헤다 스턴의 이야기, 초현실주의와 추상 표현주의 사이에서

헤다 스턴은 다재다능하고 상상력이 풍부한 예술가로, 긴 경력 동안 수십 가지 뚜렷한 양식을 실험했습니다. 그러나 그녀의 유산은 어떻게든 한 가지 양식—추상 표현주의—과 한 그룹—이래스시블스—에만 연결되어 있습니다. 이는 아이러니한 운명입니다. 스턴은 추상 표현주의의 미적 특성이나 기술적 측면과 결코 자신을 동일시하지 않았으며, 이래스시블스와의 연관성에서 암시된 문화적 비판에도 특별히 관심을 두지 않았습니다. 이러한 연관성은 주로 그녀가 뉴욕 스쿨 예술가들과 친구였고, 그녀의 작품이 그들의 초기 전시회 중 일부에 출품되었기 때문입니다. 그 연결 덕분에 그녀는 1950년 메트로폴리탄 미술관장에게 보낸 보수적인 미국 미술 전시 기획을 비난하는 악명 높은 서한에 서명하게 되었습니다. 서한에 서명한 예술가들 중 일부는 라이프 잡지 표지에 실린 사진 촬영에 참여했습니다. 그 그룹은 나중에 “이래스시블스”라 불리게 되었으며, 이 용어는 나중에 추상 표현주의 예술가들과 동의어로 사용되었습니다. 스턴은 사진 속 유일한 여성으로, 두 명의 다른 여성 예술가—루이즈 부르주아와 메리 캘러리—도 서한에 서명했지만 사진에는 나오지 않았습니다. 사진에서 17명의 남성 위 높은 탁자 위에 서 있는 그녀의 위치는 상징적인 존재감을 만들었습니다. 이 사진은 그녀의 평생을 따라다녔습니다. 그녀가 스타일을 바꿀 때마다 1950년대처럼 더 이상 작품을 만들지 않는 이유에 대한 같은 질문을 들어야 했습니다. 1950년대에도 그녀는 적어도 세 번에서 네 번은 스타일을 바꿨음에도 말입니다. 이 신화는 스턴을 짜증나게 했지만, 그녀는 이에 대해 유머 감각도 가지고 있었습니다. 그녀가 생애 말년에 말하길, “나는 80년의 작업보다 그 빌어먹을 사진으로 더 알려져 있어요. 만약 자존심이 있었다면 신경 쓰였을 거예요.”

자동 콜라주

스턴이 추상 표현주의와의 연관성을 되돌릴 기회를 얻고 다른 운동에 자신을 연결할 수 있었다면, 아마도 초현실주의를 선택했을 것입니다. 그것이 그녀가 태어나고 자란 방법이었기 때문입니다. 직관, 상상력, 꿈의 힘에 대한 강조는 결국 그녀가 내린 모든 예술적 선택을 이끌었습니다. 1910년 루마니아 부쿠레슈티에서 태어난 그녀는 여덟 살 때 미술 수업을 시작했습니다. 그녀의 첫 미술 교사는 자연주의 조각가 프레데릭 스토르크였지만, 10대 후반에는 다다이즘 공동 창립자 마르셀 얀코와 초현실주의 화가 빅터 브라우너의 지도 아래 공부했습니다. 20대 초반에는 파리를 자주 여행하며 입체파 화가 앙드레 로트와 팝 아트의 선구자로도 여겨지는 입체파 화가 페르낭 레제를 만나고 배웠습니다.

헤다 스턴, 서드 애비뉴 엘, 1952-53, 캔버스에 유화와 스프레이 에나멜, 40 3/8 x 31 7/8 인치, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 소장, 다니엘 H. 실버버그 부부 기증, 1964 (64.123.4). © 헤다 스턴 재단

이러한 다양한 영향에서 출발해, 스턴은 자동 드로잉에 기반한 독특한 방법을 개발했습니다. 그녀는 종이를 찢고 직관적으로 조각들을 떨어뜨려 자동 콜라주를 만들었습니다. 파리에서 열린 제11회 살롱 데 쉬랭뎅땅당 전시회에서 그녀의 콜라주 작품을 본 유명한 다다이스트 한스 아르프는 스턴을 페기 구겐하임에게 소개했고, 구겐하임은 파리와 런던의 자신의 갤러리에서 그녀의 작품을 전시했습니다. 1941년 제2차 세계대전이 시작되자 스턴은 유럽을 떠나 뉴욕으로 왔고, 구겐하임은 그녀를 자신이 연결된 미국 예술가 공동체에 환영했습니다. 구겐하임과의 인연은 스턴을 뉴욕 미술계에 자리잡게 했지만, 진정으로 그녀를 보살핀 이는 갤러리스트 베티 파슨스였습니다. 파슨스는 1942년 웨이크필드 갤러리에서 스턴의 첫 개인전을 열어주었고, 4년 후 자신의 갤러리를 열었을 때 스턴을 처음으로 계약한 예술가 중 한 명으로 삼았습니다. 무엇보다도 파슨스는 실험의 가치를 이해했습니다. 그녀는 스턴이 어떤 특정한 길에 얽매이지 않고 자유롭게 원하는 스타일을 탐구할 수 있다는 믿음을 키우도록 도왔습니다.

헤다 스턴, 기계 (인간도 13호), 1949, 캔버스에 유화, 30 x 40 인치. © 헤다 스턴 재단

원시 그래피티

미국에 도착한 후 스턴은 이미지와의 관계를 보는 방식에 깊은 영향을 받았습니다. 그녀는 본 광범위한 시각과 색채를 환상적인 구성으로 옮겨, 구상과 추상의 경계를 넘나들었습니다. 그녀는 세상의 모습을 그렸지만, 자신이 느낀 방식을 전달하기 위해 변형했습니다. 그녀에게 가장 큰 영향을 준 것은 농촌 여행에서 본 농기계부터 도시의 산업 기계에 이르기까지 놀라운 기계들의 다양성이었습니다. 그녀는 이러한 대상들을 초현실주의적 구성으로 표현했는데, 장난스럽게 구상적인 “기계 (인간도 13호)”(1949)와 오싹할 정도로 환상적인 “기계 5”(1950)가 그 예입니다. 이 작품들은 스턴이 이래스시블스 사진에 포함되었을 때 만들고 있던 그림들로, 사진 속 남성들의 작품과는 전혀 다릅니다.

헤다 스턴, 기계 5, 1950, 캔버스에 유화, 51 x 38 1/8 인치, 일리노이 대학교 어배너-샴페인 크래너트 미술관 및 킨키드 파빌리온 소장, 예술 축제 구매 기금, 1950-7-1. © 헤다 스턴 재단

1952년, 스턴은 가장 흥미로운 혁신 중 하나인 아크릴 스프레이 건으로 그림을 그리기 시작했습니다. 오늘날 아크릴 스프레이 페인트는 거리 예술의 상징적인 요소지만, 스프레이 페인트와 아크릴 페인트는 모두 1940년대에 발명되었습니다. 스턴은 이 매체가 가진 독특한 도시적 특성을 가장 먼저 파악한 예술가 중 한 명이었습니다. 그녀는 이를 사용해 “서드 애비뉴 엘”(1952)에서 뉴욕의 빠른 속도와 역동적인 시각적 특성을 보여주었습니다. 이 작품은 고가 전철 아래의 삶을 제스처적이고 얼룩덜룩하며 추상적으로 표현해, 1980년대 뉴욕 지하철 차량 측면이나 현대 거리 예술 갤러리 벽에 어울릴 법한 작품입니다. 1960년대에는 대기적인 색면과 평평한 평면 위에 떠다니는 꿈같고 생물형태 형상을 그렸습니다. 1970년대에는 수백 개의 손글씨 문학 인용구를 포함한 서사적인 그림 “일기”를 제작했습니다. 1980년대에는 수정 터널이나 사이버 공간으로의 여행을 연상시키는 만화경 같은 추상을 그렸습니다. 이후 시력 문제로 인해 그녀가 본 얼룩을 흰색 위에 흰색으로 그리기도 했습니다. 아마도 끊임없는 혁신이 그녀가 동시대 예술가들만큼 명성을 얻지 못하게 했지만, 동시에 그녀를 중요한 방식으로 지탱해 주었습니다. 스턴은 94세까지 그림을 그렸고, 2011년 100세로 세상을 떠날 때까지 그녀 세대에서 가장 혁신적이고 상상력이 풍부한 예술가 중 한 명으로 자리매김했습니다. 그녀는 또한 모든 동시대 예술가들을 능가하고 오래 살며 뛰어난, 거의 가장 온화한 예술가였습니다.

대표 이미지: 헤다 스턴, 뉴욕, 1955, 캔버스에 에어브러시와 에나멜, 36 1/4 × 60 1/4 인치, 뉴욕 휘트니 미국 미술관 소장; 익명의 기증자 기증, 56.20. © 헤다 스턴 재단
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 제공