로마레 비어든이 추상적으로 갔을 때

많은 사람들이 그랬듯이, 이번 겨울 뉴욕의 DC Moore Gallery에서 열린 추상 로메어 비어든 전시를 코로나19로 인해 놓쳤다면 걱정하지 마십시오. 더 큰 규모의 전시회인 로메어 비어든: 추상이 가을에 미국 전역을 순회할 예정입니다(그때쯤이면 바이러스가 진정되었기를 바랍니다). 이 두 전시 모두 비어든이 잘 알려진 구상 작품을 넘어, 20세기 가장 영향력 있고 내성적인 예술가 중 한 명의 경력에서 과소평가된 부분인 대형 표현적 추상 작품을 깊이 탐구했다는 점에서 찬사를 받을 만합니다. 비어든은 20세기 초 사회적 사실주의 예술가로 처음 주목받았습니다. 그의 초기 작품들은 피부색 때문에 주변화된 흑인 미국인들의 고난을 주제로 삼았습니다. 그의 구상 작품이 문화에 미친 깊은 영향력을 고려할 때, 오늘날 일부 사람들은 비어든이 추상 영역에도 깊이 몰두했다는 사실에 놀라기도 합니다. 그러나 비어든에게 이것은 전혀 이탈이 아니었습니다. 그는 구상, 추상, 개념 등 모든 예술 형태를 인류가 자신과 존재를 더 잘 이해하기 위해 항상 해온 통합된 노력의 일부로 보았습니다. 그는 예술을 흐름이지만 실제 경험과는 구별되는 것으로 생각했으며, 따라서 우리가 실제로 보는 것을 그대로 반영해야 한다는 규칙에 얽매이지 않는다고 여겼습니다. 비어든은 한때 “예술은 인공물이며, 그 주요 기능은 우리의 기존 현실 개념에 더하는 창조적 작업이다”라고 말했습니다. 그의 추상 작품들은 이 개념을 훌륭하게 설명하며, 추상이 우리 자신과 세상을 새롭게 바라보는 데 도움을 줄 수 있는 잠재력에 대한 신선한 통찰을 제공합니다.

은유와 신화

로메어 비어든 - 리버 미스트, 1962년. 기름칠하지 않은 리넨에 유화, 캔버스에 유화, 카제인, 색연필, 잘라내고 찢어 칠해진 판에 부착. 54 1/4 x 40 7/8 인치. DC Moore Gallery

그의 초기 스타일은 다소 현대적이었고, 그때조차도 추상의 소통 가능성을 어느 정도 인지하고 있음을 암시했지만, 당시 미국에서 많이 생산되던 지역주의 화가들의 스타일과도 비슷했습니다. 비어든은 자신의 작품이 단순히 지역적이거나 구상으로만 분류되는 것을 원하지 않았습니다. 그는 자신의 그림에 은유를 부여하여 개인적 경험과 집단적 이해를 연결하고자 했습니다. 제2차 세계대전에서 군 복무를 마친 후, 그는 유럽으로 돌아가 유럽 현대미술가들의 작업실을 방문했습니다. 뉴욕으로 돌아와서는 그들에게서 배운 기법을 탐구하고, 추상 표현주의와 다양한 현대적 입장들을 시도하며 자신의 진정한 목소리를 찾으려 했습니다. 그의 발전에 필수적이었던 것은 사회운동에 대한 믿음과 시민권 투쟁에 매일 참여하는 삶이었습니다. 때로는 그의 예술적 탐구가 정치적 신념과 충돌하는 듯 보이기도 했습니다. 그런 시점에서 비어든은 “흑인 예술가는 자신을 주로 흑인 예술가가 아니라 예술가로 생각해야 한다”고 유명하게 말했습니다. 그러나 그는 나중에 이 말을 스스로 도전하며, 어떤 창작자도 개인적 상황과 경험을 작품에서 떼어내는 것은 무의미하다는 것을 깨달았습니다.

로메어 비어든 - 올드 앤 뉴, 1961년. 캔버스에 유화. 50 x 60 1/16 인치. DC Moore Gallery

사회적 행동으로서의 콜라주

비어든은 1950년대 후반경 순수 추상이라 할 수 있는 경지에 도달했습니다. 헬렌 프랭켄탈러가 “스며드는 얼룩” 기법을 사용한 지 약 4년 후, 비어든은 독자적으로 비슷한 방법을 발견했습니다. 중국 서예가와의 작업에서 영감을 받아, 그는 유성 물감을 희석해 생캔버스에 부어 여러 색이 어우러진 우주적 구성을 만들었습니다. 구상 작품과 마찬가지로, 비어든은 이 추상 작품들을 인간 조건에 관한 본질적 표현으로 보았습니다. 일부 매체는 섞이지 않아 그림 표면에 선명한 분리를 만들었고, 다른 매체들은 섞여 단독으로는 불가능한 복잡하고 층층이 쌓인 효과를 냈습니다. 추상 캔버스의 일부는 생생하게 남겨져 깨달음의 순간을 제공했고, 어떤 부분은 자유롭고 유동적이며, 또 다른 부분은 엄격히 통제되고 계획된 듯 보였습니다. 이러한 표현적 현실 속에서 비어든은 일상적 인간 존재의 생각, 감정, 연상을 표현했습니다.

로메어 비어든 - 화이트 마운틴, 196년경. 캔버스에 유화와 카제인, 잘라내어 칠해진 판에 흑연과 함께 부착. 50 x 34 3/4 인치. DC Moore Gallery

그의 가장 독특한 추상 구성 중 일부는 1963년경부터 사용하기 시작한 콜라주 기법을 활용합니다. 캐나다 작가 마샬 맥루한이 “매체가 메시지다”라는 말을 하기 1년 이상 전에, 비어든은 콜라주 매체가 집단 행동의 메시지를 표현한다는 깊은 이해를 보여주었습니다. 그의 추상 콜라주는 단순히 색, 형태, 질감의 통합된 구성을 보여주는 것뿐 아니라, 다양한 요소들이 결합해 하나의 통일되고 강력하며 명확한 것을 만들어내는 방식을 보여줍니다. 그들의 조합된 모습과 명백한 인공성은 사실 “우리의 기존 현실 개념에 더하는” 깊고 아름다운 방식입니다.

로메어 비어든: 추상 전시는 비어든의 추상 콜라주와 회화 작품을 대거 선보이며, 2020년 10월 10일 미시간주 앤아버의 미시간 대학교 미술관에서 시작해, 2021년 2월 13일 워싱턴주 시애틀의 프라이 미술관, 2021년 10월 15일 사우스캐롤라이나주 찰스턴의 깁스 미술관에서 열릴 예정입니다.

대표 이미지: 로메어 비어든 - 축제, 1969년. 나무 판에 다양한 종이 콜라주. 21 x 25 인치. DC Moore Gallery.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다.
필립 Barcio 제공