Gagosian Parijs Verzamelt Kunstenaars Die Kunst Blanc sur Blanc Creëren

Een tentoonstelling in Gagosian Parijs getiteld Blanc sur Blanc (Wit op Wit) heeft opnieuw de tijdloze discussie over de geldigheid van volledig witte kunst aangewakkerd. Dit gesprek gaat minstens terug tot 1918, toen de Russische kunstenaar Kazimir Malevich, de oprichter van het Suprematisme, zijn schilderij “White on White” debuteerde—een afbeelding van een gekanteld wit vierkant op een witte achtergrond. Malevich was al berucht vanwege het schilderij “Black Square” dat hij drie jaar eerder onthulde in The Last Futurist Exhibition 0,10. Echter, “White Square” tilde de verontwaardiging naar een hoger niveau door niet alleen de waarde van het onderwerp in de kunst uit te dagen, maar ook de waarde van de kleur. In de nasleep van Malevich hebben talloze andere kunstenaars volledig witte kunstwerken gemaakt: van de minimalistische “White Painting (Three Panel)” (1951) van Robert Rauschenberg (die zei “een doek is nooit leeg”); tot de brute, quasi-figuratieve volledig witte sculpturen van Cy Twombly; tot de spaarzame, post-atomische gloed van “Untitled (Electric Light)” (2019), een witte lichtsculptuur van Mary Corse. Kunstverzamelaars geloven sterk in de culturele en financiële waarde van volledig witte kunst, zoals blijkt uit ten minste twee recente veilingresultaten: “Bridge” (1980), een volledig wit schilderij van Robert Ryman dat in 2015 bij Christie’s voor meer dan $20 miljoen (VS) werd verkocht, en “21 Feuilles Blanches” (1953), een volledig witte mobiel van Alexander Calder die in 2018 $17,9 miljoen (VS) opbracht (meer dan twee keer de hoge schatting). Toch kan witte kunst voor mensen buiten het kunstveld frustrerend zijn. Misschien is de genialiteit van de huidige Gagosian-tentoonstelling dat het het publiek niet gewoon een enkel volledig wit kunstwerk toont, noch een selectie van volledig witte werken van een enkele kunstenaar. In plaats daarvan brengt het werken van 27 kunstenaars samen, die een breed scala aan tijdperken, stromingen, media, intenties en persoonlijke achtergronden beslaan. Het zien van zoveel witte kunstwerken op één plek op één moment onthult de genuanceerde waarheid die zoveel haters niet willen toegeven: er bestaat echt zoiets als gewoon wit.

Wit als een Manifest

Onder de werken die te zien zijn in Blanc sur Blanc bevindt zich een volledig witte doorgesneden canvas van de Italiaanse kunstenaar Lucio Fontana. In het persmateriaal voor de tentoonstelling verwijst Gagosian naar een essay dat Fontana in 1946 publiceerde, getiteld het Manifesto Blanco (Wit Manifest). Hoewel het een beetje klagerig is, kan dit essay enige begeleiding bieden voor kijkers die twijfelen aan de waarde van monochrome schilderkunst. In tegenstelling tot wat de titel suggereert, noemt het Wit Manifest echter nooit daadwerkelijk de kleur wit. In plaats daarvan spreekt het over de noodzaak van een nieuwe kunst, "vrij van alle esthetische kunstgrepen." Voor Fontana was de puurheid van de kleur wit symbolisch voor dit nieuwe startpunt. Het Wit Manifest roept kunstenaars op om zich te concentreren op "kleur, het element van ruimte; geluid, het element van tijd; en beweging, die zich ontwikkelt in tijd en ruimte," een strategie waarvan Fontana volhardt dat deze zal resulteren in werk dat "dichter bij de natuur komt dan ooit tevoren in de geschiedenis van de kunst."

Installatiezicht. Kunstwerk, van links naar rechts: © Foundation Lucio Fontana, Milaan / door SIAE / ADAGP, Parijs, 2020; © Cy Twombly Foundation; © Imi Knoebel / ADAGP, Parijs, 2020. Foto: Thomas Lannes

De begrippen die in het Witte Manifest zijn uitgedrukt, vormden de basis van het Spatialisme, de beweging die Fontana het jaar daarop oprichtte. Gedurende twee decennia verduidelijkte Fontana de kern elementen van het Spatialisme door middel van twee baanbrekende series werken. De eerste was zijn "Omgevingen"-serie—15 lichtsculpturen die nu worden beschouwd als de eerste voorbeelden van installatiekunst. Elke "Omgeving" was in wezen een op maat gemaakte kamer verlicht door een enkele kleur licht. Of het nu wit, zwart, rood, blauw, groen of wat dan ook was, Fontana vond dat de samensmelting van een enkele kleur met een anders lege ruimte de essentie van zijn ideeën belichaamde. De tweede serie werken die Fontana maakte om de concepten van Spatialisme te illustreren, was zijn nu-iconische serie van doorgesneden doeken—monochrome oppervlakken doorgesneden met een mes. De sneden waren echter niet simpelweg uitdrukkingen van drama. Ze creëerden letterlijke ingangen naar een wereld van beweging, kleur en ruimte. Elke snede trekt de kijker in een actieve rol, ons naar binnen trekkend door een glimp te onthullen van de ruimte achter het schilderij. Door dat nog nooit eerder gebruikte deel van het schilderij een sleutelaspect van het onderwerp te maken, concocteerde Fontana iets kinetisch en mysterieus. Terugkijkend op zijn "Omgevingen" is het duidelijk te zien hoe deze doorgesneden doeken dezelfde ideeën uitdrukten, maar dan op een andere schaal.

Jean Arp - De vriend van de pink, 1963. Gips, 4 x 9 1/2 x 5 1/8 inch (10 x 24 x 13 cm). © ADAGP, Parijs, 2020

De Verbreding van Perspectief

Net als de doeken met sneden van Fontana, is elk van de werken die te zien zijn in Blanc sur Blanc complexer dan het op het eerste gezicht lijkt. Drie garen sculpturen van Sheila Hicks illustreren hoe fragiel het idee van pure kleur werkelijk is, terwijl textuur en massa chaos veroorzaken met het licht. Een sculptuur van Rachel Whiteread lijkt aanvankelijk op een willekeurige verzameling witte bouwmaterialen die tegen een muur zijn geleund, maar transformeert het in een scène van visuele en emotionele helderheid. Dit soort materiaalaccumulaties in de ruimte zijn een alomtegenwoordig onderdeel van de dagelijkse stedelijke omgeving geworden, maar in dit geval toont Whiteread niet alleen de inherente esthetische aanwezigheid van haar materialen aan, ze breidt ook ons begrip van de definitie van kleur uit.

Installatiezicht. Kunstwerk, van links naar rechts: © Enrico Castellani / ADAGP, Parijs, 2020; © Atelier Sheila Hicks. Foto: Thomas Lannes

Uiteindelijk is dat misschien waar witte op witte kunst altijd om is gegaan: het verbreden van perspectieven. Zijn we in staat om naar iets zo eenvoudigs, zo minimalistisch en zo direct te kijken zonder ons beledigd te voelen, alsof de kunstenaar ons gewoon uitdaagt om het te gemakkelijk te noemen? Zijn we in staat om de magie van witte op witte kunst te erkennen op dezelfde manier als we de eenvoudige klank van een gong, de genuanceerde flikkering van een kaars of de zachte kieteling van een veer omarmen? Kan iets zo subtiel krachtige emotie dragen? Deze vraag is al vele malen gesteld, en het zal niet eindigen met deze huidige tentoonstelling, omdat er altijd kunstenaars zullen zijn die weten dat er niets eenvoudigs is aan wit op wit, en die zich altijd gedwongen zullen voelen om terug te keren naar het als het nulpunt van kunst.

Uitgelichte afbeelding: Installatiezicht. Kunstwerk, van links naar rechts: Archieven Simon Hantai / ADAGP, Parijs; © Rachel Whiteread. Foto: Thomas Lannes
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio