Charlotte Park, Een Abstracte Kunstenaar Om Te Kennen

Ik vind vertrouwde dingen in het werk van Charlotte Park. Ik zie in haar schilderijen een bijna grenzeloze angst en zoektocht, die in bepaalde momenten wordt vervangen door een stilte of rust, maar altijd vol vertrouwen. Park is vandaag de dag geen bijzonder bekende kunstenaar, hoewel haar dichtstbijzijnde medewerkers tot de meest beroemde kunstenaars van de afgelopen eeuw behoren. Ze was getrouwd met James Brooks, wiens werk in de Tate, MoMA en het Smithsonian, onder andere institutionele collecties, te vinden is. Park en Brooks woonden naast Jackson Pollock en Lee Krasner in New York City. Toen Pollock en Krasner naar de Hamptons verhuisden, namen Park en Brooks hun appartement over, en volgden hen later naar Long Island. Ondanks dat ze sociaal omringd was door tientallen andere getalenteerde schilders, ontwikkelde Park een unieke visuele stem die voor mij onmiddellijk herkenbaar is. Misschien is ze vandaag de dag relatief onbekend in vergelijking met haar tijdgenoten omdat zij allemaal vrolijk geassocieerd werden met Abstract Expressionisme. Hoewel veel hedendaagse kunstschrijvers en -handelaren openlijk hebben geprobeerd om Park "herontdekken" en haar werk in diezelfde historische context te dwingen, voel ik geen neiging om over Park te schrijven als onderdeel van die beweging, of neiging, of fenomeen, of wat het ook was of is. Park lijkt voor mij een persoonlijke artistieke reis te hebben gemaakt, die een unieke evolutie volgde. In tegenstelling tot zoveel van haar collega's, die kritische successen behaalden en vervolgens verhardden, bereikte Park haar hoogtepunt laat in haar carrière, als een wijze sage die eindelijk de top van een berg bereikt, alles ziet, uiteindelijk, in het kleinste ding. Terwijl Abstract Expressionisme voor mij altijd lijkt te gaan over een soort "ik-zijn", creëerde Park een oeuvre dat meer over "alles-zijn" voelt. Haar schilderijen brengen niet alleen haar individualiteit in kaart, maar ook haar menselijkheid—haar evolutie van zoeker naar innerlijke vrede.

Een figuur in isolatie

Geboren in Concord, Massachusetts in 1918, behaalde Park haar kunstgraad aan Yale in 1939. Ze werkte voor het Office of Strategic Services (OSS), dat later de CIA werd, tijdens de Tweede Wereldoorlog, en verhuisde daarna met Brooks naar New York. In het naoorlogse Manhattan bevonden zij en Brooks zich midden in een van de meest levendige artistieke avant-gardes ter wereld. Toch lijkt het enige aspect van die scène dat de werken die Park in die tijd maakte heeft doordrongen, de focus op abstractie te zijn. Haar schilderijen verraden weinig interesse in de belangrijkste zorgen van haar tijdgenoten, zoals het onderbewuste, automatische tekeningen, transcendentalisme of mythenvorming. Park lijkt zichzelf niet te hebben gezien, zoals Pollock deed, als de belichaming van de natuur. In plaats daarvan schilderde ze als een kunstenaar die geïnteresseerd was in het stellen van fundamentele vragen over wat schilderkunst is, en of het echt geschikt is om de totaliteit van de menselijke ervaring uit te drukken.

Charlotte Park - De Zon, 1950. Olie op papier gemonteerd op canvas. 18 x 24 in. (45,7 x 61 cm). © Berry Campbell Gallery

Vroege schilderijen zoals “Masque” (1950), “The Sun” (1950) en “Departure” (1955) suggereren iemand die schijnbaar probeert menigten te schilderen—samengepakte, biomorfe vormen gevangen in een spel van duwen en trekken. De vormen zelf in deze schilderijen zijn niet echt het onderwerp. Het zijn eerder de relaties tussen hen en hun omgeving die belangrijk lijken. In een uitgebreide serie van voornamelijk zwarte schilderijen die ze in de jaren vijftig begon te maken, leek Park te proberen door plastic realiteiten heen te scheuren om iets achter het oppervlak te ontdekken. Woede en frustratie lijken ingebed te zijn in deze ruwe visuele uitbarstingen. Emotie, allegorie en metafoor proberen zich uit te drukken, maar de schilderijen lijken bijna ontoereikend om hun boodschappen over te brengen. De ene verklaring die deze schilderijen keer op keer wel weten te maken, is dat wie ze ook geschilderd heeft, zich alleen voelt.

Charlotte Park - Ongetiteld, 1985. Acryl op papier. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks en Charlotte Park Foundation. Met dank aan Berry Campbell Gallery

Het raster vinden

Sommige schrijvers verzetten zich tegen de roep om verhalen te vertellen, hoe vreemd dat ook mag klinken. Ze willen gewoon schrijven, zonder structuur, zonder verwachtingen. Verhaal kan een kooi zijn die de schrijver berooft van veel creatieve vrijheden. Sommige schilders voelen hetzelfde over het raster. Moeten zogenaamde composities creëren die voldoen aan bestaande visuele formats is een bron van echte frustratie voor een kunstenaar die gewoon wil schilderen. De angst die in haar werk gedurende het grootste deel van haar carrière aanwezig is, suggereert dat Park intiem bekend was met deze strijd. Gedurende de jaren vijftig en zestig, en in de vroege jaren zeventig, woedt haar werk tegen de grenzen van het kader, ondermijnt het de invloed van het raster, verwerpt het traditionele opvattingen over harmonie en balans, en negeert het de opvattingen van de "all over" compositiestrategie die door veel van haar tijdgenoten werd omarmd. Veel van de schilderijen die ze in deze eerste helft van haar carrière maakte, voelen voor mij helemaal niet als schilderijen—ze voelen als gevechten: gevechten met ruimte; gevechten met licht; gevechten met materialiteit; gevechten met wat de Polynesiërs mana noemen: de energie die in alle dingen verzamelt.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Acryl op canvas. 18 x 18 in. (45,7 x 45,7 cm). © Berry Campbell Gallery

Park stopte energie in haar schilderijen. Ze droeg iets levends van zichzelf, of van haarzelf, over naar een levenloos ding, een afbeelding. Die strijd kwam echter abrupt tot een einde, rond het midden van de jaren zeventig, toen Park een uitstapje maakte naar een onverwachte esthetische zijweg - die van Piet Mondrian en de erfenis van het Neo-Plasticisme. Schilderijen zoals "Gerardia" (1975), "Hellebore" (1975-77) en "Pereshia" (1976-78) beginnen precies waar het vereenvoudigde, Neo-Plastic kleurpalet en de rasterstructuur van Mondrian eindigden. Behalve dat Park alles vrijhandig doet, en met een vrije geest. Haar fase van Neo-Plastic raster schilderkunst was van korte duur, maar het idee van het raster bleef aanwezig in haar werk voor de rest van haar carrière. Het is alsof Park, in plaats van te worstelen met de beperkingen van het kader en het anti-liberalisme van de compositiestructuur, onverwachts een geheim van vrijheid vond in haar omarming van dergelijke parameters. Haar schilderijen waren altijd zelfverzekerd, maar de late verschijning van het raster erin maakte ze stil en rustig. Persoonlijk voel ik me het minst verbonden met deze vredige schilderijen onder haar oeuvre, maar ik wed dat mijn mening niets zou betekenen voor Park, aangezien zij een zeldzame kunstenaar was die voornamelijk voor zichzelf schilderde.

Uitgelichte afbeelding: Charlotte Park - Ongetiteld, 1960. Olieverf op doek. 34 x 34 in. (86,4 x 86,4 cm). © Berry Campbell Gallery
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio