18 Hedendaagse Abstracte Kunstenaars Openen Over Hun Afkomst

Het is gevaarlijk en onmogelijk om kunst te onderwijzen. Toch is het ook noodzakelijk. Om kunst te laten bestaan, moeten kunstenaars leren hoe ze kunnen worden wat ze gaan worden, en hoe ze kunnen creëren wat ze gaan creëren. Sommigen zullen op school leren, van andere gebrekkige mensen zoals zijzelf die, om welke reden dan ook, de gevaarlijke, onmogelijke, noodzakelijke taak op zich hebben genomen om met anderen te delen wat zij hebben geleerd. Andere kunstenaars zullen leraren buiten het klaslokaal vinden. Ze kunnen leren wat het betekent om kunstenaar te zijn door rond te hangen met andere kunstenaars bij openingen of in cafés. Ze kunnen leren wat het betekent om kunst te maken door online video's te bekijken, of door de kunst die ze zien in musea of boeken te ontleden. Sommige kunstenaars leren misschien zelf wat ze zijn door de inspiratie te volgen die ze ontvangen van architectuur en design, door simpelweg te reageren op de gedachten en gevoelens die ze ervaren tijdens het omgaan met de alledaagse gebouwde omgeving en de ontelbare producten en ruimtes daarvan. Weer anderen leren hoe ze kunstenaars kunnen zijn door simpelweg hun innerlijke drang om te creëren te omarmen—en vervolgens te koesteren. Het proces van maken kan ons leren hoe we moeten maken. Het proces van zijn kan ons leren wat we willen zijn. Uiteindelijk zal iedereen die het leerproces doorloopt tot het moment waarop ze de zin kunnen zeggen: “Ik ben een kunstenaar,” zonder het gevoel te hebben dat het een leugen is, een verhaal hebben over hun leraren. Vandaag brengen we je een verzameling van zulke verhalen van kunstenaars die moedig genoeg zijn om hun leerlijnen te delen. Ze zijn moedig omdat het aankondigen van hun esthetische of conceptuele erfgoed hen blootstelt aan een verschrikkelijke bedreiging. Jij, de lezer, zou kunnen beseffen dat de ene kunstenaar een student was van een andere kunstenaar, of geïnspireerd was door dit of dat, en dat verwarren met een kortere weg. Je zou kunnen zeggen: “Aha! Nu zie ik wie ze kopiëren,” of, “Nu begrijp ik hun kunst!” In plaats daarvan, terwijl je deze anekdotes leest over hoe deze 18 kunstenaars werden wat ze zijn, laat de informatie je perceptie verruimen. Volg elke draad en graaf dieper. Je zou een glimp kunnen opvangen van de gevaarlijke, onmogelijke, noodzakelijke schoonheid van wat het echt betekent om kunst te onderwijzen en te leren.

Anya Spielman

Spielman was een student van Wayne Thiebauld aan de University of California in Davis. Over haar andere leraren zegt ze:

"Een grote invloed voor mij was het zien van het drieluik van Hieronymus Bosch, “De Tuin der Lusten” in het Prado toen ik een tiener was. Ik was onder de indruk van de iconografie evenals de weelderige kleuren en ingewikkelde composities van zijn werk. Ik reageerde onmiddellijk op de dualiteit in Bosch’ werk: zijn scherpe en verlichte palet: tinten inktzwart, omber, bleekroze, bot, vermiljoen en azuriet; de krommingen van zijn doorschijnende genotspods in Eden naast de doordringende psychologische en fysieke afdaling in een hallucinatoire hel. Bosch’ visionaire genialiteit gaf de menselijke natuur in al haar vormen weer, met een directe intimiteit en kracht die ik zelfs vandaag de dag ongelooflijk zeldzaam vind."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olie op paneel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studeerde bij Louis Finkelstein terwijl ze graduate student was aan Queens College, City University of New York. Op dezelfde school studeerde ze bij Benny Andrews, die in de jaren 1950 als Abstract Expressionist werd opgeleid aan de School of the Art Institute of Chicago; Clinton Hill, die studio-assistent was van Mark Rothko; kunstcriticus en Artforum Associate Editor Robert Pincus-Witten, die volgens haar “mijn kritische blik heeft geholpen;” en Charles Cajori, die student was van Hans Hoffman. Zegt Sirlin:

"[Lineage] is inderdaad een ingewikkelde vraag. De connecties met kunstenaars lopen ook zijwaarts. Anne Truitt was belangrijk voor mij toen ik een jonge kunstenaar was bij Yaddo. Melissa Meyer was die zomer [1983] ook daar. Erin Lawlor was mijn studiomaatje bij The Rothko Centre in Letland. Jose Heerkins was tegelijkertijd met ons bij het Rothko Centre [2016]. Kara Walker was een student toen ik lesgaf aan The Atlanta College of Art en Kara en ik exposeerden samen op de Atlanta Biennale in 1992. Dan zijn er nog de andere kunstenaars—schrijvers en toneelschrijvers. Hayden Herrera [biograaf van Frieda Kahlo en Arshile Gorky] was mijn mentor als kunstschrijver. Chris Kraus [I Love Dick] en ik waren samen bij Yaddo... Ik was een goede vriend van de toneelschrijver Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Hij was scenarioschrijver voor Warhol... Ik hoop dat ik je met dit extra antwoord niet in de war heb gebracht."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Mixed media op doek. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

"Toen ik voor het eerst begon met schilderen, werd ik het meest beïnvloed door Picasso. Ik voelde me aangetrokken tot zijn kleurgebruik en markeringen, vooral in “Girl Before A Mirror” (1932). Later, toen ik meer in een Abstract Expressionistische stijl begon te schilderen, voelde ik me meer aangetrokken tot Joan Mitchell en Willem De Kooning. Echter, ik begon echt naar hun werk te kijken nadat ik op deze manier schilderde, niet ervoor."

Brenda Zappitell - Op dit moment, 2017. Flashe en acryl met koude was op paneel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

In een interview uit 2006 voor Minus Space NY vroeg schilder Chris Ashley aan Göttin waar hij als kunstenaar begint. Göttin antwoordde:

"Kunstgeschiedenis doet soms alsof een bepaalde kunststroming een complete entiteit is. Het gebruik van de term “concreet” valt niet per se samen met de ideologische achtergrond van Konkrete Kunst, die ook gebaseerd was op ideeën over maatschappij en politiek. Mijn zorg gaat uit naar een entiteit die ook tegenstrijdigheden kan omvatten—een ja en een nee, en zelfs een misschien. Mijn uitgangspunt is een synthese van verschillende visies of posities tegelijkertijd, wat voor mij een ruimtelijk perspectief is. Het kan duidelijk of subtiel zijn, symmetrisch of asymmetrisch of beide samen, met of zonder tegenstrijdigheid. Het kan regel en afwijking samen zijn. Sommige van de vroegere werken die ik maakte waren collages gerelateerd aan het werk van Kurt Schwitters (Merz), elk gevonden materiaal ruw op een stuk karton geplakt—fysiek, direct, geïmproviseerd, toevallig, kleurrijk, zelfs dadaïstisch. Later raakte ik geïnteresseerd in Minimal Art, waar het kunstwerk vaak precies gepland is, en perfect en duidelijk geconstrueerd met een gedefinieerd gebruik van materialen en aandacht voor details. Beide stromingen zijn belangrijk voor mij, en soms zie ik mijn werk delen van beide dragen, corresponderend tussen die twee kunsthistorische posities."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Acryl op pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Het is vrij moeilijk om iemands invloeden te begrijpen, althans voor mij, omdat ik grotendeels intuïtief werk en niet zozeer vanuit bewustzijn. Ik denk wel dat mijn vormende jaren als kunststudent aan UCLA (BA 74, MFA 77) een groot deel van wie ik ben hebben gevormd. In die tijd was UCLA een echte schildersschool met een Europese/modernistische inslag. Voor mijn eerste schilderles stond ik ingeschreven voor de introductiecursus schilderen bij Richard Diebenkorn (ik had geen idee wie hij was), maar hij en de faculteitsleiding hadden wat problemen, en zijn positie werd beëindigd voordat de les begon. Dus studeerde ik bij Richard Joseph, een nieuwe realist, die me een solide basis gaf. Pas zes maanden later, in een meer gevorderde schilderklas bij Charles Garabedian, begon ik te experimenteren met abstractie. Door de jaren heen was de professor die waarschijnlijk de meeste invloed op mij had William Brice. Bill was een zeer welbespraakte, waardige, gulle, bedachtzame, grappige leraar en vriend. Als een hardwerkende, productieve kunstenaar sprak hij vaak over de noodzaak om tijd in het atelier door te brengen om dingen uit te werken en dat alles wat minder belangrijk is. Ik denk vaak aan hem en voel me zo gelukkig dat ik hem lange tijd heb gekend. Het heeft wel een aantal jaren geduurd om mezelf los te maken van het idee een student te zijn en van het horen van de stemmen van mijn oude professoren in mijn hoofd telkens als ik schilderde, maar na verloop van tijd heb ik een duidelijk gevoel gekregen van wie ik ben en de verantwoordelijkheid die ik heb om werk te maken dat mijn visie vervult. Ik zie vaak aspecten van andere kunstenaars in mijn werk, soms voel ik dat er echt een verbinding is via dezelfde ideeën en andere keren lijkt elke gelijkenis slechts oppervlakkig. Uiteindelijk, laat de kunstcritici maar praten over de invloeden."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Inkt op papier. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

Michael Mazur (1935-2009) was 25 jaar geleden mijn leraar druktechniek. We ontmoetten elkaar voor het eerst toen ik verbleef in het Fine Arts Work Center in Provincetown, waar Michael een workshop van een week over druktechniek gaf. Zoveel dingen springen eruit over onze eerste ontmoeting: Michael was een ongelooflijk empathisch en sociaal bewust persoon, niet alleen in zijn gekozen onderwerp (tekeningen en prenten van lijdende patiënten in een psychiatrisch ziekenhuis en dieren achter tralies in een dierentuin), maar ook in onze één-op-één gesprekken over het leven. Hij leerde me gul te zijn door voorbeeld, als een manier om de zelfgerichtheid van het atelier in balans te brengen. Er was niets over zijn techniek of het nastreven van een kunstenaarscarrière dat Michael niet zou delen. Michael bracht tijd door in China eind jaren 80 en het was door zijn liefde voor het Aziatische landschap dat ik leerde mijn gebaren te vereenvoudigen, te schilderen met een zuinigheid aan expressie, iets wat ik heel dierbaar houd. Ik zal zijn gevoel voor humor nooit vergeten als hij tegen me zei: “Tracey, dit is ungepatchke!”, een Jiddisch woord dat te druk en versierd betekent.

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafiet en inkt op rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee noemt haar eerste inspiratie een aquarel van Paul Cezanne die ze zag toen ze 11 was, en die “een onvergetelijke indruk” achterliet. Ze vervolgt met:

"Mijn professor, Klaus Stümpel, stond zo dicht bij de natuur dat hij bijna de bijnaam ‘een boer’ kreeg. Hij raadde me aan Frantisek Kupka te bestuderen. Ik bestudeerde zijn proces van abstractie en zijn kosmische en mystieke perspectief. Bovenal leerde ik meer dan wat dan ook over zijn liefde voor het leven en zijn wil om zijn gedachten te behouden. Toen ik terugkwam in Korea, dacht ik weer aan Kandinsky. Ik denk dat zijn verlangen om objectieve, universele waarheid in kunst te vinden een onmogelijke uitdaging is. Ik denk dat kunst subjectief en persoonlijk is in plaats van iets anders. Wanneer ik mijn diepste innerlijke kant zoek, kan ik communiceren met het innerlijk van anderen. Ik denk dat kunst een medium kan zijn dat het microkosmos (mens) en het macrokosmos (wereld) verbindt. Vooral kleur is het onderwerp van mijn onderzoek. Ik zoek kleur als bijvoeglijk naamwoord. Ik hou van Richters houding ten opzichte van werk, zijn passie voor schilderen en de geest van experimenteren. Misschien On Kawara? Ik hou van zijn werk, waarmee hij wilde bewijzen dat hij leeft, en ik wil mezelf bewijzen door elke dag te werken dat ik nog steeds leef, emotioneel en gevoelig. Mijn gedachten over Wassily Kandinsky en vele andere Minimalisten verschillen sterk van het algemene perspectief. Ik ben het niet eens met hun artistieke zienswijze."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Acryl op doek, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman noemt invloeden waaronder kunstenaars (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman en Andy Warhol), ontwerpers (Saul Bass en Roy Kuhlman) en architecten (Le Corbusier). Maar ze spreekt ook over de persoonlijke manieren waarop de cultuur haar kunst heeft beïnvloed, zoals in het volgende anekdote:

"Het bedrijf van mijn vader hield zich bezig met bewegwijzering. Zoals de meeste stedelijke kinderen in Amerika groeide ik op op de achterbank van een auto, hyperbewust van billboards en neonreclames. Aandacht trekkende directe visuele prikkels maakten deel uit van mijn psyche. Heel recent bezocht ik het MoMA in New York en werd opnieuw getroffen door Barnett Newmans schilderij “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroic and Sublime) (1950-51). Mijn viscerale reactie op de kracht, directheid en eenvoud ervan was overweldigend, en bevestigde mijn eigen visuele verleden en identiteit."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache op handgemaakt Khadi-papier. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Voor mij was het Mondriaan. De abstracte kunstenaars uit die tijd werkten meer conceptueel met abstractie, wat betekent dat ze het idee ervan leuk vonden, terwijl Mondriaan achteruit werkte via de mechanica en aan de andere kant uitkwam door het beeldvlak opnieuw uit te vinden. Niet veel mensen hebben dat sindsdien gedaan. Toen begon ik te denken dat er meer manieren moesten zijn om in deze vreemde ruimte te komen waar Mondriaan zo’n duidelijk begrip van had. [Ellsworth] Kelly en [Robert] Mangold toonden andere manieren om deze ‘andere’ ruimte uit te drukken. De ervaring met deze kunstenaars gaf me ruimte om echt waardering te krijgen voor de inspanningen van mijn tijdgenoten, en om te streven naar het doorbreken van de volgende grens."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Acryl op papier. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Ik heb vaak van het werk van Vija Celmins gehouden en eraan gedacht. Haar intense observatie en kalme uitvoering zijn erg inspirerend voor mij. Louise Bourgeois heeft me altijd geïnspireerd met haar vastberadenheid om zichzelf uit te drukken in het beste medium voor haar ideeën. Een meer voor de hand liggende inspiratie zou Agnes Martin zijn, ik hou van haar zelfverzekerde terughoudendheid, en Mark Rothko vanwege de emotionele impact die zijn werk kan hebben."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Draad, inkt en grafiet op papier. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville noemt de Duitse bunkers uit de Tweede Wereldoorlog die langs de Franse Atlantische kustlijn staan. Hij zegt: "De meeste mensen beschouwen ze als lelijke littekens. In mijn ogen was hun substantie onderdeel van het landschap, de tijd heeft ze samengesmolten met het zand, de duinen en de zee of met de schilderingen die straatkunstenaars erop aanbracht." Daarnaast werd Auville beïnvloed door deze ervaring uit zijn jeugd:

"Op zes- of zevenjarige leeftijd had ik het voorrecht om de Lascaux-grot in het zuidwesten van Frankrijk te bezoeken. Het was een schok voor mij. Mijn ouders kochten enkele facsimile's als souvenirs en ik bracht uren door met ze te bekijken in de kelder van ons huis, terwijl ik me afvroeg wat het verschil maakte tussen de afbeeldingen en het echte kunstwerk. Het verschil was duidelijk, maar ik worstelde om de substantie ervan te begrijpen. Ik deed het licht aan en uit, plakte zand op de afbeeldingen in een poging de substantie van de Lascaux-schilderingen te repliceren, maar bereikte nooit wat ik dacht dat hun ziel was."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Gepigmenteerd cement op schuimplaten. Structureel en ophangframe aan de achterkant. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan noemt invloeden variërend van kunstenaars (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) tot albumontwerpers (Hipgnosis, Peter Saville), tot muzikanten (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Hij zegt:

"In de jaren voor mijn puberteit kreeg Piet Mondriaans visuele taal veel aandacht in Nederland. Ik was te jong om in termen van kunst te denken, maar Mondriaan was er gewoon, en het was intrigerend. En dat is het nog steeds! Iets later maakte ik kennis met de Suprematisten die, net als ik, geometrische vormen als uitgangspunt namen. Omdat mijn zussen ongeveer vijf jaar ouder zijn dan ik ontdekte ik (via hun vriendjes) vroeg in mijn tienerjaren ‘progressieve’ muziek en de bijbehorende coverontwerpen. Niet verrassend wilde ik coverart designer worden. Als ik één beeldend kunstenaar moest kiezen die mijn manier van kijken veranderde, zou het Ellsworth Kelly zijn. Midden jaren 80 kocht het Stedelijk Museum in Amsterdam “Blue Curve VI” (1982). Ik ging regelmatig kijken en bestudeerde de visuele taal. Maar nu, misschien nog belangrijker, word ik ook geleid door mijn eigen reactie op kunst...Ik begon na te denken over kunst...het doel, de betekenis, o mijn."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD inkt op Hannemuhle papier. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"De lessen van Josef Albers beïnvloeden hoe ik denk over het plaatsen van kleuren in verschillende contexten. En James Turrell’s skyspaces beïnvloedden hoe ik denk over het plaatsen van atmosferische kleur in verschillende contexten. Over het algemeen zijn de algehele esthetiek van mijn Paper Skies en Moving Pictures series sterk beïnvloed door moderne Amerikaanse schilders zoals Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, enz."

Brenda Biondo -Paper Sky nr. 21 (Groot), 2015. Dye sublimatie print op aluminium (mat/glans afwerking). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Ik ontdekte, meer dan 20 jaar geleden, de kapel van Ronchamp, een laat werk van de architect Charles Edouard Jeanneret, bekend als Le Corbusier. Ik voelde niet, noch ervoor noch erna, zo’n besef van de juistheid van de mogelijkheden tussen massiviteit en verheffing. Toen begon voor mij deze lange zoektocht, die mij nog steeds voedt, met als doel de meest passende relatie tussen vol en leeg te benaderen."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum en droge naald op koper. Afdruk op bfk rives papier 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Ik wil het hebben over de kunstenaar die mij al decennialang inspireert, meer dan welke andere kunstenaar dan ook: Matisse, een kunstenaar die je een heel leven lang kunt bestuderen. Zijn werk nam zoveel richtingen omdat hij experimenteerde en nieuwe mogelijkheden in de schilderkunst onderzocht. Ze zijn prachtig, opbeurend, complex, soms liefelijk en sereen, soms moeilijk en uitdagend—reflecterend hoe het leven is."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Aquarel op papier. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

In plaats van haar invloeden op te sommen, noemt Cantrick de kunstenaars wiens werk haar het meest interesseert, ongeacht of er een directe link is met haar eigen werk. Haar korte lijst voor modern en hedendaags:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé, en Per Kirkeby. Dat is een eclectische en niet-uitputtende lijst, maar wat ze gemeen hebben is helderheid, complexiteit en vitaliteit—wat ook mijn eigen bezigheden zijn—uitgedrukt door sterke kleur en structuur, duidelijke vormen, en een ondiepe schilderruimte. Voor pre-moderne kunst staan Vermeer, Degas en Manet bovenaan mijn lijst, vanwege, opnieuw, die drie eigenschappen: helderheid, complexiteit, vitaliteit. Daarnaast: De spanning in Vermeers solide weergave straalt een ongelooflijk tastbare stilte uit—de opschorting van tijd. Degas’ bijzondere manier om zijn ruimte te markeren met “stille,” niet-geanimeerde gebieden en/of een sterk verticaal element bevordert langdurig, ritmisch kijken. En er is een directheid en frisheid in Manet die, los van al het andere meesterschap, op zijn best boeiend is."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acryl op linnen. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"In mijn geval ben ik niet door één kunstenaar beïnvloed, maar eerder door de artistieke gemeenschap waar ik opgroeide in Chicago. Er waren kunstenaars overal in mijn buurt, genaamd de Lincoln Park wijk of Old Town, en toen ik als pre-tiener interesse toonde in tekenen, werd ik aangemoedigd om naar de school te gaan die verbonden is aan het prachtige Art Institute of Chicago voor figuurtekenen. Daar mocht ik rechtstreeks door het Museum lopen met zijn beroemde impressionistische collectie om de school binnen te komen. Ik denk dat dat in feite mijn interesse in lijn, gebaar en kleur heeft gevormd."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olie op doek. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Mijn artistieke [Lineage] is te vinden bij kunstenaars die een "reductieve" benadering van beeld/object maken combineren met aandacht voor oppervlak en subtiel detail. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros en Sol Lewitt komen in me op. Daarnaast blijft het sculpturale werk van Richard Serra, Carl Andre en Fred Sandback, met hun bijzondere gebruik van driedimensionale ruimte, mijn benadering van schilderen inspireren."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acryl op doek. 122 x 96,9 cm