Hedendaagse Traditie Maken - Jeffrey Gibson

Onlangs had ik een zeldzame ervaring terwijl ik naar het werk van Jeffrey Gibson keek. Iets aan het werk opende een deur voor mij. Het stelde me bloot aan een grotere en interessantere relatie met fysieke ruimte. Zie je, ik bezoek veel kunsttentoonstellingen. En ik heb meestal hetzelfde soort relatie met elke tentoonstelling die ik bezoek. Je kunt waarschijnlijk raden wat voor soort relatie dat is, aan de manier waarop ik er nu over praat. Die wordt bepaald door het feit dat ik me gescheiden voel van de kunst en de ruimte die het inneemt. Ik zie mezelf, de kunst, de tentoonstelling en de ruimte als vier afzonderlijke dingen, zonder een inherente verbinding. Ik ga een ruimte binnen waar kunst wordt tentoongesteld, ik kijk naar de kunst, ik denk na over wat ik zie, en later, na verloop van tijd, kan het werk op verschillende manieren bij me resoneren of niet. Natuurlijk zijn er gevallen geweest waarin het werk me deed beseffen dat ik het niet zo moest zien, zoals bij een James Turrell Skyspace, waarin de ruimte zelf de kunst is. Maar meestal zie ik kunsttentoonstellingen bijna altijd gewoon als gelegenheden om ergens heen te gaan en iets te bekijken. Wat er echter gebeurde met het werk van James Gibson, is dat het een ander soort relatie uit mij losmaakte. Het was niet bereid de beperking te accepteren van slechts dingen in een ruimte die bekeken en bedacht worden. Door de kracht van zijn aanwezigheid liet het me weten dat ik het geheel niet zag. Het deed me beseffen dat kunst niet alleen ruimte inneemt: ruimte en kunst bewonen elkaar. En wanneer een persoon die relatie aangaat, vindt er een gebeurtenis plaats waarbij alle drie—de kunst, de ruimte en de persoon—gelijke samenwerkers worden. Ik heb het niet over iets spiritueels of metafysisch. Ik zeg dat op dezelfde manier als een persoon die een militair uniform aantrekt “een soldaat wordt”, of een persoon die een ambtskleding aantrekt “een geestelijke wordt”, wanneer een ruimte een kunsttentoonstelling organiseert, het iets nieuws wordt, iets meer. En wanneer wij die relatie met dat nieuwe iets aangaan—de combinatie van kunst en ruimte—bewonen wij het op dezelfde manier als een priester een ambtskleding of een soldaat een uniform draagt. Wij blazen er leven in. Wij geven het kracht en zijn privileges. Het is meer dan het anders zou zijn geweest door onze aanwezigheid. En het is aan ons om te laten zien wat dat betekent.

Powwows en Raves

Jeffrey Gibson werd geboren in Colorado in 1972. Zijn familie-erfgoed is Indiaans, deels Cherokee en deels Choctaw. Door het beroep van zijn vader reisde Gibson als jongeman, en woonde hij op verschillende momenten in Zuid-Korea, Duitsland, Engeland en diverse plaatsen in de Verenigde Staten. De mix van culturele invloeden was soms verhelderend voor hem, en op andere momenten frustrerend. Een goed voorbeeld is zijn liefde voor muziek en dans. Als jongeman werd hij ingewijd in de Indiaanse traditie van de powwow, een sociale bijeenkomst waarbij muziek wordt gespeeld en levendige kostuums tot leven worden gebracht door dansers. En als tiener in Azië en Europa kon hij diezelfde geest in zijn leven brengen door met zijn vrienden naar clubs te gaan om naar muziek te luisteren en te dansen. Maar toen hij op zijn zestiende terugkeerde naar de Verenigde Staten, werd hij geconfronteerd met een cultuur waarin hij te jong was om bars en clubs binnen te komen. Het was een subtiele, maar alomtegenwoordige culturele eigenaardigheid. Hij voelde zich aangetrokken tot muziek en dans, maar had weinig mogelijkheden om dat gevoel op een sociaal aanvaardbare manier te uiten.

Een uitlaatklep die hij vond was de underground rave-scene, die hij in veel opzichten dezelfde geest vond hebben als de powwow: het was sociaal, het draaide om muziek, en de scene moedigde individuen aan hun persoonlijkheid te uiten door versiering en kostuums, en om aandacht te trekken door middel van dans. Na het afronden van de middelbare school behaalde hij in 1995 zijn BFA aan het Art Institute of Chicago. Daarna, nadat hij was toegelaten tot het Master of Fine Art-programma aan het Royal College of Art in Londen, hoorde hij van zijn stamhoofd dat de Mississippi Band of Choctaw Indians bereid was zijn collegegeld te betalen. Gibson zei in een interview met ARTnews in 2007: “Mijn stamhoofd vond dat mijn aanwezigheid daar, als sterke kunstenaar, hem sterker maakte.” Het werk dat Gibson sinds het behalen van zijn MFA in 1998 en zijn terugkeer naar de Verenigde Staten maakt, wordt gevormd door die brede en diverse reeks culturele ervaringen die zijn jeugd vulden, vooral een gevoel van zijn vele gemeenschappen, en een aantrekkingskracht tot de erfenis van powwows en raves: ruimtes die tot leven komen wanneer ze worden bewoond door mensen en kunst.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Gemengde technieken, Foto: Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Strijden tegen Generalisaties

Het werk dat Gibson maakt omvat vele middelen en vormen, maar drukt een verenigende esthetische taal uit. Die taal wordt gedomineerd door levendige, pure kleuren, scherp afgebakende geometrische vormen en optische patronen. De beelden roepen onmiddellijk zowel modernistische abstractie als Indiaanse esthetiek op. Wat zo effectief is aan deze combinatie, is dat het meteen opent wat beide esthetische posities potentieel kunnen bieden. Modernistische abstracte kunst gebruikt vormen en patronen op een zelfrefererende manier, waarbij driehoeken gewoon driehoeken zijn, en niets meer, en waarbij kijkers worden gevraagd kleurrelaties op zichzelf te waarderen zonder te zoeken naar een gecodeerde, onderliggende betekenis. Maar de Indiaanse traditie is van nature gecodeerd. Een driehoek is nooit slechts een driehoek. Het symboliseert iets: misschien iets persoonlijks, misschien iets cultureels, misschien iets poëtisch. Maar hoe dan ook, het heeft betekenis voor iemand. Door de dubbele tradities waaruit deze stukken voortkomen, zijn we vrij om ze open te interpreteren, waarbij we onze eigen tradities, codes en verwachtingen toevoegen aan het geheel.

Een van de meest iconische reeksen die Gibson tot nu toe heeft gemaakt, is een serie bokszakken versierd met kleurrijk kralenwerk. Hij kwam voor het eerst in aanraking met bokszakken toen zijn therapeut hem voorstelde een personal trainer in te huren om hem te helpen met de woede die hij voelde als jonge kunstenaar die zijn stem en weg probeerde te vinden in de hedendaagse kunstwereld. De vorm van de zak is op zichzelf symbolisch. Het impliceert weerstand, isolatie en overdracht van energie. Bokszakken bewegen en zwaaien. Ze geven toe aan druk, maar keren ook altijd terug naar hun oorspronkelijke positie. Ze zijn zacht en hard tegelijk. Gibson creëert beelden op hen met behulp van materialen zoals kralen en stromende stoffen, die spreken tot het vooropgezette begrip dat hedendaagse mensen hebben van Indiaanse kunst. Soms plaatst hij ook tekst in de composities, wat uitnodigt tot diepere overdenking van de beelden en vormen. De bokszakken zijn bedekt met de visuele taal van de kunstgeschiedenis, evenals de gecodeerde taal van culturele verhalen en de materiële taal van generalisatie. Ze spreken over de strijd die we allemaal ervaren terwijl we proberen te ontdekken wat we gaan worden.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acryl en grafiet op doek, 31 × 27 inch, 78,7 × 68,6 cm (links) en Village, 2017, Acryl en grafiet op doek, 31 × 27 inch, 78,7 × 68,6 cm (rechts), foto’s: De Buck Gallery

Vormen Bewonen

Wat mij het meest direct beïnvloedt als ik het werk van Jeffrey Gibson overdenk, zijn zijn kostuums. Hij maakt vloeiende, kleurrijke, uitbundige kostuums en plaatst die op houten constructies. Ik stel me meteen voor er een aan te trekken. Ik denk na over de manieren waarop het kostuum mij zou veranderen als ik het droeg. Dan denk ik aan de manier waarop ik het zou veranderen. Samen zouden we iets worden dat expressiever is dan wij beiden afzonderlijk zijn. De vormen, kleuren en patronen op het kostuum zouden een nieuwe betekenis krijgen in combinatie met de bewegingen van mijn lichaam. Het kunstvoorwerp en ik zouden samensmelten tot een levende vorm van communicatie.

Iets aan de manier waarop deze kostuums het samensmelten van kunst, ruimte en het menselijk lichaam illustreren, heeft mij nieuwe inzichten gegeven—niet alleen in deze kunstwerken, maar in alle kunstwerken. De tentoonstellingsruimte is een drager van beelden en voorwerpen, net als deze kostuums. Ik betreed die, net zoals ik een kostuum aantrek. Terwijl ik de tentoonstelling bewoon en me erin beweeg, worden de beelden en voorwerpen op de oppervlakken tot leven gebracht door mijn beweging. Misschien klinkt het sentimenteel, maar ik voel niet langer dat ik slechts een man ben die naar kunstshows gaat om kunst te bekijken. Nu besef ik dat elke ruimte waar kunst wordt getoond, is als een van deze kostuums die Jeffrey Gibson maakt. Het wacht op ons, wacht op onze adem en lichamen zodat wij het kunnen vullen, tot leven kunnen brengen, en elkaar meer betekenis kunnen schenken dan wij ooit alleen hadden kunnen hebben.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016 18 × 11 1/2 × 13 inch, 45,7 × 29,2 × 33 cm (links) en I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 inch, 47 × 38,1 × 35,6 cm (rechts), foto’s: Roberts & Tilton, Culver City

Uitgelichte afbeelding: Jeffrey Gibson - Infinite Sampling, 2010, Potlood, aquarel, acrylverf, tape, draad, archiefpigmentafdrukken, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 inch, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt

Door Phillip Barcio