로마레 비어든이 추상적으로 갔을 때

많은 사람들이 그랬듯이, 이번 겨울 COVID-19의 출현 덕분에 뉴욕의 DC Moore Gallery에서 Abstract Romare Bearden을 보지 못했다면 걱정하지 마세요: Romare Bearden: Abstraction이라는 제목의 더 큰 전시가 가을에 미국을 순회할 예정입니다(그때까지 바이러스가 사라졌다고 가정할 때). 이 두 전시는 비어든이 잘 알려진 구상 작품을 넘어서는 점에서 칭찬받을 만하며, 20세기 가장 영향력 있고 내성적인 예술가 중 한 명의 경력에서 과소평가된 측면에 대한 깊은 탐구를 제공합니다. 비어든은 세기 초반에 사회 현실주의 예술가로 두각을 나타냈습니다. 그의 초기 작품은 피부색 때문에 그들을 주변화하려는 문화 속에서 흑인 미국인의 고난을 주제로 삼았습니다. 그의 구상 작품이 문화에 미친 깊은 영향을 고려할 때, 오늘날 일부 사람들은 비어든이 추상 영역에도 깊이 파고들었다는 사실에 충격을 받습니다. 그러나 비어든에게 이것은 전혀 이탈이 아니었습니다. 그는 모든 종류의 예술—구상, 추상, 개념적 등—이 인류가 항상 자신과 존재를 더 잘 이해하기 위해 해온 통합된 노력의 일환으로 인식했습니다. 그는 예술을 흐르는 것이라고 생각했지만, 실제 경험과는 구별되며, 따라서 우리가 실제로 보는 것을 반영해야 한다는 규칙에 얽매이지 않는다고 보았습니다. 비어든은 한때 "예술은 인위적이거나 창의적인 작업으로, 그 주요 기능은 우리의 현실에 대한 기존 개념을 추가하는 것"이라고 말했습니다. 그의 추상 작품은 이 개념을 훌륭하게 설명하며, 추상이 우리 자신과 세상을 새로운 방식으로 볼 수 있도록 도와줄 수 있는 잠재력에 대한 신선한 통찰을 제공합니다.

은유와 신화

로마레 비어든 - 리버 미스트, 1962. 프라이밍되지 않은 리넨에 유화, 캔버스에 유화, 카세인, 색연필을 사용하여 잘라내고 찢어 붙인 작품. 54 1/4 x 40 7/8 인치. DC 무어 갤러리

그의 초기 스타일은 다소 현대적이었고, 그 당시에도 추상의 소통 가능성에 대한 인식을 암시했지만, 동시에 그 당시 미국에서 생산되고 있던 많은 지역주의 화가들의 스타일과도 다소 유사했다. 비어든은 자신의 작품이 지역적이거나 심지어 구상적으로 한정되기를 원하지 않았다. 그는 자신의 그림에 은유를 부여하고, 개인적인 경험과 집단적인 이해를 연결하고자 했다. 제2차 세계 대전에서 군 복무를 마친 후, 그는 유럽으로 돌아가 유럽 모더니스트들의 스튜디오를 방문했다. 뉴욕으로 돌아온 그는 그들로부터 배운 기법을 탐구하고, 자신의 진정한 목소리를 찾기 위해 추상 표현주의와 다양한 현대적 입장들과도 교류했다. 그의 발전에 필수적이었던 것은 사회적 행동주의에 대한 믿음과 인권을 위한 투쟁에 매일 참여하는 것이었다. 때때로 그의 예술적 탐구는 그의 정치적 신념과 충돌하는 것처럼 보이기도 했다. 그런 시점에서 비어든은 "흑인 예술가는 자신을 주로 흑인 예술가가 아니라 예술가로 생각해야 한다"고 유명하게 말했다. 그는 나중에 그 발언에 도전하며, 어떤 창조적인 사람이 자신의 개인적 상황과 경험을 작업에서 제거하는 것이 무의미하다는 것을 깨달았다.

로마레 비어든 - 올드 앤 뉴, 1961. 유화. 50 x 60 1/16 인치. DC 무어 갤러리

사회적 행동으로서의 콜라주

비어든은 1950년대 후반에 순수 추상이라고 할 수 있는 경지에 도달했다. 헬렌 프랭켄탈러가 "소크-스테인" 기법을 사용하기 시작한 지 약 4년 후, 비어든은 독립적으로 유사한 방법에 도달했다. 그는 중국 서예가와 함께 작업하면서 영감을 받아 유화 물감을 희석하고 이를 원단에 붓기 시작했으며, 이로 인해 색이 섞여 다채롭고 우주적인 구성물이 만들어졌다. 그의 인물 작품과 마찬가지로, 비어든은 이러한 추상화를 인간 존재의 본질에 대한 표현으로 인식했다. 그의 일부 매체는 섞이지 않아 그림 표면에 생생한 분리를 일으켰고, 다른 매체는 함께 소용돌이쳐 서로 단독으로는 이룰 수 없는 더 복잡하고 층이 있는 것을 만들어냈다. 그의 추상 캔버스의 일부 영역은 원래 상태로 남겨져 계시의 순간처럼 작용했으며, 일부 영역은 자유롭고 유동적으로 보이는 반면, 다른 영역은 엄격하게 통제되고 계획된 것처럼 보인다. 이러한 표현적 현실 속에서 비어든은 그의 일상적인 인간 존재의 아이디어, 감정, 연상을 표현했다.

Romare Bearden - White Mountain, c. 196. Oil and casein on canvas, cut and mounted on painted board with graphite. 50 x 34 3/4 inches. DC Moore Gallery

그의 가장 독특한 추상 작품 중 일부는 1963년경부터 비어든이 사용하기 시작한 콜라주 기법을 활용합니다. 캐나다 작가 마샬 맥루한이 "매체는 메시지다"라는 문구를 만든 지 1년이 넘기 전에, 비어든은 콜라주라는 매체가 집단 행동의 메시지를 어떻게 표현하는지를 보여주며 그 아이디어를 깊이 이해하고 있음을 입증했습니다. 그의 추상 콜라주는 색상, 형태 및 질감의 통합된 구성을 단순히 묘사하는 것이 아니라, 다양한 요소들이 결합하여 통합되고 강력하며 명확한 무언가를 창조할 수 있음을 보여줍니다. 그들의 조합된 외관과 명백한 인공성은 사실, "우리의 기존 현실 개념에 더해진다"는 점에서 깊고 아름다운 방식으로 작용합니다.

로마레 비어든: 추상은 비어든의 다양한 추상 콜라주와 그림을 전시하며, 2020년 10월 10일 미시간주 앤아버에 있는 미시간 대학교 미술관에서 개막하고; 2021년 2월 13일 워싱턴주 시애틀에 있는 프라이 미술관에서; 그리고 2021년 10월 15일 사우스캐롤라이나주 찰스턴에 있는 기브스 미술관에서 열릴 예정이다.

특집 이미지: 로마레 비어든 - 연회, 1969. 나무 패널에 다양한 종이의 콜라주. 21 x 25 인치. DC 무어 갤러리.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio