Hedendaagse Traditie Maken - Jeffrey Gibson

Ik had onlangs een zeldzame ervaring terwijl ik naar het werk van Jeffrey Gibson keek. Iets aan het werk opende een deur voor mij. Het stelde me bloot aan een grotere en interessantere relatie met fysieke ruimte. Zie je, ik woon veel kunsttentoonstellingen bij. En ik heb de neiging om dezelfde algemene soort relatie te hebben met elke tentoonstelling die ik bijwoon. Je kunt waarschijnlijk raden wat voor soort relatie dat is op basis van hoe ik er nu over praat. Het wordt gedefinieerd door het feit dat ik me gescheiden voel van de kunst en de ruimte die het bewoont. Ik zie mezelf, de kunst, de tentoonstelling en de ruimte als vier aparte dingen, zonder inherente verbinding. Ik ga een ruimte binnen waar kunst wordt tentoongesteld, ik kijk naar de kunst, ik denk na over wat ik aan het bekijken ben, en later, naarmate de tijd verstrijkt, kan het werk op verschillende manieren wel of niet met me resoneren. Natuurlijk zijn er enkele gevallen geweest waarin het werk me heeft doen beseffen dat ik het niet op die manier moest zien, zoals bij een James Turrell Skyspace, waarin de ruimte de kunst is. Maar over het algemeen zie ik kunsttentoonstellingen bijna altijd gewoon als kansen om ergens heen te gaan en naar iets te kijken. Wat er echter met het werk van James Gibson gebeurde, is dat het een andere soort relatie uit mij naar boven haalde. Het was niet bereid om de beperking te accepteren van alleen maar dingen in een ruimte die bekeken en over nagedacht worden. Door de kracht van zijn aanwezigheid liet het me weten dat ik het geheel niet zag. Het deed me beseffen dat kunst niet alleen ruimte bezet: ruimte en kunst bewonen elkaar. En wanneer een persoon in die relatie komt, vindt er een gebeurtenis plaats waarin alle drie—de kunst, de ruimte en de persoon—gelijke samenwerkers worden. Ik heb het niet over iets spiritueels of metafysisch. Ik zeg dat op dezelfde manier als een persoon die een militaire uniform aantrekt "een soldaat wordt", of een persoon die een gewaad aantrekt "een minister wordt", wanneer een ruimte een kunsttentoonstelling organiseert, "wordt" het iets nieuws, iets meer. En wanneer we een relatie aangaan met dit nieuwe ding—deze combinatie van kunst en ruimte—bewonen we het op dezelfde manier als een priester een gewaad of een soldaat een uniform bewoont. We blazen leven in het. We geven het kracht en zijn privileges. Het is meer dan het anders zou zijn geweest vanwege onze aanwezigheid. En het is aan ons om te demonstreren wat het betekent.

Powwows en raves

Jeffrey Gibson werd geboren in Colorado in 1972. Zijn familie-erfgoed is Native American, deels Cherokee en deels Choctaw. Vanwege het werk van zijn vader reisde Gibson als jonge man en woonde hij op verschillende momenten in Zuid-Korea, Duitsland, Engeland en verschillende locaties in de Verenigde Staten. De mix van culturele invloeden was soms verhelderend voor hem en soms frustrerend. Een goed voorbeeld is zijn liefde voor muziek en dans. Als jonge man werd hij geïnitieerd in de Native American traditie van de powwow, een sociale bijeenkomst waarin muziek wordt gespeeld en levendige kostuums tot leven worden gebracht door dansers. En als tiener in Azië en Europa kon hij diezelfde geest in zijn leven brengen door met zijn vrienden naar clubs te gaan om naar muziek te luisteren en te dansen. Maar toen hij op 16-jarige leeftijd terugkwam naar de Verenigde Staten, werd hij in een cultuur geduwd waarin hij te jong was om bars en clubs binnen te gaan. Het was een subtiele, maar alomtegenwoordige culturele eigenaardigheid. Hij werd aangetrokken tot muziek en dans, maar had weinig manieren om dat gevoel op een sociaal aanvaardbare manier te uiten.

Een uitlaatklep die hij vond, was de underground rave-scene, die hij in veel opzichten dezelfde geest vond hebben als de powwow: het was sociaal, het was opgebouwd rond muziek, en de scene moedigde individuen aan om hun persoonlijkheid te manifesteren door middel van versieringen en kostuums, en om aandacht op zichzelf te vestigen door middel van dans. Na het afstuderen van de middelbare school behaalde hij in 1995 zijn BFA aan het Art Institute of Chicago. Daarna, na toegelaten te zijn tot het Masters of Fine Art-programma aan het Royal College of Art in Londen, ontdekte hij van zijn Chief dat de Mississippi Band of Choctaw Indians bereid was zijn collegegeld voor hem te betalen. Gibson zei in een interview met ARTnews in 2007: “Mijn chief vond dat ik daarheen ging, als een sterke kunstenaar, hem sterker maakte.” Het werk dat Gibson heeft gemaakt sinds hij in 1998 zijn MFA behaalde en terugkeerde naar de Verenigde Staten, is geïnformeerd door die enorme en diverse reeks culturele ervaringen die zijn opvoeding vulden, vooral een gevoel van zijn vele gemeenschappen, en een aantrekkingskracht tot de erfenis van powwows en raves: ruimtes die tot leven komen wanneer ze worden bewoond door mensen en kunst.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Mixed Media, Photo Credit Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Generalizaties Bestrijden

Het werk dat Gibson maakt, omvat vele media en vormen, maar brengt een verenigende esthetische taal over. Die taal wordt gedomineerd door levendige, pure kleuren, scherp omlijnde geometrische vormen en optische patronen. De beelden roepen onmiddellijk zowel modernistische abstractie als inheemse Amerikaanse esthetiek op. Wat zo effectief is aan deze combinatie, is dat het onmiddellijk opent wat beide esthetische posities potentieel te bieden hebben. Modernistische abstracte kunst maakt gebruik van vormen en patronen op een zelfreferentiële manier, waarbij driehoeken driehoeken worden genoemd, en niets meer, en vraagt kijkers om kleurrelaties op hun eigen merites te waarderen zonder te zoeken naar enige vorm van gecodeerde, onderliggende betekenis. Maar de inheemse Amerikaanse traditie is van nature gecodeerd. Een driehoek is nooit alleen maar een driehoek. Het symboliseert iets: misschien iets persoonlijks, misschien iets cultureels, misschien iets poëtisch. Maar hoe dan ook, het heeft een betekenis voor iemand. Vanwege de dubbele tradities waaruit deze stukken voortkomen, zijn we vrij om ze openlijk te interpreteren, waarbij we onze eigen tradities, codes en verwachtingen in de mix toevoegen.

Een van de meest iconische werken die Gibson tot nu toe heeft gecreëerd, is een serie bokszakken versierd met kleurrijke kralenwerk. Hij kwam voor het eerst in aanraking met bokszakken toen zijn therapeut voorstelde een personal trainer in te huren om hem te helpen met de woede die hij voelde als jonge kunstenaar die zijn stem en zijn weg in de hedendaagse kunstwereld probeerde te vinden. De vorm van de zak is op zichzelf symbolisch. Het impliceert weerstand, isolatie en de overdracht van energie. Bokszakken bewegen en zwaaien. Ze geven toe aan druk, maar keren ook altijd terug naar hun oorspronkelijke positie. Ze zijn tegelijkertijd zacht en hard. Gibson creëert beelden op hen met behulp van media zoals kralen en stromende textiel, die spreken tot het vooropgezette begrip dat hedendaagse mensen hebben van Native American kunst. Soms voegt hij ook tekst toe aan de composities, wat uitnodigt tot diepere contemplatie van de beelden en de vorm. De bokszakken zijn bedekt met de visuele taal van de kunstgeschiedenis, evenals de gecodeerde taal van culturele verhalen en de materiële taal van generalisatie. Ze spreken over de strijd die we allemaal ervaren terwijl we proberen uit te vinden wat we gaan worden.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Left) and Village, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Right), photo credits De Buck Gallery

Bewonende vormen

Wat mij het meest beïnvloedt als ik het werk van Jeffrey Gibson overweeg, zijn zijn kostuums. Hij creëert vloeiende, kleurrijke, uitgebreide kostuums en plaatst ze op houten structuren. Ik stel me onmiddellijk voor om er een aan te trekken. Ik denk na over de manieren waarop het kostuum mij zou transformeren als ik het droeg. Dan denk ik na over de manier waarop ik het zou transformeren. Samen zouden we iets worden dat expressiever is dan ieder van ons alleen. De vormen, kleuren en patronen op het kostuum zouden nieuwe betekenis krijgen wanneer ze worden gecombineerd met de bewegingen van mijn lichaam. Het kunstobject en ik zouden samensmelten tot een levendige vorm van communicatie.

Iets over de manier waarop deze kostuums de samensmelting van kunst, ruimte en het menselijk lichaam illustreren, heeft me nieuwe inzichten gegeven - niet alleen in deze kunstwerken, maar in alle kunstwerken. De tentoonstellingsruimte is een houder van beelden en objecten, net als deze kostuums. Ik betreed het, net als het aantrekken van een kostuum op mijn lichaam. Terwijl ik de tentoonstelling bewoon en me erin beweeg, worden de beelden en objecten op de oppervlakken tot leven gebracht door mijn beweging. Misschien klinkt het sentimenteel, maar ik voel me niet langer gewoon een man die naar kunstshows gaat om naar kunst te kijken. Nu realiseer ik me dat elke ruimte die kunst toont, net als een van deze kostuums die Jeffrey Gibson maakt, op ons wacht, wachtend op onze adem en lichamen zodat we het kunnen vullen, het kunnen animeren, het tot leven kunnen brengen en elkaar meer betekenis kunnen geven dan we ooit alleen hadden kunnen hebben.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016 18 × 11 1/2 × 13 in, 45.7 × 29.2 × 33 cm (Links) en I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 in, 47 × 38.1 × 35.6 cm (Rechts), foto credits Roberts & Tilton, Culver City

Uitgelichte afbeelding: Jeffrey Gibson -Oneindige Monstername, 2010, Potlood, aquarel, acrylverf, tape, draad, archiefpigmentafdrukken, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 in, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.

Door Filip Park