Joanne Freeman 인터뷰
몇 가지 신중하게 디자인된 다양한 색상의 고리들로만 장식된 우아한 흰색 캔버스는 평화로움과 조화의 일정한 리듬을 발산합니다. 적을수록 더 좋다는 원칙은 Joanne Freeman의 작품에서 분명히 드러납니다. 몇 개의 효과적인 선만으로도 그녀는 강렬한 비전을 구축하고 관람객을 사로잡습니다. IdeelArt는 Joanne Freeman에게 그녀의 작업, 창작 과정, 그리고 예술가로서의 삶에 대해 몇 가지 질문을 할 수 있는 특별한 기회를 가졌습니다. 우리는 그녀의 작품에 대한 생각, 창작자와 예술, 그리고 예술과 관람객 사이의 관계에 대한 그녀의 인식을 논의했습니다. 그러니 아주 짧지만 통찰력 있는 Joanne Freeman과의 인터뷰를 즐겨 주세요.
위스콘신주 매디슨에서 대학을 다니고 매사추세츠에서 강의를 했으며, 미국과 해외에서 폭넓게 전시를 했고, 현재 뉴욕시에서 거주하며 작업하고 계십니다. 당신의 작품이 장소감에 의해 어떻게 영향을 받는지 말씀해 주시겠습니까?
제 작업은 장소에 강하게 영향을 받습니다. 앞서 말했듯이 저는 뉴욕시에서 살고 작업하며, 그 시각적이고 문화적인 분위기가 제 작업에 큰 영향을 미칩니다. 떠났다가 다시 돌아올 때마다 제가 알아차리는 것들에 늘 놀랍니다. 떨어져 있는 시간은 항상 새로운 시각과 신선한 관점을 줍니다. 여행도 마찬가지로 다른 환경에 있을 때 익숙함 때문에 다른 사람들이 평범하게 여길 수 있는 것들에 더 열려 있게 만듭니다. 작업에 영향을 준 많은 요소들을 기억할 수 있는데, 때로는 작업하는 도중에 직접적으로, 때로는 작업을 본 후에야 알게 되기도 합니다.
당신의 작업은 자신의 신체성에 의해 어떻게 영향을 받습니까?
작업실에서의 제 과정은 신체적으로 힘든 편입니다, 특히 그림의 크기가 커질수록 그렇습니다. 그림 속의 단단한 선들은 캔버스 한쪽 끝에서 다른 쪽 끝까지 팔을 휘두르며 그려집니다. 외부 지지대와 내부 선들의 크기는 작업 과정과 제 몸의 비율에 따라 결정됩니다.
가끔 둥근 표면 위에서 작업하시는데, 당신이 만드는 몸짓의 신체적 특성을 고려할 때, 원형 공간과 마주할 때 표면과의 연결은 어떻게 변화합니까?
둥근 공간과 함께할 때 몸짓은 더 제한되고 통제된 느낌이 듭니다. 캔버스의 원형 모양을 따라 더 의도적으로 회전하며 모방하는 동작이 됩니다. 큰 직사각형 그림에서는 가장자리를 넘어 무한함을 암시하는 큰 휩쓸림을 실행하지만, 원형 작품들은 스스로 중심을 잡으며 표면의 모양과 가장자리를 강조하여 그림을 하나의 대상처럼 만듭니다.
표면의 일부를 테이프로 가려 접근을 제한하는 작업도 하시는데, 전체 표면에 자유롭게 접근할 수 있을 때와 비교해 그런 작업을 마주할 때 감정적/지적 상태는 어떻게 달라집니까?
아마도 종이 위에 작업할 때 일부 영역을 테이프로 가리고 색의 형태를 만드는 작업을 말씀하시는 것 같네요. 반면 제 그림들은 더 개방적인 편입니다. 두 매체 간의 과정은 사실 꽤 비슷하고 직관적입니다. 표면에 선이나 형태를 놓고 그것을 바탕으로 확장해 나갑니다. 그림에서는 구성이 더 고정되어 있고 선택지는 색상에 더 관련됩니다. 드로잉에서 사용하는 단색은 구성을 더 자유롭게 다룰 수 있게 해줍니다. 어쨌든 저는 언어를 간소화하고 경계를 설정하며 선택을 제한했는데, 역설적으로 이것이 더 큰 자유를 허용합니다.
감소주의 작가들의 작업에 영향을 받았다고 하셨는데, 존경하는 몇몇 작가를 꼽아 주시고 그들이 찾거나 답하는 데 도움을 준 질문들에 대해 이야기해 주시겠습니까?
많은 작가들의 작업을 봅니다. 떠오르는 몇 명은 Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi, Ellsworth Kelly입니다. 저는 최소주의적이면서도 거대하고, 동시에 손으로 만든 듯한 장난기와 기발함을 축하하는 작품을 존경합니다. 감소주의 회화 과정은 약간의 딜레마가 있는데, 단순하고 정직한 표현에 도달하기 위해 많은 작업과 과잉을 거쳐야 하기 때문입니다. 저는 선배 작가들의 작업에 대한 제 반응을 질문하며, 적은 것으로 더 많은 것을 말할 자신감을 찾으려 노력합니다.
감소주의 이미지 제작의 신체적 행위 중 지적으로 어떤 경험을 하십니까?
저는 작업실에서 비판적 평가를 통제하고, 눈앞의 정보에 근거해 직관적으로 판단하려고 노력합니다. 예술가들의 권위화와 미술사적 영향력은 ‘모나리자 증후군’이라 불리는 상황을 초래할 수 있는데, 이는 작품의 신화가 정직한 반응을 가리는 경우입니다. 저는 러시아 구성주의, 바우하우스 학교, 신조형주의, 그리고 덜 알려졌지만 초기 기독교 미술인 지오토와 프라 안젤리코의 산 마르코 수도원 작품 등 미술사적 선례에 기반한 감소주의 시각 언어를 내면화했습니다. 이러한 가르침과 현대 작가들의 영향은 항상 작업실에서 저와 함께합니다. 이 배운 공통 언어가 독특한 해석으로 이어지길 바랍니다.
당신의 작품을 마주하는 관람객이 어떤 경험을 하길 바라십니까?
이상하게도 저는 작업 과정에 너무 몰입해서 순간적으로 제 작품을 제대로 보지 못할 때가 있습니다. 몇 년 후 누군가의 집이나 다른 기관에서 제 작품을 본 경험이 있는데, 그 순간마다 “와, 이거 잘 됐네”라고 생각하는 것이 늘 좋았습니다. 관람객도 같은 경험을 하길 바랍니다.
Joanne Freeman
대표 이미지: 뉴욕 NY 피어 36의 Kathryn Markel 부스에서 열린 Art on Paper에서 Joanne Freeman의 ''Covers'' 시리즈 사진. 3월 4일-6일 - 작가 제공
