Elementen van Abstractie - Elizabeth Gourlay in een Interview

Elizabeth Gourlay beschouwt haar werk als een meditatie op vormen en kleuren en vergelijkt haar atelierpraktijk soms met het componeren van muziek. Met een combinatie van media, variërend van olieverf en grafiet tot collage, creëert Gourlay abstracte composities die verwijzen naar een esthetisch vocabulaire dat subliem balanceert tussen natuur en geometrie. Gourlay woont in Chester, Connecticut, en heeft deze maand werk in vier groepstentoonstellingen in New York, Connecticut en Massachusetts. IdeelArt kreeg de gelegenheid met haar te praten over haar praktijk, haar tentoonstellingsagenda en haar nieuwe oeuvre.

Interview met Elizabeth Gourlay - Recente tentoonstellingen en activiteiten

IdeelArt: Je hebt een drukke maand! Deze maand doe je mee aan vier groepstentoonstellingen in vier verschillende steden. Als je je in een periode als deze bevindt, waarin veel verschillende kijkers de gelegenheid hebben om je werk te ontdekken, maak je dan nog tijd om actief te blijven in het atelier, of ben je liever in de galeries om met die kijkers in gesprek te gaan en hun reactie op je werk in je op te nemen?

Elizabeth Gourlay: Dit is de eerste keer dat ik zoveel activiteit allemaal tegelijk heb. Het is spannend, maar ik ben zo gewend om individuele tentoonstellingen mijn volledige aandacht te geven dat ik nu een opening moest missen om een andere bij te wonen. Maar zodra het kunstwerk is afgeleverd, wordt mijn tijd weer van mij. Hoewel ik na zelfs een korte periode van activiteit die me weghoudt enorm graag weer het atelier in wil, geniet ik ook van de interactie in de galerie, waarbij ik tijdens openingen en andere galerie-evenementen met mede-kunstenaars en vrienden praat. Abstracte kunst is een taal, en gesprekken met kijkers, vooral kunstenaars en vrienden tijdens evenementen, versterken het gevoel van veerkracht in de nieuwe uitdrukkingsvormen die we ontdekken.

IA: Deze maand heb je tentoonstellingen op idyllische, landelijke locaties, zoals The Tremaine Gallery in Lakeville, CT, maar ook in dichtbevolkte stedelijke centra, zoals 1285 Avenue of the Americas Gallery in Midtown Manhattan. Op welke manieren hebben kijkers in zulke sterk verschillende omgevingen anders op je werk gereageerd?

E.G. In beide gevallen waren de publieken visueel ontwikkeld en leken ze betrokken en positief. In New York City waren ze over het algemeen spraakzamer: ze stelden gemakkelijker vragen en spraken sneller hun mening uit. Ik denk dat de kijkers in New York dichter naar de werken toe gingen!

IA: Op welke manieren hebben gesprekken of andere vormen van interactie met kijkers de richting van je praktijk beïnvloed?

E.G. Ik probeer me niet door reacties van kijkers te laten beïnvloeden, maar onvermijdelijk geldt dat, als de reactie positief is op een nieuwe richting in mijn werk waar ik enthousiast over ben, dit me er wel toe aanzet dat pad verder te verkennen. Het is altijd interessant om verschillen in mening te ervaren en te ontdekken hoe en waarom mensen zich tot verschillende werken aangetrokken voelen.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotype op papier. 40.6 x 38.1 cm.

Verleden en heden

IA: Waarin verschilt het werk dat je vandaag maakt van het werk dat je in het verleden hebt gemaakt? 

E.G. Mijn werk was vanaf ongeveer 1994 vaak gebaseerd op rasters en uitgevoerd in een vierkant formaat. Het werd opgebouwd uit lagen transparante wassingen en getekende lijnen. Rond 2005 begon ik te experimenteren met veel gedurfdere geometrische vormen en verzadigde kleuren. Sindsdien beweeg ik heen en weer tussen gedurfde, krachtige vormen en kleuren en werk dat subtieler en gedempter is, waarbij ik de twee soms combineer. De werken beginnen vaak op een vergelijkbare manier, maar kunnen heel verschillend eindigen. Waarschijnlijk is de grootste verandering de vrijheid die ik mezelf tijdens het creatieve proces gun.

IA: Je verwijst soms naar meditatie wanneer je over je werk praat. Kun je uitleggen wat dat woord betekent in relatie tot je kunst? Beschouw je bijvoorbeeld het maken van het werk als meditatief? Beschouw je het voltooide werk als een mogelijk meditatief intermediair voor kijkers? 

E.G. Ik beschouw het proces inderdaad als meditatief. Ik probeer niet te veel ideeën mee te nemen naar het atelier, misschien een idee voor een kleur of een vorm. Wanneer ik begin te werken, laat ik het innerlijke oog, het onbewuste, op het werk reageren en me leiden naar het vastleggen van het ongrijpbare mentale element dat ver weg kan zijn en toch zo aanwezig. Mijn beste werk ontstaat meestal wanneer mijn gedachten niet overvol zijn, wanneer ik afgestemd ben op het werk. Of ik nu rechtstreeks teken of wassingen aanbreng, ik geniet van de ervaring waarin het werk tevoorschijn komt. Ik kan het niet beter verwoorden dan Paul Klee, die zei: “mijn hand is volledig het instrument van een verder verwijderde sfeer.” Ik werk niet met de bedoeling iets te creëren voor de ervaring van een ander, maar ik sta open voor hun reactie en interpretatie. Mensen die met het werk leven zeggen vaak dat het bekijken ervan hun vrede, kalme vreugde geeft, of dat het werk aardend werkt. Ik ben er dus zeker van dat het heel legitiem is om de voltooide werken als meditatief intermediair te beschouwen, maar ik laat het aan degenen die met de werken leven en aan experts op het gebied van geest en meditatie over om dat het beste te beoordelen. Als een icoon, of meditatief intermediair, een object is dat kalme vreugde of een aardende vrede geeft, dan wordt mij inderdaad vaak verteld dat mijn werken die effecten hebben.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotype op papier. 38.1 x 40.6 cm.

Over het proces

IA: Wassily Kandinsky schreef over muziek en haar vermogen om op abstract niveau emotie over te brengen. Jij legt ook verbanden tussen muziek en je werk. Een verband dat je legt, is dat je visuele vocabulaire van lijnen en kleuren kan worden geïnterpreteerd als een verwijzing naar muzikale toonladders. Op welke andere manieren vertonen je proces of je kunstwerken overeenkomsten met muzikale compositie?      

EG: Ik denk niet bewust aan muziek of muzikale compositie. Toch moet er iets in die analogie zitten, aangezien zoveel mensen die verbinding met muziek leggen. Ik luister vaak naar muziek wanneer ik werk en als kind heb ik piano leren spelen, dus dat kan het werk beïnvloeden. Op een bepaalde manier ben ik aan het “componeren” op een wijze die vergelijkbaar kan lijken met muzikale compositie, vooral in het proces van spelen met balken, lijnen en kleurvlakken. Die over het beeldvlak verplaatsen lijkt zo op noten en akkoorden die op verschillende plaatsen in een partituur staan. 

IA: Vertel wat over je proces, en dan specifiek over de relatie die je met collage hebt. Op welke manieren beïnvloedt het proces van papierlagen aanbrengen in je werk je anders dan het schilderproces? 

EG: Meestal is mijn schilderproces, of dat nu op papier of linnen is, heel direct. Doorgaans begin ik met het tekenen van lijnen, gevolgd door kleurwassingen en vervolgens vormelementen. Ik probeer mezelf te verrassen met een sterke, onverwachte vorm of een kleur die afwijkt van mijn gebruikelijke palet. Ik verplaats deze elementen en probeer een balans tussen kleur en vorm te vinden. Deze fase voelt als een voortdurende dans, waarin het formalisme even binnensluipt en ik me ertegen verzet. De beslissingen over het al dan niet opnemen van de resulterende gedurfde inbreuken vormen een soort dynamiek die me wekenlang bij een werk betrokken kan houden. De collagestukken beginnen met spelen met kleur, het inkleuren van randen met inkt en het tekenen van lijnen op Japans papier, waarna ik dit in stroken knip. Ik collagereer deze zorgvuldig op het doek of linnen, maar zonder vooraf bedachte compositie of structuur. Naarmate het werk zich ontwikkelt, begin ik het te analyseren en laat ik de redacteur weer de ruimte binnen om de kleur of vorm aan te passen totdat het werk goed aanvoelt.   

Uitgelichte afbeelding: Elizabeth Gourlay in haar atelier 

Door de redactie van IdeelArt

Bronnen

• Elizabeth Gourlay: colorist uit Connecticut, Two Coats of Paint: Onafhankelijk profiel dat haar basis in Connecticut, haar kleurgedreven praktijk en haar gebruik van collage, gouache en monotype ondersteunt.
• The Musical Painter: Paul Klee, The Sublime Blog: Achtergrond over Klees muzikale opvoeding en zijn geciteerde uitspraak over zijn hand als instrument van een verder verwijderde sfeer.
• Kandinsky, Concerning the Spiritual in Art (tekst van Wabash College): Gehoste tekst van Kandinsky’s boek, waarin kleur wordt vergeleken met een toetsenbord en de ziel met een instrument dat de kunstenaar bespeelt.