Een Interview met John Monteith

John Monteith werd geboren in 1973 in Newmarket, Ontario, Canada en is afgestudeerd aan het MFA-programma van Parsons The New School for Design in 2008. Hij heeft uitgebreid gereisd en over de hele wereld gewoond, wat zijn productiepraktijk door de jaren heen heeft beïnvloed en veranderd. Zijn ingewikkelde en kleurrijke stukken van was en pigmenten op gelaagd tekenfilm, evenals zijn zorgvuldig gelaagde fotodocumentaties, hebben hem een gewilde en bekende abstracte kunstenaar gemaakt.

John Monteith is internationaal vertegenwoordigd en het onderwerp van verschillende solo- en groepstentoonstellingen, zoals: “At Night All Cats Are Grey”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; “Not Yet Titled”, Galerie Wenger, Zürich, Zwitserland; en “Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlijn, Duitsland. Zijn werken maken deel uit van permanente collecties bij The New School, Manhattan, New York; BNY Melon, New York; en Morris and Associates in Londen, Engeland. IdeelArt had het genoegen de kunstenaar te interviewen om zijn werkwijze en aankomende projecten te bespreken.

Welke materialen en technieken gebruik je in je werkproces? Hoe is je praktijk in de loop der tijd veranderd?

In mijn eerdere schilderpraktijk gebruikte ik olie op doek en werkte ik representatief, waarbij ik grootschalige figuratieve schilderijen maakte. Sinds 2005 heb ik een significante verschuiving gemaakt in termen van medium en onderwerp. De ontwikkeling van mijn werk volgde natuurlijk mijn gedachten, niet alleen over stedelijke ruimtes, maar ook over persoonlijke relaties en meerdere lagen van relatie. Ik ben altijd gefascineerd geweest door wat het getoonde en het verborgen kenmerkt.

In 2006 begon ik te werken met tekenfilm, waarbij ik de doorschijnende kwaliteiten gebruikte om beelden samen te voegen. Terwijl ik nog steeds representatief werkte, gebruikte ik olieverf, die verdund was om gebruik te maken van de transparante aard. Ik schilderde architectuur en stedelijke centra, plaatsen die ik had bezocht en die historische betekenis hadden, en zelfs de resten van een oud auto-ongeluk dat ik zag in een bos in Kyoto, Japan, waarbij een paar auto's misschien vijftien jaar geleden van een steile weg waren gereden. Elk van deze scènes was ooit of is momenteel een plek van breuk. Bij het creëren van de schilderijen uit deze serie schilderde ik elk beeld twee keer op twee verschillende vellen tekenfilm en plaatste vervolgens de vellen bovenop elkaar, en verschuifde de registratie zodat het bovenste schilderij iets versprongen was ten opzichte van het onderste schilderij, dat vervolgens werd gelaagd om één beeld te creëren. Het combineren van deze twee "delen" tot één schilderij creëerde een werk dat zich bevond in een raadselachtige zone van flux, in zekere zin, een beweging gevangen in de tijd. Na het tentoonstellen van deze schilderijen naast een reeks tekstgebaseerde werken, werd ik meer reductief in mijn kunst maken, waarbij ik een Concrete benadering hanteerde voor het maken van mijn tekeningen en schilderijen, die een verwijzing naar het tijdelijke binnen de stedelijke sfeer behield, en een geheugen-/geschiedenisdiscussie zoals voorgesteld door schrijvers zoals Andreas Huyssen.

In 2011 begon ik met de (de) Constructie/(her) Constructie serie, die zijn gemaakt van fotodocumentatie van interstitiële ruimtes zoals de deuropeningen en gangen van winkelcentra, luchthaventerminals en andere openbare ruimtes. Ik maakte deze schilderijen door gebruik te maken van de vormen van gegoten licht en schaduwen die aanwezig zijn in deze "rommelruimtes", een term die is bedacht en beschreven door Rem Koolhaas. Dit zijn "geen plek" plekken waar we veel van onze tijd doorbrengen in transit van Punt A naar Punt B. Net als bij mijn laatste groep schilderijen, gebruikte ik dezelfde strategie van het schilderen van twee identieke lagen, maar deze keer, toen ik de lagen samenvoegde, verschuifde ik ze naar de gewenste positie voordat ik het schilderij afmaakte, waarbij ik bepaalde elementen naar voren haalde en terugduwde.

Bij het voltooien van deze schilderijen heb ik ze gemonteerd op ondoorzichtig wit plexiglas, handmatig gesneden op de afmetingen van elk schilderij. Dit stelde me in staat om de stukken aan de muur te hangen zoals je dat met een traditioneel schilderij zou doen, maar ook om de schilderijen sculpturaal te beschouwen door elk stuk op zijn eigen standaard te hangen. Het installeren van het werk op deze manier creëerde nieuwe fysieke relaties tussen de werken, terwijl het de architectuur van de galerie refereerde en de "één op één" zichtlijn van het bekijken veranderde, waardoor de aard van de ervaring van de schilderijen veranderde. Mijn werken krijgen op deze manier verschillende associaties. Ik ben altijd geïnteresseerd geweest in lagen, maar ik ben ook geïnteresseerd in het gebruik van één materiaal om naar een ander te verwijzen, in dit geval mijn schilderijen die als sculpturen zijn geïnstalleerd. Verschillende schilderijen kunnen eruitzien als tekeningen, en foto's en tekeningen kunnen eruitzien als schilderijen. Elke stap in mijn creatieve proces manifesteert zich visueel in het uiteindelijke werk; de sporen zijn altijd leesbaar. Voor mij ligt hier de inhoud. In onze steden speelt dit scenario zich af terwijl we zoeken naar bewijs en sporen van het verleden, verborgen binnen de schijn van het heden.

Ik heb de afgelopen twee jaar in Berlijn doorgebracht, waar ik tekeningen maakte die organisch groeiden in tegenstelling tot mijn eerdere gebruik van fotografische referenties. Ik keek vooral naar de reconstructie van de stad, de topografie en ook de "leegtes" van de stad die sporen van het verleden behouden. Vanuit dit onderzoek heb ik onderling verbonden groepen tekeningen gemaakt die elkaar informeren wanneer ze samen worden bekeken, evenals werk dat rekening hield met de architectonische reconstructie die plaatsvond in het stadscentrum.

Hoe lang duurt een werk meestal?

Het hangt er echt vanaf. Toen ik in Berlijn was, was ik meestal zes dagen per week in mijn studio. Het is moeilijk te zeggen hoe lang een werk zal duren, omdat ik de neiging heb om aan meerdere stukken tegelijk te werken. In mijn proces begin ik met zeer dunne verf en bouw ik het langzaam op, of in het geval van mijn tekeningen, breng ik vaak een paar weken door met het maken van tests voordat ik mijn aanpak voor het werk finaliseer. Kortom, mijn proces is een langzaam en arbeidsintensief proces.

Wat is essentieel voor jouw werk?

Mijn praktijk heeft me naar veel steden gebracht, zowel om te wonen als voor onderzoek. Elke keer dat ik verhuis, beïnvloedt en verandert het mijn werk. Deze plaatsen zijn katalysatoren voor de manieren waarop ik denk over het maken van kunst en hoe ik mijn proces uitvoer. Nieuwe manieren van denken en maken ontstaan terwijl oude gewoonten worden doorbroken en opgeschud. 

Hoe weet je wanneer een werk af is? 

"Ik werk niet echt op een vage manier; het is duidelijker voor mij. Er is nooit een vraag geweest over wat ik als volgende moet doen om een werk op te lossen. De grootste vraag voor mij is hoe ik elk stuk contextueel kan plaatsen met andere stukken in de tentoonstelling, en hoe het werk geïnstalleerd moet worden? Dit zijn altijd de moeilijkste vragen, omdat ik overweeg hoe mijn werk gelezen zal worden en hoe de tentoonstellingsruimte deze leesbaarheid zal beïnvloeden. Terwijl ik met mijn gekozen materiaal werk, is het kaderen ook een overweging. Kaderen kan mijn werk maken of breken. Ik werk graag samen met kadermakers die ik vertrouw en die hun inzicht en ideeën kunnen bieden."

Wat betekent het om een fysieke ruimte te hebben om kunst te maken voor jouw proces, en hoe maak je jouw studio ruimte voor jou werkend?

Mijn studio moet een eenzame en rustige ruimte zijn. Ik ben flexibel met de locatie, maar de studioruimte stelt wel bepaalde parameters, vooral wat betreft de schaal en hoe groot het mogelijk is om te werken. Als je een kleine ruimte hebt, zal een werk er veel groter uitzien in jouw studio dan wanneer het eenmaal aan de muren van een grote galerie hangt. 

Is er iets waar je momenteel aan werkt, of waar je enthousiast over bent om te beginnen, dat je me kunt vertellen?

Momenteel ben ik in Halifax, Canada, waar ik onderzoek doe naar vezelgebaseerde kunstpraktijken voor een nieuwe serie geweven werken. Tijdens mijn verblijf in Berlijn raakte ik steeds meer geïnteresseerd in het aanvullen van mijn traditionele praktijk en het incorporeren van nieuwe media - ik zal nog steeds schilderen, maar gewoon op een andere manier.

Hoe navigeer je door de kunstwereld?

Ik denk dat de beste manier om met de druk om te gaan is om zoveel mogelijk tijd in je studio door te brengen en werk te blijven maken. Er is een bepaalde troost in het proces van vooruitgang boeken op manieren die uitdagend voor je zijn. Ik lees verschillende teksten en kunstpublicaties die gericht zijn op culturele theorie en onderzoek in plaats van rechttoe rechtaan tentoonstellingsrecensies of artikelen die aan de kunstmarkt zijn gewijd. Het helpt ook om mijn gemeenschap om me heen te hebben - ik heb groepen in Berlijn, New York en Toronto - bestaande uit kunstenaars, curatoren, schrijvers, ontwerpers, muzikanten en dj's die mijn werk ondersteunen terwijl ik het hunne ondersteun. In gesprek gaan en gewoon aanwezig zijn bij hen helpt me enorm om om te gaan met de druk van het kunstenaarschap.

Wat is het beste advies dat je hebt gekregen toen je de kunstwereld binnenging? Welk advies heb je voor jonge opkomende kunstenaars?

"Het beste advies dat ik kreeg was van Martha Rosler, die zei: 'Vertrouw nooit iemand met je carrière. Je moet altijd in de gaten houden hoe je wordt vertegenwoordigd, en hoe degenen die jou vertegenwoordigen het gesprek over jouw werk kaderen.'"

Ben je betrokken bij aankomende shows of evenementen? Waar en wanneer?

Ik zal deel uitmaken van een groepsexpositie in Gallery Wenger in Zürich, Zwitserland, die opent op 24 oktober 2015 en loopt tot 9 januari. Ik heb ook een paar andere projecten die zich in de vroege ontwikkelingsfase bevinden.

Uitgelichte afbeelding: Memorial Day Installatie O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Met dank aan de kunstenaar