아르실레 고르키, 2019년 첫 이탈리아 회고전 개최
베네치아의 카 페사로 국제 현대미술관은 2019년에 야심 찬 아르실레 고르키 회고전을 개최할 예정입니다. “아르실레 고르키: 1904 – 1948”라는 제목의 이 전시는 제58회 베네치아 비엔날레와 동시에 열립니다. 이탈리아에서 처음으로 열리는 포괄적인 고르키 전시로, 큐레이터들은 이 예술가에 대한 새로운 이론을 제시하고자 합니다. 즉, 그의 성숙한 스타일의 기본 요소들이 “경력 초기 단계부터 이미 존재했다”는 것입니다. 고르키에 대해 글을 쓸 때 대부분의 평론가들은 그의 그림에 나타난 다양한 영향들을 지적하지 않을 수 없습니다. 그들은 그의 초기 작품이 폴 세잔의 영향을 받았고, 중기 작품은 파블로 피카소, 조르주 브라크, 피에트 몬드리안의 영향을 받았으며, 성숙기 작품은 조안 미로의 영향을 받았다고 말합니다. “아르실레 고르키: 1904 – 1948”은 이러한 견해를 반박하는 것을 목표로 합니다. 만약 성공한다면, 이 매혹적인 예술가의 명성에 큰 도움이 될 뿐만 아니라 그의 유산을 분석하는 새로운 관점을 제공할 것입니다. 그는 역사학자들이 자주 주장하는 것처럼 인상주의, 입체주의, 초현실주의, 추상 표현주의 사이의 진정한 현대주의 다리였을까요? 아니면 실제로는 최초의 탈근대주의자였을까요? 결국 그는 이론과 미술사적 서사가 개인의 예술적 충동보다 우선한다는 생각을 거부했습니다. 그리고 탈근대주의자들처럼 그는 관람자가 개인적인 해석으로 작품을 “완성”할 고유한 권리가 있다고 믿었습니다. 이 전시가 기대만큼 성공한다면, 고르키가 다른 스타일을 모방하거나 베꼈다고 말하는 대신, 우리는 그를 과거의 진정성과 독창성을 동시에 기념하고 의문을 제기한 최초의 차용 예술가, 미래를 내다본 사상가로 평가할 수 있을 것입니다.
개인적 스타일 구축
“아르실레 고르키: 1904 – 1948”에 전시되는 가장 초기 작품들은 고르키가 처음 미국에 도착한 1920년대 작품들입니다. 1904년 터키에서 태어난 고르키는 어린 시절 아르메니아인 대학살을 피해 여동생과 어머니와 함께 피난 생활을 했습니다. 14세 때 어머니는 그의 품에서 굶주림으로 세상을 떠났습니다. 1919년, 그는 여동생과 함께 미국으로 탈출해 몇 년 전 이민 온 아버지가 살고 있던 로드아일랜드 주 프로비던스에 합류했습니다. 그곳에서 고르키는 처음으로 정식 미술 교육을 받았습니다. 보스턴의 뉴 스쿨 오브 디자인에서 공부하면서 세잔의 작품을 접했습니다. 1925년 뉴욕으로 이주해 그랜드 센트럴 미술학교와 국립 디자인 아카데미에서 수업을 들으며 독일 표현주의, 야수파, 입체파, 초현실주의 등 다양한 현대미술 양식을 접했습니다.
아르실레 고르키 - 자화상, 약 1937년, 캔버스에 유화, 141 x 86.4 cm / 55 ½ x 34 인치. © 2018 아르실레 고르키 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
뉴욕은 또한 고르키가 전쟁으로 피폐해진 여러 나라에서 온 다른 이민 예술가들을 만난 곳이기도 합니다. 이들과의 만남은 그에게 미국이 제공하는 기회를 깨닫게 했습니다. 그는 자신을 재창조하고 예술로 무엇이든 만들 수 있다는 자신감을 얻었습니다. 본명인 보스타닉 마누그 아도이안을 아르실레 고르키로 바꾸고, 접하는 다양한 양식들을 자유롭게 차용했습니다. “스태튼 아일랜드”(1927)는 후기 인상주의와 야수파를 암시합니다. “주전자와 정물”(1928)은 합성 입체파를 암시합니다. “조직”(1933-36)은 데 스틸을 참조합니다. 그러나 이 작품들 중 어느 것도 고르키가 이러한 양식들의 철학을 진정으로 받아들였음을 보여주지 않습니다. 그는 단지 그들의 형태적 경향만을 차용했을 뿐, 나머지는 모두 자신만의 것으로 만들었습니다. 이름과 정체성을 다른 이들의 이름과 정체성 일부를 사용해 구성했듯, 그는 과거 양식의 일부를 사용해 자신만의 미적 스타일을 구축했습니다.
아르실레 고르키 - 한계, 1947년, 캔버스에 부착한 종이에 유화, 128.9 x 157.5 cm / 50 3/4 x 62 인치. © 2018 아르실레 고르키 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
공공과 민간의 협력
“아르실레 고르키: 1904 – 1948”에서 많은 주목은 그의 생애 마지막 5년에 집중될 것입니다. 어린 시절의 고통에도 불구하고, 그의 마지막 시기는 가장 비극적인 시기로 손꼽힙니다. 일련의 심각한 건강 문제와 연애 문제는 작업실 화재로 이어져 많은 작품이 소실되었고, 결국 1948년 고르키는 스스로 생을 마감했습니다. 이 끔찍한 시기에도 그는 가장 매혹적인 작품들을 남겼습니다. 완전히 추상적인 미학을 채택했지만, 각 작품에는 자신의 삶의 친밀한 세부를 참조하는 서사적 제목을 붙였습니다. 이 후기 작품들은 과거 예술가들의 작품과 자주 비교되지 않고, 오히려 미래를 예견한 작품으로 평가받습니다. “어머니의 수놓은 앞치마가 내 삶에 펼쳐지는 방식”(1944)의 느슨한 구성, 서정적인 붓질, 자유롭게 떨어지는 물감 얼룩은 20년 후 조안 미첼이 그렸을 법합니다. “달력 만들기”(1947)의 소박한 얼룩, 낙서, 화가의 흔적은 30년 후 사이 트웜블리가 그렸을 법합니다.
아르실레 고르키 - 마스터 빌 초상, 약 1937년, 캔버스에 유화, 132.4 x 101.9 cm / 52 1/8 x 40 1/8 인치. © 2018 아르실레 고르키 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
이 마지막 작품들은 고르키가 추상 표현주의자들에게 강력한 영향을 끼친 주요 이유이기도 합니다. 이 시기는 그가 빌렘 드 쿠닝이 자신의 목소리를 찾도록 돕고, 잭슨 폴록이 잠재의식과 접촉하도록 도왔다는 시기로 알려져 있습니다. 그러나 저는 이번 베네치아 전시가 고르키가 가르칠 수 있는 것의 한계가 아니었음을 증명하길 바랍니다. 그는 단지 동시대인들에게 특정 방식을 따르라고 말한 것이 아닙니다. 그는 그들에게 자립심을 가르쳤고, 모든 양식과 방식을 한꺼번에 섞어 자신만의 길을 찾을 자유가 있음을 일깨웠습니다. 그의 방식은 그가 본 것과 경험한 모든 것의 혼합체였습니다. 진실과 허구, 사실주의와 추상이 뒤섞인 것이었습니다. “아르실레 고르키: 1904 – 1948”은 고르키를 모방자가 아닌, 20세기 초 예술가 중 최초로 예술가의 자율성을 받아들이고, 어떤 운동도 특정 시기에 속하지 않으며, 예술가도 특정 양식에 속하지 않는다는 믿음을 거부한 인물로 재정의하길 바랍니다.
“아르실레 고르키: 1904 – 1948” 전시는 2019년 5월 8일부터 9월 22일까지 카 페사로 국제 현대미술관에서 열립니다.
대표 이미지: 아르실레 고르키 - 한 해의 밀크위드, 1944년, 캔버스에 유화, 94.2 x 119.3 cm / 37 1/16 x 46 15/16 인치. 워싱턴 D.C. 국립미술관, 에일사 멜론 브루스 기금 © 2018 아르실레 고르키 유산 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕.
필립 Barcio 작성
