Martin Barré, De Vergeten Abstracte Kunstenaar, in Centre Pompidou

De retrospectieve Martin Barré, te zien van 14 oktober 2020 tot 4 januari 2021 in het Centre Pompidou, biedt de meest uitgebreide blik tot nu toe op de altijd evoluerende carrière van deze enigmatische kunstenaar. Toch, ondanks zijn lokale faam (20 van de werken in de tentoonstelling zijn uit de permanente collectie van het Pompidou), zullen er ongetwijfeld veel kijkers van buiten Frankrijk zijn die geen idee hebben wie deze kunstenaar is. Als ze zijn werk alleen vanuit een hedendaags perspectief bekijken, zullen ze zich misschien zelfs afvragen waarom ze zich er iets van zouden moeten aantrekken. Barré behandelde in zijn werk geen specifieke sociale of politieke kwesties. In feite lijken zijn schilderijen vaak helemaal geen inhoud te hebben, noch maken ze veel indruk als objecten. Inderdaad, Barré (1924 — 1993) werd ook vaak in zijn eigen tijd afgedaan. Desondanks is er voor velen van ons iets onmiskenbaar aantrekkelijks aan zijn werk. Eenvoudig, en zelfs soms simplistisch, zijn zijn schilderijen eerlijk, leuk en onmiskenbaar menselijk. Barré maakte schilderijen die nauwelijks als schilderijen lijken te zijn, en ik heb het gevoel dat dat de bedoeling was. Zoals de Pompidou-retrospectieve verduidelijkt, onderging Barré minstens vijf belangrijke verschuivingen in zijn visuele stijl. Deze verschuivingen waren misschien onbeduidend in kunsthistorische termen, maar dat vermindert de waarheid die zijn evolutie consequent onthulde niet - dat de enige verplichting die een kunstenaar heeft, aan zijn eigen nieuwsgierigheid is. In ons tijdperk, waarin van elke kunstenaar wordt verwacht dat hij een krachtige academische, sociale en politieke verdediging van zijn werk kan opbouwen, lijkt Barré misschien minder serieus. Maar dat was altijd al het geval, zelfs een halve eeuw geleden. Hij paste nooit in het plaatje. Door zijn eigen interesses te volgen, werd Barré voor zijn Franse bewonderaars wat Agnes Martin voor de Amerikanen is: een profeet van het minimalisme, zowel als esthetische methode, als een pad naar zelfkennis.

De Proto-Minimalist

Geboren in Nantes, in het westen van Frankrijk, in 1924, zou Barré als een aspirant-kunstenaar van 19 jaar helemaal naar Parijs hebben gelopen. De 376 km lange reis duurde vijf dagen. In het volgende decennium studeerde hij aan verschillende kunstacademies en experimenteerde hij met verschillende methoden en visuele talen. Al snel kwam hij tot de conclusie dat de enige weg vooruit voor hem abstractie was, en de belangrijkste abstracte kwestie die hem interesseerde was de relatie tussen het geschilderde beeld en de ondergrond (of voorbereide oppervlakte). Barré was nieuwsgierig naar wat een schilderij kon vormen; wat schilderijen onderscheidend maakte; en wat als inhoud in een schilderij kon tellen. Hij dacht niet dat hij een pionier was in het stellen van deze vragen. Integendeel, verwijzend naar een schilderij dat een halve eeuw eerder was gemaakt, zei hij: “Alle schilderkunst lijkt mij te leiden naar en voort te komen uit Malevich’s zwarte vierkant op een witte ondergrond.”

Martin Barré - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. Acryl op doek. 120 x 120 cm. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Parijs. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Parijs 2020

In verschillende van zijn vroegste abstracte schilderijen gebruikte Barré ook het vierkant om de relatie tussen afbeelding en achtergrond te verkennen. In plaats van de vierkanten te schilderen, blokkeerde hij de vorm, waarbij hij de leegte ervan afbakende met de geschilderde ruimte eromheen. De simpele vraag die deze schilderijen oproepen is of leegte inhoud kan zijn. Vervolgens vereenvoudigde hij zijn methode nog verder, geïnspireerd door sprayverf graffiti die hij in Parijs zag. Hij beschouwde spuitverfblikken als perfecte verlengstukken van de hand van de kunstenaar, en maakte een serie schilderijen die eruitzien als niets meer dan gespoten lijnen op de voorbereide oppervlakken van doeken. Soms spoot hij lijnen in een patroon. Andere keren spoot hij slechts een kleine lijn over een hoek van een doek. Soms schilderde hij krabbels. Andere keren hing hij meerdere doeken aan een muur en vervolgde hij één lijn van doek naar doek. De minimale kwaliteit van deze werken viel op in contrast met de werken die zijn tijdgenoten in de jaren '60 maakten, wat Barré zijn reputatie als anti-cultuur en proto-Minimalist opleverde.

Martin Barré - 57-100x100-A, 1957. Olie op doek. 100 x 100 cm. Privécollectie, Parijs; met dank aan Applicat-Prazan, Parijs. © Martin Barré, Adagp, Parijs 2020 / Foto: Art Digital Studio

Eenvoudige vragen

In de jaren zeventig nam Barré een pauze van vier jaar van het schilderen om te verkennen wat hij foto-conceptualisme noemde. Deze periode van zijn carrière wordt niet vaak verkend in zijn galerie-exposities. Soms vraag ik me af, als kunst niet gekocht en verkocht kon worden, hoe dat de manier zou veranderen waarop mensen erover schrijven? Gewoonlijk denk ik dat ze minder zouden schrijven. In het geval van Barré geloof ik dat ze meer zouden schrijven, vooral over deze onderbreking. Het heeft misschien geen producten opgeleverd die in kunstwinkels verkocht konden worden, maar het heeft de manier waarop Barré zijn centrale vraag over afbeelding versus achtergrond begreep, diepgaand beïnvloed. Toen het eindigde, werden zijn schilderijen veel dichter, met geschetste rasterlijnen die geschilderde hatchmarks ondersteunen, die op hun beurt zijn verhuld in lagen van heldere wash. Deze werken zijn nog steeds geometrisch, teruggaand naar Malevich en zijn vierkanten, maar ze zijn behoorlijk complex en komen dichterbij dan wat Barré eerder deed bij het omarmen van wat de meeste kijkers als inhoud zouden beschouwen.

Martin Barré - 60-T-43, 1960. Olie op doek. 81 x 330 cm (kwadriptychon). Privécollectie. Met dank aan Matthew Marks Gallery, New York / Foto: Ron Amstutz © Martin Barré, ADAGP, Parijs 2020

In zijn latere jaren verfijnde Barré opnieuw zijn visuele taal, dit keer door een serie harde geometrische werken te creëren die zijn affiniteit met een andere vroege abstractist suggereren: Piet Mondrian. Deze, zijn laatste schilderijen, met hun schone, vlakke composities, worden soms besproken alsof ze een afwijzing zijn van zijn eerdere werken, die rauwer zijn. Echter, ze lijken niet zo ver verwijderd. Ze tonen lijnen die op een ondergrond zijn geschilderd om ruimte af te bakenen. De geschilderde gebieden ondervragen de ondergrond en roepen vragen op over welk deel van het schilderij het beeld is. Zoals al zijn eerdere schilderijen, vragen deze laatste werken wat belangrijker is: de inhoud van een schilderij, of de ondersteuning ervan? Voor mij is dit niet alleen een vraag over schilderkunst, maar ook een existentiële vraag over het zijn van een schilder. Het vraagt wat geldig is in de ogen van anderen; wat aandacht zou moeten krijgen; en wat onze tijd waard is—misschien simpele vragen, gesteld door simpele schilderijen, maar hun eenvoud maakt ruimte voor ons om over onszelf te leren.

Uitgelichte afbeelding: Martin Barré - 60-T-45, 1960. Olieverf op doek. 192 x 253 cm (kwadriptychon). Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Parijs. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Parijs 2020
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio