Charlotte Park, Een Abstracte Kunstenaar Om Te Kennen

Ik herken vertrouwde elementen in het werk van Charlotte Park. In haar schilderijen zie ik een bijna grenzeloze onrust en zoektocht, die op bepaalde momenten wordt vervangen door een kalmte of stilte, maar altijd met vertrouwen. Park is tegenwoordig geen bijzonder bekende kunstenaar, hoewel haar naaste medewerkers behoren tot de beroemdste kunstenaars van de vorige eeuw. Ze was getrouwd met James Brooks, wiens werk onder andere te vinden is in de Tate, MoMA en het Smithsonian. Park en Brooks woonden naast Jackson Pollock en Lee Krasner in New York City. Toen Pollock en Krasner naar de Hamptons verhuisden, namen Park en Brooks hun appartement over en volgden hen later naar Long Island. Ondanks dat ze sociaal omringd was door tientallen andere getalenteerde schilders, ontwikkelde Park een eigenzinnige visuele stem die voor mij direct herkenbaar is. Misschien is ze tegenwoordig relatief onbekend in vergelijking met haar tijdgenoten omdat zij allemaal vrolijk werden geassocieerd met het abstract expressionisme. Hoewel veel hedendaagse kunstschrijvers en handelaren openlijke pogingen hebben gedaan om Park te “herontdekken” en haar werk in diezelfde historische context te plaatsen, voel ik geen behoefte om over Park te schrijven als onderdeel van die stroming, tendens of fenomeen, wat het ook was of is. Park lijkt mij een persoonlijke artistieke reis te hebben gemaakt, die een unieke evolutie volgde. In tegenstelling tot veel van haar tijdgenoten, die kritisch succes behaalden en daarna verstijfden, bereikte Park haar hoogtepunt laat in haar carrière, als een wijze die eindelijk de top van een berg bereikt en alles ziet, zelfs in het kleinste detail. Waar abstract expressionisme voor mij altijd lijkt te gaan over een soort “ik-heid,” creëerde Park een oeuvre dat meer over “alles-heid” lijkt te gaan. Haar schilderijen brengen niet alleen haar individualiteit in kaart, maar ook haar menselijkheid—haar ontwikkeling van zoeker naar innerlijke rust.

Een figuur in afzondering

Geboren in Concord, Massachusetts in 1918, behaalde Park haar kunstopleiding aan Yale in 1939. Tijdens de Tweede Wereldoorlog werkte ze voor het Office of Strategic Services (OSS), dat later de CIA werd, en verhuisde na de oorlog met Brooks naar New York. In het naoorlogse Manhattan bevonden zij zich midden in een van de meest levendige artistieke avant-gardes ter wereld. Toch lijkt het enige aspect van die scene dat doordrong in het werk dat Park toen maakte, de focus op abstractie te zijn. Haar schilderijen tonen weinig interesse in de belangrijkste bezigheden van haar tijdgenoten, zoals het onderbewuste, automatisch tekenen, transcendentalisme of mythevorming. Park lijkt zichzelf niet te hebben gezien, zoals Pollock dat deed, als de natuur in eigen persoon. Ze schilderde eerder als een kunstenaar die fundamentele vragen stelde over wat schilderen is en of het werkelijk geschikt is om de totaliteit van de menselijke ervaring uit te drukken.

Charlotte Park - The Sun, 1950. Olie op papier gemonteerd op doek. 45,7 x 61 cm. © Berry Campbell Gallery

Vroege schilderijen zoals “Masque” (1950), “The Sun” (1950) en “Departure” (1955) suggereren iemand die schijnbaar probeert menigten te schilderen—samengeklonterde, biomorfe vormen gevangen in een spel van duwen en trekken. De vormen zelf zijn in deze schilderijen niet echt het onderwerp. Het zijn eerder de relaties tussen hen en hun omgeving die belangrijk lijken. In een uitgebreide serie van voornamelijk zwarte schilderijen die ze in de jaren 50 begon te maken, leek Park te proberen door plastic realiteiten heen te breken om iets achter het oppervlak te ontdekken. Woede en frustratie lijken ingebed in deze ruwe visuele uitbarstingen. Emotie, allegorie en metafoor proberen zich uit te drukken, maar de schilderijen lijken bijna ontoereikend om hun boodschappen te dragen. De ene verklaring die deze schilderijen keer op keer wél afleggen, is dat wie ze ook schilderde zich alleen voelt.

Charlotte Park - Untitled, 1985. Acryl op papier. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks and Charlotte Park Foundation. Met dank aan Berry Campbell Gallery

Het vinden van het raster

Sommige schrijvers verzetten zich tegen het vertellen van verhalen, hoe vreemd dat ook mag klinken. Ze willen gewoon schrijven, zonder structuur, zonder verwachtingen. Verhalen kunnen een kooi zijn die de schrijver veel creatieve vrijheden ontneemt. Sommige schilders voelen hetzelfde over het raster. Het moeten maken van zogenaamde composities die zich aan bestaande visuele vormen houden, is een bron van echte frustratie voor een kunstenaar die gewoon wil schilderen. De onrust die in haar werk aanwezig is gedurende het grootste deel van haar carrière suggereert dat Park deze strijd van dichtbij kende. Gedurende de jaren 50 en 60, en tot in de vroege jaren 70, woedde haar werk tegen de grenzen van het kader, tartte de invloed van het raster, verwierp traditionele opvattingen over harmonie en evenwicht, en negeerde het idee van de “all-over” compositiestrategie die door veel van haar tijdgenoten werd omarmd. Veel van de schilderijen die ze in de eerste helft van haar carrière maakte, voelen voor mij niet echt als schilderijen aan—ze voelen als gevechten: gevechten met ruimte; gevechten met licht; gevechten met materie; gevechten met wat de Polynesiërs mana noemen: de energie die zich in alle dingen verzamelt.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Acryl op doek. 45,7 x 45,7 cm. © Berry Campbell Gallery

Park bracht energie in haar schilderijen. Ze droeg iets levends van zichzelf over in een levenloos ding, een afbeelding. Die strijd kwam echter abrupt tot een einde rond het midden van de jaren 70, toen Park een onverwachte esthetische zijweg insloeg—die van Piet Mondriaan en het erfgoed van het neoplasticisme. Schilderijen zoals “Gerardia” (1975), “Hellebore” (1975-77) en “Pereshia” (1976-78) pakken precies daar op waar het vereenvoudigde, neoplasticistische kleurenpalet en rasterstructuur van Mondriaan ophielden. Alleen doet Park het allemaal uit de vrije hand, en met een vrije geest. Haar fase van neoplasticistisch raster schilderen was van korte duur, maar het idee van het raster bleef aanwezig in haar werk tot het einde van haar carrière. Het is alsof Park, in plaats van te worstelen met de beperkingen van het kader en het anti-liberalisme van compositiestructuur, onverwacht een geheime vrijheid vond in haar omarming van zulke kaders. Haar schilderijen waren altijd vol vertrouwen, maar de late verschijning van het raster maakte ze rustig en stil. Persoonlijk voel ik me het minst verbonden met deze vredige schilderijen binnen haar oeuvre, maar ik vermoed dat mijn mening voor Park niets zou betekenen, aangezien zij een zeldzame kunstenaar was die vooral voor zichzelf schilderde.

Afbeelding uitgelicht: Charlotte Park - Untitled, 1960. Olie op doek. 86,4 x 86,4 cm. © Berry Campbell Gallery
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio