서정적 추상미술: 차갑지 않은 예술

도쿄, 1957년. Georges Mathieu는 맨발에 기모노를 두르고, 긴 몸을 스프링처럼 감아 풀릴 준비를 한 채 8미터 캔버스 앞에 서 있다. 그는 순수한 물질적 만남으로서의 예술을 설파하는 전위 그룹 구타이 미술 협회의 Jiro Yoshihara의 초대를 받았다. 관객들이 지켜본다. Mathieu는 스케치도 하지 않고, 계획도 세우지 않으며, 망설이지도 않는다. 그는 물감 튜브를 집어 들고, 바로 표면에 짜낸다. 그의 팔이 휘둘러진다. 서예적인 소용돌이가 폭발한다. 몇 분 만에 La Bataille de Hakata가 완성된다. 그는 비행기를 타기 전까지 스무 점의 캔버스를 더 그릴 것이다. Bienvenue à l'abstraction lyrique.

Georges Mathieu가 그린 Bataille de Bouvines - 1954년 4월 25일 - ©Robert Descharnes

그 장면이 당신에게 위험과 땀, 결코 손대지 않을 수 없는 물감을 말한다면, 당신은 이미 이 에세이의 논쟁 속에 들어와 있는 것이다. 서정적 추상화에 관한 주요 사실에 관심 있는 독자들을 위해, 맨 아래에 매우 상세한 FAQ가 준비되어 있다.

두 번 태어나 항상 반대편에 서다

서정적 추상화는 무에서 태어난 것이 아니다. 그것은 냉랭함에 대한 구체적이고 육체적인 혐오에서 태어났다. 첫 번째 탄생은 1947년 파리에서 일어났는데, 그 도시는 아직 나치 점령의 상처가 아물지 않은 상태였다. 비평가 Jean José Marchand과 화가 Georges Mathieu는 Abstraction Lyrique라는 용어를 만들어, Galerie du Luxembourg에서 열린 "L'Imaginaire" 전시에 출품된 작품들을 설명했다. Marchand가 관찰했듯, 이 작품들은 모든 속박에서 벗어난 서정성을 보여주었다. 기하학에 대한 속박도 없고, 가장 왜곡된 정치적 형태로 유럽을 살해하려 했던 합리적 격자에 대한 속박도 없었다. 그 붓질은 생존의 행위였다: 계속되는 인간 존재의 증거로서의 붓 자국이었다.

두 번째 탄생은 1969년 뉴욕에서 일어났고, 적은 변했지만 여전히 냉랭했다. 미국의 비평가이자 수집가인 Larry Aldrich는 Art in America에 "Young Lyrical Painters"를 발표하며, 미니멀리즘의 냉철한 완벽주의와 팝 아트의 계산된 아이러니에 지친 한 세대의 화가들을 지목했다. 휘트니 미술관은 1971년에 전시회를 통해 이 운동을 공식화했다. 다시 말해, 체계에 맞서 일어나는 온기였다. 서정적 추상화가 등장할 때마다 그것은 단순한 스타일이 아니라 거부였다: 그림이 몸 없는 개념이 되거나 맥박 없는 형태가 되는 것을 거부하는 것이다.

이중 계보(파리 1947 / 뉴욕 1969)는 단순한 역사적 사실 이상입니다. 그것은 서정적 추상화가 무엇인지에 대한 구조적 무언가를 드러냅니다. 이 운동은 다른 무엇인가에 대항하여 자신을 정의하기 때문에 그 정체성은 끊임없이 살아 있고, 끊임없이 반응적입니다. 수십 년간 파리에서 거주하며 작업해온 아르헨티나 출신 화가 Martin Reyna를 생각해 보세요. 그의 잉크와 희석된 아크릴은 동시에 구성되고 해방됩니다: Reyna는 구조를 세웁니다: 영역, 리듬, 일련의 조건을 설정한 후 색채가 자신의 논리에 따라 그 안에서 움직이도록 허용하며, 최종 표면은 작가의 결정과 물감 모두에 동등하게 속합니다. Reyna의 캔버스를 보면 특정 역사적 운동에 대한 저항이 아니라, 회화를 닫히고 결정된 것으로 보는 생각 자체에 대한 저항을 느낄 수 있습니다. 이런 의미에서 그는 1947년 파리 거부 운동의 직접적인 후계자입니다.

Martin Reyna - L'Ile - 2023

몸이 아는 것

다음은 서정적 추상화가 다른 표현 회화 형태와 구별되는 점입니다: 과정은 수단이 아니라 메시지입니다.

Mathieu의 "튜비즘"(튜브에서 직접 빠르게 물감을 짜내는 기법)은 단순한 기술적 지름길이 아니었습니다. 그것은 철학적 선언이었죠: 충동과 표면 사이에 어떤 중재도 없다는 것. 파리의 아르 인포르멜 서클의 캐나다 멤버인 Jean-Paul Riopelle은 붓을 완전히 없애고 팔레트 나이프만 사용해 두껍고 모자이크 같은 임파스토 색채를 쌓아 올렸는데, 이는 완강하고 물질적으로 존재하는 느낌을 줍니다. Helen Frankenthaler는 정반대 방향으로 나아갔습니다: 그녀의 흡수-염색 기법은 원단 처리되지 않은 캔버스에 안료를 부어 물감이 발라지는 대신 흡수되게 하여 회화와 지지체 사이의 경계가 완전히 무너졌습니다. 이 각각은 통제에 대한 다른 도전이며, 마음이 편집하기 전에 몸이 말하게 하는 또 다른 방식입니다.

이 신체 중심 논리는 파리 기반 화가 Macha Poynder의 작품에서 정확히 볼 수 있고 느낄 수 있습니다. 그녀는 퍼포먼스적 제스처, 자동 드로잉, 그리고 지성보다는 무의식의 표현으로 설명하는 직관적 색상 선택을 통해 캔버스를 만듭니다. 그녀의 표면은 페인트가 튀거나 떨어진 듯한 무작위 영역과 훈련된 손으로 정밀하게 적용한 영역이 혼합되어 있으며, 이 두 상태 사이의 긴장이 바로 그림입니다. Poynder는 자신의 과정을 음악 창작에 비유하는데, 미리 작곡된 것이 아니라 행위 속에서 발견되는 것이라고 합니다. 그녀의 작품은 퐁피두 센터와 국립미술관의 영구 소장품에 포함되어 있어, 기관들도 단순히 만들어진 그림과 퍼포먼스된 그림의 차이를 느낄 수 있음을 시사합니다.

Macha Poynder - Far Away -  2026

Janise Yntema는 브뤼셀에서 인캉스틱 왁스(토치로 가열해 융합한 밀랍)를 사용해 작업하며, 통제와 해방 사이의 긴장된 영역을 차지합니다. 왁스는 일정 부분까지는 반응하지만, 열이 가해지면 놓여진 것이 그 자체로 변합니다. 각 반투명 층은 빛을 다르게 가두어, Yntema의 캔버스를 들여다보는 것은 내부에서 빛나는 무언가를 보는 것과 같습니다. 방향과 우연 사이의 순간은 그녀가 해결하려는 문제가 아니라, 바로 그 자체가 주제입니다. 그리고 브루클린에서는 Emily Berger가 나무 패널(대표 이미지 참조)에 유성 페인트로 넓은 수평 제스처를 사용해 팔 전체를 동원하여(긁기, 문지르기, 끌기) 모든 자국이 물리적 헌신의 기록임을 명확히 합니다. 그녀의 표면은 Berger가 말했듯이, 예술가의 손을 기념합니다. 손이 보이지 않는 것을 선호하는 시대에, 이것은 단순한 미적 선호가 아니라 입장입니다.

Janise Yntema - Montauk - 2015

Paul Landauer는 베오그라드에 거주하는 오스트리아 출신 화가로, 신체와 과정에 관한 이 질문에 또 다른 변주를 더합니다. 그의 그림은 정밀하고 거의 건축적인 드로잉에서 넓고 분위기 있는 색채 영역까지 다양한 영역을 넘나들지만, 모든 방식에서 자국은 계산된 것이 아니라 신중하게 고려되었으며, 표면은 미리 정해진 계획이 아닌 진정한 신체적 참여를 통해 도달한 것입니다. Landauer는 자신의 작업 방식을 발굴 과정으로 설명하는데, 베오그라드로 이주하면서 익숙한 것들을 질문할 거리를 얻었고, 그 질문은 구성된 동시에 발견된 듯한 표면에 드러납니다.

Paul Landauer - Movement - 2023

세상은 파리나 뉴욕을 기다리지 않았다

예술사에서 지속되는 신화 중 하나는 운동이 한 곳에서 시작되어 다른 곳으로 "퍼진다"는 것인데, 마치 문화가 일종의 전염병인 것처럼 여겨집니다. 서정적 추상화는 이 모델을 상당히 복잡하게 만듭니다. 일본의 구타이 그룹은 프랑스 아르 인포르멜의 위성이 아니었으며, 전쟁 후의 긴급성과 물질 및 퍼포먼스와의 만남에 의해 독자적으로 발명된 병행적 운동이었습니다. Kazuo Shiraga는 캔버스 위에 매달려 발로 그림을 그렸습니다. 1957년 Mathieu가 도쿄에 도착했을 때, 만남은 교사와 제자가 아닌 두 개의 동등하게 완성된 감성 간의 만남이었습니다.

Zao Wou-Ki는 항저우에서 공부한 후 파리에 정착한 중국 출신 화가로, 동양 수묵화의 자발적인 에너지와 유럽 아르 인포르멜의 공간적 야망을 두 전통 어느 한쪽만으로는 만들어낼 수 없었던 방식으로 융합했습니다. 그의 대형 캔버스는 동시에 서예적이면서도 분위기 있는 작품으로, 그의 전기와 교차점이 정확히 필요했던 전례 없는 회화입니다. 캐나다에서는 Riopelle과 오토마티스트가 1948년에 Refus Global 선언문을 발표하며, 실험적이고 세속적인 예술 비전을 위해 지방 성직자 권위를 거부했는데, 이는 또 다른 차가운 체계의 거부이자 또 다른 따뜻함의 표현이었습니다.

오늘날, Yari Ostovany는 테헤란에서 태어나 현재 샌프란시스코에서 활동하며 이 세계적 종합을 이어가고 있습니다. 그의 회화는 안료를 밀도 높고 대기감 있는 층으로 쌓은 뒤, 다시 씻어내고 긁어내며, 표면을 녹이고 재구성하여 고고학적이지 않으면서도 고대적인 느낌을 담아냅니다. Ostovany는 페르시아 시를 형성적 영향으로 언급하며, 그 영향은 그가 만드는 표면에서 읽을 수 있습니다: 열리고 닫히는 깊이, 나타났다 사라지는 색, 결코 완전히 고요해지지 않는 표면. 그의 작품은 미국의 컬러 필드도, 이란의 미니어처도, 그 중간 어디도 아닌, 오직 세계적 융합만이 만들어낼 수 있었던 독특한 감수성입니다.

Yari Ostovany - Night Pilgrim 25 - 2022

세 번째 냉기: 서정적 추상화와 현대 세계

21세기 초 현대 미술 세계에서 서정적 추상화는 세 번째 냉기를 맞이하고 있습니다. 첫 번째는 합리주의적 격자였고, 두 번째는 미니멀리즘의 축소 논리였습니다. 세 번째는 기술적으로 완벽하고 즉시 생성되며, 인간 시각 문화가 이미 만들어낸 통계적 분포에서 생성된 알고리즘 이미지입니다. AI가 생성한 이미지는 지금까지 중 가장 냉정한 것입니다: 위험도, 헌신도, 신체도 담고 있지 않습니다. 실패할 수 없다는 뜻은, 어떤 의미 있는 성공도 할 수 없다는 뜻입니다.

Poynder의 캔버스는 특정 순간, 특정 신체와 정신 상태에서 만들어진 제스처의 기록을 담고 있으며, 이는 반복할 수 없습니다. Landauer의 회화는 특정 신체의 특정 시간에 계산되고 만들어진 제스처의 생체 인식 흔적을 담고 있습니다. Jill Moser의 작품은 서정적이고 서예적인 자국이 회화와 문자 언어 사이, 이미지와 단어에 앞서는 의미 사이를 탐색하며, 계산에서 실행으로 진행되는 어떤 과정으로도 만들어질 수 없었습니다. 이 회화들은 회화가 어떻게 보여야 하는지에 대한 알고리즘의 예측 결과물이 아닙니다. 이것들은 인간의 몸이 진정한 불확실성 조건에서 재료와 만날 때 일어나는 일입니다.

Jill Moser - 회화 - 2007

그것은 작은 일이 아닙니다. 사실, 그것이 전부입니다. 서정적 추상화는 결코 특정 스타일이나 특정 기법에 관한 것이 아니었습니다. 항상 회화가 결과물이 아니라 사건이라는 점을 강조해왔습니다: 표면 위의 흔적은 살아가는 삶, 감수하는 위험, 통계 데이터로 재구성할 수 없는 순간의 증거입니다. 세 번째 차가움에 맞서, 그 주장은 향수가 아닙니다. 그것은 필수적입니다.

프랜시스 베르토미에 지음

더 차갑지 않은 회화

이 에세이에 소개된 현대 작가들(Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer, and Jill Moser)은 IdeelArt가 대표하는 서정적 및 제스처적 화가 커뮤니티에서 개인적으로 선정한 작가들입니다. 컬렉션 내 다른 많은 작가들도 이 감성을 공유합니다. 

오늘날 이용 가능한 작품을 통해 서정적 추상화를 탐구하고자 하는 수집가들을 위해, IdeelArt는 700점 이상의 제스처적이고 서정적인 추상 작품을 독점적으로 소장하고 있습니다 여기를 클릭하여 확인할 수 있습니다.

서정적 추상화: 자주 묻는 질문

사실을 알고 싶은 독자와 구글을 위해서도.

1. 서정적 추상화란 무엇인가?

서정적 추상화는 기하학적 구조나 지적 체계보다 즉흥성, 감정의 강도, 그리고 작가의 제스처가 남긴 흔적을 우선시하는 비구상 회화의 한 형태입니다. 이는 역사적으로 구분되지만 철학적으로 연관된 두 가지 버전으로 존재합니다. 유럽 버전인 Abstraction Lyrique는 1940년대 후반 전후 파리에서 Art Informel의 하위 흐름으로 등장했으며, 점령과 전체주의의 트라우마 이후 인간 자유의 선언으로 본능적인 흔적을 기념했습니다. 미국 버전은 1960년대 후반과 1970년대 초반에 수집가 Larry Aldrich에 의해 확인되었고, 1971년 휘트니 미술관 전시에서 결정화되었으며, 이번에는 미니멀리즘의 임상적 축소주의와 팝 아트의 아이러니한 거리두기에 대한 반작용으로 나타났습니다. 두 버전 모두 유동성, 색채, 그리고 '생산적인 우연'이라 부를 수 있는 것에 대한 헌신을 공유합니다: 즉, 회화가 화가가 완전히 계획하지 않은 무언가를 만들어내고, 그 계획되지 않은 것이 계획된 어떤 것보다 더 진실하다고 여겨져 유지되는 순간입니다. 시각적으로 서정적 추상화는 대기적인 공간, 제스처적 또는 화가다운 흔적, 그리고 전반적인 움직임의 감각을 지향하며, 이는 기하학적 추상화의 단단한 가장자리, 규칙적인 선, 계산된 대칭과는 대조적입니다.

전시 카탈로그 - Whitney 미술관 - 서정적 추상화 - 1971 - 카탈로그 보기

2. 서정적 추상화와 추상 표현주의의 차이점은 무엇인가요?

혼란스러운 점은 이해할 만합니다: 두 운동 모두 제스처, 신체, 감정의 직접성을 찬양하지만, 차이점은 분명하며 중요합니다. 1940년대 중반부터 뉴욕에서 발전한 추상 표현주의는 종종 영웅적이고 심지어 폭력적인 에너지로 특징지어졌습니다: Pollock의 드립 기법 액션 페인팅, de Kooning의 추상 속 인물의 거대한 대결, Rothko의 색면의 숭고함 등이 그것입니다. 이는 예술가를 실존적 전사로 보는 특정(그리고 다소 남성적인) 신화와 연관되었습니다. 서정적 추상화, 특히 1960년대 후반 미국 버전은 그 정통성에 대한 일종의 반작용이었습니다. 더 유동적이고, 더 시적이며, 아름다움을 그 자체로 정당한 목적으로 여겼습니다. Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, Dan Christensen 같은 예술가들은 더 가볍고, 더 스며들며, 정확히 말해 더 서정적인 영역에서 작업했습니다. 차이는 진지함의 문제가 아니라 톤의 차이입니다. 추상 표현주의가 최대 볼륨의 재즈라면, 서정적 추상화는 창문이 열린 방에서 연주되는 같은 재즈입니다.

Mark Rothko, Fondation Louis Vuitton - 2023년 12월 - ©IdeelArt

3. "서정적 추상화"라는 용어를 만든 사람은 누구인가요?

이 용어는 1947년 파리에서 미술 평론가 Jean José Marchand와 화가 Georges Mathieu가 "L'Imaginaire" 전시회에서 선보인 작품들을 설명하기 위해 만들어졌습니다. Marchand는 이 용어를 사용해 회화가 모든 "예속"에서 벗어났다는 의미를 전달했습니다: 구상, 이론, 전쟁 전 스타일의 잔재적 요구로부터의 해방을 뜻합니다. 이 용어는 이후 미국에서 Aldrich 현대미술관의 창립자이자 수집가인 Larry Aldrich가 1969년 Art in America 기사 "Young Lyrical Painters"에서 독립적으로 부활시켰습니다. Aldrich는 유럽에서의 사용을 알고 있었을 가능성이 높지만, 그가 이 용어를 차용한 동기는 다른 비평적 맥락에서 비롯되었습니다: 전후 유럽이 아닌 포스트 미니멀리즘 감성을 명명하려는 의도였습니다.

전시 카탈로그 발췌 - 1968-69년 미술 시즌 하이라이트 - Aldrich 현대미술관 - 카탈로그 보기 

4. 가장 중요한 서정적 추상화 작가는 누구인가요?

유럽 쪽에서는, 자칭 창시자인 Georges Mathieu가 연극적 퍼포먼스와 튜비스트 기법으로 유명하며, 전후 허무주의를 반영한 즉흥적 흔적의 Wols(알프레드 오토 볼프강 슐체), 속도와 규율을 통해 자유 의지를 탐구한 Hans Hartung, 팔레트 나이프 모자이크가 상징적인 캐나다 출신 파리 작가 Jean-Paul Riopelle, 동양 서예와 아르 앙포르멜을 독창적으로 결합한 Zao Wou-Ki, 1958년 서정적 추상에서 완전히 벗어나 독자적 접기 기법을 개발한 Simon Hantaï가 기초 인물로 꼽힙니다. 미국 쪽에서는 흡수-염색 기법을 발명한 Helen Frankenthaler, 불교적 공(空) 개념과 연계된 타키즘 스플래시의 Sam Francis, 액션 페인팅과 인상주의 색채 감각을 융합한 Joan Mitchell, 산업용 스프레이 건으로 빛나는 루프를 만든 Dan Christensen, 그리고 자신의 세대가 하는 일을 설명하기 위해 "새로운 감수성"이라는 표현을 만든 Ronnie Landfield가 주요 인물입니다.

Riopelle - Chevreuse - 1954 - Exposition Parfums D'ateliers, Fondation Maeght, 2023년 9월 - © IdeelArt

5. 서정적 추상을 정의하는 기법은 무엇인가요?

과정과 기법은 서정적 추상의 핵심으로, 거의 정의적인 방식으로 '어떻게'가 '무엇'과 분리될 수 없습니다. Mathieu의 "튜비즘"(스케치 없이 튜브에서 바로 빠르게 페인트를 바르는 기법)은 즉흥성과 서예적 정밀함을 동시에 극대화했습니다. Riopelle는 팔레트 나이프만 사용해 모자이크나 지질층을 닮은 조밀하고 조각 같은 임파스토 표면을 만들었습니다. Frankenthaler는 희석한 페인트를 프라이밍하지 않은 캔버스에 부어 직물에 스며들게 하여 표면과 바탕의 구분을 없앴습니다. Christensen은 산업용 스프레이 건을 사용해 팔의 물리적 범위를 넘어서는 연속적이고 루핑하는 선을 만들었습니다. 최근에는 Macha Poynder 같은 작가들이 자동 드로잉과 퍼포먼스적 제스처를 의도적인 레이어링과 결합해 우연과 의도의 동시 기록을 담은 표면을 만들고, Janise Yntema는 블로우토치로 융합한 엔카스틱 밀랍을 사용해 빛을 가두고 전달하는 반투명 레이어를 쌓으며, Emily Berger는 나무 위에서 온몸을 사용해 수평 제스처 스트로크를 긁고 문지르며 여러 신체적 흔적을 담은 패널을 만듭니다. 이 모든 기법이 공유하는 점은 되돌릴 수 없음을 고집한다는 것입니다: 흔적은 남겨지고, 그 행위는 완전히 되돌릴 수 없습니다.

Janise Yntema - 고독의 속삭임 - 2017

6. 서정적 추상은 언제 어디서 등장했나요?

서정적 추상은 관련은 있지만 혼동해서는 안 되는 두 가지 뚜렷한 역사적 기원을 가지고 있습니다. 첫 번째는 1947년 파리: Galerie du Luxembourg에서 열린 전시회 "L'Imaginaire"로, Jean José Marchand와 Georges Mathieu가 전후 Art Informel 맥락에서 새롭게 등장한 완전 추상의 한 갈래를 설명하기 위해 Abstraction Lyrique라는 용어를 사용했습니다. 이 유럽 운동은 1950년대 내내 파리를 중심으로 프랑스, 캐나다, 일본, 중국의 예술가들이 중요한 기여를 하며 번성했습니다. 두 번째 기원은 1969~1971년 뉴욕: Larry Aldrich의 Art in America 기사 "Young Lyrical Painters"(1969)가 미니멀리즘에서 벗어난 미국 신세대 예술가들을 지칭했고, 1971년 Whitney Museum의 전시회 "Lyrical Abstraction"으로 운동이 확립되었습니다. 이 두 시기는 역사적으로 구별됩니다: 유럽 예술가들은 뉴욕 비평계에 거의 알려지지 않았거나 무시당했지만, 이들은 인간적이고 제스처적이며 감정적인 것을 너무 냉정해진 체계에 맞서 재확인할 필요성에 대한 평행한 반응을 나타냅니다. (자세한 내용은 12번 질문도 참조하세요)

Jean-Paul Riopelle과 Fernand Leduc, 1947년 파리 Galerie de Luxembourg에서 열린 "Automatisme" 전시회에서

7. 서정적 추상과 기하학적 추상의 차이점은 무엇인가요?

이것은 20세기 추상의 근본적인 대립이며, 진지하게 받아들일 가치가 있습니다. 기하학적 추상은 Mondrian의 격자에서 Albers의 정사각형, 1960년대의 하드 엣지 회화에 이르기까지 계획에서 출발합니다. 형태는 회화가 존재하기 전에 이미 존재합니다. 실행은 정밀함의 문제입니다: 선은 결정된 대로 그려집니다. 서정적 추상은 정반대의 확신에서 출발합니다: 형태는 화가의 몸, 매체, 순간이 만나는 행위 중에 나타납니다. 계획이 있다면 즉시 포기되거나 초과됩니다. 기하학적 추상은 통제, 구조, 반복 가능성을 중시하며, 서정적 추상은 자발성, 우연, 환원 불가능한 독특함을 중시합니다. 어느 쪽이 우월한 것은 아니지만, 이들은 회화가 무엇이며 무엇을 위한 것인지에 대한 진정으로 대립되는 철학을 나타냅니다. 기하학적 전통에 대한 자세한 탐구는 IdeelArt의 동반 에세이 "기하학적 추상: Malevich와 Mondrian의 또 다른 영웅담이 아니다"를 참조하세요.

Piet Mondrian - Tableau iii (Composition in oval - 세부) - 1914 - 암스테르담 Stedelijk Museum

8. 서정적 추상화는 오늘날에도 여전히 의미가 있나요?

단지 관련 있을 뿐만 아니라, 이전 어느 때보다도 더 필요하다고 할 수 있습니다. 점점 더 알고리즘으로 생성된 기술적으로 완벽하지만 경험적으로 공허한 이미지로 포화된 시각 문화에서, 서정적 추상화는 인간의 흔적에 대한 불가분의 주장을 나타냅니다: 이 몸이, 이 순간에, 진정한 불확실성의 조건 하에서만 만들 수 있었던 그림입니다. 페르시아 시 전통과 미국 컬러 필드를 동시에 참조하는 안료가 가득한 표면을 가진 Yari Ostovany(샌프란시스코, 테헤란 출생), 건축적 정밀함과 대기적 광활함 사이를 움직이며 공식이 아닌 물리적 헌신으로 항상 도달하는 Paul Landauer(베오그라드, 비엔나 출생), 서예적 흔적이 회화와 문자 언어, 제스처와 의미 사이의 경계에 존재하는 Jill Moser(뉴욕) 같은 현대 작가들: 이들 모두는 생성형 AI가 진정으로 복제할 수 없는 작품을 만들고 있습니다. 이것은 시각적 외관의 문제가 아닙니다: 알고리즘은 확실히 서정적 추상화처럼 보이는 것을 설득력 있게 만들어낼 수 있습니다. 하지만 이 작업의 중심에 있는 인간의 존재는 시뮬레이션할 수 없습니다.

이 화가들이 만들어내는 것은 주로 이미지가 아닙니다: 그것은 한 번 일어난 삶, 위험, 물리적 순간의 증거이며 통계 데이터로 재구성할 수 없습니다. 표면은 결과가 아니라 기록입니다. 주요 기관들의 관심은 계속 커지고 있습니다: 2025년 Monnaie de Paris와 Centre Pompidou는 공동으로 Georges Mathieu의 대규모 회고전 "Geste, Vitesse, Mouvement"을 개최했으며, 이는 50년 만에 처음 있는 대규모 조사입니다. 

Georges Mathieu - Karaté - 1971 - 2025년 Monnaie de Paris에서 열린 "Geste, Vitesse, Mouvement" 전시에서. 카탈로그 보기

9. 서정적 추상화(Lyrical Abstraction)와 타시즘(Tachisme)의 차이점은 무엇인가요 — 같은 것인가요?

정확히는 아니지만 두 용어는 밀접하게 관련되어 있고 자주 혼용되어 진정한 혼란을 초래합니다.타치즘 (프랑스어에서 유래)tache", 얼룩이나 반점이라는 뜻) 특정 기법으로, 1940년대 후반 파리에서 등장한 물감의 즉흥적 덩어리, 방울, 튀김의 적용이며 1952년 비평가 Michel Tapié에 의해 체계화되었습니다. 서정적 추상은 타치즘을 포함하지만 이에 국한되지 않는 더 넓은 감성입니다. 타치즘을 서정적 추상이 사용하는 방법 중 하나로 생각할 수 있으며, 동의어는 아닙니다. 둘 다 전후 유럽에서 합리적이고 기하학적인 회화 접근법을 거부한 아르 인포르멜(Art Informel)이라는 더 큰 우산 아래에 속합니다.

전형적인 타치즘 회화: Sam Francis - Around the Blues - 1957, 1962–3

10. 서정적 추상과 컬러 필드 회화의 차이는 무엇인가요?

이 두 운동은 세대, 지리(둘 다 전후 미국에서 번성), 그리고 감정의 주요 전달자로서 색채에 대한 헌신을 공유하기 때문에 자주 혼동됩니다. 핵심 차이는 제스처의 역할에 있습니다. Mark Rothko, Barnett Newman, Morris Louis 같은 컬러 필드 화가들은 눈에 보이는 붓질에서 벗어나 작가의 손길을 지운 크고 몰입적인 색면으로 나아갔습니다. 서정적 추상은 정반대 방향으로 움직였습니다: 제스처, 흔적, 화가의 신체적 자취가 바로 작품의 핵심입니다. Helen Frankenthaler가 가장 교훈적인 사례인데, 그녀의 흡수-염색 기법은 대기감 있는 색면을 만들어내면서도 제스처 과정에 깊이 뿌리내렸습니다. 실제로 두 경계는 매우 유동적이며 많은 작품이 두 영역 모두에 편안히 속합니다.

Morris Louis - Pi - 1960 - 노스캐롤라이나 미술관 (2015년 전시) - ©IdeelArt

11. Joan Mitchell은 서정적 추상인가요, 아니면 추상 표현주의인가요?

솔직히 말해, 둘 다이며 그 모호함이 그녀를 그렇게 중요한 인물로 만드는 부분입니다. Mitchell은 뉴욕의 추상 표현주의 서클에서 훈련받고 성장했으며, 대형 캔버스와 신체적으로 몰입하는 회화에 대한 헌신을 공유했습니다. 하지만 그녀의 작품은 서정성, 빛남, 그리고 풍경과 자연 감각과의 연결을 지니고 있어 서정적 전통과도 동등하게 맞닿아 있습니다. 그녀는 경력의 대부분을 프랑스에서 보냈으며, 그곳에서 유럽과 더 가까웠습니다. 추상적 서정주의 뉴욕 스쿨의 영웅적 마초이즘보다는 감수성에 더 가깝습니다. 오늘날 대부분의 미술사가들은 그녀를 두 운동의 경계에 위치한 인물로 보며, 이는 아마도 어떤 화가도 차지할 수 있는 가장 흥미로운 위치일 것입니다.

1983년 Joan Mitchell의 Vétheuil 작업실에서. 사진: Robert Freson, Joan Mitchell 재단 아카이브. © Joan Mitchell 재단

12. "abstraction lyrique"와 "lyrical abstraction"의 차이점은 무엇인가요?

그들은 철학적 DNA를 공유하지만 역사적으로는 구별됩니다.

Abstraction Lyrique는 프랑스어 용어로, 1947년 파리에서 Jean-José Marchand와 Georges Mathieu가 만들어낸 말이며, 전후 유럽의 흐름을 설명하는 데 사용되었습니다. 이 흐름은 Art Informel, 실존주의 사상, 그리고 기하학적 합리주의의 거부에 뿌리를 두고 있습니다.

Marchand라는 미술 평론가가 처음 이 이름을 만들었으며, 1947년 11월 제14회 Salon des Surindépendants에서 전시된 Mathieu의 작품을 설명하기 위해 사용했습니다. 이는 그가 Salon des Réalités Nouvelles에서 Mathieu를 본 지 4개월 후였습니다:

"먼저 추상 미술가 Georges Mathieu의 작품을 주목하고 싶습니다. 이 젊은이는 두 점의 크고 매우 서정적인 그림을 선보이고 있는데, 매우 감동적이며, 아무것도 나타내지 않음에도 불구하고 관람객의 마음을 움직일 수 있다고 믿습니다."

그러나 이 운동을 이론화한 것은 Mathieu입니다. 1947년에 쓴 그의 첫 미술 관련 글 "La liberté, c’est le vide"(자유는 공허다)는 1948년 4월 22일 H.W.P.S.M.T.B. 전시 카탈로그에 실렸으며, 여기서 그는 “공허의 형이상학”의 기초를 제시하고 위험의 형이상학을 예고하며 Abstraction Lyrique의 로드맵을 열었습니다. 이 용어는 그가 처음에 Marchand가 사용한 "Abstractivisme Lyrique"(서정적 추상주의)보다 선호한 표현입니다.

Mathieu에게 Abstraction Lyrique는 “집중이 고전적 즉흥성 개념을 대체해야 한다.”는 것을 요구합니다. 이는 방법과 공식보다 영성, 에너지, 직관을 강조하며, 궁극적으로 예술가의 진정한 감수성과 “우주에 대한 개방”을 필요로 합니다.

"내가 내 역할을 완수했고, 할 수 있는 모든 것을 했다는 것을 자각하며, 시간이 내 편임을 알고, 진실이 결국 빛을 발할 것임을 알며, 이 자유로운 추상이 치명적인 승리를 거둘 것임을 알고, 심지어 그것이 가장 큰 혼란과 가장 큰 용이함을 불러일으킬지도 모른다고 짐작한다." -Georges Mathieu

H.W.P.S.M.T.B. 전시 카탈로그 (발췌)

"Lyrical Abstraction"은 미국 운동으로서 1969년 수집가 래리 올드리치가 미니멀리즘과 팝 아트에 반응하여 독립적으로 명명했습니다. 휘트니 미술관은 1971년 "Lyrical Abstraction"라는 전시를 통해 미국 운동을 공식화했으며, 전시 성명서는 래리 올드리치가 작성했습니다: 

"지난 시즌 초, 회화에서 기하학적이고 하드 엣지, 미니멀리즘에서 벗어나 더 서정적이고 감각적이며 낭만적인 추상으로, 색상은 더 부드럽고 생동감 있게 변화하는 움직임이 분명해졌습니다. 화가들은 상당한 수로 시각적으로 '아름다운' 작품을 창작했는데, 60년대 미술계에서는 그 단어가 부정적인 의미였습니다. 이전 스타일로 돌아가는 것은 아니었지만, 이 새로운 젊은 화가들은 20년 이상 화가다운 회화를 해온 마크 로스코, 로버트 마더웰 등과 연관이 있었습니다. 이 유형의 회화에서는 스프레이 건, 스펀지 또는 다른 도구로 그렸을 때도 작가의 손길이 항상 보입니다. 표면은 미니멀 회화처럼 익명적이지 않고, 섬세하게 뉘앙스가 있으며 종종 흐린 공허함을 암시합니다. 이 모든 작품은 표현적 관심으로의 뚜렷한 전환을 나타냅니다. 이 서정적 경향을 연구하면서, 저는 매우 마음에 드는 많은 젊은 작가들의 작품을 발견했고, 그 중 다수를 소장하게 되었습니다. Lyrical Abstraction 전시의 대부분 작품은 1969년에 제작되었으며, 모두 지금은 제 소장품입니다." -래리 올드리치

전시 카탈로그 - 휘트니 미술관 - "Lyrical Abstraction" (1971) - 32, 33쪽 - 여기서 보기

두 운동은 주로 병행하여 발전했으며, 당시에는 상호 인식이 제한적이었습니다: 1950년대와 60년대 뉴욕의 비평계는 파리의 장면을 악명 높게 무시했습니다. 오늘날 이 용어들은 대체로 같은 감성을 설명하는 데 교환 가능하게 사용되지만, 역사가들이 정확히 사용할 때 Abstraction Lyrique는 유럽의 전후 흐름을, "Lyrical Abstraction"은 1960년대 후반과 70년대 미국 운동을 가리킵니다.

서정적 추상을 어떻게 인식할 수 있나요 — 그림에서 무엇을 찾아야 하나요?

몇 가지 지표가 있는데, 각각은 단독으로 결정적이지 않지만 조합하면 설득력이 있습니다. 첫째, 물리적 과정의 가시적 흔적을 찾아보세요: 속도나 압력을 기록한 붓질, 캔버스에서 팔 길이만큼 떨어진 도구로는 만들 수 없는 자국, 작업되고 다시 작업된 흔적이 있는 표면. 둘째, 서정적 추상은 평평하고 단호한 경계의 표면보다는 깊이와 움직임을 지향하므로, 대기적이거나 감정적인 공간감을 찾아보세요. 셋째, 색이 구조적이라기보다는 표현적인지 주목하세요: 서정적 추상에서 색은 건축이 아니라 분위기입니다. 마지막으로, 가장 중요한 점은 그림이 설계된 것이라기보다는 발견된 것처럼 느껴지는지 물어보세요. 만약 그렇다면, 위험과 우연의 과정을 통해 스스로 도달한 것처럼 보인다면, 거의 확실히 서정적 추상을 보고 있는 것입니다.

Emily Berger - Fire And Ice - 2020

14. 서정적 추상에서 우연과 사고의 역할은 무엇인가요?

중요하지만 미묘합니다. 서정적 추상은 그 자체로 우연을 숭배하지 않습니다. 그것은 단순한 무작위성이며, 무작위성은 자발성과 같지 않기 때문입니다. 서정적 추상주의자들이 중요하게 여기는 것은 "생산적인 우연"이라 부를 수 있는 순간입니다: 화가가 완전히 의도하지 않은 일이 물감에서 일어나고, 그 의도하지 않은 일이 계획된 어떤 것보다 더 진실되고, 더 생생하며, 더 표현력이 있다고 인식되는 순간입니다. 화가의 기술은 이러한 순간을 피하는 데 있지 않고, 그것을 읽고 반응하며 유지하는 데 있습니다. Mathieu는 이를 "황홀한 집중" 상태라고 묘사했으며, 완전한 인식과 의도적 통제의 중단을 결합한 상태입니다. Frankenthaler는 물감을 신뢰하는 법을 배웠다고 말했습니다. Riopelle의 팔레트 나이프 모자이크는 이전 붓질이 만든 것에 반응하여 끊임없는 미세 결정을 요구했습니다. 각 경우에서 우연은 작품의 창작자가 아니라 협력자이며, 예술가가 진정한 창작자입니다.

1962년 예루살렘 베잘렐 국립박물관의 Georges Mathieu, Yona Fisher 아카이브

15. 서정적 추상과 음악 사이의 연결 고리는 무엇인가요?

이 이름에 그 의미가 내포되어 있습니다. "서정적"이라는 말은 오르페우스의 악기인 리라에서 유래했으며, 서정시는 말로 표현하는 것이 아니라 노래하는 예술이라는 개념의 뿌리입니다. Kandinsky는 초기 추상 작품에서 서정적 추상이 될 많은 것을 예견했으며, 그림을 시각적 음악으로 명확히 언급했습니다: 그는 색과 형태가 언어를 완전히 우회하여 소리만큼 직접적으로 감정을 전달할 수 있다고 믿었습니다. 많은 서정적 추상주의자들은 이 평행성을 의식적으로 발전시켰습니다. Mathieu는 자신의 그림을 라이브 재즈에 맞춰 공연했으며, 그의 1959년 캔버스는 Le Massacre de la Saint-Barthélemy 는 드러머 Kenny Clarke가 즉흥 연주하는 동안 그려졌습니다. Joan Mitchell은 종종 자신의 그림을 리듬, 템포, 침묵이 있는 구성으로 음악적 용어로 설명했습니다. 이 연결은 단순한 은유가 아닙니다: 음악과 서정적 추상화는 고정되고 읽을 수 있는 이미지가 아니라 지속, 반복, 변주, 긴장과 해소의 관리로 의미를 만들어냅니다.

Georges Mathieu - Le Massacre de la Saint Barthélémy - 1959

16. 서정적 추상화와 네오익스프레셔니즘의 차이점은 무엇인가요?

네오익스프레셔니즘은 1970년대 후반에 등장해 1980년대 미술 시장을 지배했으며, Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel 같은 작가들이 대표적입니다. 두 운동 모두 제스처, 감정, 물감의 물리적 존재를 중요시하기 때문에 혼동이 이해됩니다. 주요 차이점은 구상적 내용과 문화적 온도입니다. 네오익스프레셔니즘은 거의 항상 인식 가능한 이미지, 왜곡된 인물, 상징적 사물, 서사적 단편을 유지합니다. 서정적 추상화는 단호히 비구상적입니다. 네오익스프레셔니즘은 또한 더 거칠고, 더 대립적이며, 신화, 역사, 문화적 트라우마를 명시적 주제로 다룹니다. 서정적 추상화는 순수한 감각, 색채 관계, 지각의 심리학에 더 관심이 있습니다. 서정적 추상화가 창문을 열어놓고 연주하는 재즈라면, 네오익스프레셔니즘은 완전히 다른 악기입니다: 더 크고, 더 연극적이며, 이야기를 전하는 데 매우 관심이 많습니다.

Centre Georges Pompidou - Baselitz La Retrospective - 2023년 2월 - 설치 전경 - ©IdeelArt

17. 서정적 추상화에 구상적 요소가 포함될 수 있나요?

기술적으로는 아니지만, 실제로는 경계가 모호하고 흥미롭습니다. 서정적 추상화는 정의상 비구상적이며, 인식 가능한 대상을 묘사하지 않습니다. 하지만 서정적 전통에서 작업하는 많은 화가들은 제스처적 흔적, 분위기 있는 색채, 유기적 형태가 작가의 의도와 상관없이 풍경, 신체, 날씨를 암시하기 시작한다는 것을 발견합니다. Joan Mitchell의 후기 작품들은 풍경의 경계에 영원히 머무르지만 결코 풍경을 묘사하지 않습니다. Riopelle의 모자이크는 지형의 항공 뷰를 연상시킵니다. 이것은 추상화의 실패가 아니라, 그림이 충분히 생생하고 육체적일 때 세계가 다시 스며드는 현상입니다. 중요한 구분은 의도의 차이입니다: 서정적 추상화는 인물이나 장소에서 출발하지 않습니다. 의도치 않게 도착하는 것은 그 정직함의 일부입니다.

Joan Mitchell - River - 1989 - Fondation Louis Vuitton - Le Parti de la Peinture - 2019년 6월 - ©IdeelArt

Paul Landauer의 "The night: Self Portrait as a Young Boy"(아래)는 이 경계를 특히 강하게 보여줍니다. 한 인물이 깊은 붉은색과 검은색의 격동적인 영역에서 나타나는데, 그려진 것이 아니라 마치 불러낸 듯하며, 형태는 물감 자체의 논리에서 응집됩니다. Landauer는 전통적인 의미의 인물에서 시작하지 않았습니다: 그는 물감, 과정, 감정의 내면에서 시작했습니다. 인물화가 도착했습니다. 그리고 그렇게 도착했기 때문에, 단순한 초상화가 결코 가질 수 없는 무언가를 담고 있습니다: 묘사되는 것이 아니라 떠오르는 기억의 느낌입니다.

Paul Landauer - The Night (Self Portrait as a Young Boy) - 2025

18. 서정적 추상화를 구매할 때 수집가는 무엇을 찾아야 할까요?

상태, 출처, 작가 이력 같은 일반적인 고려사항을 넘어서, 서정적 추상화는 수집가에게 몇 가지 구체적인 질문을 던집니다. 첫째: 표면이 지속적인 관찰을 견디는가? 서정적 추상화는 천천히 드러나며, 방 전체에서 잘 읽히는 그림은 가까이서도 보상을 줘야 하며, 그 과정의 물리적 증거가 보입니다. 둘째: 제스처가 설득력 있는가? 진정한 신체적 몰입으로 만들어진 흔적과 단지 즉흥성을 흉내 내면서 실제로는 아무것도 감수하지 않는 흔적 사이에는 차이가 있으며, 경험이 쌓이면 눈은 그 차이를 느끼게 됩니다. 셋째: 작품에 내적 일관성이 있는가? 최고의 서정적 추상화는 혼란스럽지 않습니다: 읽히는 것이 아니라 감지되는 논리가 있고, 어떤 계획 없이도 유지되는 구조가 있습니다. 마지막으로, 자신의 본능적인 반응을 신뢰하세요. 서정적 추상화는 이해되기 전에 느껴지도록 만들어졌으며, 작품에 신체적으로 반응하고 마음이 따라잡기 전에 그 에너지를 몸으로 느끼는 수집가는 바로 화가가 의도한 경험을 하고 있는 것입니다. 

모든 이미지 © 아티스트, 별도 명시 없으면
대표 이미지: Emily Berger, In a heartbeat, 2020 (세부)

재고에서 선별한 서정적 예술 작품