Elementen van Abstractie - Elizabeth Gourlay in een Interview

Elizabeth Gourlay beschouwt haar werk als een meditatie over vormen en kleuren, waarbij ze haar atelierpraktijk soms vergelijkt met het proces van muziekcompositie. Met een mengeling van technieken, variërend van olieverf tot grafiet en collage, creëert Gourlay abstracte composities die verwijzen naar een esthetische woordenschat die subliem in balans is tussen natuur en meetkunde. Als inwoner van Chester, Connecticut, heeft Gourlay deze maand werk in vier groepstentoonstellingen in New York, Connecticut en Massachusetts. IdeelArt kreeg de kans om met haar te praten over haar praktijk, haar tentoonstellingskalender en haar nieuwe werk.

Interview met Elizabeth Gourlay - Recente tentoonstellingen en activiteiten

IdeelArt: Je hebt een drukke maand! Deze maand sta je in vier groepstentoonstellingen in vier verschillende steden. Wanneer je jezelf in zo’n periode bevindt, waarin veel verschillende kijkers de kans krijgen om je werk te zien, maak je dan nog tijd om actief te blijven in het atelier of geef je de voorkeur aan de galerieën om daar met die kijkers te praten en hun reactie op je werk op te nemen?

Elizabeth Gourlay: Dit is de eerste keer dat ik zo veel activiteit tegelijk heb. Het is spannend, maar ik ben zo gewend om individuele tentoonstellingen mijn onverdeelde aandacht te geven, dat ik nu een opening moest missen om bij een andere te zijn. Maar zodra het werk is afgeleverd, wordt de tijd weer van mijzelf. Hoewel ik erg verlang om na zelfs een korte periode van activiteit die me wegvoert weer het atelier in te gaan, geniet ik ook van de interactie die in de galerie plaatsvindt, het praten met mede-kunstenaars en vrienden tijdens openingen en andere galerie-evenementen. Abstracte kunst is een taal, en praten met kijkers, vooral kunstenaars en vrienden tijdens evenementen, bouwt een gevoel van veerkracht op in de nieuwe uitdrukkingen die we vinden.

IA: Je hebt deze maand tentoonstellingen op idyllische, landelijke locaties, zoals The Tremaine Gallery in Lakeville, CT, maar ook in dichtbevolkte stedelijke centra, zoals 1285 Avenue of the Americas Gallery in Midtown Manhattan. Op welke manieren hebben kijkers in zulke verschillende omgevingen anders op je werk gereageerd?

E.G. In beide gevallen waren de publieken visueel verfijnd en leken ze betrokken en positief. In New York City leken ze over het algemeen spraakzamer, stelden ze vragen en gaven ze gemakkelijker hun mening. Ik denk dat de kijkers in New York de neiging hadden om dichter bij de werken te komen!

IA: Op welke manieren hebben gesprekken of andere vormen van interactie met kijkers de richting van je praktijk beïnvloed?

E.G. Ik probeer me niet te laten beïnvloeden door de reacties van kijkers, hoewel, onvermijdelijk, als de reactie positief is op een nieuwe richting waar ik enthousiast over ben in het werk, dat me wel aanzet om die weg verder te verkennen. Het is altijd interessant om het verschil in mening te ervaren en te begrijpen hoe en waarom mensen zich tot verschillende werken aangetrokken voelen.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotype op papier. 40,6 x 38,1 cm.

Verleden en heden

IA: Hoe verschilt het werk dat je nu maakt van het werk dat je in het verleden hebt gemaakt? 

E.G. Mijn werk, vanaf ongeveer 1994, was vaak gebaseerd op een raster en in een vierkant formaat. Het werd opgebouwd uit lagen waskrijt en getekende lijnen. Rond 2005 begon ik te spelen met veel gedurfdere geometrische vormen en verzadigde kleuren. Sindsdien ben ik heen en weer gegaan tussen gedurfde, sterke vormen en kleuren en werk dat delicater en gedempter is, waarbij ik ze soms combineer. De werken beginnen vaak op een vergelijkbare manier, maar kunnen heel verschillend eindigen. Waarschijnlijk is de grootste verandering de vrijheid die ik mezelf toestaat in het scheppingsproces.

IA: Je verwijst soms naar meditatie als je over je werk praat. Kun je uitleggen wat dat woord betekent in relatie tot je kunst? Bijvoorbeeld, beschouw je het proces van het maken van het werk als meditatief? Zie je het eindproduct als een mogelijke meditatieve tussenpersoon voor kijkers? 

E.G. Ik beschouw het proces zeker als meditatief. Ik probeer niet te veel ideeën mee te nemen naar het atelier, misschien een kleuridee of een vormidee. Terwijl ik begin te werken, laat ik het innerlijke oog, het onbewuste, reageren op het werk en mij leiden om het vluchtige mentale element vast te leggen dat ver weg kan zijn en toch zo aanwezig. Meestal ontstaat mijn beste werk wanneer mijn denken niet verward is, wanneer ik in harmonie ben met het werk. Of ik nu direct teken of lagen waskrijt aanbreng, ik geniet van de ervaring om het werk te laten ontstaan. Ik kan het niet beter zeggen dan Paul Klee die zei: “mijn hand is volledig het instrument van een meer verre sfeer.” Ik werk niet met de bedoeling iets te maken voor de ervaring van een ander, maar ik sta open voor hun reactie en interpretatie. Mensen die met het werk leven zeggen vaak dat het kijken naar het werk hen vrede, kalme vreugde geeft, of dat het werk hen grondt. Dus ik ben er zeker van dat het beschouwen van de voltooide werken als meditatieve tussenpersonen heel geldig is, maar ik laat het aan degenen die met de werken leven en aan deskundigen op het gebied van geest en meditatie over om de beste beoordeling te maken. Als een icoon, of meditatieve tussenpersoon, een voorwerp is dat kalme vreugde of een vrede die grondt geeft, dan ja, wordt mij vaak verteld dat mijn werken die effecten hebben.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotype op papier. 38,1 x 40,6 cm.

Over het proces

IA: Wassily Kandinsky schreef over muziek en het vermogen ervan om emoties op abstract niveau over te brengen. Jij legt ook verbanden tussen muziek en je werk. Eén verband dat je legt is dat je visuele woordenschat van lijnen en kleuren geïnterpreteerd kan worden als verwijzend naar muzikale toonladders. Wat zijn nog meer manieren waarop jouw proces of je kunstwerken overeenkomsten vertonen met muziekcompositie?      

EG: Ik denk niet bewust aan muziek of muziekcompositie. Toch is het aantal mensen dat die link legt met muziek zo groot, dat er wel iets van de vergelijking moet kloppen. Ik luister vaak naar muziek als ik werk en ik heb als kind piano leren spelen, dus dat kan het werk beïnvloeden. Ik “componeer” op een manier die lijkt op muziekcompositie, vooral in het spelen met balken, lijnen en kleurvlakken. Ze verschuiven over het vlak, wat erg lijkt op noten en akkoorden op verschillende plaatsen in een muziekstuk. 

IA: Vertel iets over je proces, specifiek over de relatie die je hebt met collage. Bijvoorbeeld, op welke manieren beïnvloedt het proces van het laag voor laag aanbrengen van papier je anders dan het proces van schilderen? 

EG: Meestal is mijn schilderproces, of het nu op papier of linnen is, heel direct. Meestal begin ik met het tekenen van lijnen, gevolgd door kleurwas, gevolgd door vormelementen. Ik probeer mezelf te verrassen met een sterk onverwachte vorm, of een kleur buiten mijn gebruikelijke palet. Ik verschuif deze, op zoek naar een balans tussen kleur en vorm. Deze fase voelt als een voortdurende dans, waarbij het formele even binnen sluipt en ik ertegenin ga. De beslissingen om de resulterende gedurfde indringers wel of niet op te nemen vormen een dynamiek die me wekenlang bij een werk kan houden. De collagewerken beginnen met spelen met kleur, het inkleuren van randen met inkt en het tekenen van lijnen op Japans papier, dat ik vervolgens in stroken knip. Ik plak deze zorgvuldig op het doek of linnen, maar zonder een vooraf bedachte compositie of structuur. Naarmate het werk zich ontwikkelt, begin ik te analyseren om de redacteur weer toe te laten, om kleur of vorm aan te passen totdat het werk goed voelt.   

Afbeelding in de kijker: Elizabeth Gourlay in het atelier