Een Interview met John Monteith

John Monteith werd geboren in 1973 in Newmarket, Ontario, Canada en studeerde af aan het MFA-programma van Parsons The New School for Design in 2008. Hij heeft uitgebreid gereisd en over de hele wereld gewoond, wat zijn werkwijze door de jaren heen heeft beïnvloed en veranderd. Zijn ingewikkelde en kleurrijke werken van was en pigmenten op gelaagd tekenfilm, evenals zijn zorgvuldig gelaagde fotodocumentaties, hebben hem een gewilde en bekende abstracte kunstenaar gemaakt.

John Monteith is internationaal vertegenwoordigd geweest en stond centraal in verschillende solo- en groepstentoonstellingen, zoals: “At Night All Cats Are Grey”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; “Not Yet Titled”, Galerie Wenger, Zürich, Zwitserland; en “Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlijn, Duitsland. Zijn werken maken deel uit van permanente collecties bij The New School, Manhattan, New York; BNY Melon, New York; en Morris and Associates in Londen, Engeland. IdeelArt had het genoegen de kunstenaar te interviewen om zijn werkproces en aankomende projecten te bespreken.

Welke materialen en technieken gebruik je in je werkproces? Hoe is je werkwijze in de loop der tijd veranderd?

In mijn vroegere schilderpraktijk gebruikte ik olieverf op doek en werkte ik figuratief, waarbij ik grootschalige figuratieve schilderijen maakte. Sinds 2005 heb ik een belangrijke verschuiving gemaakt wat betreft medium en onderwerp. De ontwikkeling van mijn werk verliep natuurlijk samen met mijn gedachten, niet alleen over stedelijke ruimtes maar ook over persoonlijke relaties en meerdere lagen van verbinding. Ik ben altijd gefascineerd geweest door wat het getoonde en het verborgen kenmerkt.

In 2006 begon ik te werken met tekenfilm, waarbij ik de doorschijnende eigenschappen gebruikte om beelden over elkaar te leggen. Terwijl ik nog steeds figuratief werkte, gebruikte ik olieverf, die werd verdund om te profiteren van de transparante aard ervan. Ik schilderde architectuur en stedelijke centra, plaatsen die ik had bezocht en die historische betekenis hadden, en zelfs de resten van een oud auto-ongeluk dat ik zag in een bos in Kyoto, Japan, waarbij een paar auto’s van een steile weg waren gereden, ongeveer vijftien jaar geleden. Elk van deze scènes waren ooit of zijn nog steeds plekken van breuk. Bij het maken van de schilderijen uit deze serie schilderde ik elk beeld twee keer op twee verschillende vellen tekenfilm en legde ik de vellen op elkaar, waarbij ik de registratie verschoof zodat het bovenste schilderij iets versprong ten opzichte van het onderste schilderij, die vervolgens werden gelaagd om één beeld te creëren. Het combineren van deze twee “delen” tot één schilderij creëerde een werk dat bleef hangen in een raadselachtige zone van verandering, in zekere zin een beweging gevangen in de tijd. Na het tentoonstellen van deze schilderijen naast een reeks tekstgebaseerde werken, werd ik reductiever in mijn kunst maken, waarbij ik een Concrete benadering hanteerde voor het maken van mijn tekeningen en schilderijen, die een verwijzing behielden naar het tijdelijke binnen de stedelijke sfeer, en een geheugen/geschiedenisdiscussie zoals voorgesteld door schrijvers als Andreas Huyssen.

In 2011 begon ik de (de) Constructie/(her) Constructie serie, die werden gemaakt op basis van fotodocumentatie van tussengelegen ruimtes zoals deuropeningen en gangen van winkelcentra, luchthaven terminals en andere openbare ruimtes. Ik maakte deze schilderijen door gebruik te maken van de vormen van werpend licht en schaduwen die aanwezig zijn binnen deze “rommelruimtes,” een term bedacht en beschreven door Rem Koolhaas. Dit zijn “niemandplaatsen” waar we veel van onze tijd doorbrengen in transit van Punt A naar Punt B. Net als bij mijn laatste groep schilderijen gebruikte ik dezelfde strategie van het schilderen van twee identieke lagen, maar deze keer, wanneer ik de lagen samenbracht, schoof ik ze in de gewenste positie voordat ik het schilderij afmaakte, waarbij ik bepaalde elementen naar voren haalde en terugduwde.

Bij het voltooien van deze schilderijen monteerde ik ze op ondoorzichtig wit plexiglas, met de hand op maat gesneden naar de afmetingen van elk schilderij. Dit stelde me in staat om de stukken aan de muur te hangen zoals bij een traditioneel schilderij, maar ook om de schilderijen als beeldhouwwerken te beschouwen door elk stuk op een eigen standaard te hangen. Het op deze manier installeren van het werk creëerde nieuwe fysieke relaties tussen de werken terwijl het refereerde aan de architectuur van de galerie en de “één op één” kijklijn veranderde, waardoor de aard van de ervaring van de schilderijen veranderde. Mijn werken krijgen op deze manier verschillende associaties. Ik ben altijd geïnteresseerd geweest in lagen, maar ik ben ook geïnteresseerd in het gebruik van één materiaal om naar een ander te verwijzen, in dit geval mijn schilderijen die als beeldhouwwerken worden geïnstalleerd. Verschillende schilderijen kunnen eruitzien als tekeningen, en foto’s en tekeningen kunnen eruitzien als schilderijen. Elke stap in mijn creatieve proces manifesteert zich visueel in het eindwerk; de sporen zijn altijd leesbaar. Voor mij ligt hier de inhoud. In onze steden speelt dit scenario zich af terwijl we zoeken naar bewijs en sporen uit het verleden, verborgen onder het oppervlak van het heden.

Ik bracht de afgelopen twee jaar door in Berlijn, waar ik tekeningen maakte die organisch groeiden in tegenstelling tot mijn eerdere gebruik van fotografische referenties. Ik keek vooral naar de wederopbouw van de stad, haar topografie en ook de “leegtes” van de stad die sporen van het verleden behouden. Uit dit onderzoek ontstonden onderling verbonden groepen tekeningen die elkaar aanvullen wanneer ze samen worden bekeken, evenals werk dat de architectonische wederopbouw binnen het stadscentrum beschouwde.

Hoe lang duurt een werk meestal?

Dat hangt echt af. Toen ik in Berlijn was, was ik meestal zes dagen per week in mijn atelier. Het is moeilijk te zeggen hoe lang een werk duurt, omdat ik vaak aan meerdere stukken tegelijk werk. In mijn proces begin ik met zeer dunne verf en bouw ik die langzaam op, of in het geval van mijn tekeningen, bracht ik vaak een paar weken door met het maken van tests voordat ik mijn aanpak voor het werk definitief vastlegde. Mijn proces is in feite een langzaam en arbeidsintensief proces.

Wat is essentieel voor je werk?

Mijn praktijk heeft me naar veel steden gebracht, zowel om te wonen als voor onderzoek. Elke keer dat ik verhuis, beïnvloedt en verandert dat mijn werk. Deze plaatsen zijn katalysatoren voor de manier waarop ik over het maken van kunst denk en hoe ik mijn proces uitvoer. Nieuwe manieren van denken en maken ontstaan wanneer oude gewoonten worden doorbroken en opgeschud.

Hoe weet je wanneer een werk af is?

Ik werk niet echt op zo’n vage manier; het is voor mij duidelijker. Er is nooit een vraag geweest over wat ik daarna moet doen om een werk af te ronden. De grootste vraag voor mij is hoe ik elk stuk contextueel plaats bij andere stukken in de tentoonstelling, en hoe het werk geïnstalleerd moet worden. Dit zijn altijd de moeilijkste vragen wanneer ik overweeg hoe mijn werk gelezen zal worden en hoe de tentoonstellingsruimte deze leesbaarheid zal beïnvloeden. Terwijl ik met mijn gekozen materiaal werk, is ook het kaderen een overweging. Kaderen kan mijn werk maken of breken. Ik werk graag met kadeerders die ik vertrouw en die hun inzicht en ideeën kunnen bieden.

Wat betekent het voor je proces om een fysieke ruimte te hebben om kunst te maken, en hoe zorg je dat je atelierruimte voor jou werkt?

Mijn atelier moet een eenzame en stille ruimte zijn. Ik ben flexibel wat betreft de locatie, maar de atelierruimte bepaalt bepaalde grenzen, vooral wat betreft schaal en hoe groot het mogelijk is om te werken. Als je een kleine ruimte hebt, zal een werk in je atelier veel groter lijken dan wanneer het aan de muren van een grote galerie hangt.

Is er iets waar je momenteel aan werkt, of waar je enthousiast over bent om te beginnen, dat je kunt vertellen?

Momenteel ben ik in Halifax, Canada, waar ik onderzoek doe naar vezelgebaseerde kunstpraktijken voor een nieuwe reeks geweven werken op de weefstoel. Terwijl ik in Berlijn was, raakte ik steeds meer geïnteresseerd in het uitbreiden van mijn traditionele praktijk en het opnemen van nieuwe middelen—ik zal nog steeds schilderen, maar gewoon op een andere manier.

Hoe navigeer je door de kunstwereld?

Ik denk dat de beste manier om met de druk om te gaan is om zoveel mogelijk tijd in je atelier door te brengen en werk te blijven maken. Er is een zekere troost in het proces van vooruitgaan op manieren die voor jou uitdagend zijn. Ik lees verschillende teksten en kunstpublicaties die gericht zijn op cultuurtheorie en onderzoek in plaats van rechttoe rechtaan tentoonstellingsrecensies of artikelen over de kunstmarkt. Het helpt ook om mijn gemeenschap om me heen te hebben—ik heb groepen in Berlijn, New York en Toronto—bestaande uit kunstenaars, curatoren, schrijvers, ontwerpers, muzikanten en dj’s die mijn werk steunen zoals ik dat van hen doe. Het aangaan van gesprekken en gewoon aanwezig zijn met hen helpt me enorm om met de druk van het kunstenaarschap om te gaan.

Wat is het beste advies dat je kreeg toen je doorbrak in de kunstwereld? Welk advies heb je voor jonge opkomende kunstenaars?

Het beste advies dat ik kreeg was van Martha Rosler die zei: “Vertrouw nooit iemand met je carrière. Je moet altijd in de gaten houden hoe je wordt vertegenwoordigd, en hoe degenen die jou vertegenwoordigen het gesprek rond je werk inkaderen.”

Ben je betrokken bij aankomende tentoonstellingen of evenementen? Waar en wanneer?

Ik zal deel uitmaken van een groepstentoonstelling bij Galerie Wenger in Zürich, Zwitserland, die opent op 24 oktober 2015 en loopt tot 9 januari. Ik heb ook een paar andere projecten die zich nog in de beginfase van ontwikkeling bevinden.

Uitgelichte afbeelding: Memorial Day Installatie O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Met dank aan de kunstenaar