Elles Font l’Abstraction - Een Interview met Pompidou Hoofdcurator Christine Macel

Centre Pompidou zal deze zomer geschiedenis schrijven met Elles font l’abstraction - de meest uitgebreide toelichting ooit over de bijdrage van vrouwelijke kunstenaars aan de ontwikkeling van de abstracte kunst. Hoofdconservator van Pompidou, Christine Macel, stelde meer dan 500 werken van 106 kunstenaars samen voor de tentoonstelling. Verre van alleen maar zalen vullen met kunst, greep Macel deze kans aan om te laten zien wat de rol van een conservator werkelijk is - conservatoren schrijven, en corrigeren op hun best, de kunstgeschiedenis. Tientallen van de door haar geselecteerde kunstenaars zullen het publiek bekend zijn. Velen anderen zullen zelfs voor experts op het gebied geheel nieuw zijn. Dat komt omdat Macel en haar team het ongelooflijk zware werk hebben verricht om wereldwijde vrouwelijke stemmen te ontdekken en in de schijnwerpers te zetten die, ondanks hun genialiteit en invloed, zijn weggelaten uit het kunsthistorische canon. De tentoonstelling en de ondersteunende documentatie - waaronder teksten, films en lezingen - bestrijken de periode van 1860 tot de jaren 80 en zullen ons begrip van de evolutie van abstractie als plastische taal voor altijd veranderen. Na mijn recente interview met Macel ben ik gaan geloven dat dit nog maar het begin is. Ons gesprek volgt hieronder.

Dank u dat u met ons wilde spreken, Christine, ik ben een fan van uw werk sinds u de Biënnale van Venetië in 2017 samenstelde. Is Elles font l’abstraction de meest ambitieuze institutionele poging die u kent om de internationale bijdrage van vrouwelijke abstracte kunstenaars op passende wijze te erkennen?

Ja, inderdaad. Daarom besloot ik dit onderzoek en deze tentoonstelling te maken. Er was duidelijk een proces van onzichtbaar maken van vrouwelijke kunstenaars in de geschiedschrijving van abstractie.

Wat was het meest uitdagende deel bij het tot stand brengen van deze tentoonstelling in Centre Pompidou?

Het uitleenproces en de budgettaire kwesties, evenals de pandemie. Maar ik moet zeggen dat er ongelooflijke steun was van musea en particuliere verzamelaars over de hele wereld, evenals van sponsors. Midden in de pandemie kon ik rekenen op de steun van Van Cleef and Arpels, Luma Foundation, de Vrienden van het Pompidou, enzovoort, die doorslaggevend waren om dit project te realiseren. Om nog maar te zwijgen van de samenwerking met het Guggenheim Bilbao, die cruciaal was voor deze tentoonstelling. Veel kunsthistorici en wetenschappers waren ook zeer ondersteunend. Allereerst Griselda Pollock, die een van de vele schrijvers van de catalogus is en onze eregast voor het symposium met de Aware-vereniging. Ook de kunstenaars zelf waren erg enthousiast. Het was een grote energieboost! Ik had geweldige gesprekken met Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud en Jessica Stockholder, om er maar een paar te noemen.

Die vier kunstenaars hebben stuk voor stuk zulke verschillende beeldtalen. Het is verfrissend om het ongelooflijk brede scala aan visuele posities in deze tentoonstelling te zien.

Mijn stelling is om de definitie van de media die door abstractie worden aangeraakt te openen, volgend op de posities van de kunstenaars zelf. Spiritualisme, dans, decoratieve kunsten, fotografie en film maken deel uit van deze geschiedschrijving. Ik wil ook benadrukken dat elke kunstenaar bijzonder en origineel is.

Huguette Caland - Bribes de corps, 1973. Met dank aan de familie Caland. Foto Elon Schoenholz, met dank aan de familie Caland

Wat zou u zeggen is de toon die u met deze tentoonstelling wilt zetten?

Een explosie van vreugde en genoegen; bewondering en respect voor al deze kunstenaars; een bewustzijn van het lange pad dat voor ons ligt om deze geschiedenis echt te verdiepen.

Zoveel kunstenaars in deze tentoonstelling hebben nooit de juiste bewondering en het juiste respect ontvangen. Is het vandaag de dag nog steeds een vervreemdende ervaring om een vrouwelijke abstracte kunstenaar te zijn?

Nee, tegenwoordig bevinden we ons niet in een situatie van vervreemding maar van openheid, van ontdekking en herontdekking. De deur staat wijd open, en veel musea, kunsthistorici en jonge wetenschappers werken aan een andere toekomst.

U had ongetwijfeld veel meer kunstenaars in deze tentoonstelling kunnen opnemen. Hoe heeft u uw keuzes beperkt?

Het is zo’n complex proces dat ik het niet in een paar woorden kan beschrijven. Beschikbaarheid van de werken, transportkosten, ruimteproblemen, enzovoort, maken ook deel uit van het eindresultaat. Maar ik heb een groot deel van wat ik wilde maken gerealiseerd.

Georgiana Houghton - Album of Spirit Art, 1866-84. Afbeelding met dank aan The College of Psychic Studies, Londen

Was u bang iemand cruciaals over het hoofd te zien?

Het is minder een angst dan een zekere droefheid, soms spijt, om te moeten kiezen. Weglating hoort altijd bij het werk, want geschiedenis is altijd een gedeeltelijk verhaal. Dit besef van de onmogelijkheid van een totaal verhaal ligt aan de basis van onderzoek in het algemeen. Kunstgeschiedenis is altijd onaf en wordt steeds herschreven. Niets definitiefs, slechts een voorstel.

U was 8 jaar oud toen u voor het eerst Centre Pompidou bezocht. Hoe zou uw beleving anders zijn geweest als Elles font l’abstraction toen de tentoonstelling was?

Het zou een totaal andere benadering zijn geweest. Het heeft tijd gekost om te beseffen hoe kunstgeschiedenis werd gedomineerd door mannelijke kunsthistorici en kunstenaars. Ik herinner me duidelijk de kunstenaars die ik ontdekte toen ik als kind naar het Pompidou ging: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, allemaal mannen! Maar als tiener was ik erg geïnteresseerd in vrouwelijke schrijvers: Anais Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Ik herinner me ook dat ik Shere Hite las, die in de openbare bibliotheek op dezelfde plank stond als Freud! Misschien is dat de reden dat ik als student besloot mijn scriptie te schrijven over Rebecca Horn en al haar films uit het Duits in het Frans te vertalen.

Om de vraag die u in 2017 stelde als directeur van de sector Beeldende Kunsten van de Biënnale van Venetië te herformuleren: wat betekent het om vandaag een vrouwelijke abstracte kunstenaar te zijn?

Eigenlijk zou de juiste positie zijn om gewoon kunstenaar te zijn. We zijn hopelijk voorbij het essentialisme. Ik heb mezelf nooit gezien als een “vrouwelijke conservator.” Zoals ik altijd zei, heeft niemand Okwui Enwezor ooit gevraagd of hij vader was of getrouwd tijdens zijn interviews als directeur van de Biënnale van Venetië. Ik vond het erg vervelend om altijd naar mijn geslacht en zogenaamde situatie als “vrouw” gevraagd te worden, in plaats van naar mijn werk. We hebben nog veel onderzoek en tentoonstellingen nodig om dit punt ook voor “vrouwelijke kunstenaars” te bereiken. Maar de deur staat nu wijd open en er zal geen stap terug zijn dankzij de jongere generatie kunststudenten.

Joan Mitchell - Mephisto, 1958. © Nalatenschap Joan Mitchell © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

U vertelt uw hele carrière lang een completer verhaal van de geschiedenis. Maar abstractie gaat niet zozeer over verhalen vertellen als wel over het uitdagen van de waarneming. Betekent het verschijnen van deze tentoonstelling op dit moment dat u gelooft dat onze generatie moet terugkeren naar meer esoterische bezigheden?

Nee, dat zou ik niet zeggen. Maar op het moment dat mensen leven met virtualiteit en beelden, in een parallelle wereld, meestal figuratief, voel ik dat de aanwezigheid van abstracte kunst ons naar een andere sfeer leidt. Het vertelt ons iets dat zowel verankerd is in onze cognitieve als spirituele dimensies. Je kunt heel precies voelen wat een abstract werk je vertelt, of het nu materialistisch of transcendent is bijvoorbeeld, of het grappig of tastbaar is, zonder woorden. Het is een beetje als muziek. De waarneming is genoeg om de punten te begrijpen, en zelfs om te voelen wie de kunstenaar erachter is. In een tijd waarin kunst soms te veel wordt beladen met uitleg en parallelle discoursen, houd ik ervan om bij werken te zijn die “voor zichzelf spreken”.

Onze dank aan Christine Macel voor het gulle interview met IdeelArt. Elles font l’abstraction is te zien van 5 mei tot 23 augustus 2021 in Centre Pompidou in Parijs.

Afbeelding uitgelicht: Hilma Af Klint - De Zwaan, nr. 16, Groep IX/SUW, 1915. Met dank aan de Hilma af Klint Stichting. Foto: Moderna Museet, Stockholm
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Interview door Phillip Barcio