Hoe Analytische Kubisme Pure Abstractie Voorspelde

Wat lijken op tegenovergestelde krachten in de wereld, vullen elkaar eigenlijk aan. Zo was het aan het begin van de 20e eeuw tussen twee belangrijke, gelijktijdige trends in de wereld van de kunst: analytische kubisme en pure abstractie. Aan de ene kant waren er de kunstenaars geassocieerd met analytische kubisme, beroemde namen zoals Pablo Picasso en Georges Braque, genieën die zich toelegden op het ontdekken van een conceptueel hyper-realistische manier van kunst maken. Aan de andere kant waren er de kunstenaars geassocieerd met pure abstractie; mensen zoals Wassily Kandinsky, die zich toelegden op het ontdekken van een volledig niet-representatieve kunst. Hoewel schijnbaar diametraal tegenovergesteld, waren deze twee verschillende benaderingen van kunst maken onlosmakelijk met elkaar verbonden. Door de objectieve realiteit uit elkaar te halen om deze vollediger te presenteren, hielpen de analytische kubisten de pure abstractie haar stem te vinden.

Wat was analytische kubisme?

Wanneer kunstcritici en kunsthistorici het hebben over analytisch kubisme, verwijzen ze naar een tendens in de schilderkunst die ontstond tussen 1908 en 1912. Voor die tijd werden schilderijen gezien als ofwel tweedimensionaal (als ze geen diepte hadden) ofwel driedimensionaal (als ze een gevoel van diepte kregen door technieken zoals schaduwen). Gedurende die tijd voerde een kleine groep kunstenaars, geleid door Pablo Picasso en Georges Braque, revolutionaire esthetische experimenten uit die bedoeld waren om de schilderkunst naar de vierde dimensie te brengen.

De oude manieren van schilderen waren afhankelijk van een kunstenaar die vanuit één perspectief werkte. Hoewel dat geschikt was om een momentopname van een onderwerp te tonen, bereikte het niet wat Picasso beschouwde als werkelijkheid, die werd waargenomen vanuit meerdere perspectieven tegelijk. Om een gevoel van beweging en het verstrijken van de tijd (de 4e dimensie) te bereiken, gaven Picasso en zijn collega Braque het gebruik van het enkele perspectief op. Hun argument was dat we in het echte leven objecten vanuit een veelheid van verschillende perspectieven waarnemen. We zien iets vanuit verschillende gezichtspunten op verschillende tijden van de dag in verschillende verlichting, soms bewegend en soms stilstaand. Hun experimenten trachtten hun onderwerp op deze meer realistische manier te tonen, vanuit een veelheid van verschillende gezichtspunten tegelijkertijd.

Pablo Picasso - Portret van Ambroise Vollard, 1910, Olieverf op doek. 93 x 66 cm, Pushkin Staatsmuseum voor Schone Kunsten, Moskou, © 2017 Erfenis van Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Gelijktijdigheid

Hun woord voor dit type schilderij met meerdere perspectieven was simultaneïteit. Ze schilderden stukjes van hun onderwerp vanuit verschillende gezichtspunten en in verschillende belichtingen en op verschillende tijdstippen van de dag en combineerden die stukjes op een enkel vlak, waarbij ze alle verschillende gezichtspunten tegelijk toonden en zonder speciale voorkeur voor een van hen. Om dit effect te versterken, hielden ze hun kleurenpalet eenvoudig en vermeden ze schaduwen of enige andere techniek die diepte aan het beeld zou toevoegen. Het resultaat was een afgevlakt, multi-view beeld dat schijnbaar was samengesteld uit vereenvoudigde geometrische vormen.

Voor een casual waarnemer kan een analytisch kubistisch schilderij abstract lijken. Maar werkelijk analytisch kubisme was geen abstractie; het was eerder een vorm van verhoogd realisme. Het resultaat van de experimenten van Picasso en Braque was, in hun ogen, een realistischere weergave van hun onderwerp, althans vanuit een conceptueel standpunt, zo niet letterlijk. Een van de vroegste voorbeelden van wat we nu analytisch kubisme noemen, is Picasso's Portret van Ambroise Vollard, geschilderd in 1909. Hierin kunnen we duidelijk zien dat het onderwerp bedoeld is om representatief te zijn, terwijl de verschillende gezichtspunten, verschillende belichting en verschillende vlakken ons een gevoel van beweging en simultaneïteit geven dat ons begrip van de aanwezigheid van het onderwerp vergroot.

Wassily Kandinsky - De Koe, 1910, Olieverf op doek, 95,5 cm x 105 cm

Ondertussen in München

In hetzelfde jaar dat Picasso zijn Portret van Ambroise Vollard in Parijs schilderde, was Wassily Kandinsky, de kunstenaar die binnenkort gecrediteerd zou worden met de uitvinding van pure abstractie, in Duitsland bezig met zijn eigen esthetische experimenten. Kandinsky werkte ook met het idee van vlakheid en vereenvoudiging van de esthetische woordenschat, maar om andere redenen dan Picasso en Braque. Kandinsky was op een missie om volledig abstracte schilderijen te creëren. Hij geloofde dat, net als bij instrumentale muziek, visuele kunst de capaciteit kon hebben om diepere emoties en misschien een gevoel van spiritualiteit te communiceren door op een puur abstract niveau te communiceren.

Kandinsky's experimenten waren een uitbreiding en culminatie van vele verschillende stromingen die sinds het midden van de 19e eeuw in de kunst plaatsvonden. Hij was bezig met het ontleden van schilderkunst in zijn essentiële elementen, zoals kleur, lijn en vorm, en leerde wat elk van die elementen op zichzelf zou kunnen communiceren. Hij geloofde dat deze elementen vergeleken konden worden met verschillende muzikale noten, toonsoorten of tempi in de zin van het effect dat ze op de menselijke psyche konden hebben. Een voorbeeld van Kandinsky's werk uit deze tijd is zijn schilderij The Cow, dat, hoewel duidelijk representatief, een afvlakking van ruimte en een radicale deconstructie van de esthetische elementen van het beeld bereikt.

Wassily Kandinsky - Ongeveer (Eerste Abstracte Aquarel), 1910, Aquarel en Indische inkt en potlood op papier, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Parijs, Frankrijk

Werelden combineren

Dus in Frankrijk waren Picasso en Braque hun beelden aan het vervlakken en hun esthetische vocabulaire aan het reduceren, zodat ze hun onderwerp op een vereenvoudigde manier vanuit meerdere verschillende gezichtspunten effectief konden weergeven. En in Duitsland streefde Kandinsky ook naar vlakheid en tweedimensionaliteit, en vereenvoudigde hij ook zijn beelden, maar om een andere reden. In plaats van geometrische vormen te gebruiken om het begrip van een kijker over het onderwerp van een schilderij te verbeteren, wilden Kandinsky en anderen met zijn denkwijze verkennen welke betekenissen kunnen worden afgeleid uit geometrische vormen als ze onafhankelijk van representatieve onderwerpen worden gebruikt.

Iemand die zich niet bewust was van het doel van de verschillende experimenten van de kunstenaars, zou een van hun schilderijen kunnen zien en met een heel ander concept weggaan dan datgene wat eigenlijk bedoeld was. Maar deze twee verschillende denkrichtingen waren desondanks behoorlijk tegenovergesteld in hun intentie. In hetzelfde jaar dat hij De Koe schilderde, had Kandinsky een doorbraak. Hij combineerde zijn eigen theorieën over instinct, spiritualiteit en kleur met de analytische kubisten theorieën over vlakheid en geometrische vereenvoudiging en creëerde wat de meeste historici nu beschouwen als het eerste puur abstracte schilderij: Untitled (First Abstract Watercolor).

Jean Metzinger - Theetijd, 1911, Olie op karton, 75,9 x 70,2 cm, Philadelphia Museum of Art, De Louise en Walter Arensberg Collectie, 1950, Philadelphia

Meerdere Gelijktijdige Simultaneïteiten

Het is vandaag grappig om je de ophef voor te stellen die veroorzaakt werd door Kandinsky's Untitled (First Abstract Watercolor) en de analytische kubistische schilderijen van Picasso en Braque, en het gevoel dat zoveel schilders moeten hebben gehad dat ze een keuze moesten maken. In de volgende paar jaar namen een aantal andere schilders de analytische kubisme over, en samen met Picasso en Braque bleven ze de vierde dimensie in hun werken verkennen. In sommige gevallen werden hun schilderijen steeds meer vereenvoudigd, wat een duidelijke visie demonstreert van precies waar analytische kubisme om draaide. Bijvoorbeeld, de schilder Jean Metzinger's Tea Time, dat wordt beschouwd als een bijzonder direct, misschien wel vrij voor de hand liggend voorbeeld van de intentie van analytische kubisme. Het demonstreert simultaneïteit effectief terwijl het vertrouwt op een beperkt aantal verschillende perspectieven.

Andere analytische kubisten maakten werk dat de andere kant opging, steeds dichter en complexer werd, waardoor het steeds moeilijker werd om het onderwerp te onderscheiden. Een voorbeeld is Pablo Picasso’s Accordeonist, geschilderd in 1911. Hoewel Picasso niet de bedoeling had dat dit een abstract schilderij zou zijn, begrijpen veel kijkers tot op de dag van vandaag dit werk verkeerd en beschouwen het als abstract, simpelweg omdat het moeilijk is om te zien wat er wordt weergegeven; vooral gezien het feit dat zoveel andere schilders op hetzelfde moment opzettelijk probeerden abstract werk te maken.

Pablo Picasso Accordeonist, 1911, Olieverf op doek, 130,2 x 89,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Erfenis van Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Maakt Intentie Echt Uit?

Het is vaak opgemerkt dat wanneer je een gedicht leest, het effect verandert als je de dichter persoonlijk kent. Hetzelfde kan gemakkelijk gezegd worden over een schilderij, of een muziekstuk, of misschien elk kunstwerk. Hoewel de analytische kubisten niet de bedoeling hadden bij te dragen aan de opkomst van puur abstracte kunst, had de casual kijker die hen niet persoonlijk kende, en die niets wist van de theorie achter hun werk, ongetwijfeld reacties op het werk die geen correlatie hadden met de bedoelingen van de kunstenaars.

Of het nu hun bedoeling was of niet, de analytische kubisten hielpen de pure abstractisten door het publiek, inclusief critici en historici, voor te bereiden op het accepteren van experimenten met structuur en perspectief. Hun werk leek niet-representatief, hoewel het desondanks onderwerp bevatte, dus naast wat de analytische kubisten bedoelden dat kijkers zouden voelen, voelden ze ook andere dingen, op een onbewust niveau. Die bijdrage van het helpen van kijkers om onbewuste emotionele reacties op schijnbaar niet-representatieve beelden te contextualiseren, was de meest vitale bijdrage die de analytische kubisme heeft geleverd aan de evolutie van pure abstractie.

Ja, analytisch kubisme en pure abstractie waren tegenovergestelde krachten wat betreft intentie. Maar door het picturale vlak uit te dagen en het gevoel van representatieve realiteit van het publiek te vervormen, vulde analytisch kubisme de pure abstractie aan en hielp het om acceptatie in het publieke domein te krijgen. Hoewel schijnbaar tegenstrijdig, droegen deze twee radicaal verschillende manieren van benaderen van kunst veel bij aan elkaars succes.

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio