Martin Barré, De Vergeten Abstracte Kunstenaar, in Centre Pompidou

De overzichtstentoonstelling Martin Barré, te zien van 14 oktober 2020 tot en met 4 januari 2021 in het Centre Pompidou, biedt de meest uitgebreide blik tot nu toe op de altijd veranderende loopbaan van deze raadselachtige kunstenaar. Toch zullen er ongetwijfeld veel kijkers van buiten Frankrijk zijn die geen idee hebben wie deze kunstenaar is. Als ze zijn werk alleen vanuit een hedendaags perspectief bekijken, zullen ze zich misschien zelfs afvragen waarom het hen zou moeten interesseren. Barré behandelde in zijn werk geen specifieke maatschappelijke of politieke kwesties. Sterker nog, zijn schilderijen lijken vaak helemaal geen inhoud te hebben, en ze maken ook niet veel indruk als objecten. Inderdaad, Barré (1924 — 1993) werd ook in zijn eigen tijd vaak afgedaan als onbeduidend. Toch is er voor velen van ons iets onmiskenbaar aantrekkelijks aan zijn werk. Eenvoudig, en soms zelfs simplistisch, zijn schilderijen zijn eerlijk, speels en onmiskenbaar menselijk. Barré maakte schilderijen die nauwelijks als schilderijen lijken, en ik heb het gevoel dat dat juist de bedoeling was. Zoals de overzichtstentoonstelling in het Pompidou verduidelijkt, maakte Barré minstens vijf grote verschuivingen in zijn beeldtaal door. Deze verschuivingen waren misschien onbeduidend in kunsthistorische termen, maar dat doet niets af aan de waarheid die zijn ontwikkeling steeds weer liet zien—dat de enige verplichting die een kunstenaar heeft, is aan zijn eigen nieuwsgierigheid. In onze tijd, waarin van elke kunstenaar wordt verwacht dat hij zijn werk krachtig academisch, maatschappelijk en politiek kan verdedigen, zou Barré minder serieus kunnen lijken. Maar dat was altijd al zo, zelfs een halve eeuw geleden. Hij paste nooit echt ergens tussen. Door zijn eigen interesses te volgen, werd Barré voor zijn Franse bewonderaars wat Agnes Martin is voor de Amerikanen: een profeet van het minimalisme als zowel esthetische methode als weg naar zelfkennis.

De Proto-Minimalist

Geboren in Nantes, in het westen van Frankrijk, in 1924, zou Barré naar verluidt helemaal te voet naar Parijs zijn gegaan als een aspirant-kunstenaar van 19 jaar. De reis van 376 km nam hem vijf dagen in beslag. Het volgende decennium studeerde hij aan verschillende kunstacademies en experimenteerde hij met diverse methoden en beeldtalen. Al snel besloot hij dat de enige weg voor hem abstractie was, en de belangrijkste abstracte kwestie die hem interesseerde was de relatie tussen het geschilderde beeld en de ondergrond (of voorbereide oppervlakte). Barré was nieuwsgierig naar wat een schilderij kon vormen; wat schilderijen onderscheidde; en wat als inhoud in een schilderij kon gelden. Hij dacht niet dat hij een pionier was in het stellen van deze vragen. Integendeel, verwijzend naar een schilderij dat een halve eeuw eerder was gemaakt, zei hij: “Alle schilderkunst lijkt mij te leiden naar en te vertrekken van Malevich’s zwarte vierkant op een witte ondergrond.”

Martin Barré - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. Acryl op doek. 120 x 120 cm. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Parijs. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Parijs 2020

In verschillende van zijn vroegste abstracte schilderijen gebruikte Barré ook het vierkant om de relatie tussen beeld en ondergrond te onderzoeken. In plaats van de vierkanten te schilderen, blokkeerde hij de vorm af en omlijnde hij de leegte ervan met de geschilderde ruimte eromheen. De eenvoudige vraag die deze schilderijen stellen is of leegte inhoud kan zijn. Vervolgens vereenvoudigde hij zijn methode nog verder, geïnspireerd door gespoten graffiti die hij in Parijs zag. Hij zag spuitbussen als perfecte verlengstukken van de hand van de kunstenaar en maakte een reeks schilderijen die niets meer lijken dan gespoten lijnen op de voorbereide doeken. Soms spoot hij lijnen in een patroon. Andere keren spoot hij slechts een klein lijntje over een hoek van een doek. Soms schilderde hij kronkels. Soms hing hij meerdere doeken aan een muur en zette hij één lijn voort van doek naar doek. De minimale kwaliteit van deze werken stak af tegen het werk van zijn tijdgenoten in de jaren zestig, wat Barré de reputatie gaf van anti-cultuur en proto-minimalist.

Martin Barré - 57-100x100-A, 1957. Olie op doek. 100 x 100 cm. Particuliere collectie, Parijs; met dank aan Applicat-Prazan, Parijs. © Martin Barré, Adagp, Parijs 2020 / Foto: Art Digital Studio

Eenvoudige vragen

In de jaren zeventig nam Barré een pauze van vier jaar van het schilderen om te onderzoeken wat hij foto-conceptualisme noemde. Deze periode van zijn loopbaan wordt niet vaak belicht in zijn galerie-exposities. Soms vraag ik me af, als kunst niet gekocht en verkocht kon worden, hoe zou dat dan de manier veranderen waarop mensen erover schrijven? Meestal denk ik dat ze minder zouden schrijven. In het geval van Barré geloof ik dat ze juist meer zouden schrijven, vooral over deze onderbreking. Het leverde misschien geen producten op die in kunstwinkels verkocht konden worden, maar het beïnvloedde diepgaand de manier waarop Barré zijn centrale vraag over beeld versus ondergrond begreep. Toen deze periode eindigde, werden zijn schilderijen veel dichter, met geschetste rasters die geschilderde arceringen ondersteunden, die op hun beurt weer bedekt waren met lagen transparante was. Deze werken zijn nog steeds geometrisch, teruggrijpend op Malevich en zijn vierkanten, maar ze zijn behoorlijk complex en komen dichterbij dan alles wat Barré eerder deed in het omarmen van wat de meeste kijkers als inhoud zouden beschouwen.

Martin Barré - 60-T-43, 1960. Olie op doek. 81 x 330 cm (vierluik). Particuliere collectie. Met dank aan Matthew Marks Gallery, New York / Foto: Ron Amstutz © Martin Barré, ADAGP, Parijs 2020

In zijn latere jaren verfijnde Barré opnieuw zijn beeldtaal, ditmaal met een reeks hard-edge geometrische werken die zijn verwantschap met een andere vroege abstracte kunstenaar suggereren: Piet Mondriaan. Deze, zijn laatste schilderijen, met hun heldere, vlakke composities, worden soms besproken alsof ze een afwijzing zijn van zijn eerdere, rauwere werken. Toch lijken ze niet zo ver verwijderd. Ze tonen lijnen geschilderd op een ondergrond om ruimte af te bakenen. De geschilderde vlakken bevragen de ondergrond en roepen vragen op over welk deel van het schilderij het beeld is. Zoals al zijn eerdere schilderijen doen, stellen ook deze laatste werken de vraag wat belangrijker is: de inhoud van een schilderij, of de drager ervan? Voor mij is dit niet alleen een vraag over schilderkunst, maar ook een existentiële vraag over het zijn van een schilder. Het vraagt wat geldig is in de ogen van anderen; wat aandacht verdient; en wat onze tijd waard is—misschien eenvoudige vragen, gesteld door eenvoudige schilderijen, maar hun eenvoud maakt ruimte voor ons om over onszelf te leren.

Afbeelding uitgelicht: Martin Barré - 60-T-45, 1960. Olie op doek. 192 x 253 cm (vierluik). Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Parijs. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Parijs 2020
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio