아르실레 고르키, 2019년 첫 이탈리아 회고전 개최
베니스의 카 페사로 현대 미술관은 2019년에 아르실 고르키 회고전을 개최할 예정이다. “아르실 고르키: 1904 – 1948”라는 제목으로, 제58회 베니스 비엔날레와 동시에 열릴 예정이다. 이 전시는 이탈리아에서 열리는 최초의 포괄적인 고르키 전시가 될 것이며, 큐레이터들은 그의 성숙한 스타일의 구성 요소가 “그의 경력 초기 단계부터 존재했다”는 새로운 이론을 제시하고자 한다. 고르키에 대해 글을 쓸 때, 대부분의 비평가들은 그의 그림에 존재하는 다양한 영향을 지적하지 않을 수 없다. 그들은 그의 초기 작품이 폴 세잔의 영향을 받았고, 중기 작품은 파블로 피카소, 조르주 브라크, 피에트 몬드리안의 영향을 받았으며, 성숙한 작품은 조안 미로의 영향을 받았다고 말한다. “아르실 고르키: 1904 – 1948”은 이러한 개념을 반박하는 것을 목표로 한다. 만약 성공한다면, 이 매혹적인 예술가의 명성에 큰 도움이 될 것이며, 그의 유산을 분석할 수 있는 새로운 관점을 제공할 것이다. 그는 정말로 인상주의, 입체파, 초현실주의, 추상 표현주의 사이의 현대주의적 다리였던 것일까, 역사학자들이 자주 주장하는 것처럼? 아니면 그는 실제로 최초의 포스트모더니스트였던 것일까? 결국, 그는 이론과 미술사적 서사가 개인의 예술적 충동보다 우선한다고 생각하는 개념을 거부했으며, 포스트모더니스트들처럼 관객이 자신의 해석으로 예술 작품을 “완성”할 권리가 있다고 믿었다. 만약 이 전시가 기대하는 모든 것이 된다면, 고르키가 다른 스타일을 복사하거나 모방했다고 말하기보다는, 그를 최초의 전유 예술가로 내세울 수 있을지도 모른다. 그는 과거의 진정성과 독창성을 동시에 기념하고 질문한 선구적인 사상가였다.
개인 스타일 구축하기
“아르실 고르키: 1904 – 1948”의 초기 작품들은 고르키가 미국에 처음 도착한 1920년대에 해당합니다. 1904년 터키에서 태어난 고르키는 어린 난민으로서 어머니와 여동생과 함께 오스만 터키에 의한 아르메니아 대학살을 피해 도망쳤습니다. 고르키가 14세였을 때, 그의 어머니는 그의 품에서 굶어 죽었습니다. 1919년, 그는 여동생과 함께 미국으로 도망쳐, 몇 년 전에 이민 온 아버지가 있는 로드아일랜드 주 프로비던스에 합류했습니다. 그곳에서 고르키는 첫 번째 정식 예술 교육을 받았습니다. 그는 보스턴의 뉴 스쿨 오브 디자인에서 공부하면서 세잔의 작품을 접했습니다. 1925년, 그는 뉴욕시로 이주하여 그랜드 센트럴 아트 스쿨과 내셔널 아카데미 오브 디자인에서 수업을 들었으며, 그곳에서 독일 표현주의, 포비즘, 입체파, 초현실주의와 같은 다양한 모더니즘 스타일을 접하게 되었습니다.
아르실 고르키 - 자화상, c. 1937, 유화, 141 x 86.4 cm / 55 ½ x 34 in. © 2018 아르실 고르키 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
뉴욕은 고르키가 전 세계의 전쟁으로 황폐해진 다른 나라에서 탈출한 이민 예술가들과 만난 곳이기도 하다. 이러한 같은 생각을 가진 영혼들과의 접촉은 그가 미국이 제공하는 기회를 깨닫는 데 도움을 주었다. 그는 자신을 재창조할 수 있는 힘을 느꼈고, 자신의 예술로 원하는 모든 것을 만들 수 있다고 생각했다. 그는 이름을 보스타닉 마노우그 아도이안에서 아르실 고르키로 바꾸었고, 접촉하게 된 다양한 스타일을 자유롭게 탐구했다. "스태튼 아일랜드"(1927)는 후기 인상파와 야수파를 암시한다. "주전자와 정물"(1928)은 합성 입체파를 암시한다. "조직(1933-36)"은 데 스틸을 참조한다. 그러나 이러한 그림들 중 어느 것도 고르키가 실제로 이러한 스타일의 철학을 받아들였음을 보여주지 않는다. 그는 그들의 조형적 경향만을 채택했을 뿐, 나머지는 모두 자신의 것으로 만들었다. 다른 사람들의 이름과 정체성의 조각을 사용하여 자신의 이름과 정체성을 구성한 것처럼, 그는 과거 스타일의 조각을 사용하여 자신의 미적 스타일을 구성했다.
아르실 고르키 - 더 리밋, 1947, 캔버스에 장착된 종이에 유화, 128.9 x 157.5 cm / 50 3/4 x 62 in. © 2018 아르실 고르키 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
공공 민간 파트너십
“아르실 고르키: 1904 – 1948”에서 많은 주목은 그의 생애 마지막 5년 동안 집중될 것입니다. 그의 젊은 시절의 비극에도 불구하고, 그의 마지막 해는 가장 비극적인 시기로 쉽게 경쟁할 수 있습니다. 일련의 주요 건강 문제와 연애 문제는 그의 작업의 대부분을 파괴한 스튜디오 화재로 절정에 달했으며, 이는 고르키가 1948년에 자살하게 만들었습니다. 이 끔찍한 시기 속에서 그는 가장 매력적인 그림 몇 점을 제작했습니다. 그는 완전히 추상적인 미학을 채택했지만, 각 그림에 자신의 삶의 친밀한 세부 사항을 언급하는 서사적 제목을 부여했습니다. 이러한 후기 그림들은 과거 다른 예술가들의 작품과 자주 비교되지 않으며, 대신 미래를 예고하는 작품으로 여겨집니다. “내 어머니의 자수 앞치마가 내 삶에서 펼쳐지는 방식” (1944)의 느슨한 구성, 서정적인 붓질, 자유롭게 흘러내리는 페인트 얼룩은 20년 후 조안 미첼에 의해 쉽게 그려졌을 것입니다. “달력 만들기” (1947)의 거친 얼룩, 낙서 및 화가의 표시는 사이 트웜블리(Cy Twombly)에 의해 30년 후에 쉽게 그려졌을 것입니다.
아르실 고르키 - 마스터 빌의 초상, c. 1937, 유화, 132.4 x 101.9 cm / 52 1/8 x 40 1/8 in. © 2018 아르실 고르키 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
이 마지막 그림들은 고르키가 추상 표현주의자들에게 그렇게 강력한 영향을 미친 이유의 주요 부분이기도 하다. 이 시기는 그가 윌렘 드 쿠닝이 자신의 목소리를 찾도록 도왔고, 재크슨 폴록이 자신의 잠재의식과 연결되도록 도왔다고 전해지는 인생의 시기였다. 하지만 나는 이번 베니스 전시회가 고르키가 가르쳐야 할 것의 한계를 나타내지 않는다는 것을 증명해주기를 바란다. 그는 동시대 사람들에게 특정한 방법을 따르라고 말하는 것이 아니었다. 그는 그들에게 자립심을 가르쳤고, 그들이 자신의 길을 찾기 위해 모든 스타일과 방법을 동시에 혼합할 자유가 있음을 알렸다. 그의 방법은 그가 본 모든 것과 경험한 것의 혼합체였다. 그처럼, 그것은 진실의 일부, 허구의 일부, 사실주의의 일부, 그리고 추상의 일부였다. “아르실 고르키: 1904 – 1948”은 고르키를 이러한 방식으로 재정의하길 희망한다. 즉, 모방자가 아니라, 예술가의 자율성을 포용하고 어떤 특정한 시대에 속하는 운동이나 특정한 스타일에 속하는 예술가라는 믿음을 부정한 20세기 최초의 예술가 중 한 명으로서.
“아르실 고르키: 1904 – 1948” 전시가 2019년 5월 8일부터 9월 22일까지 카 페사로 국제 현대 미술관, 베네치아에서 열립니다.
특집 이미지: 아르실 고르키 - 밀풀, 1944, 유화, 94.2 x 119.3 cm/ 37 1/16 x 46 15/16 in. 내셔널 갤러리 오브 아트, 워싱턴 D.C. 에일사 멜론 브루스 기금 © 2018 아르실 고르키 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕.
필립 Barcio
