Elementen van Abstractie - Elizabeth Gourlay in een Interview

Elizabeth Gourlay beschouwt haar werk als een meditatie op vormen en kleuren, waarbij ze haar studio-praktijk soms vergelijkt met het proces van muziekcompositie. Met een mix van materialen variërend van olie tot grafiet tot collage, creëert Gourlay abstracte composities die verwijzen naar een esthetisch vocabulaire dat subliem in balans is tussen natuur en geometrie. Als inwoner van Chester, Connecticut, heeft Gourlay deze maand werk in vier groepsexposities, in New York, Connecticut en Massachusetts. IdeelArt had de kans om met haar te praten over haar praktijk, haar expositieagenda en haar nieuwe werk.

Elizabeth Gourlay Interview - Recente Tentoonstellingen en Activiteiten

IdeelArt: Je hebt een drukke maand! Deze maand ben je in vier groepstentoonstellingen in vier verschillende steden. Wanneer je je in een tijd als deze bevindt, waarin veel verschillende kijkers de kans krijgen om je werk te ontmoeten, maak je dan nog steeds tijd om actief in de studio te blijven of geef je de voorkeur aan de galerieën om met die kijkers te interageren en hun reactie op je werk op te nemen?

Elizabeth Gourlay: Dit is de eerste keer dat ik zoveel activiteit tegelijk heb. Het is opwindend, maar ik ben zo gewend om individuele shows mijn onverdeelde aandacht te geven, dat ik nu een opening moest missen om een andere bij te wonen. Maar zodra het kunstwerk is afgeleverd, wordt de tijd weer van mij. Hoewel ik extreem enthousiast ben om de studio in te gaan na zelfs een korte periode van activiteit die me wegneemt, geniet ik ook van de interactie die plaatsvindt in de galerie, het praten met medekunstenaars en vrienden tijdens openingen en andere galerie-evenementen. Abstracte kunst is een taal, en praten met kijkers, vooral kunstenaars en vrienden tijdens evenementen, bouwt een gevoel van veerkracht op in de nieuwe uitdrukkingen die we vinden.

IA: Je hebt deze maand shows in idyllische, landelijke locaties, zoals The Tremaine Gallery in Lakeville, CT, evenals in dichtbevolkte stedelijke centra, zoals 1285 Avenue of the Americas Gallery, in Midtown Manhattan. Op welke manieren hebben kijkers in dramatisch verschillende omgevingen anders gereageerd op jouw werk?

Bijvoorbeeld In beide gevallen waren de publieken visueel verfijnd en leken ze betrokken en positief. In New York City leken ze over het algemeen vocaler, stelden ze vragen en gaven ze sneller hun mening. Ik denk dat de kijkers in New York de neiging hadden om dichter bij de stukken te komen!

IA: Op welke manieren hebben gesprekken of andere soorten interacties met kijkers de richting van jouw praktijk beïnvloed?

Bijvoorbeeld Ik probeer me niet te laten beïnvloeden door de reacties van kijkers, hoewel, onvermijdelijk, als de reactie positief is ten opzichte van een nieuwe richting waar ik enthousiast over ben in het werk, dat me wel beïnvloedt om die weg verder te verkennen. Het is altijd interessant om de verschillen in mening te ervaren en hoe en waarom mensen zich tot verschillende werken aangetrokken voelen.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotype op papier. 40,6 x 38,1 cm.

Verleden en heden

IA: Hoe verschilt het werk dat je vandaag maakt van het werk dat je in het verleden hebt gemaakt? 

Bijvoorbeeld Mijn werk, vanaf ongeveer 1994, was zeer vaak rastergebaseerd en in een vierkant formaat. Het was opgebouwd in lagen van washes en getekende lijnen. Rond 2005 begon ik te experimenteren met veel gedurfde geometrische vormen en verzadigde kleuren. Sindsdien ben ik heen en weer gegaan tussen gedurfde, sterke vormen en kleuren en werk dat meer delicaat en gedempt is, af en toe de twee combinerend. De stukken beginnen vaak op een vergelijkbare manier, maar kunnen heel verschillend eindigen. Waarschijnlijk is de grootste verandering de vrijheid die ik mezelf toestaan in het proces van creëren.

IA: Je verwijst soms naar meditatie als je over je werk spreekt. Kun je uitleggen wat dat woord betekent in relatie tot je kunst? Beschouw je bijvoorbeeld het proces van het maken van het werk als meditatief? Beschouw je het eindproduct als een potentiële meditatieve tussenpersoon voor kijkers? 

Bijvoorbeeld Ik beschouw het proces als meditatief. Ik probeer niet te veel ideeën naar de studio te brengen, misschien een kleuridee of een vormidee. Terwijl ik begin te werken, laat ik het innerlijke oog, het onbewuste, reageren op het werk en me leiden om het ongrijpbare mentale element vast te leggen dat ver weg kan zijn en toch zo aanwezig. Gewoonlijk gebeurt mijn beste werk wanneer mijn denken ongehinderd is, wanneer ik in tune ben met het werk. Of ik nu direct teken of wanneer ik lagen aanbreng, ik geniet van de ervaring om het stuk te laten ontstaan. Ik kan het niet beter verwoorden dan Paul Klee die zei: “mijn hand is volledig het instrument van een meer verre sfeer.” Ik werk niet met de bedoeling iets te creëren voor de ervaring van een ander, maar ik sta open voor hun reactie en interpretatie. Ik heb mensen gehad die met het werk leven vaak zeggen dat het kijken naar het werk hen vrede, kalme vreugde geeft, of dat het stuk aardend is. Dus ik ben er zeker van dat het beschouwen van de voltooide stukken als meditatieve tussenpersonen heel geldig is, maar ik laat het aan degenen die met de stukken leven en degenen die experts zijn in geest en meditatie om de beste beoordeling te maken. Als een icoon, of meditatieve tussenpersoon, een object is dat kalme vreugde geeft, of een vrede die aardend is, dan wordt me vaak verteld dat mijn stukken die effecten hebben.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotype op papier. 38,1 x 40,6 cm.

Over het proces

IA: Wassily Kandinsky schreef over muziek en het vermogen om emotie op een abstract niveau te communiceren. Je maakt ook verbindingen tussen muziek en je werk. Een verbinding die je maakt is dat je visuele vocabulaire van lijnen en kleuren geïnterpreteerd kan worden als een verwijzing naar muzikale schalen. Wat zijn enkele andere manieren waarop je proces of je kunstwerken overeenkomsten vertonen met muzikale compositie?

Bijvoorbeeld: Ik denk niet bewust na over muziek of muzikale compositie. Toch is het aantal mensen dat die verbinding met muziek maakt zo groot, dat er wel iets moet zijn in de analogie. Ik luister vaak naar muziek als ik aan het werk ben en ik heb als kind leren piano spelen, dus dit kan de werkzaamheden beïnvloeden. Ik ben op een manier aan het "componeren" die misschien lijkt op muzikale compositie, vooral in het proces van spelen met staven, lijnen en blokken kleur. Ze rondschuiven op het beeldvlak is zo vergelijkbaar met het hebben van noten en akkoorden op verschillende plaatsen rond een partituur. 

IA: Praat een beetje over je proces, specifiek de relatie die je hebt met collage. Bijvoorbeeld, op welke manieren beïnvloedt het proces van het stapelen van papier in je werk je anders dan het proces van schilderen? 

Bijvoorbeeld: Meestal is mijn schilderproces, of het nu op papier of linnen is, heel direct. Typisch begin ik met het tekenen van lijnen, gevolgd door kleurwasbeurten, gevolgd door elementen van vorm. Ik probeer mezelf te verrassen met een sterke onverwachte vorm, of een kleur die afwijkt van mijn gebruikelijke palet. Ik verplaats deze elementen, probeer een balans te krijgen tussen kleur en vorm. Deze fase voelt als een voortdurende dans, waarin het formalisme even binnensluipt en waar ik ertegenin duw. De beslissingen over het al dan niet opnemen van de resulterende gedurfde indringingen is een soort dynamiek die me wekenlang betrokken kan houden bij een stuk. De collagestukken beginnen met het spelen met kleur, het bevlekken van randen met inkt en het tekenen van lijnen op Japans papier en deze vervolgens in stroken te snijden. Ik collagete deze zorgvuldig op het canvas of linnen, maar zonder een vooraf bedachte compositie of structuur in gedachten. Naarmate het stuk zich ontwikkelt, begin ik te analyseren om de redacteur weer de kamer in te laten, om kleur of vorm aan te passen totdat het stuk goed aanvoelt.   

Uitgelichte afbeelding: Elizabeth Gourlay in studio