Hoe Analytische Kubisme Pure Abstractie Voorspelde

Wat op het eerste gezicht tegengestelde krachten in de wereld lijken, vullen elkaar in werkelijkheid aan. Zo was het ook aan het begin van de 20e eeuw tussen twee grote, gelijktijdige stromingen in de kunstwereld: analytisch kubisme en pure abstractie. Aan de ene kant stonden de kunstenaars die verbonden waren aan analytisch kubisme, beroemde namen zoals Pablo Picasso en Georges Braque, genieën die zich toelegden op het ontdekken van een conceptueel hyperrealistische manier van kunst maken. Aan de andere kant stonden de kunstenaars die verbonden waren aan pure abstractie; mensen zoals Wassily Kandinsky, die zich toelegden op het ontdekken van een volledig niet-voorstellende kunst. Hoewel ze schijnbaar diametraal tegenover elkaar stonden, waren deze twee verschillende benaderingen van kunst maken onlosmakelijk met elkaar verbonden. Door de objectieve werkelijkheid uiteen te rafelen om die vollediger te presenteren, hielpen de analytische kubisten de pure abstractie haar stem te vinden.

Wat Was Analytisch Kubisme?

Wanneer kunstcritici en kunsthistorici spreken over analytisch kubisme, verwijzen ze naar een tendens in de schilderkunst die ontstond tussen 1908 en 1912. Daarvoor werden schilderijen gezien als ofwel tweedimensionaal (als ze diepte misten) of driedimensionaal (als ze een gevoel van diepte kregen door technieken zoals schaduwwerking). In die tijd voerde een kleine groep kunstenaars onder leiding van Pablo Picasso en Georges Braque revolutionaire esthetische experimenten uit die bedoeld waren om de schilderkunst naar de vierde dimensie te brengen.

De oude schilderwijzen vertrouwden op een kunstenaar die vanuit één enkel gezichtspunt werkte. Hoewel dat geschikt was om een momentopname van een onderwerp te tonen, bereikte het niet wat Picasso als werkelijkheid beschouwde, namelijk het waarnemen vanuit meerdere gezichtspunten tegelijk. Om een gevoel van beweging en het verstrijken van tijd (de 4e dimensie) te bereiken, lieten Picasso en zijn collega Braque het gebruik van het enkelvoudige perspectief los. Hun redenering was dat we in het echte leven objecten vanuit een veelheid aan verschillende gezichtspunten waarnemen. We zien iets vanuit verschillende standpunten op verschillende tijden van de dag bij verschillend licht, soms bewegend en soms stilstaand. Hun experimenten probeerden hun onderwerp op deze meer realistische manier te tonen, vanuit een veelheid aan verschillende gezichtspunten tegelijk.

Pablo Picasso - Portret van Ambroise Vollard, 1910, Olie op doek. 93 x 66 cm, Pushkin Staatsmuseum voor Schone Kunsten, Moskou, © 2017 Nalatenschap van Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Gelijktijdigheid

Hun woord voor dit type schilderen met meerdere gezichtspunten was gelijktijdigheid. Ze schilderden stukjes van hun onderwerp vanuit verschillende gezichtspunten en bij verschillend licht en op verschillende tijden van de dag en combineerden die stukjes vervolgens op één vlak, waarbij ze alle verschillende gezichtspunten tegelijk toonden zonder een van hen voorrang te geven. Om dit effect te versterken, hielden ze hun kleurenpalet eenvoudig en vermeden ze schaduwwerking of andere technieken die diepte aan het beeld zouden toevoegen. Het resultaat was een afgevlakt, meerzichtbeeld dat leek te bestaan uit vereenvoudigde geometrische vormen.

Voor een toevallige toeschouwer zou een analytisch kubistisch schilderij abstract kunnen lijken. Maar echt analytisch kubisme was geen abstractie; het was eerder een vorm van versterkte realiteit. Het resultaat van de experimenten van Picasso en Braque was, in hun ogen, een realistischer weergave van hun onderwerp, althans vanuit een conceptueel standpunt, zo niet letterlijk. Een van de vroegste voorbeelden van wat we nu analytisch kubisme noemen, is Picasso’s Portret van Ambroise Vollard, geschilderd in 1909. Hierin is duidelijk te zien dat het onderwerp bedoeld is als voorstelling, terwijl de verschillende gezichtspunten, verschillend licht en verschillende vlakken ons een gevoel van beweging en gelijktijdigheid geven die ons begrip van de aanwezigheid van het onderwerp versterken.

Wassily Kandinsky - De Koe, 1910, Olie op doek, 95,5 cm x 105 cm

Ondertussen in München

In hetzelfde jaar dat Picasso zijn Portret van Ambroise Vollard in Parijs schilderde, was Wassily Kandinsky, de kunstenaar die spoedig de uitvinder van pure abstractie genoemd zou worden, in Duitsland bezig met zijn eigen esthetische experimenten. Kandinsky werkte ook met het idee van vlakheid en vereenvoudiging van het esthetische vocabulaire, maar om andere redenen dan Picasso en Braque. Kandinsky had als missie om volledig abstracte schilderijen te maken. Hij geloofde dat, net als bij instrumentale muziek, beeldende kunst de capaciteit kon hebben om diepere emoties en misschien een gevoel van spiritualiteit over te brengen door op een puur abstract niveau te communiceren.

Kandinsky’s experimenten waren een voortzetting en hoogtepunt van vele verschillende stromingen die sinds het midden van de 19e eeuw in de kunst plaatsvonden. Hij brak de schilderkunst af tot haar essentiële elementen, zoals kleur, lijn en vorm, en onderzocht wat elk van die elementen op zichzelf kon communiceren. Hij geloofde dat deze elementen vergeleken konden worden met verschillende muzikale noten, toonsoorten of tempi in de zin van het effect dat ze op de menselijke geest konden hebben. Een voorbeeld van Kandinsky’s werk uit deze tijd is zijn schilderij De Koe, dat, hoewel duidelijk voorstellend, een afvlakking van de ruimte en een radicale ontleding van de esthetische elementen van het beeld bereikt.

Wassily Kandinsky - Ongetiteld (Eerste Abstracte Aquarel), 1910, Aquarel en Indiase inkt en potlood op papier, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Parijs, Frankrijk

Werelden Vloeien Samen

Dus in Frankrijk waren Picasso en Braque hun beelden aan het afvlakken en hun esthetische vocabulaire aan het beperken, zodat ze hun onderwerp op een vereenvoudigde manier vanuit meerdere verschillende gezichtspunten konden weergeven. En in Duitsland streefde Kandinsky ook naar vlakheid en tweedimensionaliteit, en vereenvoudigde ook zijn beelden, maar om een andere reden. In plaats van geometrische vormen te gebruiken om het begrip van een toeschouwer van het onderwerp van een schilderij te versterken, onderzochten Kandinsky en anderen met zijn denkwijze welke betekenissen uit geometrische vormen gehaald konden worden als ze onafhankelijk van voorstellende onderwerpen werden gebruikt.

Iemand die zich niet bewust was van het doel van de verschillende experimenten van de kunstenaars zou een van hun schilderijen kunnen zien en met een heel ander begrip weglopen dan wat eigenlijk bedoeld was. Maar deze twee verschillende denkrichtingen waren desalniettemin behoorlijk tegengesteld in hun bedoeling. In hetzelfde jaar dat hij De Koe schilderde, had Kandinsky een doorbraak. Hij combineerde zijn eigen theorieën over instinct, spiritualiteit en kleur met de theorieën van de analytische kubisten over vlakheid en geometrische vereenvoudiging en maakte wat de meeste historici nu beschouwen als het eerste puur abstracte schilderij: Ongetiteld (Eerste Abstracte Aquarel).

Jean Metzinger - Theetijd, 1911, Olie op karton, 75,9 x 70,2 cm, Philadelphia Museum of Art, The Louise and Walter Arensberg Collectie, 1950, Philadelphia

Meervoudige Gelijktijdige Gelijktijdigheden

Het is tegenwoordig grappig om je voor te stellen welke opschudding Kandinsky’s Ongetiteld (Eerste Abstracte Aquarel) en de analytisch kubistische schilderijen van Picasso en Braque veroorzaakten, en het gevoel dat zoveel schilders moeten hebben gehad dat ze partij moesten kiezen. In de jaren daarna namen vele andere schilders het analytisch kubisme over en verkenden samen met Picasso en Braque de vierde dimensie in hun werk. In sommige gevallen werden hun schilderijen steeds eenvoudiger, wat een duidelijke visie liet zien van wat analytisch kubisme precies inhield. Bijvoorbeeld het schilderij Theetijd van Jean Metzinger, dat wordt beschouwd als een bijzonder direct, misschien wel tamelijk duidelijk voorbeeld van de bedoeling van analytisch kubisme. Het toont gelijktijdigheid effectief terwijl het steunt op een beperkt aantal verschillende gezichtspunten.

Andere analytische kubisten maakten werk dat de andere kant op ging, steeds dichter en complexer werd, waardoor het steeds moeilijker werd om het onderwerp te herkennen. Een voorbeeld is Pablo Picasso’s Accordeonist, geschilderd in 1911. Hoewel Picasso niet de bedoeling had dat dit een abstract schilderij zou zijn, begrijpen veel kijkers dit werk tot op de dag van vandaag verkeerd en beschouwen het als abstract, simpelweg omdat het moeilijk is te zien wat er wordt afgebeeld; vooral gezien het feit dat zoveel andere schilders tegelijkertijd bewust abstract werk probeerden te maken.

Pablo Picasso Accordeonist, 1911, Olie op doek, 130,2 x 89,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Nalatenschap van Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Maakt Intentie Echt Uit?

Het is vaak opgemerkt dat wanneer je een gedicht leest, het effect verandert als je de dichter persoonlijk kent. Hetzelfde kan gemakkelijk gezegd worden over een schilderij, of een muziekstuk, of misschien elk kunstwerk. Hoewel de analytische kubisten niet de bedoeling hadden bij te dragen aan de opkomst van puur abstracte kunst, had de toevallige kijker die hen niet persoonlijk kende en niets wist van de theorie achter hun werk, ongetwijfeld reacties op het werk die geen verband hielden met de bedoelingen van de kunstenaars.

Of het nu hun bedoeling was of niet, de analytische kubisten hielpen de pure abstracten door het publiek, inclusief critici en historici, voor te bereiden op experimenten met structuur en perspectief. Hun werk leek niet-voorstellend, hoewel het toch onderwerp bevatte, dus naast wat de analytische kubisten wilden dat kijkers voelden, voelden zij ook andere dingen, op een onderbewust niveau. Die bijdrage, het helpen van kijkers om onderbewuste emotionele reacties op schijnbaar niet-voorstellende beelden te plaatsen, was de belangrijkste bijdrage die analytisch kubisme leverde aan de ontwikkeling van pure abstractie.

Ja, analytisch kubisme en pure abstractie waren tegengestelde krachten qua bedoeling. Maar door het picturale vlak uit te dagen en het publiek’s gevoel van voorstellende werkelijkheid te vervormen, vulde analytisch kubisme pure abstractie aan en hielp het aanvaard te worden in het publieke domein. Hoewel schijnbaar tegengesteld, droegen deze twee radicaal verschillende manieren van kunst benaderen veel bij aan elkaars succes.

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio