18 Hedendaagse Abstracte Kunstenaars Openen Over Hun Afkomst

Het is gevaarlijk en onmogelijk om kunst te onderwijzen. Toch is het ook noodzakelijk. Voor kunst om te bestaan, moeten kunstenaars leren hoe ze moeten worden wat ze ook gaan worden, en hoe ze moeten creëren wat ze ook gaan creëren. Sommigen zullen op school leren, van andere gebrekkige mensen zoals zijzelf die, om welke reden dan ook, de gevaarlijke, onmogelijke, noodzakelijke taak op zich hebben genomen om met anderen te delen wat ze hebben geleerd. Andere kunstenaars zullen leraren buiten het klaslokaal vinden. Ze kunnen leren wat het betekent om een kunstenaar te zijn door tijd door te brengen met andere kunstenaars bij openingen of in bars. Ze kunnen leren wat het betekent om kunst te maken door online video's te bekijken, of door de kunst die ze in musea of in boeken zien te deconstrueren. Sommige kunstenaars kunnen zichzelf leren wat ze zijn door de inspiratie te volgen die ze ontvangen van architectuur en design, door simpelweg te reageren op de gedachten en gevoelens die ze ervaren terwijl ze omgaan met de alledaagse gebouwde omgeving en de ontelbare producten en ruimtes ervan. Weer anderen kunnen leren hoe ze kunstenaars moeten zijn door simpelweg hun innerlijke drang om te creëren te omarmen - en vervolgens te koesteren. Het proces van maken kan ons leren hoe we moeten maken. Het proces van zijn kan ons leren wat we willen zijn. Uiteindelijk zal iedereen die het leerproces doorloopt tot het moment waarop ze de zin kunnen zeggen: "Ik ben een kunstenaar," zonder te voelen dat het een leugen is, een verhaal te vertellen over hun leraren. Vandaag brengen we je een verzameling van zulke verhalen van kunstenaars die dapper genoeg zijn om hun afstamming van leren te delen. Ze zijn dapper omdat het aankondigen van hun esthetische of conceptuele erfgoed hen blootstelt aan een vreselijke bedreiging. Jij, de lezer, zou kunnen beseffen dat de ene kunstenaar een student was van een andere kunstenaar, of geïnspireerd was door dit of dat, en dat verwarren met een shortcut. Je zou kunnen zeggen: "Aha! Nu zie ik wie ze kopiëren," of, "Nu begrijp ik hun kunst!" Laat in plaats daarvan, terwijl je deze anekdotes leest over hoe deze 18 kunstenaars zijn geworden wat ze zijn, de informatie je perceptie uitbreiden. Volg elke draad en graaf dieper. Je zou een glimp kunnen opvangen van de gevaarlijke, onmogelijke, noodzakelijke schoonheid van wat het echt betekent om kunst te onderwijzen en te leren.

Anya Spielman

Spielman was een student van Wayne Thiebauld aan de Universiteit van Californië in Davis. Over haar andere docenten zegt ze:

"Een grote invloed op mij was het zien van het triptiek van Hieronymus Bosch, "De Tuin der Lusten" in het Prado toen ik een tiener was. Ik was onder de indruk van de iconografie, evenals de weelderige kleuren en ingewikkelde composities van zijn werk. Ik reageerde onmiddellijk op de dualiteit in Bosch's werk: zijn scherpe en verlichte palet: tinten van inktzwart, omber, lichtroze, bot, vermiljoen en azuriet; de krommingen van zijn doorschijnende genotsbollen in het Eden, tegenover de doordringende psychologische en fysieke afdaling in een hallucinatoire hel. Bosch's visionaire genialiteit weergaf de menselijke natuur in al zijn vormen, met een directe intimiteit en kracht die ik zelfs vandaag de dag ongelooflijk zeldzaam vind."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olie op paneel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studeerde bij Louis Finkelstein terwijl ze afgestudeerd was aan Queens College, City University of New York. Aan dezelfde school studeerde ze bij Benny Andrews, die in de jaren vijftig als Abstract Expressionist trainde aan de School of the Art Institute of Chicago; Clinton Hill, die een studio-assistent was van Mark Rothko; kunstcriticus en Artforum Associate Editor Robert Pincus-Witten, die volgens haar "mijn kritische blik heeft geholpen;" en Charles Cajori, die een student was van Hans Hoffman. Zegt Sirlin:

"[Lineage] is inderdaad een gecompliceerde vraag. De verbindingen met kunstenaars gaan ook zijwaarts. Anne Truitt was belangrijk voor mij toen ik een jonge kunstenaar was bij Yaddo. Melissa Meyer was ook daar die zomer [1983]. Erin Lawlor was mijn studio maat in The Rothko Centre in Letland. Jose Heerkins was op hetzelfde moment bij het Rothko Centre met ons [2016]. Kara Walker was een student toen ik lesgaf aan The Atlanta College of Art en Kara en ik exposeerden in dezelfde Atlanta Biennial in 1992. Dan zijn er de andere kunstenaars—schrijvers en toneelschrijvers. Hayden Herrera [biograaf van Frieda Kahlo en Arshile Gorky] was mijn mentor als kunstschrijver. Chris Kraus [I Love Dick] en ik waren samen bij Yaddo... Ik was een goede vriend van de toneelschrijver Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Hij was een scenarioschrijver voor Warhol... Ik hoop dat ik de zaken niet voor je heb verward in dit aanvullende antwoord."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Gemengde techniek op canvas. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitell

"Toen ik voor het eerst begon met schilderen, werd ik het meest beïnvloed door Picasso. Ik werd aangetrokken door zijn gebruik van kleur en het maken van markeringen, in het bijzonder in "Meisje Voor Een Spiegel" (1932). Later, toen ik meer in een Abstract Expressionistische stijl begon te schilderen, werd ik meer aangetrokken door Joan Mitchell en Willem De Kooning. Echter, ik begon echt naar hun werk te kijken nadat ik op deze manier aan het schilderen was, niet ervoor."

Brenda Zappitell - Op dit moment, 2017. Flashe en acryl met koude was op paneel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

In een interview in 2006 voor Minus Space NY vroeg schilder Chris Ashley aan Göttin waar hij als kunstenaar begint. Göttin antwoordde:

"De kunstgeschiedenis doet soms alsof een bepaalde kunstbeweging een complete entiteit is. Het gebruik van de term "concreet" valt niet noodzakelijk samen met de ideologische achtergrond van Konkrete Kunst, die ook gebaseerd was op ideeën over de samenleving en politiek. Mijn zorg gaat uit naar een entiteit die ook tegenstrijdigheden kan omvatten—een ja en een nee, en zelfs een misschien. Mijn uitgangspunt is een synthese van verschillende opvattingen of posities tegelijkertijd, wat voor mij een ruimtelijk perspectief is. Het kan voor de hand liggend of subtiel zijn, symmetrisch of asymmetrisch of beide samen, met of zonder tegenstrijdigheid. Het kan regel en afwijking samen zijn. Sommige van de eerdere werken die ik maakte waren collages gerelateerd aan het werk van Kurt Schwitters (Merz), elk gevonden materiaal ruw op een stuk karton geplakt—fysiek, direct, geïmproviseerd, toevallig, kleurrijk, zelfs dadaïstisch. Later raakte ik geïnteresseerd in Minimal Art, waar het kunstwerk vaak precies is gepland, en perfect en duidelijk is geconstrueerd met een gedefinieerd gebruik van materialen en aandacht voor details. Beide bewegingen zijn belangrijk voor mij, en soms zie ik mijn werk delen van beide dragen, corresponderend tussen die twee kunsthistorische posities."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Roze), 1992. Acryl op pavatex. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary-pallets

"Het is vrij moeilijk om iemands invloeden te begrijpen, althans voor mij, omdat ik grotendeels vanuit intuïtie werk en niet zozeer vanuit bewustzijn. Ik denk wel dat mijn vormende jaren als kunststudent aan UCLA (BA 74, MFA 77) een groot deel van wie ik ben hebben gevormd. In die tijd was UCLA een echte schilderschool met een Europese/modernistische inslag. Voor mijn eerste schilderles was ik ingeschreven voor de inleidende schildercursus bij Richard Diebenkorn (ik had geen idee wie hij was), maar hij en de faculteitsleiding hadden wat problemen, en zijn positie werd beëindigd voordat de les begon. Dus studeerde ik bij Richard Joseph, een nieuwe realist, die me op een solide basis zette. Pas zes maanden later, werkend in een meer geavanceerde schildercursus bij Charles Garabedian, begon ik te experimenteren met abstractie. Door de jaren heen was de professor die waarschijnlijk de meeste invloed op mij had, William Brice. Bill was een zeer welbespraakte, waardige, genereuze, doordachte, grappige leraar en vriend. Als een hardwerkende, productieve kunstenaar sprak hij vaak over de noodzaak om tijd in de studio door te brengen om dingen uit te werken en dat al het andere minder belangrijk is. Ik denk vaak aan hem en voel me zo gelukkig dat ik hem lange tijd heb gekend. Het heeft een aantal jaren geduurd om mezelf te scheiden van het idee om een student te zijn en van het horen van de stemmen van mijn oude professoren in mijn hoofd telkens wanneer ik schilderde, maar in de loop van de tijd heb ik een duidelijk gevoel gekregen van wie ik ben en de verantwoordelijkheid die ik heb om werk te maken dat mijn visie vervult. Ik zie vaak aspecten van andere kunstenaars in mijn werk, soms met het gevoel dat er echt een verbinding is via dezelfde ideeën en andere keren lijkt het gewoon dat enige gelijkenis oppervlakkig is. Uiteindelijk, laat de kunstschrijvers maar praten over de invloeden."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Inkt op papier. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) was mijn druktechniekdocent 25 jaar geleden. We ontmoetten elkaar voor het eerst toen ik verbleef in het Fine Arts Work Center in Provincetown, waar Michael een weeklange workshop over druktechniek aanbood. Er zijn zoveel dingen die opvallen aan onze eerste verbinding: Michael was een ongelooflijk empathisch en sociaal bewuste persoon, niet alleen in zijn gekozen onderwerp (tekeningen en drukken van lijdende patiënten in een psychiatrisch ziekenhuis en dieren achter tralies in een dierentuin), maar ook in onze één-op-één gesprekken over het leven. Hij leerde me om genereus te zijn door voorbeeld, als een manier om de zelfabsorptie van de studio in balans te brengen. Er was niets over zijn techniek of de zoektocht naar een kunstcarrière dat Michael niet wilde delen. Michael bracht tijd door in China in de late jaren '80 en het was door zijn liefde voor het Aziatische landschap dat ik leerde mijn gebaren te vereenvoudigen, om te schilderen met een economie van expressie, iets wat ik heel dierbaar houd. Ik zal zijn gevoel voor humor nooit vergeten toen hij tegen me zei: "Tracey, dit is ungepatchke!", een Jiddisch woord dat te druk en versierd betekent."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafiet en inkt op rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee noemt haar eerste inspiratie een aquarel van Paul Cezanne die ze zag toen ze 11 was, wat "een onvergetelijke indruk" achterliet. Ze gaat verder met zeggen:

"Mijn professor, Klaus Stümpel, was dicht genoeg bij de natuur dat hij bijna de bijnaam 'een boer' kreeg. Hij raadde me aan om Frantisek Kupka te bestuderen. Ik bestudeerde zijn proces van abstractie en zijn kosmische en mystieke perspectief. Bovenal leerde ik meer dan wat dan ook over zijn liefde voor het leven en zijn wil om zijn gedachten vast te houden. Toen ik terugkwam naar Korea, dacht ik weer aan Kandinsky. Ik denk dat zijn verlangen om objectieve, universele waarheid in kunst te vinden een onmogelijke uitdaging is. Ik denk dat kunst subjectief en persoonlijk is, eerder dan iets anders. Wanneer ik mijn diepste innerlijke kant zoek, kan ik communiceren met de binnenkant van anderen. Ik denk dat kunst een medium kan zijn dat het microkosmos (mens) en de macrokosmos (wereld) verbindt. Vooral kleur is het onderwerp van mijn onderzoek. Ik ben op zoek naar kleur als bijvoeglijk naamwoord. Ik hou van Richters houding ten opzichte van werk, zijn passie voor schilderen en de geest van experimenteren. Misschien On Kawara? Ik hou van zijn werk, dat hij wilde bewijzen dat hij leeft, en ik wil mezelf bewijzen door elke dag te werken dat ik nog steeds leef, emotioneel en gevoelsmatig. Mijn gedachten over Wassily Kandinsky en vele andere minimalisten zijn heel anders dan het algemene perspectief. Ik ben het niet eens met hun artistieke standpunt."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Acryl op canvas, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman noemt invloeden die onder andere kunstenaars (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman en Andy Warhol), ontwerpers (Saul Bass en Roy Kuhlman) en architecten (Le Corbusier) omvatten. Maar ze spreekt ook over de persoonlijke manieren waarop de cultuur haar kunst heeft beïnvloed, zoals in het volgende anekdote:

"Het bedrijf van mijn vader was signage. Zoals de meeste stedelijke kinderen in Amerika groeide ik op op de achterbank van een auto, hyperbewust van billboards en neon. Aandacht trekkende directe visuele prikkels maakten deel uit van mijn psyche. Onlangs bezocht ik MoMA in New York en werd ik opnieuw getroffen door Barnett Newman’s schilderij “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroisch en Sublime) (1950-51). Mijn viscerale reactie op de kracht, directheid en eenvoud ervan was overweldigend, en bevestigde mijn eigen visuele verleden en identiteit."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache op handgemaakt Khadi-papier. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Voor mij was het Mondrian. De abstracte kunstenaars van die tijd werkten meer conceptueel met abstractie, wat betekent dat ze het idee ervan leuk vonden, terwijl Mondrian achterwaarts door de mechanica werkte en aan de andere kant de beeldvlak opnieuw uitvond. Niet veel mensen hebben dat sindsdien gedaan. Toen begon ik te denken dat er meer manieren moesten zijn om in deze vreemde ruimte te komen waar Mondrian zo'n duidelijk grip op had. [Ellsworth] Kelly en [Robert] Mangold toonden andere manieren om deze 'andere' ruimte uit te drukken. De ervaring van deze kunstenaars gaf me ruimte om echt de inspanningen van mijn collega's te waarderen en te streven naar het doorkomen van de volgende envelop."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Acryl op Papier. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Steen

"Ik heb vaak van het werk van Vija Celmins gehouden en erover nagedacht. Haar intense observatie en kalme uitvoering inspireren me enorm. Louise Bourgeois heeft me altijd geïnspireerd met haar vastberadenheid om zichzelf uit te drukken in het beste medium voor haar ideeën. Een meer voor de hand liggende inspiratie zou Agnes Martin zijn, ik hou van haar zelfverzekerde terughoudendheid, en Mark Rothko voor de emotionele impact die zijn werk kan hebben."

Audrey Stone -Nr. 61, 2011. Draad, inkt en grafiet op papier. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville noemt de Duitse blokhuizen uit de Tweede Wereldoorlog die de Franse Atlantische kustlijn sieren. Hij zegt: "De meeste mensen beschouwen ze als lelijke littekens. In mijn ogen maakte hun substantie deel uit van het landschap, de tijd heeft ze samengevoegd met het zand, de duinen en de zee of met de schilderijen die straatartiesten op hen aanbrachten." Bovendien werd Auville beïnvloed door deze ervaring uit zijn jeugd:

"Op zes of zevenjarige leeftijd had ik het voorrecht om de Lascaux-grot in het zuidwesten van Frankrijk te bezoeken. Het was een schok voor mij. Mijn ouders kochten enkele facsimiles als souvenirs en ik bracht uren door met het bekijken ervan in de kelder van ons huis, vragend wat het verschil maakte tussen de afbeeldingen en het echte kunstwerk. Het verschil was duidelijk, maar ik worstelde om de essentie ervan te begrijpen. Ik zette het licht aan en uit, plakte zand op de afbeeldingen in een poging om de substantie van de Lascaux-schilderijen te repliceren, maar bereikte nooit wat ik dacht dat hun ziel was."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Gepigmenteerd cement op schuimplaten. Structureel en hangend frame aan de achterkant. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan noemt invloeden variërend van kunstenaars (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) tot albumontwerpers (Hipgnosis, Peter Saville), tot muzikanten (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Hij zegt:

"In de jaren voor mijn puberteit kreeg de visuele taal van Piet Mondriaan veel aandacht in Nederland. Ik was te jong om in termen van kunst te denken, maar Mondriaan was er gewoon, en het was intrigerend. En dat is het nog steeds! Iets later leerde ik de Suprematisten kennen die, net als ik, geometrische vormen als uitgangspunt namen. Omdat mijn zussen ongeveer vijf jaar ouder zijn dan ik, ontdekte ik (via hun vriendjes) al vroeg in mijn tienerjaren 'progressieve' muziek en het bijbehorende coverontwerp. Het is dan ook niet verrassend dat ik coverart-ontwerper wilde worden. Als ik één visuele kunstenaar moest kiezen die mijn manier van kijken naar dingen heeft veranderd, zou het Ellsworth Kelly zijn. In het midden van de jaren 80 kocht het Stedelijk Museum in Amsterdam "Blue Curve VI" (1982). Ik ging regelmatig kijken en bestudeerde de visuele taal. Maar nu, misschien belangrijker, word ik ook geleid door mijn eigen reactie op kunst... Ik begon na te denken over kunst... het doel, de betekenis, oh mijn."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD-inkt op Hannemuhle-papier. 29,7 x 21 cm

Brenda Blond

"De leerstellingen van Josef Albers beïnvloeden hoe ik denk over het plaatsen van kleuren in verschillende contexten. En de skyspaces van James Turrell beïnvloeden hoe ik denk over het plaatsen van atmosferische kleur in verschillende contexten. Over het algemeen zijn de algehele esthetiek van mijn Paper Skies en Moving Pictures serie sterk beïnvloed door moderne Amerikaanse schilders zoals Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, enz."

Brenda Biondo -Paper Sky nr. 21 (Groot), 2015. Verfpersprint op aluminium (matte/glanzende afwerking). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"Ik ontdekte, meer dan 20 jaar geleden, de kapel van Ronchamp, een laat werk van de architect Charles Edouard Jeanneret, beter bekend als Le Corbusier. Ik voelde, noch voor noch na, zo'n waarneming van de juistheid van de mogelijkheden tussen massiviteit en hoogte. Toen begon voor mij deze lange zoektocht, die me vandaag de dag nog steeds voedt, gericht op het benaderen van de meest geschikte relatie tussen vol en leeg."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum en droge punt op koper. Afdrukken op bfk rives papier 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Sneeuw

"Ik wil graag praten over de kunstenaar die me al tientallen jaren inspireert, meer dan welke andere kunstenaar dan ook: Matisse, een kunstenaar waar je een leven lang over kunt studeren. Zijn werk nam zoveel richtingen door zijn experimentatie en onderzoek naar nieuwe mogelijkheden met schilderen. Ze zijn mooi, opbeurend, complex, soms prachtig en sereen, soms moeilijk en uitdagend—reflectief voor hoe het leven is."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Aquarel op papier. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

In plaats van haar invloeden op te sommen, Cantrick noemt de kunstenaars wiens werk haar het meest interesseert, of er nu een directe link is naar haar eigen werk of niet. Haar korte lijst voor moderne en hedendaagse:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé, en Per Kirkeby. Dat is een eclectische en niet-uitputtende lijst, maar wat ze gemeen hebben is helderheid, complexiteit en vitaliteit—wat mijn eigen bezigheden zijn—uitgedrukt door sterke kleur en structuur, onderscheidende vormen, en een ondiepe schilderruimte. Voor de pre-moderne zijn Vermeer, Degas, en Manet de top van mijn lijst, weer om die drie eigenschappen: helderheid, complexiteit, vitaliteit. Daarnaast: De spanning in Vermeers solide weergave straalt een ongelooflijk tastbare stilheid uit—de opschorting van de tijd. Degas' specifieke manier om zijn ruimte te punctueren met "stille," ongeanimeerde gebieden en/of een sterk verticaal element bevordert langdurig, ritmisch kijken. En er is een directheid en frisheid in Manet die, afgezien van al het andere meesterschap, op zijn best, boeiend is."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acryl op linnen. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"In mijn geval werd ik niet beïnvloed door één specifieke artiest, maar eerder door de artistieke gemeenschap waarin ik ben opgegroeid in Chicago. Er waren kunstenaars overal in mijn buurt, die de Lincoln Park- of Old Town-omgeving wordt genoemd, en toen ik als pre-tiener interesse toonde in tekenen, werd ik aangemoedigd om naar de school te gaan die verbonden is aan het prachtige Art Institute of Chicago voor figuurtekenen. Daar kon ik rechtstreeks door het Museum lopen met de beroemde impressionistische collectie om de school binnen te gaan. Ik denk dat dat in wezen mijn interesse in lijn, gebaar en kleur heeft gevormd."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olie op doek. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Mijn artistieke afstamming vind ik in kunstenaars die een 'reductieve' benadering van het maken van beelden/objecten combineren met aandacht voor oppervlak en subtiele details. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros en Sol Lewitt komen in me op. Daarnaast blijft het sculpturale werk van Richard Serra, Carl Andre en Fred Sandback, met hun specifieke gebruik van driedimensionale ruimte, mijn benadering van schilderen inspireren."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acryl op canvas. 122 x 96,9 cm