Het Snijden van het Canvas - Het Verhaal van Lucio Fontana

Abstracte kunst roept vragen op, geen antwoorden. Het nodigt dus uit tot aanval. Niet iedereen houdt van vragen. Mensen verlangen vaak van kunst alleen naar comfort en schoonheid. Maar veel abstracte kunstenaars zijn niet zozeer decorateurs of troosters, maar eerder filosoof-wetenschappers: mensen die de ervaring en interpretatie van het universum zoeken, niet alleen het op te leuken. Lucio Fontana was zo'n kunstenaar. Als de grondlegger van een revolutionaire techniek genaamd Spazialismo, of Spatialisme, was Fontana diep bezorgd over de praktische manieren om kunst te maken die de mysterieuze eigenschappen van ruimte confronteerden. Hij was nieuwsgierig naar hoe vormen ruimte bewoonden, hoe ze ruimte konden bevatten, en hoe door massa te elimineren ruimte kon worden gecreëerd. Hij was bijzonder gefascineerd door hoe een gat in een vorm een leegte kon creëren waardoor de ervaring van ruimte kon worden uitgebreid. Maar Spazialismo was niet alleen beperkt tot dergelijke academische vragen. Zoals Fontana in 1967 zei, verwijzend naar het feit dat mensen toen routinematig met raketten de ruimte in reisden: “Nu is er in de ruimte geen meting meer. Nu zie je de oneindigheid…hier is de leegte, de mens is tot niets gereduceerd…En ook mijn kunst is volledig gebaseerd op deze puurheid, op deze filosofie van niets, dat geen destructief niets is, maar een creatief niets.”

Lucio Fontana en Multidisciplinaire Kunst

Het is een historische vergissing dat Lucio Fontana voornamelijk als schilder wordt aangeduid. Hij was opgeleid als beeldhouwer. Hij werd in 1899 in Argentinië geboren, als zoon van een beeldhouwer die Lucio de basis van zijn ambacht leerde. Na tientallen jaren naast zijn vader te hebben gewerkt, verhuisde Lucio in 1927 naar Milaan en schreef zich in als beeldhouwstudent aan de Accademia di Brera. Hij had zijn eerste beeldhouwtentoonstelling op 31-jarige leeftijd in een galerie in Milaan. Zichzelf beschouwend als een abstracte beeldhouwer, sloot hij zich in 1935 aan bij de kunstenaarsvereniging Abstraction-Création, en in de jaren veertig keerde hij terug naar Argentinië waar hij beeldhouwen doceerde en doorging met het maken van driedimensionale werken.

In waarheid werkte Fontana tot 1948 bijna uitsluitend in het medium van sculptuur. En zelfs toen hij begon objecten te maken die op schilderijen leken, stond hij erop dat het geen schilderijen waren, maar eerder "een nieuwe zaak in sculptuur." Maar zelfs dan, als we trouw zouden blijven aan Fontana's volledige bedoelingen als kunstenaar, zouden we hem ook geen beeldhouwer noemen. We zouden hem gewoon een kunstenaar noemen, en misschien een ontdekkingsreiziger van ruimte.

Lucio Fontana - Figura allo specchio. Keramiek. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

Het Witte Manifest

In 1946 had Fontana de beslissing genomen dat de definities van sculptuur en schilderkunst niet langer voldoende waren om de theoretische aard van zijn werk te accommoderen. Hij leidde een groep kunstenaars en studenten in de creatie van wat hij het Witte Manifest noemde, het eerste van verschillende documenten die Fontana zou helpen schrijven en waarvan hij hoopte dat ze de behoefte aan een nieuwe benadering van kunst zouden adresseren. Het Witte Manifest vestigde de aandacht op de noodzaak dat kunst in lijn moest zijn met andere intellectuele bezigheden van die tijd. Het wees erop dat recente wetenschappelijke en filosofische ontwikkelingen gericht waren op het idee van synthese, dat verschillende ideeën gecombineerd moesten worden om een verenigd standpunt te vormen.

Fontana pleitte voor een vergelijkbare "synthetische" benadering van de creatie van kunst, een benadering die zou synthetiseren wat hij de "traditionele 'statische' kunstvormen" noemde om een complete methode van esthetische expressie te creëren die zou "de dynamische principes van beweging door tijd en ruimte zou omvatten." Met de ideeën die in het Witte Manifest zijn uitgedrukt, heeft Fontana in wezen multidisciplinaire kunst uitgevonden: het perspectief dat een kunstenaar in alle media zou moeten kunnen werken, met gebruik van de methode die het beste past bij een bepaald idee.

Lucio Fontana - Ruimtelijke omgeving, verlicht. © Lucio Fontana

Avonturen in de ruimte

Eerder in zijn carrière was Fontana bekritiseerd voor het schilderen van zijn abstracte sculpturale vormen in felle, schijnbaar willekeurige kleuren. Hij antwoordde dat hij probeerde kleur te gebruiken om de werken te verbinden met hun omgeving, om de ruimte tussen object en kijker te overbruggen. Hij bleef deze zorg gedurende zijn carrière aanpakken. Hij wilde dat ruimte zelf zich manifesteerde als vorm en het onderwerp van zijn kunst werd. Maar hij kon niet vaststellen hoe dat bereikt kon worden. Zoals hij ooit in zijn dagboek schreef: “geen vorm is ruimtelijk.”

Lucio Fontana - Ruimtelijk Concept, 1949. © Lucio Fontana

Maar in 1949 maakte Fontana doorbraken die hem dichter bij zijn doel brachten. De eerste manifesteerde zich als een werk genaamd Ruimtelijke Omgeving. Voor deze baanbrekende inspanning verduisterde Fontana een kamer waarvan de muren zwart waren geschilderd en hing hij abstracte papier-maché vormen in neonkleuren van het plafond, die gloeiden wanneer ze werden belicht met ultraviolet licht. Hij transformeerde de tentoonstellingsruimte in een deel van het kunstwerk, waardoor hij een werk creëerde dat meer dan een decennium vóór de installatiekunst en de Light and Space Movement kwam, maar veel van hun concepten belichaamde. Maar het onderwerp van het werk was nog steeds niet ruimte, aangezien de focus op de ervaring van de kijker lag op de gloeiende sculpturale vormen.

Lucio Fontana - Ruimtelijk Concept, 1950. Acryl op doek. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Ruimtelijke concepten

Fontana's volgende doorbraak nam zijn werk in de volkomen tegenovergestelde richting. In plaats van een hele kamer in lege ruimte te transformeren en deze vervolgens met een object te vullen, besloot hij een object te nemen en dit te gebruiken als toegangspunt tot de ruimte. Hij spande canvas op spannerstokken alsof hij een traditionele schilderij wilde maken, en prikte vervolgens gaten door het canvas met een mes voordat hij een monochrome laag verf aanbracht.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, met toegevoegde glazen kralen en stenen. © Lucio Fontana

Hoewel het technisch gezien een schilderij was, fungeerden de gaten als leegtes in de vorm die toegang boden tot de ruimte achter het canvas. Dit eenvoudige gebaar transformeerde het schilderij in een sculptuur. Maar hoewel dit op zich revolutionair was en een demonstratie van zijn ideeën over multidisciplinaire kunst, voelde hij nog steeds dat het geen vorm uit ruimte creëerde. Dus experimenteerde Fontana met verschillende uitdrukkingen van de algemene gedachte. Hij prikte gaten op een manier die cirkels, driehoeken en andere vormen op het oppervlak creëerde. Hij voegde ook stenen, glas en kristallen toe aan sommige doeken, waardoor het oppervlak naar buiten in de ruimte werd verlengd en tegelijkertijd de ruimte daarachter werd geopend.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Een enkele streep

In de jaren vijftig had Fontana een openbaring. Hij begon zijn doeken te snijden, werken die hij Tagli noemde, of sneden. Hij ontwikkelde dit idee geleidelijk totdat hij in 1959 aankwam bij wat hij beschouwde als de ultieme manifestatie van de expressie: een enkele snede door een anderszins monochromatisch doek. Het was met dit gebaar dat hij zijn doel bereikte om vorm uit ruimte te creëren, en hij zei in 1968: “Mijn ontdekking was het gat en dat is het. Ik ben blij om naar het graf te gaan na zo'n ontdekking.”

Fontana gaf al zijn gesneden objecten dezelfde naam: Concetto Spaziale, of Ruimteconcept. Toen hij eindelijk de eenvoud en elegantie van de lange sneden ontdekte, gaf hij die schilderijen de aanvullende ondertitel attesa. In het Italiaans betekent attesa wachten, of hoopvolle verwachting. Zoals duidelijk is, was Fontana niet alleen geïnteresseerd in hoe mensen ruimte waarnamen en conceiveerden. Hij was geïnteresseerd in hoe mensen zichzelf waarnamen en conceiveerden. Door het gebruik van een leegte manifesteerde hij niet alleen vorm uit ruimte, hij manifesteerde ook iets anders, iets zowel abstract als concreet: de hoopvolle verwachtingen van wat er ligt te wachten achter een kunstwerk.

Uitgelichte afbeelding: Lucio Fontana - Corrida, 1948. Geschilderde keramiek. © Lucio Fontana
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio