Het Meeste Krijgen in de Simpelste Vorm - Anne Truitt bij Matthew Marks

Een zeldzame tentoonstelling van schilderijen door Anne Truitt is momenteel te zien in de Matthew Marks Galerie in New York. Truitt (1921 – 2004) is vooral bekend om haar beelden, of structuren zoals ze meestal genoemd worden. Dit is de eerste grote Amerikaanse tentoonstelling van haar schilderijen sinds de jaren zeventig—slechts twee van de 11 tentoongestelde werken zijn eerder publiekelijk getoond. Het is een geweldige kans voor hedendaagse kijkers om Truitt opnieuw te bekijken—haar structuren, haar tekeningen en haar schilderijen evenzeer. De subtiele met de hand geschilderde lijnen in deze tweedimensionale werken roepen tegenstrijdige gevoelens op van zowel eenzaamheid als hoop. De onnauwkeurige, schilderachtige vormen, net iets uit balans, voelen vreemd menselijk aan: gebrekkig maar zelfverzekerd, heel anders dan wanneer ze pure harde rand geometrische vormen had gemaakt. De kleurrelaties in deze schilderijen lijken een nieuwe betekenis te krijgen, waardoor ik geneigd ben terug te gaan en opnieuw te kijken naar de kleurrelaties van haar structuren. Ondertussen geven de vormen van de oppervlakken—sommige hoog en verticaal, andere horizontaal en lang, weer andere perfect vierkant—de composities een rijke verscheidenheid aan karakter. Vol persoonlijkheid en emotie herinneren deze schilderijen mij eraan dat Truitt en haar oeuvre te vaak verkeerd begrepen zijn. In de jaren zestig werd ze door de jongensclub van de New Yorkse kunstwereld, belichaamd door Clement Greenberg en Donald Judd, bestempeld als een proto-Minimalist. Maar Truitt zag haar werk niet zo. Zij zag het als een weg naar expressionisme. Ze zei: “Ik heb mijn hele leven gestreden om maximale betekenis te krijgen in de eenvoudigst mogelijke vorm.” Na het zien van werken van Ad Reinhardt en Barnett Newman in het Guggenheim in 1961, kreeg ze een openbaring dat ze genoeg kleur en ruimte in een kunstwerk kon stoppen om misschien eindelijk de uitgestrektheid en diepte van haar diepste gevoelens uit te drukken. Nadat ze die openbaring in fysieke vorm had vertaald, beschreef ze “het scherpe genoegen van het zien hoe wat in het meest intieme zelf zat, zichtbaar wordt.”

De geschiedenis van misverstanden

De geschiedenis van hoe Truitt door critici verkeerd is begrepen gaat terug tot haar eerste solotentoonstelling, die in februari 1963 plaatsvond in de André Emmerich Galerie in New York. Deze toonde zes met de hand geschilderde, rechthoekige populieren structuren. Elke structuur werd door Truitt ontworpen en vervolgens door een meubelmaker uit ruw hout vervaardigd. Truitt bracht daarna de verf aan, waarbij ze abstracte patronen op de vormen creëerde en ervoor zorgde dat de penseelstreken zichtbaar bleven. Voor Truitt waren de relaties tussen de vormen, de kleuren en de materiële kwaliteiten bedoeld om emotie op te roepen en een zoektocht naar betekenis te stimuleren. Maar de plaatsing van de werken in de tentoonstelling verstoorde die bedoelingen. De plaatsing was duidelijk niet door Truitt gedaan, maar door Kenneth Noland, die ook door de galerie werd vertegenwoordigd, en Clement Greenberg. Zij vroegen Truitt naar verluidt niet om haar mening bij het plannen van de show, en stelden zelfs voor haar voornaam uit de marketing te verwijderen zodat mensen haar geslacht niet zouden weten.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Acryl op doek. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. Met dank aan Matthew Marks Galerie, New York

Op foto’s zien de structuren er indrukwekkend en dicht opeengepakt uit, samengepropt in een laag plafond ruimte, in sommige gevallen tegen een muur geplaatst. Ze lijken meer op stukken van een muizenlabyrint dan op unieke kunstwerken. Minder werken tonen, of de werken verspreiden over een grotere ruimte, zou elke structuur in staat hebben gesteld haar zorgen volledig uit te drukken. In plaats daarvan werden de werken geïnterpreteerd als zinloze en anonieme uitbarstingen van Minimalisme. Dat was precies wat de jongensclub wilde. Judd had enkele maanden eerder zijn eerste minimalistische structuren getoond in een groepstentoonstelling in dezelfde galerie. En het was in zijn essay over de Truitt tentoonstelling dat Clement Greenberg voor het eerst ten onrechte beweerde dat haar werk “Minimalisme voorspelde.” Zoals bij bijna alles wat deze mannen deden en zeiden, ging het niet om Truitt, maar om henzelf. Ze dwongen Truitt in een valse kritische doos zodat ze zichzelf konden positioneren als de belangrijkste uitleggers van het lineaire verloop van de kunstgeschiedenis, gedomineerd door blanke mannen. Sindsdien zijn kijkers in de war over Truitt en de bedoelingen van haar werk.

Anne Truitt - Druid, 1992. Acryl op doek. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. Met dank aan Matthew Marks Galerie, New York

Ontdek de ware Truitt

Helaas zijn veel kunstcritici vandaag de dag niet beter. Deze tentoonstelling van Truitt schilderijen in de Matthew Marks Galerie volgt direct op een andere grote tentoonstelling genaamd In The Tower: Anne Truitt, die in april 2018 werd afgesloten in de National Gallery of Art in Washington, DC. Die tentoonstelling richtte zich op een selectie van Truitt werken die recent door het museum waren verworven. Onder de tentoongestelde stukken waren de indringende gele en witte verticale structuur “Mary’s Light” (1962), en de buitenaardse, horizontale, tweekleurige blauwe “Parva XII” (1977). Deze werken bruisen vooral van nuance en visuele poëzie. De verf imiteert de stemmen van de vormen; de kleurrelaties werken zowel mee als tegen de zwaartekracht in. Een oplettende toeschouwer kan gemakkelijk tot tranen worden geroerd door hun emotionele kracht—het begint in het oog, maar reist snel naar het verstand en het hart.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Acryl op doek. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. Met dank aan Matthew Marks Galerie, New York

Maar net als in de tijd van Greenberg en Judd, bagatelliseerde de invloedrijkste schrijver die die tentoonstelling besprak—Philip Kennicott van de Washington Post, winnaar van een Pulitzerprijs—Truitt in plaats van haar werk de eer te geven die het verdiende. Kennicott richtte zich vooral op het privéleven dat Truitt leidde. Hij maakte kleingeestige opmerkingen over de sociale kringen waarin zij verkeerde en het geroddel dat daar omheen zweefde. Hij noemde de kunst nauwelijks, en wanneer hij dat deed was het niet kritisch: neem bijvoorbeeld zijn schandelijke en duidelijk kwetsende opmerking dat een selectie van Truitt beelden “met een zekere WASP-achtige terughoudendheid van elkaar afstaan.” Wat betekent dat eigenlijk? Hoe dan ook, het zegt meer over de schrijver dan over de kunst. Anne Truitt: Schilderijen in Matthew Marks is een kans om opnieuw te beginnen met het belangrijke oeuvre dat deze ondergewaardeerde kunstenaar heeft gecreëerd. Het biedt een ingang tot de nuances en ingewikkeldheden die al haar andere werk hebben gevormd. Als je de kans hebt het te zien, neem dan alleen dit advies aan: negeer de critici en laat het werk voor zichzelf spreken. Anne Truitt Schilderijen is te zien in de Matthew Marks Galerie New York tot en met 27 oktober 2018.

Uitgelichte afbeelding: Anne Truitt - Brunt, 1974. Acryl op doek. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. Met dank aan Matthew Marks Galerie, New York
Door Phillip Barcio