여성 추상 미술을 기념합니다!

여성 추상미술가들의 기여는 추상미술에서 중추적이었지만, 그들의 작품은 악명 높을 정도로 저평가되었으며 남성 동료들이 명백히 누려 온 인정을 받지 못했습니다. 엄청난 재능과 비평적 유산에도 불구하고, 그들은 주목의 중심에서 밀려났고 이후 정전적 교과서와 미술관, 아트 페어 및 컬렉션에서도 배제되었습니다. 최근 몇 년 동안 여성 추상미술에 가해진 부당함을 바로잡고, Hilma af Klint, Elaine de Kooning, Lee Krasner, Bridget Riley, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, Anni Albers와 같은 가장 뛰어난 작가들을 재조명하기 위해 상당한 노력이 이루어졌습니다. 당연한 일입니다! 여성 추상미술은 남성 동료 작가들의 작품만큼이나 흥미롭고 매혹적이며 사유를 자극합니다. 안타깝게도 사회적·제도적 장벽과 여전히 만연한 성차별은 그들의 독창적인 탁월함과 성실한 작업을 가려 왔습니다. 그럼에도 불구하고, 페미니즘 미술사학자 Linda Nochlin이 경고하듯 그들의 미술을 “독특하고 식별 가능한 여성적 양식”의 증거로 해석해서는 안 됩니다. 특히 추상미술은 특정 형태나 실천을 “여성적 본성”에 귀속함으로써 비구상적 영역의 양면성을 가로지르는 경향이 있습니다. 특별한 여성들의 기여를 기념하는 3월을 함께 맞이하며, 가장 영감을 주는 여성 추상미술 작품 10점을 선정했습니다!

Jaanika Peerna - Screech of Ice Series 43

Peerna가 색연필과 흑연으로 플라스틱 종이에 제작한 이 새로운 드로잉 시리즈는 여러 자루의 연필을 한꺼번에 쥔 채 손을 움직여 만들었습니다. 기온이 변할 때 얼음이 내는 소리를 손의 물리적 움직임으로 모방한 것입니다. 표면 위를 가로지르는 연필의 불규칙하고 유동적인 움직임은 춤을 연상시키며, 떠오르는 드로잉은 얼음이 노래하는 소리를 담아냅니다. Peerna는 에스토니아 태생의 작가로 여러 장르를 넘나들며 작업하고, 춤에서 영감을 얻거나 춤을 연상시키는 직관적인 신체 움직임을 통해 얇은 플라스틱 종이에 추상 드로잉을 제작합니다. 뉴욕과 탈린에서 거주하며 작업합니다.

Jaanika Peerna - Screech of Ice Series 43, 2017. 플라스틱 종이에 색연필과 흑연. 28 x 22 cm.

Ellen Priest - Jazz: Miles Someday My Princeʼ 8

Walt Disney의 Snow White에 등장하는 인기곡 Someday My Prince Will Come을 Miles Davis가 서정적인 재즈로 편곡한 버전에서 영감을 받은 Priest의 생생한 색채 작품은 회화와 조각의 경계에 걸쳐 있습니다. 겹겹이 콜라주한 종이로 만든 공간적 환영과 3차원 부조 구조는 형식과 장르 사이를 오가는 재즈의 리듬 및 화성 구조와 공명합니다. Priest는 음악, 특히 재즈에서 영감을 얻는 미국 추상미술가입니다. 필라델피아 근교에서 거주하며 작업합니다.

Ellen Priest - Jazz: Miles ʻSomeday My Princeʼ 8, 2002. 종이, 유화, 플래시, 연필, MSA 젤. 76.2 x 76.2 cm.

Daniela Schweinsberg - A Breath of Summer V

IdeelArt 전용 작품이자 A Breath of Summer 시리즈의 일부인 이 작품은 Schweinsberg의 헤아릴 수 없는 정서적 깊이를 보여 주는 힘찬 다층 회화입니다. 그녀는 아름다움의 혼란스러우면서도 조화로운 본질을 강조하기 위해 다양한 기법을 적용합니다. 서두르지 않고 직관적으로 작업하는 방식에서 비롯된 그녀의 강렬한 작품은 묵직한 붓질과 제한된 색채를 통해 감정에 이끌린 창작 과정을 드러냅니다. Schweinsberg는 거친 감정, 생생한 색채, 역동적인 붓질의 층위를 혼합해 서정적인 회화에 거친 힘을 불어넣는 독일 추상미술가입니다. 독일 프랑크푸르트에서 거주하며 작업합니다.

Daniela Schweinsberg - A Breath of Summer V, 2019. 리넨에 아크릴/혼합 매체. 100 x 100 x 2 cm.

Brenda Zappitell - Moments

Moments는 강렬한 붓질과 역동적인 몸짓으로 덧없는 순간을 붙잡으려 하며 원초적인 감정 상태를 끌어내는 Zappitell의 신체적이고 즉흥적인 접근을 보여 줍니다. 몸을 힘들이지 않으면서도 매우 육체적인 방식으로 움직이는 그녀의 수행적 과정은 대체로 비이성적인 무의식의 차원에서 작동합니다. 회화의 여러 층위는 그녀가 작품에 사용한 혼합 매체에 자신을 내맡기며 보인 본능적인 반응을 증언합니다. Zappitell은 다채롭고 몸짓적인 액션 페인팅으로 알려진 미국 추상화가입니다. 추상표현주의의 방법에서 영감을 받아 기억과 직관을 혼합해 구성을 만듭니다. 미국 플로리다 남부에서 거주하며 작업합니다.

Brenda Zappitell - Moments, 2018. 패널에 플래시와 아크릴, 콜드 왁스. 127 x 127 cm.

Tracey Adams - Guna II

끈이나 실로 번역되는 산스크리트어 guna는 세 가지 구나(선함, 열정, 어둠)가 사람이나 사물의 성격을 규정한다는 요가 가르침에서 지속적인 영감을 얻은 Adams의 작업을 보여 줍니다. Guna II는 보다 엄격하고 기하학적인 작업에서 벗어나 더욱 신체적인 움직임, 수행적 몸짓, 표현적인 붓질의 영역으로 나아간 작품입니다. 색소를 섞은 밀랍을 오카와라 종이에 사용한 선택은 요가를 통해 얻은 우주적 균형을 우아하게 반영합니다. Adams는 음악적 패턴과 리듬, 서정적인 구성 요소, 그리고 자신이 ‘수행의 감각’이라 부르는 것에 깊은 관심을 가진 미국의 추상화가이자 판화가입니다. 캘리포니아주 카멀에서 거주하며 작업합니다.

Tracey Adams - Guna II, 2016. 오카와라 종이에 밀랍. 90 x 66 cm.

Greet Helsen - Intervall

Intervall은 투명성과 불투명성의 관계를 탐구하는 Helsen의 몰입적인 작업을 잘 보여 주는 작품입니다. 캔버스 작업에 들어가기 전, 원하는 투명도가 될 때까지 안료를 희석한 다음 반짝이는 색채 영역을 서로 투명하게 겹쳐 놓습니다. 색채의 튀김과 잉크 선이 더욱 강조하는 이 가벼움과 우아함은 캔버스 곳곳에 변덕스럽게 흩어진 밀도와 질감에 의해 깨집니다. Helsen은 자연에서 영감을 받아 추상적인 풍경을 그리고 수채화처럼 아크릴을 사용하는 벨기에 작가입니다. 스위스에서 거주하며 작업합니다.

Greet Helsen - Intervall, 2014. 캔버스에 아크릴. 80 x 120 cm.

Anya Spielman - Flutter

Spielman은 회화에 대한 강렬하게 신체적인 접근과 깊이 사색적인 접근 사이를 오가며, Flutter는 이러한 지속적인 긴장을 구현합니다. 붉은색과 분홍색을 사용한 감각적이고 포화된 표면은 살과 피, 즉 우리 (여성적) 자아의 본질과 연결되며 빛을 발합니다. 물감을 긁어 상처를 내고 작품을 해체하는 못 자국은 강한 신비감을 더하고, 서로 충돌하는 해석을 숨긴 작품의 근저 구조를 암시합니다. Spielman은 미국 추상화가입니다. 그녀의 작품은 이항적 힘과 형태의 조합을 탐구하며, 앎과 모름, 보이는 것과 보이지 않는 것, 인간성과 비인간성 사이의 긴장을 반복적으로 두 겹의 이미지로 제시합니다. 로스앤젤레스 지역에서 거주하며 작업합니다.

Anya Spielman - Flutter, 2009. 종이에 유화. 104.2 x 73.7 cm.

Kyong Lee - Not yet 002

Color as Adjective 시리즈에서 영감을 받은 Not yet 002는 시각적 표현으로 펼쳐지는 기억과 생각의 정서적 본질을 설득력 있게 전달합니다. 이 생생한 작품은 색채를 주요 시각 언어로 드러낼 뿐만 아니라 강조합니다. 일정한 시간 동안 각 층을 바르고 건조해 색채와 시간성 사이의 관계를 만들어 내는 그라데이션 색채 회화를 제작합니다. Lee는 색채, 재료, 과정, 형태를 다학제적으로 탐구해 물리적 현실과 정서적 현실을 조화시키는 한국의 추상미술가입니다. 한국 서울에서 거주하며 작업합니다.

Kyong Lee - Not yet 002, 2017. Canson-Montval 종이에 연필과 아크릴. 75 x 55 cm.

Xanda McCagg - Stand

Stand는 형태의 관계가 인간성의 가변적 본질을 암시하는 가운데 구상과 추상의 상호작용을 세밀하게 탐구한 작품입니다. 그러나 사람들 사이의 연결과 단절에 대한 McCagg의 생각은 채색된 형태와 흑연 선을 사용한 추상으로 표현됩니다. 인간의 본질을 찾는 과정에서 그녀는 지각과 상상에 모두 몰입한 상태를 표현할 수 있는 설득력 있는 미학적 어휘를 발전시킵니다. McCagg는 뉴욕시 첼시 지역에서 거주하며 작업하는 미국 추상미술가입니다.

Xanda McCagg - Stand, 2015. 캔버스에 유화와 흑연. 60.9 x 45.7 cm.

Anne Russinof - Drama Queen

자유롭게 떠 있는 듯한 Russinof의 개인적이고 제약 없는 회화는 그녀를 둘러싼 세계에 대한 본능적인 반응입니다. 서정적이고 몸짓적인 자국으로 가볍게 적용된 색채를 지닌 Drama Queen은 내면의 가장 깊은 자아를 신체적으로 표현하는 몸을 암시합니다. 대담한 갈색 붓 자국은 친근함을 발산하며, 변화하는 색채 관계로 그 느낌이 더욱 강해집니다. 노골적으로 직관적인 결과는 사실 매끄러운 연결감을 얻기 위한 치밀한 계획과 수많은 시도의 산물입니다. Russinof는 몸짓적이고 표현주의적인 방식으로 색채와 구조를 탐구하는 미국 추상화가입니다. 일리노이주 시카고에서 태어났으며 현재 뉴욕 브루클린에서 거주하며 작업합니다.

Anne Russinof - Drama Queen, 2016. 리넨에 유화. 61 x 46 cm.

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출처

• Why Have There Been No Great Women Artists?, Linda Nochlin: 여성 미술에서 독특한 여성적 양식이 존재한다는 생각에 이의를 제기한 Nochlin의 1971년 에세이 수록본으로, 이 글에서 인용한 논점을 다룹니다.
• The first abstract artist? (And it’s not Kandinsky), Tate Etc.: Hilma af Klint의 초기 추상회화를 다룬 Tate의 기사입니다. 그녀의 생전에는 공개되지 않았으며, 이 글에서 설명하는 인정의 격차를 보여 줍니다.