Het Meeste Krijgen in de Simpelste Vorm - Anne Truitt bij Matthew Marks

Een zeldzame tentoonstelling van schilderijen van Anne Truitt is momenteel te zien in de Matthew Marks Gallery in New York. Truitt (1921 – 2004) is vooral bekend om haar sculpturen, of structuren zoals ze meestal worden genoemd. Dit is de eerste grote Amerikaanse tentoonstelling van haar schilderijen sinds de jaren '70—slechts twee van de 11 werken die te zien zijn, zijn eerder publiekelijk getoond. Het is een geweldige kans voor hedendaagse kijkers om Truitt opnieuw te onderzoeken—haar structuren, haar tekeningen en haar schilderijen. De subtiele handgeschilderde lijnen in deze tweedimensionale werken roepen tegenstrijdige gevoelens van zowel eenzaamheid als hoop op. De onpreciese, schilderachtige vormen, net iets uit balans, voelen vreemd menselijk aan: gebrekkig maar zelfverzekerd, zo anders dan als ze ze pure harde geometrische vormen had gemaakt. De kleurrelaties in deze schilderijen lijken een nieuwe betekenis te krijgen, me aansporend om terug te gaan en opnieuw te kijken naar de kleurrelaties van haar structuren. Ondertussen geven de vormen van de oppervlakken—sommige hoog en verticaal, andere horizontaal en lang, weer andere perfect vierkant—de composities een rijke variëteit aan karakter. Vol persoonlijkheid en emotie herinneren deze schilderijen me eraan dat Truitt en haar oeuvre te vaak verkeerd begrepen zijn. In de jaren '60 werd ze door de New Yorkse kunstwereld jongensclub, belichaamd door Clement Greenberg en Donald Judd, een proto-Minimalist genoemd. Maar Truitt zag haar werk niet zo. Ze beschouwde het als een pad naar het expressionisme. Ze zei: "Ik heb mijn hele leven gestreden om maximale betekenis in de eenvoudigste mogelijke vorm te krijgen." Na het zien van werken van Ad Reinhardt en Barnett Newman in het Guggenheim in 1961, had ze een openbaring dat ze genoeg kleur en ruimte in een kunstwerk kon stoppen om misschien eindelijk de uitgestrektheid en diepte van haar diepste gevoelens te kunnen uitdrukken. Na het vertalen van die openbaring in fysieke vorm, beschreef ze "de scherpe vreugde van het zien wat binnenin iemands meest intieme zelf heeft gezeten, zichtbaar worden."

De Geschiedenis van Misverstanden

De geschiedenis van hoe Truitt door critici verkeerd is begrepen, gaat terug tot haar eerste solo-expositie, die in februari 1963 plaatsvond in de André Emmerich Gallery in New York. Het toonde zes handgeschilderde, rechthoekige populierenstructuren. Elke structuur was ontworpen door Truitt en vervolgens gebouwd uit ruw hout door een meubelmaker. Truitt bracht vervolgens de verf aan, waarbij ze abstracte patronen op de vormen creëerde en ervoor zorgde dat de zichtbare penseelstreken zichtbaar bleven. Voor Truitt waren de relaties tussen de vormen, de kleuren en de materiële kwaliteiten bedoeld om emotie op te roepen en een zoektocht naar betekenis te stimuleren. Maar de plaatsing van de werken in de tentoonstelling verstoorde die bedoelingen. De plaatsing was duidelijk niet gedaan door Truitt, maar door Kenneth Noland, die ook door de galerie werd vertegenwoordigd, en Clement Greenberg. Ze zouden Truitt naar verluidt niet om haar input hebben gevraagd bij het plannen van de tentoonstelling, en zelfs gesuggereerd hebben dat ze haar voornaam uit de marketing zou verwijderen, zodat mensen niet zouden weten wat haar geslacht was.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Acryl op canvas. 96 x 8 1/2 inch. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. Met dank aan Matthew Marks Gallery, New York.

In foto's zien de structuren er imposant en druk uit, dicht op elkaar gepakt in een kamer met een laag plafond, in sommige gevallen tegen een muur geplaatst. Ze komen meer over als stukken van een muizenlabyrint dan als unieke kunstwerken. Het opnemen van minder werken, of het verspreiden van de werken in een grotere ruimte, zou elke structuur in staat hebben gesteld om zijn zorgen volledig te uiten. In plaats daarvan werden de werken geïnterpreteerd als betekenisloze en anonieme uitbarstingen van Minimalisme. Dat is precies hoe de jongensclub het wilde. Judd had zijn eerste minimalistische structuren slechts enkele maanden eerder tentoongesteld in een groepstentoonstelling in dezelfde galerie. En het was in zijn essay over de Truitt-tentoonstelling dat Clement Greenberg voor het eerst ten onrechte beweerde dat haar werk "Minimalisme voorzag." Zoals met bijna alles wat deze mannen deden en zeiden, ging het niet om Truitt, maar om henzelf. Ze dwongen Truitt in een valse kritische doos zodat ze zichzelf konden positioneren als de belangrijkste interpreten van de lineaire ontwikkeling van de kunstgeschiedenis, gedomineerd door witte mannen. Sindsdien zijn kijkers in de war over Truitt en de bedoelingen van haar werk.

Anne Truitt - Druid, 1992. Acryl op canvas. 20 x 120 inch. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. Met dank aan Matthew Marks Gallery, New York.

Ontdek de echte Truitt

Helaas zijn veel kunstcritici vandaag de dag niet beter. Deze tentoonstelling van Truitt-schilderijen in de Matthew Marks Gallery komt direct na een andere grote tentoonstelling genaamd In The Tower: Anne Truitt, die in april 2018 sloot in de National Gallery of Art in Washington, DC. Die tentoonstelling richtte zich op een selectie van Truitt-werken die recentelijk door het museum zijn verworven. Onder de tentoongestelde stukken bevonden zich de aangrijpende gele en witte verticale structuur "Mary's Light" (1962), en de anderewereldse, horizontale, duo-toned-blauwe "Parva XII" (1977). Deze werken in het bijzonder bruisen van nuance en visuele poëzie. De verf imiteert de stemmen van de vormen; de kleurrelaties samenspannen zowel met als tegen de zwaartekracht. Een aandachtige waarnemer zou gemakkelijk tot tranen gebracht kunnen worden door hun emotionele kracht - het begint in het oog, maar reist snel naar de geest en het hart.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Acryl op canvas. 48 1/4 x 48 1/8 inch. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. Met dank aan Matthew Marks Gallery, New York

Maar net als in de dagen van Greenberg en Judd, verminderde de meest invloedrijke schrijver die die show behandelde—Philip Kennicott van de Washington Post, een Pulitzerprijswinnaar—Truitt in plaats van haar werk de erkenning te geven die het verdiende. Kennicott concentreerde zich voornamelijk op het privéleven dat Truitt leidde. Hij maakte kleine opmerkingen over de sociale kringen waarin zij zich bevond en de roddels die daaromheen cirkelden. Hij noemde de kunst nauwelijks, en wanneer hij dat deed, was het niet kritisch: neem bijvoorbeeld zijn schandalige en overduidelijk beledigende opmerking dat een selectie van Truitt-sculpturen "van elkaar afstaan met een bepaalde WASP-achtige reserve." Wat betekent dat zelfs? Hoe dan ook, het zegt meer over de schrijver dan over de kunst. Anne Truitt: Paintings at Matthew Marks is een kans om opnieuw te beginnen met het belangrijke oeuvre dat deze ondergewaardeerde kunstenaar heeft gecreëerd. Het biedt een ingang tot de nuances en intricacies die al het andere werk dat ze deed, informeerden. Als je de kans hebt om het te zien, neem dan alleen dit advies ter harte: negeer de critici en laat het werk voor zichzelf spreken. Anne Truitt Paintings is te zien in de Matthew Marks Gallery New York tot 27 oktober 2018.

Uitgelichte afbeelding: Anne Truitt - Brunt, 1974. Acryl op canvas. 19 x 92 inch. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. Met dank aan Matthew Marks Gallery, New York.
Door Phillip Barcio