円を囲む、またはその逆の形です。現代的な観点から見ると、プラスチックユニットはピクセルのようなものです。ヴァザレリは、プラスチックユニットをさまざまな幾何学的組み合わせで組み合わせ、線と色を使って構成に波を導入しました。このシンプルな視覚言語は本当に民主的で、誰でも簡単にコピーできました。このスタイルの普遍性は、ヴァザレリに再び自らが創造したものを使って市民の日常生活に良い影響を与える方法を考えさせるほどでした。

ヴィクトール・ヴァザレリー - フォルム 1009 装飾 5110, 1973年頃。エディション 23/50。フォルム 1008 装飾 5105, 1973年頃。エディション 75。フォルム 1008 装飾 5104, 1973年頃。エディション 17/75。フォルム 1009 装飾 5108, 1973年頃。エディション 22/50。フォルム 1007 装飾 5101, 1973年頃。エディション 27/100。フォルム 1008 装飾 5106, 1973年頃。エディション 61/75。フォルム 1010 装飾 5112, 1973年頃。エディション 31/100。フォルム 1007 装飾 5100, 1973年頃。エディション 6/100。2019年、パリのポンピドゥーセンターでの展示風景。写真提供 IdeelArt.

「バザレリ：シェアリング・フォームズ」が美しく示すように、バザレリは彼のアートを公共空間に持ち込むための数多くの戦略を考案しました。彼は、壁画、ポスター、さらにはロゼンタールのためにデザインした21点のコーヒーとデザートセットのような工業デザインを多数制作しました。彼は、ルノーや映画博物館などの企業のロゴも作成しました。そして、彼は公共空間であらゆる種類のアートを創造することに専念しました。彼は、彼の鮮やかでカラフルな幾何学的な公共作品が「陰鬱で灰色の郊外」に命を吹き込む「多色の幸福の都市」を想像しました。この展覧会を通じて、私たちはプラスティシティがすべての視覚文化の形に共通していることを見ます。バザレリは、もちろんそれが美術の本質的な部分であることを示しました。しかし、彼はまた、プラスティシティを都市を構築するために使用される石そのものや、自然に降り注ぐ光の色や陰影にとっても本質的なものと見なしました。アート、デザイン、ファッション、映画、建築、さらには広告の分野間の人工的な分離は、このように視覚文化全体を見ると溶けてしまいます。これがバザレリが教えた教訓です：アートはどこにでも存在するということです。「バザレリ：シェアリング・フォームズ」は、2019年5月6日までポンピドゥーセンターで展示されています。

特集画像：ヴィクトル・ヴァザレリ - アロム、1968年。2019年、パリのポンピドゥーセンターでの展示風景。写真提供 IdeelArt。
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フィリップ Barcioによる