Ruth Asawa's Hangende Odes aan Natuurlijke Vormen
Als je ooit in het midden van een Ruth Asawa installatie hebt gestaan, begrijp je dat er een kunst bestaat buiten de kunst; een kunst die niet is gesmeed uit theorie, maar uit directe expressie, instinct en vindingrijkheid. Asawa maakte werk dat de etherische schoonheid van de natuur vastlegde. Ze zei dat ze geïnspireerd was door "het licht door de vleugels van insecten te zien, het kijken naar spinnen die hun webben in de vroege ochtend herstellen, en het zien van de zon door de druppels water die aan de punten van dennennaalden hangen terwijl ik mijn tuin water geef." Dergelijke natuurlijke fenomenen hebben een poëtische bestaan: ze zijn hier, maar ook vluchtig. Asawa ving deze paradox in haar meest beroemde werk—hangende, biomorfe, metalen vormen die zijn geweven met een techniek die Asawa leerde van inheemse mandenmakers in Mexico. De vormen omhullen en definiëren ruimte, terwijl ze toch lucht en licht vrij door hun grenzen laten stromen. Ze zijn te zien en aan te raken, maar zijn op sommige manieren even ongrijpbaar als de delicate schaduwen die ze werpen. Ze zijn niet natuurlijk, maar ze nemen de visuele en metafysische taal van de natuur over. Ze respecteren de natuur en leren ervan—waardoor ze hoopvolle ambassadeurs voor onze generatie zijn. Tijdens haar leven werd Asawa vaak verminderd door misogynistische kunstcritici die probeerden haar geweven vormen te bagatelliseren, omdat ze vrouwelijk was en wat in hun oppervlakkige geest op ambachtsobjecten leek maakte. Asawa bestond buiten het bereik van hun kleine kritiek. Haar werk had geen officiële validatie nodig; het moest alleen zijn publiek vinden. Dat gebeurt eindelijk nu, zes jaar na haar dood. De David Zwirner-galerij heeft onlangs getekend om haar nalatenschap te vertegenwoordigen, een boost die haar werk de verdiende wereldwijde aandacht zal geven. Misschien even impactvol, Asawa werd onlangs herdacht in een Google-doodle om de maand van de Aziatisch-Amerikaanse en Pacific Islander-erfgoed in de Verenigde Staten te beginnen. De doodle toonde vijf van haar biomorfe metalen sculpturen die het woord Google spellen, met Asawa op de grond die de kleine g weeft. Voor een kunstenaar die in 2002 zei dat ze niet meer modern was omdat ze niets wist over technologie, is de Google-doodle een vreemde eerbetoon, maar een die hopelijk nieuwe fans zal helpen verlichten voor het werk van een kunstenaar wiens begrip van de natuur inspiratie biedt wanneer we het het meest nodig hebben.
Overleven van onwetendheid
Geboren in 1926 in een klein landbouwdorp in Californië, was Asawa nog maar een tiener toen ze een van de 120.000 Japanse Amerikanen werd die werden gearresteerd en gedwongen naar interneringskampen werden gestuurd toen de Verenigde Staten de Tweede Wereldoorlog ingingen. Ze was gevangen met vijf van haar zes broers en zussen en haar moeder. Haar jongere zus, die toevallig Japan bezocht toen de rest van de familie in hechtenis werd genomen, werd gedwongen om alleen in Japan te blijven. Haar vader, ondertussen - een 60-jarige boer - werd gearresteerd door de FBI en gevangen gezet in een ander kamp, waar hij twee jaar gescheiden van zijn gezin bleef. Wonderbaarlijk genoeg koesterde Asawa echter later in het leven geen wrok voor de ontberingen die deze ervaring haar had opgelegd. Ze schrijft de ervaring zelfs toe aan het veranderen van haar leven, aangezien ze in het interneringskamp besloot zich te wijden aan het worden van een kunstenaar.
Ruth Asawa - Untitled (S.069/90), 1990. Beeldhouwwerk, koperdraad. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 in). Michael Rosenfeld Gallery
Haar constructieve kijk op deze moeilijke ervaring strekt zich uit tot haar kijk op de hele oorlog. Na het verlaten van het kamp ging ze naar het Milwaukee State Teachers College, maar ze mocht niet lesgeven op de openbare scholen vanwege haar Japanse afkomst. Die racisme dreef haar om zich in te schrijven aan het experimentele Black Mountain College in North Carolina. Black Mountain College was waar veel van de Bauhaus-docenten naartoe vluchtten nadat ze door de nazi's uit Duitsland waren verdreven. Asawa trainde daar drie jaar, werkend met de slimste geesten in kunst, architectuur, dans en muziek, in wat is beschreven als een artistieke utopie. Asawa wees er echter snel op dat zonder de plaag van de nazi's, zo'n school nooit in de Verenigde Staten zou hebben bestaan. Het was alleen omdat deze docenten uit hun vaderland waren verdreven dat ze bereid waren om voor bijna geen loon te werken, het land te bewerken en hun eigen maaltijden te koken. Net als met haar eigen ervaring in de interneringskampen, zag ze Black Mountain College als een voorbeeld van de geweldige dingen die kunnen voortkomen uit het beste maken van elke kans in het leven, zelfs de pijnlijke.
Ruth Asawa - Untitled (S.454/50), 1957. Beeldhouwwerk, koperdraad. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 in). Michael Rosenfeld Gallery
De fonteindame
Haar constructieve kijk op het leven maakte Asawa een uitzonderlijke kunstenaar, omdat ze de noodzaak begreep dat kunst waardevol moest zijn voor de mensheid. "Activisme is verspilling," zei ze. "Het is beter om aan een idee te werken en daarop voort te bouwen dan iets dat bestaat af te breken en te protesteren." Een van de meest impactvolle manieren waarop ze constructief met haar werk omging, was door publieke kunst te creëren. In haar adoptieve thuisbasis San Francisco stond ze bekend als "De Fontein Dame," vanwege de vele fonteinen die ze door de stad creëerde. Misschien is haar meest beroemde de zeemeerminfontein die zich in Ghirardelli Square bevindt, voor de iconische Ghirardelli Chocolate Company. De fontein waar de lokale bevolking Asawa het meest om waardeert, wordt echter simpelweg San Francisco Fountain genoemd, en het belichaamt haar toewijding aan constructieve esthetiek.
Ruth Asawa- Detail van de fontein in San Francisco op Union Square.
De fontein is ingebouwd in een onopvallende trap die leidt naar een klein parkje nabij Union Square. Om het te maken, werkte Asawa samen met kinderen uit de hele stad, en nodigde hen uit om kleimodellen te maken die hun favoriete aspecten van San Francisco uitbeelden. Nadat de kinderen de modellen hadden gemaakt, liet Asawa de kleivormen in brons gieten om de laag-reliëf buitenkant van de fontein te vormen. Asawa zei: “Wanneer ik aan grote projecten werk, zoals een fontein, vind ik het leuk om mensen erbij te betrekken die hun creatieve kant nog niet hebben ontwikkeld — mensen die verlangen om hun creativiteit te uiten.” De San Francisco-fontein is iets wat iedereen zomaar kan tegenkomen. Het is gemakkelijk te begrijpen en spreekt tot het feit dat we hier samen in zitten. Hoewel het niets te maken heeft met het werk waarvoor Asawa het best bekend is, is het misschien de meest perfecte uitdrukking van haar kunst: het is een directe, hoopvolle esthetische uitdrukking, geleid niet door academische theorie, maar door een begrip van onze natuur — dat we hier allemaal samen in zitten.
Uitgelichte afbeelding: Ruth Asawa - Untitled (S.383, Wandgemonteerde Touwdraad, Open Centrum, Zespuntige Ster, met Zes Takken), 1967. Hangende sculptuur—bronzen draad. 46 x 46 x 6 inch (116,8 x 116,8 x 15,2 cm). Tentoongesteld in de David Zwirner Gallery, 2017.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio
