Joanne Freeman 인터뷰

우아한 흰색 캔버스는 몇 개의 정교하게 디자인된 다양한 색상의 루프만으로 장식되어 있으며, 평화와 조화의 특정한 리듬을 발산합니다. 적을수록 더 많은 것 원칙은 Joanne Freeman의 작품에서 분명히 드러납니다. 그녀는 몇 개의 효과적인 선만으로도 강력한 비전을 구축하고 관객을 매료시키는 데 성공합니다. IdeelArt는 Joanne Freeman에게 그녀의 작업, 창작 과정 및 예술가로서의 삶에 대해 몇 가지 질문을 할 수 있는 독특한 기회를 가졌습니다. 우리는 그녀의 작업에 대한 생각, 창작자와 예술 간의 관계, 그리고 예술과 관객 간의 관계에 대해 논의했습니다. 그러니 매우 사랑스러운 Joanne Freeman과의 짧지만 통찰력 있는 인터뷰를 즐기세요. 

"당신은 위스콘신주 매디슨에서 대학을 다녔고, 매사추세츠에서 강의를 했으며, 미국 전역과 국제적으로 널리 전시하였고, 현재 뉴욕시에서 살고 일하고 있습니다. 당신의 작업이 장소에 대한 감각에 의해 어떻게 영향을 받는지에 대해 이야기해 주실 수 있나요?"

내 작업은 장소의 영향을 많이 받습니다. 앞서 언급했듯이, 저는 뉴욕시에 살고 일하고 있으며, 그 시각적이고 문화적인 환경이 제 작업에 강한 영향을 미칩니다. 제가 떠나고 다시 돌아올 때마다 제가 발견하는 것에 항상 놀랍니다. 떠나 있는 시간은 항상 저에게 새로운 관점과 신선한 시각을 제공합니다. 여행도 마찬가지입니다. 다른 환경에 있을 때, 저는 다른 사람들이 익숙함으로 인해 평범하게 여길 수 있는 것들에 열려 있습니다. 저는 작업에 대한 많은 영향을 회상할 수 있습니다. 때로는 제가 그것을 창작할 때 직접적으로, 때로는 그것을 감상할 때 훨씬 후에.

당신의 신체성이 당신의 작업에 어떤 영향을 미칩니까?

내 스튜디오에서의 작업 과정은 신체적으로 힘들며, 특히 그림의 크기가 커질수록 그렇습니다. 그림의 날카로운 선들은 캔버스의 한쪽 가장자리에서 다른 쪽 가장자리로 팔을 휘두르면서 만들어집니다. 외부 지지대와 내부 선의 크기는 작업 과정과 내 몸의 비율에 따라 다릅니다.

"당신은 때때로 둥근 표면에서 작업합니다. 당신이 하는 제스처의 물리적 특성을 고려할 때, 원형 공간에 직면했을 때 표면과의 연결은 어떻게 발전합니까?"

제스처는 원형 공간과 짝을 이룰 때 더 제한적이고 통제된 형태가 됩니다. 그들은 캔버스의 원형을 회전하고 모방하는 더 의도적인 움직임을 보입니다. 더 큰 직사각형 그림에서는 끝을 넘어 무한함을 암시하는 웅장한 스윕을 실행하지만, 원형 작품은 스스로 중심을 잡고 표면의 형태와 가장자리를 강조하여 그림을 물체화하는 데 기여합니다.

당신이 만드는 작업 중 일부는 특정 영역을 테이프로 막아 표면에 대한 접근을 제한하는 것을 포함합니다. 그런 작업에 직면할 때 당신의 감정적/지적 상태는 전체 표면에 완전한 접근이 있을 때와 어떻게 다릅니까?

"나는 당신이 내가 테이프를 붙여서 색의 형태를 만드는 종이 작업을 언급하고 있다고 생각합니다. 반면 내 그림은 더 개방적입니다. 두 매체 간의 과정은 실제로 매우 유사하며 직관적입니다. 나는 표면에 선이나 형태를 놓고 그것을 기반으로 구축합니다. 그림의 경우 구성은 더 고정되어 있고 내 선택은 색상 선택과 더 관련이 있습니다. 내가 드로잉에서 사용하는 단색 색상은 구성으로 더 많이 놀 수 있게 해줍니다. 어쨌든 나는 언어를 간소화하고 경계를 설정하며 선택을 제한했습니다. 이는 역설적으로 더 많은 자유를 허용합니다."

"당신은 환원주의 예술가들의 작업에 영향을 받았다고 언급했습니다. 당신이 존경하는 몇몇 예술가의 이름을 말해주시고, 그들이 당신이 찾거나 답을 찾는 데 도움을 준 질문들에 대해 이야기해 주실 수 있나요?"

나는 많은 예술가들의 작품을 바라보며, 떠오르는 몇몇은: 폴 필리(Paul Feeley), 모리스 루이스(Morris Louis), 케네스 놀란(Kenneth Noland), 메리 하일만(Mary Heilmann), 카를라 아카르디(Carla Accardi)와 엘스워스 켈리(Ellsworth Kelly)이다. 나는 미니멀하면서도 기념비적인 작품을 가진 예술가들의 작업을 존경하지만, 동시에 수공예적이고 기발한 것을 축하하는 작품을 좋아한다. 단순하고 정직한 표현에 도달하기 위해 많은 작업과 과정을 거쳐야 하기 때문에, 축소적 회화의 과정은 약간의 캐치-22와 같다. 나는 선배들의 작품에 대한 내 반응을 의문시하고, 적은 것으로 더 많은 것을 말할 수 있는 자신감을 찾으려고 노력한다.

물리적 이미지 제작의 축소 행위 중에 지적으로 어떤 경험을 하십니까?

나는 스튜디오에서 비판적인 평가를 통제하고 내 앞에 있는 정보에 기반하여 본능적으로 판단을 내리려고 노력한다. 예술가의 정전화와 예술 역사에 대한 강력한 영향은 나에게 모나리자 증후군으로 설명된 상황을 초래할 수 있는데, 여기서 작품의 신화가 그것에 대한 솔직한 반응을 가린다. 나는 러시아 구성주의, 바우하우스 학교, 네오 플라스티시즘, 그리고 덜 명백하게는 조토와 프라 안젤리코의 초기 기독교 미술을 기반으로 나에게 맞는 축소된 시각 언어를 내면화했다. 이러한 가르침과 더 현대적인 예술가들의 영향은 항상 스튜디오에 함께한다. 희망적으로 이 배운 공통 언어가 독특한 해석으로 이어지기를 바란다.

당신의 작품을 접하는 관객이 어떤 경험을 하기를 바라나요?

이상하게도, 제가 제 작업을 만드는 과정에 너무 몰두하고 있기 때문에, 실제로 그 순간에 제 작업을 보는 데 어려움을 겪을 수 있습니다. 몇 년 후에 다른 사람의 집이나 다른 기관의 맥락에서 제 작업을 보는 경험을 해본 적이 있습니다. 그 순간에는 항상 "오, 와우, 그게 잘 어울리네"라고 생각하는 것이 좋습니다. 관객도 같은 느낌을 가졌으면 좋겠습니다.

Joanne Freeman

특집 이미지: Joanne Freeman의 ''커버'' 시리즈 사진, 아트 온 페이퍼, 캐서린 마켈 부스, 피어 36, 뉴욕, NY. 3월 4일-6일 - 아티스트 제공