프랭크 아우어바흐의 풍경과 초상화 뉴욕에서
영국의 위대한 화가 프랭크 아우어바흐의 간결하고 우아한 회화 전시가 현재 티모시 테일러 뉴욕에서 열리고 있습니다. 프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상는 오늘날 영국에서 가장 영향력 있는 화가 중 한 명의 오랜 경력의 여러 세대를 살펴봅니다. 아우어바흐는 60년 이상 그림을 그려왔지만, 이 전시가 주는 인상적인 점은 그가 전달하는 일관성입니다. 이는 이 특별한 예술가에 대한 증거로, 그의 시각적 스타일은 시간이 지나면서도 어떻게든 진화하면서도 안정성을 유지해왔습니다. 현재 80대 후반인 아우어바흐는 50년 이상 북 런던의 같은 스튜디오에서 작업해왔습니다. 그동안 그는 주로 두 가지 일반적인 주제에 집중해 왔습니다: 지역 풍경과 선택된 몇몇 모델들입니다. 아우어바흐에게 포즈를 취하는 것이 어떤 것인지에 대한 설명은 화려하지 않습니다. 어떤 이들은 그것이 긴 의료 절차와 비슷하다고 묘사하며, 다른 이들은 아우어바흐가 작업하는 환경을 원시적인 실험실과 비슷하다고 묘사합니다. 그곳은 기름진 페인트로 넘쳐납니다. 그럼에도 불구하고 위대한 아우어바흐에게 포즈를 취하는 것은 영광으로 여겨집니다. 이 사실은 이 화가가 오랜 경력 동안 성취한 것의 본질과 관련이 있습니다. 그는 매일, 주 7일, 하루 종일 자신의 작업실에서 작업합니다. 그의 헌신과 집중은 그가 자신에 대해 본질적인 것과 접촉하게 만들었습니다. 그의 개인적인 스타일은 매우 간결하고 인식 가능하여, 아우어바흐의 그림 하나를 보면 모든 다른 그림을 즉시 인식할 수 있습니다. 그럼에도 불구하고 모든 아우어바흐의 그림은 부인할 수 없이 독특합니다. 이 예술가는 자신만의 독특한 시그니처 스타일을 창조하는 동시에, 그의 주제의 본질을 압축할 수 있는 공감적 직관을 연마했습니다. 이는 그가 그들이 누구인지 또는 무엇인지에 대한 진정한 사실을 전달할 수 있게 해줍니다.
페인트에 대한 본능적인 사랑
Auerbach의 그림을 볼 때 가장 먼저 눈에 띄는 것은 페인트의 두께입니다. 그의 임파스토 표면은 그림이 다른 무언가가 되기 전에 얼마나 많은 매체를 덩어리로 올릴 수 있는지의 한계를 도전하는 것 같습니다. 가까이에서 보면, 재료의 향기가 경험의 일부가 되며, 화가의 능선으로 인해 생긴 그림자의 왜곡이 이미지의 세부적인 읽기와 함께 변형됩니다. 멀리서 보면, 매체의 중요성이 희미해지고, 주제의 영혼이 드러납니다. Auerbach는 당신이 이러한 본능적인 방식으로 그의 그림과 상호작용하기를 의도합니다. 당신을 끌어들이는 것이 페인트, 질감, 또는 색상과 빛의 상호작용이든 간에, 그는 당신이 작품과 직관적인 수준에서 연결되기를 원합니다. 그가 한때 말했듯이, “나는 그림이 잘 작동하려면, 당신이 그것을 읽을 기회가 있기 전에 잘 작동해야 한다고 강하게 느낍니다.”
프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상, 2018년 티모시 테일러 뉴욕 전시 설치 모습. 사진 제공: 티모시 테일러 뉴욕
아우어바흐가 완성된 이미지를 얻기까지의 과정은 시간과 노력이 많이 드는 작업이다. 그의 풍경화는 실제로 그려지지 않으며, 그는 장면을 스케치한 후 그 스케치를 바탕으로 작업한다. 그림을 완성한 것처럼 보인 후, 그는 다음 날 다시 돌아와 거의 항상 만족하지 않는다. 그래서 그는 페인트의 최상층을 긁어내고 다시 시작한다. 긁힌 캔버스는 이전의 구성에 대한 어떤 메아리를 간직하고 있으며, 이전의 본질적이고 추상화된 기억을 담고 있다. 그는 매일 그 기억 위에 쌓아가며 새로운 인상을 추가한다. 마침내 완성된 그림은 무게감이 있으며, 실제 물리성을 지닌다. 과거의 층들이 엿보이며 자신의 역사를 주장하고, 마치 자신의 영혼을 가진 것처럼 보인다. 이것은 사람과 장소에 대해 호기심이 많고, 페인트를 사랑하고 이해하는 사람의 과정이다.
프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상, 2018년 티모시 테일러 뉴욕 전시 설치 모습. 사진 제공: 티모시 테일러 뉴욕
더하기와 빼기
그림적으로 말하자면, 티모시 테일러에서 전시된 아우어바흐 작품의 큐레이션은 아우어바흐를 독특하게 만드는 또 다른 측면을 보여줍니다. 그것은 바로 아티스트가 작업하는 방식의 추가적이고 축소적인 측면입니다. 같은 모델을 그린 두 개의 그림을 고려해 보십시오: “JYM의 머리” (1984)와 “스튜디오 III에 앉아 있는 J.Y.M” (1988). 두 이미지는 두꺼운 페인트 층으로 가득 차 있습니다. 이들은 아우어바흐가 더 많은 페인트를 추가할수록 이미지가 거의 제로 디테일로 축소되는 역설을 예시합니다. 한눈에 보았을 때, 이 두 그림의 인물들은 너무나 간소화되어 거의 완전한 추상으로 녹아드는 것처럼 보입니다. 그러나 이미지를 더 오래 감상할수록, 당신은 더 많은 감정적 디테일을 인식하게 됩니다. 각 그림의 인물 에너지가 동일하다는 것을 점차 인식하게 되며, 비록 외관은 전혀 비슷하지 않더라도 말입니다. 이것이 아우어바흐가 마스터한 축소의 비밀스러운 추가적 힘입니다. 그는 시각을 단순화함으로써 감정을 더합니다. 그가 보여주는 디테일이 적을수록, 그는 어떤 식으로든 더 많은 내면의 삶을 드러냅니다.
프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상, 2018년 티모시 테일러 뉴욕 전시 설치 모습. 사진 제공: 티모시 테일러 뉴욕
이 전시의 여러 풍경화에서 같은 효과가 보인다. 예를 들어, “코코, 모닝턴 크레센트, 여름 아침”(2006)과 같은 작품이다. 거의 선과 구불구불한 붓질의 연속으로 축소된 이 그림은 순전히 추상적으로 보인다. 그러나 임파스토 층을 오래 바라볼수록 색상의 밀고 당김이 마법을 발휘하고, 공간의 구성도 점점 더 드러난다. 천천히 도시 환경이 드러나지만, 순전히 도시적이지는 않다. 자연 요소도 존재하며, 공원 같은 느낌을 불러일으키는 낮의 감각이 함께한다. 이 그림들은 어니스트 헤밍웨이가 작가들에게 "진정한 문장을 하나만 쓰면 된다"고 조언했던 것을 떠올리게 한다. 아우어바흐는 그 조언의 화가적 버전을 구현한다. 그가 창조하는 각 그림은 주제에 대한 본질적인 무언가—하나의 진정한 것—을 보여준다. 그리고 이 전시가 분명히 보여주듯, 각 그림은 아우어바흐 자신을 엿볼 수 있는 기회이기도 하다. 그 결합 속에서 마법 같은 일이 일어난다—아우어바흐는 그의 주제와 하나가 되며, 그 교감은 항상 페인트 속에 드러난다. 프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상는 티모시 테일러 뉴욕에서 2018년 6월 23일까지 전시된다.
특집 이미지: 프랭크 아우어바흐: 풍경과 초상, 티모시 테일러 뉴욕에서의 설치 전시, 2018. 사진 제공: 티모시 테일러 뉴욕
필립 Barcio
