18 Hedendaagse Abstracte Kunstenaars Openen Over Hun Afkomst

Kunst onderwijzen is gevaarlijk en onmogelijk. En toch is het ook noodzakelijk. Om kunst te laten bestaan, moeten kunstenaars leren hoe ze kunnen worden wat ze zullen worden en hoe ze kunnen creëren wat ze zullen creëren. Sommigen leren op school, van andere gebrekkige mensen zoals zijzelf die om welke reden dan ook de gevaarlijke, onmogelijke, noodzakelijke taak op zich hebben genomen om alles wat ze hebben geleerd met anderen te delen. Andere kunstenaars vinden docenten buiten het klaslokaal. Misschien leren ze wat het betekent om kunstenaar te zijn door om te gaan met andere kunstenaars bij openingen of in bars. Misschien leren ze wat het betekent om kunst te maken door online video's te bekijken of door de kunst die ze in musea of boeken zien te ontleden. Sommige kunstenaars leren zichzelf wat ze zijn door de inspiratie te volgen die ze uit architectuur en design ontvangen, door eenvoudigweg te reageren op de gedachten en gevoelens die ze ervaren tijdens hun interactie met de alledaagse gebouwde omgeving en de talloze producten en ruimtes ervan. Weer anderen leren misschien hoe ze kunstenaar kunnen worden door eenvoudigweg hun innerlijke drang om te creëren te omarmen - en die vervolgens te voeden. Het maakproces kan ons leren hoe we moeten maken. Het proces van zijn kan ons leren wat we willen zijn. Uiteindelijk heeft iedereen die het leerproces doorloopt tot het moment waarop diegene de zin "Ik ben kunstenaar" kan uitspreken zonder het gevoel te hebben dat het een leugen is, een verhaal te vertellen over zijn of haar docenten. Vandaag brengen we je een verzameling van zulke verhalen van kunstenaars die moedig genoeg zijn om hun leerlijnen te delen. Ze zijn moedig, omdat het bekendmaken van hun esthetische of conceptuele erfgoed hen aan een verschrikkelijke bedreiging blootstelt. Jij, de lezer, zou kunnen beseffen dat de ene kunstenaar een leerling van een andere kunstenaar was, of door dit of dat werd geïnspireerd, en dat voor een kortere weg kunnen aanzien. Je zou kunnen zeggen: "Aha! Nu zie ik wie ze kopiëren," of: "Nu begrijp ik hun kunst!" Laat de informatie daarentegen, terwijl je deze anekdotes leest over hoe deze 18 kunstenaars zijn geworden tot wat ze zijn, je blik verruimen. Volg elke draad en graaf dieper. Misschien krijg je een glimp te zien van de gevaarlijke, onmogelijke, noodzakelijke schoonheid van wat het werkelijk betekent om kunst te onderwijzen en te leren.

Anya Spielman

Spielman was een student van Wayne Thiebaud aan de University of California in Davis. Over haar andere docenten zegt ze:

"Een grote invloed op mij was het zien van het drieluik 'The Garden of Earthly Delights' van Hieronymus Bosch in het Prado toen ik een tiener was. Ik was overdonderd door de iconografie, maar ook door de weelderige kleuren en verfijnde composities van zijn werk. Ik reageerde onmiddellijk op de dualiteit in het werk van Bosch: zijn sobere en stralende palet: tinten inktzwart, omber, lichtroze, beenkleurig, vermiljoen en azuriet; de rondingen van zijn doorschijnende lustpaviljoens in Eden, geplaatst naast de indringende psychologische en fysieke afdaling naar een hallucinatoire hel. Boschs visionaire genialiteit bracht de menselijke natuur in al haar vormen tot uitdrukking, met een directe intimiteit en kracht die ik zelfs vandaag de dag uiterst zeldzaam vind."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olieverf op paneel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studeerde bij Louis Finkelstein toen ze als masterstudent aan Queens College, City University of New York studeerde. Aan dezelfde universiteit studeerde ze bij Benny Andrews, die in de jaren 1950 aan de School of the Art Institute of Chicago werd opgeleid als abstract expressionist; Clinton Hill, die studioassistent was van Mark Rothko; kunstcriticus en Associate Editor van Artforum Robert Pincus-Witten, die volgens haar “mijn kritische blik heeft aangescherpt”; en Charles Cajori, die leerling was van Hans Hofmann. Sirlin zegt:

"[Lineage] is inderdaad een ingewikkelde kwestie. Ook de verbanden met kunstenaars lopen niet rechtlijnig. Anne Truitt was belangrijk voor me toen ik als jonge kunstenaar bij Yaddo was. Melissa Meyer was die zomer ook daar [1983]. Erin Lawlor was mijn studiegenoot in het Rothko Centre in Letland. Jose Heerkens was tegelijkertijd met ons in het Rothko Centre [2016]. Kara Walker was student toen ik lesgaf aan The Atlanta College of Art, en Kara en ik exposeerden in dezelfde Atlanta Biennial in 1992. Dan zijn er nog de andere kunstenaars - schrijvers en toneelschrijvers. Hayden Herrera [biograaf van Frida Kahlo en Arshile Gorky] was mijn mentor als kunstschrijver. Chris Kraus [I Love Dick] en ik waren samen bij Yaddo... Ik was een goede vriendin van toneelschrijver Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Hij was scenarioschrijver voor Warhol... Ik hoop dat ik je met dit aanvullende antwoord niet in verwarring heb gebracht."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Gemengde techniek op doek. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

“Toen ik net begon met schilderen, werd ik het sterkst beïnvloed door Picasso. Ik voelde me aangetrokken tot zijn gebruik van kleur en het zetten van verfstreken, vooral in ‘Girl Before A Mirror’ (1932). Later, toen ik meer in de stijl van het abstract expressionisme begon te schilderen, voelde ik me meer aangetrokken tot Joan Mitchell en Willem De Kooning. Ik begon hun werk echter pas echt te bestuderen nadat ik op deze manier was gaan schilderen, niet ervoor.”

Brenda Zappitell - Op dit moment, 2017. Flashe en acrylverf met koude was op paneel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

In een interview uit 2006 voor Minus Space NY vroeg schilder Chris Ashley aan Göttin waar hij als kunstenaar begint. Göttin antwoordde:

De kunstgeschiedenis doet soms alsof een bepaalde kunststroming een volledig samenhangend geheel is. Het gebruik van de term “concreet” valt niet noodzakelijk samen met de ideologische achtergrond van Konkrete Kunst, die ook gebaseerd was op ideeën over de maatschappij en politiek. Het gaat mij om een entiteit die ook tegenstrijdigheden kan omvatten - een ja en een nee, en zelfs een misschien. Mijn uitgangspunt is een synthese van verschillende opvattingen of standpunten tegelijkertijd, wat voor mij een ruimtelijke visie is. Die kan duidelijk of subtiel zijn, symmetrisch of asymmetrisch of beide tegelijk, met of zonder tegenstrijdigheid. Het kan tegelijkertijd regel en afwijking zijn. Enkele van de eerste werken die ik maakte waren collages die verband hielden met het werk van Kurt Schwitters (Merz): gevonden materiaal dat losjes op een stuk karton was gelijmd - fysiek, direct, geïmproviseerd, toevallig, kleurrijk, zelfs dadaïstisch. Later raakte ik geïnteresseerd in Minimal Art, waarbij het kunstwerk vaak nauwkeurig wordt gepland en perfect en helder wordt geconstrueerd, met een welbepaald gebruik van materialen en aandacht voor details. Beide stromingen zijn belangrijk voor mij, en soms zie ik in mijn werk elementen van beide terug, ergens tussen die twee kunsthistorische posities in.

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Acrylverf op pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Het is best moeilijk om je invloeden te begrijpen, althans voor mij, omdat ik grotendeels vanuit intuïtie werk en niet zozeer vanuit bewustzijn. Ik denk wel dat mijn vormende jaren als kunststudent aan de UCLA (BA 74, MFA 77) een groot deel hebben gevormd van wie ik ben. In die tijd was UCLA behoorlijk een schildersopleiding met een Europese/modernistische inslag. Voor mijn eerste schildercursus was ik ingeschreven voor de inleidende schildercursus bij Richard Diebenkorn (ik had geen idee wie hij was), maar hij en de facultaire leiding hadden enkele problemen en zijn aanstelling werd beëindigd voordat de cursus begon. Daarom studeerde ik bij Richard Joseph, een nieuwe realist, die me een stevige basis gaf. Pas zes maanden later, toen ik in een gevorderde schildercursus met Charles Garabedian werkte, begon ik met abstractie te experimenteren. In de loop der jaren was de professor die waarschijnlijk de meeste invloed op me had William Brice. Bill was een zeer welbespraakte, waardige, vrijgevige, bedachtzame en grappige leraar en vriend. Als hardwerkende, productieve kunstenaar sprak hij vaak over de noodzaak om tijd in het atelier door te brengen om dingen uit te vechten, en dat al het andere minder belangrijk is. Ik denk vaak aan hem en voel me zo gelukkig dat ik hem lange tijd heb gekend. Het duurde wel een aantal jaren om afstand te nemen van het idee student te zijn en van het horen van de stemmen van mijn oude professoren in mijn hoofd wanneer ik schilderde, maar na verloop van tijd heb ik een duidelijk beeld gekregen van wie ik ben en van de verantwoordelijkheid die ik heb om werk te maken dat mijn visie vervult. Ik zie vaak aspecten van andere kunstenaars in mijn werk, soms met het gevoel dat er werkelijk een verband is via dezelfde ideeën, en op andere momenten lijkt het er gewoon op dat elke gelijkenis oppervlakkig is. Uiteindelijk mogen de kunstschrijvers maar over de invloeden praten."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Inkt op papier. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) was 25 jaar geleden mijn docent grafische technieken. We ontmoetten elkaar voor het eerst toen ik verbleef in het Fine Arts Work Center in Provincetown, waar Michael een workshop grafische technieken van een week gaf. Veel dingen vallen op aan onze eerste kennismaking: Michael was een ongelooflijk empathisch en maatschappelijk bewust persoon, niet alleen in zijn gekozen onderwerpen (tekeningen en prenten van lijdende patiënten in een psychiatrisch ziekenhuis en dieren achter tralies in een dierentuin), maar ook in onze één-op-één gesprekken over het leven. Hij leerde me door zijn voorbeeld vrijgevig te zijn, als manier om de zelfingenomenheid van het atelier in balans te brengen. Er was niets aan zijn techniek of het opbouwen van een carrière in de kunst dat Michael niet wilde delen. Michael bracht eind jaren 80 tijd door in China en door zijn liefde voor het Aziatische landschap leerde ik mijn gebaren te vereenvoudigen en met een sobere uitdrukkingskracht te schilderen, iets wat me zeer na aan het hart ligt. Ik zal zijn gevoel voor humor nooit vergeten wanneer hij tegen me zei: “Tracey, dit is ungepatchke!”, een Jiddisch woord dat betekent: te druk en te uitbundig versierd."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafiet en inkt op rives. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee noemt als haar eerste inspiratie een aquarel van Paul Cezanne die ze zag toen ze 11 was en die “een onvergetelijke indruk” achterliet. Vervolgens zegt ze:

"Mijn professor, Klaus Stümpel, stond zo dicht bij de natuur dat hij bijna de bijnaam ‘een boer’ kreeg. Hij raadde me aan Frantisek Kupka te bestuderen. Ik bestudeerde zijn proces van abstractie en zijn kosmische en mystieke perspectief. Bovenal leerde ik meer dan wat ook over zijn liefde voor het leven en zijn wil om zijn gedachten te behouden. Toen ik terugkwam in Korea, dacht ik weer aan Kandinsky. Ik denk dat zijn verlangen om objectieve, universele waarheid in de kunst te vinden een onmogelijke uitdaging is. Ik denk dat kunst bovenal subjectief en persoonlijk is. Wanneer ik mijn diepste innerlijke kant zoek, kan ik communiceren met de binnenwereld van anderen. Ik denk dat kunst een medium kan zijn dat de microkosmos (de mens) en de macrokosmos (de wereld) met elkaar verbindt. Vooral kleur is het onderwerp van mijn onderzoek. Ik zoek naar kleur als bijvoeglijk naamwoord. Ik houd van Richters houding ten opzichte van zijn werk, zijn passie voor schilderen en zijn experimenteerdrang. Misschien On Kawara? Ik houd van zijn werk, waarmee hij wilde bewijzen dat hij leefde, en ik wil mezelf door elke dag te werken bewijzen dat ik nog steeds leef, emotioneel en zintuiglijk. Mijn opvattingen over Wassily Kandinsky en vele andere minimalisten verschillen sterk van het algemene perspectief. Ik ben het niet eens met hun artistieke standpunt."

Kyong Lee - Schilderij met wit, 2008. Acryl op doek, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman noemt invloeden waaronder kunstenaars (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman en Andy Warhol), ontwerpers (Saul Bass en Roy Kuhlman) en architecten (Le Corbusier). Maar ze spreekt ook over de persoonlijke manieren waarop de cultuur haar kunst heeft beïnvloed, zoals in de volgende anekdote:

"Het bedrijf van mijn vader maakte bewegwijzering. Zoals de meeste stadskinderen in Amerika groeide ik op op de achterbank van een auto, me hyperbewust van reclameborden en neon. Directe, aandachttrekkende visuele prikkels maakten deel uit van mijn psyche. Onlangs bezocht ik het MoMA in New York en werd ik opnieuw getroffen door Barnett Newmans schilderij “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroïsch en Subliem) (1950-51). Mijn lichamelijke reactie op de kracht, directheid en eenvoud ervan was overweldigend en bevestigde mijn eigen visuele verleden en identiteit."

Joanne Freeman - Covers 13-Paars, 2014. Gouache op handgeschept khadipapier. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"Voor mij was het Mondriaan. De abstracte kunstenaars uit die tijd werkten conceptueler met abstractie, wat betekende dat ze het idee ervan interessant vonden, terwijl Mondriaan via de mechanica terugwerkte en er aan de andere kant uitkwam met een heruitvinding van het beeldvlak. Sindsdien hebben niet veel kunstenaars dat gedaan. Toen begon ik te bedenken dat er meer manieren moesten zijn om deze vreemde ruimte binnen te gaan waar Mondriaan zo'n duidelijke greep op had. [Ellsworth] Kelly en [Robert] Mangold toonden andere manieren om deze ‘andere’ ruimte uit te drukken. De ervaring met deze kunstenaars gaf me de ruimte om de inspanningen van mijn tijdgenoten echt te waarderen en ernaar te streven voorbij de volgende grens te komen."

Brent Hallard - Wolken, 2013. Acryl op papier. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Ik heb het werk van Vija Celmins altijd bewonderd en er vaak over nagedacht. Haar intense observatie en rustige uitvoering zijn zeer inspirerend voor mij. Louise Bourgeois heeft me altijd geïnspireerd met haar vastberadenheid om zichzelf uit te drukken in het medium dat het beste bij haar ideeën past. Een meer voor de hand liggende inspiratiebron zou Agnes Martin zijn; ik houd van haar zelfverzekerde terughoudendheid, en van Mark Rothko vanwege de emotionele impact die zijn werk kan hebben."

Audrey Stone - Nr. 61, 2011. Draad, inkt en grafiet op papier. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville noemt de Duitse bunkers uit de Tweede Wereldoorlog die langs de Franse Atlantische kust staan. Hij zegt: “De meeste mensen vinden ze lelijke littekens. In mijn ogen maakte hun substantie deel uit van het landschap; de tijd versmolt ze met het zand, de duinen en de zee, of met de schilderingen die straatkunstenaars erop aanbrachten.” Daarnaast werd Auville in zijn jeugd door deze ervaring beïnvloed:

"Toen ik zes of zeven was, had ik het voorrecht de grot van Lascaux in het zuidwesten van Frankrijk te bezoeken. Het was een schok voor me. Mijn ouders kochten enkele facsimile’s als souvenirs en ik bracht uren door met ernaar te kijken in de kelder van ons huis, terwijl ik me afvroeg wat het verschil maakte tussen de afbeeldingen en het echte kunstwerk. Het verschil was duidelijk, maar ik worstelde om de essentie ervan te doorgronden. Ik deed het licht aan en uit en plakte zand op de afbeeldingen in een poging de substantie van de schilderingen van Lascaux na te bootsen, maar bereikte nooit wat volgens mij hun ziel was."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Gepigmenteerd cement op schuimpanelen. Constructie- en ophangframe aan de achterzijde. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan noemt invloeden die uiteenlopen van kunstenaars (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) tot albumontwerpers (Hipgnosis, Peter Saville) en musici (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Hij zegt:

"In de jaren vóór mijn puberteit kreeg de beeldtaal van Piet Mondriaan veel aandacht in Nederland. Ik was te jong om in termen van kunst te denken, maar Mondriaan was er gewoon, en het intrigeerde me. En dat doet het nog steeds! Even later leerde ik de suprematisten kennen, die net als ik geometrische vormen als uitgangspunt namen. Omdat mijn zussen ongeveer vijf jaar ouder zijn dan ik, ontdekte ik in mijn vroege tienerjaren via hun vriendjes ‘progressieve’ muziek en het bijbehorende hoesontwerp. Het zal dan ook niet verbazen dat ik hoesontwerper wilde worden. Als ik één beeldend kunstenaar moet kiezen die mijn manier van kijken heeft veranderd, dan is het Ellsworth Kelly. Halverwege de jaren 80 kocht het Stedelijk Museum in Amsterdam “Blue Curve VI” (1982) aan. Ik ging er regelmatig naar kijken en bestudeerde de beeldtaal. Maar nu, misschien nog belangrijker, laat ik me ook leiden door mijn eigen reactie op kunst... Ik begon na te denken over kunst... het doel, de betekenis, o jee."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD-inkt op Hahnemühle-papier. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"De lessen van Josef Albers beïnvloeden de manier waarop ik denk over het plaatsen van kleuren in verschillende contexten. En de skyspaces van James Turrell beïnvloedden de manier waarop ik denk over het plaatsen van atmosferische kleuren in verschillende contexten. Over het algemeen zijn de esthetiek en uitstraling van mijn series Paper Skies en Moving Pictures sterk beïnvloed door moderne Amerikaanse schilders zoals Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, enzovoort."

Brenda Biondo - Paper Sky no. 21 (Large), 2015. Dye-sublimatieprint op aluminium (matte/glanzende afwerking). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Meer dan 20 jaar geleden ontdekte ik de kapel van Ronchamp, een laat werk van de architect Charles Edouard Jeanneret, beter bekend als Le Corbusier. Noch ervoor noch erna heb ik een dergelijke perceptie ervaren van de juistheid van de mogelijkheden tussen massiviteit en verheffing. Toen begon voor mij deze lange zoektocht, die mij vandaag de dag nog steeds voedt, naar de meest passende verhouding tussen vol en leeg."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum en droge naald op koper. Druk op bfk rives-papier 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Ik wil het hebben over de kunstenaar die mij al tientallen jaren meer dan welke andere kunstenaar ook heeft geïnspireerd: Matisse, een kunstenaar die je een leven lang zou kunnen bestuderen. Zijn werk nam zoveel richtingen door zijn experimenten en onderzoek naar nieuwe mogelijkheden met schilderkunst. Ze zijn mooi, opbeurend, complex, soms lieflijk en sereen, soms moeilijk en uitdagend - een weerspiegeling van hoe het leven is."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Waterverf op papier. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

In plaats van haar invloeden op te sommen, verwijst Cantrick naar de kunstenaars wier werk haar het meest interesseert, ongeacht of er een directe link met haar eigen werk bestaat. Haar shortlist voor moderne en hedendaagse kunst:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé en Per Kirkeby. Dat is een eclectische en niet-uitputtende lijst, maar wat ze gemeen hebben is helderheid, complexiteit en vitaliteit - mijn eigen preoccupaties - uitgedrukt door sterke kleur en structuur, duidelijke vormen en een ondiepe schilderruimte. Wat de premoderne periode betreft staan Vermeer, Degas en Manet bovenaan mijn lijst, opnieuw vanwege die drie kenmerken: helderheid, complexiteit en vitaliteit. Daarnaast: De gespannenheid in Vermeers solide weergave brengt een ongelooflijk voelbare stilstand over - de stilstand van de tijd. Degas' specifieke manier om zijn ruimte te punctueren met 'stille', onbeweeglijke gebieden en/of een sterk verticaal element bevordert langdurig, ritmisch kijken. En bij Manet is er een directheid en frisheid die, los van al het overige meesterschap, op zijn best meeslepend is."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrylverf op linnen. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"In mijn geval werd ik niet zozeer beïnvloed door één kunstenaar, maar eerder door de artistieke gemeenschap waarin ik opgroeide in Chicago. In mijn buurt, Lincoln Park of Old Town genoemd, waren overal kunstenaars, en toen ik als jonge tiener interesse kreeg in tekenen, werd ik aangemoedigd om naar de school te gaan die verbonden was aan het fantastische Art Institute of Chicago, voor modeltekenen. Om de school binnen te gaan, liep ik daar rechtstreeks door het museum met zijn beroemde impressionistische collectie. Ik denk dat dit in wezen mijn interesse in lijn, gebaar en kleur heeft gevormd."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olieverf op doek. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Mijn artistieke afkomst ligt bij kunstenaars die een 'reducerende' benadering van het maken van beelden/objecten combineren met aandacht voor oppervlak en subtiele details. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros en Sol Lewitt schieten me te binnen. Daarnaast blijft het sculpturale werk van Richard Serra, Carl Andre en Fred Sandback, met hun specifieke gebruik van driedimensionale ruimte, mijn benadering van schilderen inspireren."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrylverf op doek. 122 x 96.9 cm

Bronnen

• Het drieluik De tuin der lusten, Museo Nacional del Prado: Ondersteunt de beschrijving van de panelen van het drieluik met het paradijs, aardse geneugten en de hel.