Elles Font l’Abstraction - Een Interview met Pompidou Hoofdcurator Christine Macel

Centre Pompidou zal deze zomer geschiedenis schrijven met Elles font l’abstraction - de meest uitgebreide toelichting ooit op de bijdrage van vrouwelijke kunstenaars aan de ontwikkeling van abstracte kunst. Pompidou Hoofdcurator Christine Macel heeft meer dan 500 werken van 106 kunstenaars verzameld voor de tentoonstelling. Verre van alleen maar galeries te vullen met kunst, heeft Macel deze gelegenheid aangegrepen om te demonstreren wat de rol van een curator werkelijk is - curatoren schrijven, en op hun best corrigeren, kunstgeschiedenis. Tientallen van de kunstenaars die ze heeft geselecteerd zullen bekend zijn bij het publiek. Scores van anderen zullen volledig nieuw zijn, zelfs voor experts op het gebied. Dat komt omdat Macel en haar team het ongelooflijk zware werk hebben verricht om wereldwijde vrouwelijke stemmen te ontdekken en in de schijnwerpers te zetten die, ondanks hun genialiteit en invloed, zijn weggelaten uit de kunsthistorische canon. De tentoonstelling, die zich uitstrekt van 1860 tot de jaren 80, en de ondersteunende documentatie - inclusief schrijven, films en lezingen - zullen voor altijd onze kijk op de evolutie van abstractie als een plastische taal veranderen. Na mijn recente interview met Macel ben ik gaan geloven dat dit pas het begin is. Ons gesprek volgt hieronder.

Dank u voor het gesprek met ons, Christine, ik ben al een fan van uw werk sinds u de Venice Biennale in 2017 heeft gecureerd. Is Elles font l’abstraction de meest ambitieuze institutionele poging die u kent om de internationale bijdrage van vrouwelijke abstracte kunstenaars op de juiste manier te erkennen?

Ja, inderdaad. Daarom heb ik besloten dit onderzoek en deze tentoonstelling te maken. Er was duidelijk een proces van invisibilisering van vrouwelijke kunstenaars in de historiografie van abstractie.

Wat was het meest uitdagende aspect van het organiseren van deze tentoonstelling in het Centre Pompidou?

Het leenproces en de budgetkwesties, evenals de pandemiesituatie. Maar ik moet zeggen dat er een ongelooflijke steun was van de musea en particuliere verzamelaars over de hele wereld, evenals sponsors. Midden in de pandemie kon ik rekenen op de steun van Van Cleef en Arpels, de Luma Foundation, de Vrienden van het Pompidou, enzovoort, die beslissend waren voor de realisatie van dit project. Om nog maar te zwijgen van de samenwerking met het Guggenheim Bilbao, die cruciaal was voor deze tentoonstelling. Veel kunsthistorici en wetenschappers waren ook zeer ondersteunend. Allereerst Griselda Pollock, die een van de vele schrijvers van de catalogus is en onze eregast voor het symposium met de Aware-vereniging. De kunstenaars zelf waren ook zo enthousiast. Het was een grote energieboost! Ik had geweldige discussies met Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud en Jessica Stockholder, om er maar een paar te noemen.

Die vier kunstenaars hebben in het bijzonder zulke verschillende visuele talen. Het is verfrissend om de ongelooflijk brede waaier van visuele posities te zien die in deze tentoonstelling worden vertegenwoordigd.

Mijn verklaring is om de definitie van media die met abstractie te maken hebben te openen, volgens de standpunten van de kunstenaars zelf. Spiritualisme, dans, decoratieve kunsten, fotografie en film maken deel uit van deze historiografie. Ik wil ook benadrukken dat elke kunstenaar bijzonder en origineel is.

Huguette Caland - Bribes de corps, 1973. Met dank aan de familie Caland. Foto Elon Schoenholz, Met dank aan de familie Caland.

Wat zou je zeggen dat de toon is die je hoopt te zetten met deze tentoonstelling?

Een explosie van vreugde en plezier; een bewondering en respect voor al deze artiesten; een bewustzijn van het lange pad dat voor ons ligt om deze geschiedenis echt te verdiepen.

Zoveel kunstenaars in deze show hebben nooit de juiste bewondering en respect ontvangen. Blijft het een vervreemdende ervaring om vandaag de dag een vrouwelijke abstracte kunstenaar te zijn?

Nee, vandaag zijn we niet in een situatie van vervreemding, maar van openheid, van ontdekking en herontdekking. De deur staat grotendeels open, en veel musea, kunsthistorici en jonge onderzoekers werken aan een andere toekomst.

Je had ongetwijfeld veel meer artiesten in deze tentoonstelling kunnen opnemen. Hoe heb je je keuzes beperkt?

Het is zo'n complex proces dat ik het niet in enkele woorden kan beschrijven. Beschikbaarheid van de werken, transportkosten, ruimteproblemen, enz. maken ook deel uit van het eindresultaat. Maar ik heb een groot deel gerealiseerd van wat ik wilde maken.

Georgiana Houghton - Album van Spirituele Kunst, 1866-84. Afbeelding met dank aan The College of Psychic Studies, Londen

Was je bang om iemand cruciaals te omzeilen?

Het is minder een angst dan een bepaalde droefheid, een spijt, soms, om gedwongen te worden een keuze te maken. Weglating is altijd een onderdeel van het werk, aangezien geschiedenis altijd een gedeeltelijk verhaal is. Dit bewustzijn van de onmogelijkheid van een totaal verhaal is iets dat centraal staat in onderzoek in het algemeen. Kunstgeschiedenis is altijd onvoltooid en herschreven. Niets definitiefs, alleen een voorstel.

Je was 8 jaar oud toen je voor het eerst het Centre Pompidou bezocht. Hoe zou je perceptie tijdens het opgroeien anders zijn geweest als Elles font l’abstraction de tentoonstelling was geweest die tijdens dat bezoek te zien was?

Het zou een totaal andere benadering zijn geweest. Het kostte tijd om te beseffen hoe de kunstgeschiedenis werd gedomineerd door mannelijke kunsthistorici en kunstenaars. Ik herinner me duidelijk de kunstenaars die ik ontdekte toen ik als kind naar het Pompidou ging: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, allemaal mannen! Maar als adolescent was ik erg geïnteresseerd in vrouwelijke schrijvers: Anaïs Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Ik herinner me ook dat ik Shere Hite las, die op dezelfde plank als Freud in de openbare bibliotheek stond! Daarom besloot ik misschien als student mijn scriptie over Rebecca Horn te schrijven en al haar films van het Duits naar het Frans te vertalen.

Om de vraag die je in 2017 stelde als directeur van de Visuele Kunsten Sector van de Biënnale van Venetië opnieuw te formuleren: Wat betekent het om vandaag de dag een vrouwelijke abstracte kunstenaar te zijn?

Eigenlijk zou het zijn van een kunstenaar "tout court" de juiste positie moeten zijn. We zijn nu over het essentialisme heen, hopelijk. Ik heb mezelf nooit als een "vrouwelijke curator" beschouwd. Zoals ik altijd zei, heeft niemand Okwui Enwezor ooit gevraagd of hij een vader was of getrouwd tijdens zijn interviews als directeur van de Biënnale van Venetië. Ik vond het erg vervelend om altijd over mijn geslacht en de zogenaamde situatie als "vrouw" te worden gevraagd, in plaats van over mijn werk. We hebben opnieuw veel onderzoek en tentoonstellingen nodig om dit punt voor "vrouwelijke kunstenaars" te bereiken. Maar de deur staat nu wijd open en er zal geen stap terug worden gedaan dankzij de jongere generatie kunststudenten.

Joan Mitchell - Mephisto, 1958. © Erfenis van Joan Mitchell © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Dus je hele carrière heb je een completer verhaal van de geschiedenis verteld. Maar abstractie gaat niet zozeer om het vertellen van verhalen, maar om het uitdagen van perceptie. Geeft het verschijnen van deze show op dit moment aan dat je gelooft dat onze generatie moet terugkeren naar meer esoterische bezigheden?

Nee, dat zou ik niet zeggen. Maar op het moment dat mensen leven met virtualiteit en beelden, in een parallelle wereld, voornamelijk figuurlijk, voel ik dat de aanwezigheid van abstracte kunst ons naar een andere sfeer leidt. Het vertelt ons iets dat zowel verankerd is in onze cognitieve als spirituele dimensies. Je kunt heel precies voelen wat een abstract werk je vertelt, of het bijvoorbeeld materialistisch of transcendent is, of het grappig of haptisch is, zonder woorden. Het is een beetje zoals muziek. De waarneming is genoeg om de punten te begrijpen, en zelfs te voelen wie de kunstenaar erachter is. In een moment waarin kunst soms te veel belast is met uitleg en parallelle discoursen, hou ik ervan om bij werken te zijn die "zelf spreken".

Onze dank gaat uit naar Christine Macel voor het genereus toestaan van dit interview aan IdeelArt. Elles font l’abstraction is te zien van 5 mei - 23 augustus 2021 in het Centre Pompidou in Parijs.

Uitgelichte afbeelding: Hilma Af Klint - De Zwaan, Nr. 16, Groep IX/SUW, 1915. Met dank aan de Hilma af Klint Stichting. Foto: Moderna Museet, Stockholm
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Interview door Phillip Barcio