프랭크 아우어바흐의 풍경과 초상화 뉴욕에서

영국의 위대한 화가 프랭크 아우어바흐의 소형이면서도 우아한 회화 전시가 현재 뉴욕의 티모시 테일러 갤러리에서 열리고 있습니다. 프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상는 오늘날 영국에서 가장 영향력 있는 화가 중 한 명의 오랜 경력 여러 십 년을 조명합니다. 아우어바흐는 60년이 넘는 세월 동안 그림을 그려왔지만, 이 전시가 특별한 점은 그가 보여주는 일관성입니다—시간이 흐르면서도 시각적 스타일이 진화하면서도 변함없이 유지된다는 점에서 이 특별한 예술가의 증거입니다. 현재 80대 후반인 아우어바흐는 50년 넘게 노스 런던의 같은 작업실에서 작업해왔습니다. 그 기간 동안 그는 주로 두 가지 주제에 집중해 왔습니다: 지역 풍경과 소수의 모델들. 아우어바흐의 모델이 된 이들이 전하는 자세한 묘사는 화려하지 않습니다. 어떤 이들은 그것을 긴 의료 절차에 비유하기도 하며, 또 다른 이들은 아우어바흐가 작업하는 환경을 원시적인 실험실 같다고 묘사하며, 끈적한 물감이 흘러내리는 듯하다고 합니다. 그럼에도 불구하고 위대한 아우어바흐의 모델이 되는 것은 영광으로 여겨집니다. 이는 이 화가가 오랜 경력 동안 이룩한 성취와 관련이 있습니다. 그는 매일, 일주일 내내 하루 종일 작업실에서 작업합니다. 그의 헌신과 집중력은 그가 자신에게 본질적인 것을 접할 수 있게 했습니다. 그의 개인적 스타일은 매우 간결하고 인식하기 쉬워서 한 점의 아우어바흐 작품을 보면 다른 모든 작품도 즉시 알아볼 수 있습니다. 그럼에도 불구하고 모든 아우어바흐의 그림은 부인할 수 없이 독특합니다. 자신만의 독특한 시그니처 스타일을 창조하는 동시에, 이 예술가는 공감적 직관을 연마하여 대상의 본질을 끌어내고, 그들이 누구인지 또는 무엇인지에 관한 진실된 한 가지를 전달할 수 있습니다.

물감에 대한 강렬한 사랑

아우어바흐의 그림을 볼 때 가장 먼저 눈에 띄는 것은 물감의 두께입니다. 그의 임파스토 표면은 그림이 다른 무엇인가가 되기 전에 얼마나 많은 매체를 덧칠할 수 있는지 한계를 시험하는 듯합니다. 가까이서 보면 재료의 향기가 경험의 일부가 되며, 화가가 만든 능선이 만드는 그림자의 왜곡으로 세밀한 이미지 읽기가 방해받습니다. 멀리서 보면 매체의 중요성은 희미해지고, 대상의 영혼이 드러납니다. 아우어바흐는 관람자가 그의 그림과 이런 감각적인 방식으로 교감하기를 원합니다. 물감이든, 질감이든, 색과 빛의 상호작용이든 당신을 끌어당기는 무엇이든, 그는 당신이 직관적으로 작품과 연결되기를 바랍니다. 그가 한때 말했듯이, “그림이 제대로 작동하려면, 당신이 읽기 전에 이미 작동해야 한다고 강하게 느낍니다.”

프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상, 2018년 뉴욕 티모시 테일러 갤러리 설치 전경. 사진 제공 티모시 테일러 뉴욕

아우어바흐가 완성된 이미지를 만들어내는 과정은 시간도 많이 들고 고된 작업입니다. 그의 풍경화는 실물을 보고 그린 것이 아니라, 장면을 스케치한 후 그 스케치를 바탕으로 작업합니다. 그림을 완성한 듯 보인 후에도 다음 날 다시 돌아와 거의 만족하지 않습니다. 그래서 그는 윗부분의 물감을 긁어내고 다시 시작합니다. 긁어낸 캔버스에는 구도에 대한 어떤 메아리, 즉 이전에 있었던 본질적이고 추상화된 기억이 남아 있습니다. 매일 그는 그 기억 위에 새로운 인상을 덧붙입니다. 마침내 완성된 그림은 무게감과 실제적인 물성을 지닙니다. 과거의 층들이 비치면서 그 자체의 영혼을 가진 듯한 인상을 줍니다. 이는 사람과 장소에 대해 호기심을 가지고, 물감을 사랑하고 이해하는 이의 과정입니다.

프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상, 2018년 뉴욕 티모시 테일러 갤러리 설치 전경. 사진 제공 티모시 테일러 뉴욕

덧붙이고 덜어내기

회화적으로 말하자면, 티모시 테일러에서 전시 중인 아우어바흐 작품의 큐레이션은 아우어바흐를 독특하게 만드는 또 다른 측면, 즉 작가가 작업하는 덧붙이고 덜어내는 방식을 보여줍니다. 같은 모델을 그린 두 작품, “JYM의 머리” (1984)와 “스튜디오에 앉아 있는 J.Y.M III” (1988)를 생각해 보십시오. 두 그림 모두 두꺼운 물감 층이 쌓여 있습니다. 이들은 아우어바흐가 물감을 더할수록 이미지가 거의 세부 없이 축소되는 역설을 보여줍니다. 얼핏 보면 이 두 그림 속 인물들은 너무 단순화되어 거의 완전한 추상으로 녹아드는 듯합니다. 그러나 오래 감상할수록 더 많은 감정적 세부가 느껴집니다. 두 그림 속 인물의 에너지가 같다는 것을 점차 인식하게 되는데, 외형은 거의 닮지 않았음에도 그렇습니다. 이것이 아우어바흐가 터득한 축소의 비밀스러운 덧붙임의 힘입니다—광학적 단순화를 통해 감정을 더합니다. 세부가 적을수록 그는 어떻게든 더 많은 내면의 생명을 드러냅니다.

프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상, 2018년 뉴욕 티모시 테일러 갤러리 설치 전경. 사진 제공 티모시 테일러 뉴욕

이 전시의 여러 풍경화에서도 같은 효과를 볼 수 있습니다. 예를 들어 “코코, 모닝턴 크레센트, 여름 아침” (2006)은 선과 구불구불한 붓질 몇 개로 거의 추상화된 듯 보입니다. 그러나 임파스토 층을 오래 바라볼수록 색의 밀고 당김이 마법처럼 작용하고 공간의 구성이 점차 드러납니다. 천천히 도시 환경이 나타나지만 순수한 도시는 아닙니다. 자연 요소도 함께 있으며, 공원 같은 느낌을 불러일으키는 햇빛의 감각도 있습니다. 이 그림들은 어니스트 헤밍웨이가 작가들에게 “한 문장만 진실되게 쓰라”고 조언한 것을 떠올리게 합니다. 아우어바흐는 그 조언의 화가 버전을 구현합니다. 그가 그리는 각 그림은 대상에 관한 본질적인 무언가, 한 가지 진실을 보여줍니다. 그리고 이 전시가 분명히 보여주듯, 각 그림은 또한 아우어바흐 자신을 엿보는 창입니다. 그 결합 속에서 마법 같은 일이 일어납니다—아우어바흐는 대상과 하나가 되며, 그 교감은 항상 물감 속에 드러납니다. 프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상은 뉴욕 티모시 테일러에서 2018년 6월 23일까지 전시됩니다.

대표 이미지: 프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상, 2018년 뉴욕 티모시 테일러 갤러리 설치 전경. 사진 제공 티모시 테일러 뉴욕

필립 Barcio 지음