Ruth Asawa's Hangende Odes aan Natuurlijke Vormen

Als je ooit midden in een installatie van Ruth Asawa hebt gestaan, begrijp je dat er een kunst bestaat buiten de kunst; een kunst gesmeed niet uit theorie, maar uit directe uitdrukking, instinct en vindingrijkheid. Asawa maakte werk dat de etherische schoonheid van de natuur vastlegde. Ze zei dat ze geïnspireerd werd door “het zien van licht door insectenvleugels, het bekijken van spinnen die hun webben herstellen in de vroege ochtend, en het zien van de zon door de waterdruppels die aan de toppen van dennennaalden hangen terwijl ik mijn tuin water gaf.” Zulke natuurlijke verschijnselen hebben een poëtisch bestaan: ze zijn hier, maar vluchtig. Asawa legde dit paradox vast in haar bekendste werk—hangende, biomorfe metalen vormen geweven met een techniek die Asawa leerde van inheemse mandenmakers in Mexico. De vormen omsluiten en definiëren ruimte, terwijl ze toch lucht en licht vrij door hun grenzen laten stromen. Ze kunnen gezien en aangeraakt worden, maar zijn op sommige manieren even ongrijpbaar als de delicate schaduwen die ze werpen. Ze zijn niet natuurlijk, maar nemen de visuele en metafysische taal van de natuur over. Ze respecteren de natuur en leren ervan—waardoor ze hoopvolle ambassadeurs zijn voor onze generatie. Tijdens haar leven werd Asawa vaak klein gemaakt door seksistische kunstcritici die probeerden haar geweven vormen te bagatelliseren, omdat ze vrouw was en wat volgens hun oppervlakkige geest op ambachtelijke voorwerpen leek. Asawa stond buiten het bereik van hun kleine kritiek. Haar werk had geen officiële goedkeuring nodig; het hoefde alleen zijn publiek te vinden. Dat gebeurt nu eindelijk, zes jaar na haar dood. De galerie David Zwirner heeft onlangs haar nalatenschap vertegenwoordigd, een impuls die haar werk de welverdiende wereldwijde aandacht zal brengen. Misschien even betekenisvol, werd Asawa onlangs herdacht in een Google-doodle ter ere van de Asian American and Pacific Islander Heritage Month in de Verenigde Staten. De doodle toonde vijf van haar biomorfe metalen sculpturen die het woord Google vormden, met Asawa op de grond die de kleine g weefde. Voor een kunstenaar die in 2002 zei dat ze niet meer modern was omdat ze niets van technologie wist, is de Google-doodle een treffend eerbetoon, maar een die hopelijk nieuwe fans zal helpen het werk te begrijpen van een kunstenaar wiens begrip van de natuur inspiratie biedt wanneer we die het meest nodig hebben.

Overleven van Onwetendheid

Geboren in 1926 in een klein landbouwstadje in Californië, was Asawa nog maar een tiener toen ze een van de 120.000 Japans-Amerikanen werd die werden gearresteerd en met geweld naar interneringskampen werden gestuurd toen de Verenigde Staten de Tweede Wereldoorlog ingingen. Ze werd gevangen gezet met vijf van haar zes broers en zussen en haar moeder. Haar jongere zus, die toevallig in Japan was toen de rest van de familie werd opgepakt, werd gedwongen alleen in Japan te blijven. Haar vader, ondertussen—een 60-jarige boer—werd door de FBI gearresteerd en in een ander kamp opgesloten, waar hij twee jaar gescheiden bleef van zijn familie. Wonderbaarlijk genoeg koesterde Asawa later in haar leven geen wrok voor de ontberingen die deze ervaring haar had gebracht. Ze schrijft zelfs toe dat deze ervaring haar leven veranderde, omdat ze zich in het interneringskamp toelegde op het worden van kunstenaar.

Ruth Asawa - Zonder titel (S.069/90), 1990. Beeldhouwwerk, koperdraad. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 inch). Michael Rosenfeld Galerie

Haar opbouwende kijk op deze moeilijke ervaring strekt zich uit tot haar kijk op de hele oorlog. Na het verlaten van het kamp ging ze naar het Milwaukee State Teachers College, maar ze mocht niet lesgeven op openbare scholen vanwege haar Japanse afkomst. Die racisme dreef haar ertoe zich in te schrijven aan het experimentele Black Mountain College in North Carolina. Black Mountain College was de plek waar veel Bauhaus-docenten naartoe vluchtten nadat ze door de nazi’s uit Duitsland waren verdreven. Asawa volgde daar drie jaar opleiding, werkend met de scherpste geesten op het gebied van kunst, architectuur, dans en muziek, in wat werd omschreven als een artistieke utopie. Asawa wees er echter snel op dat zo’n school zonder het onheil van de nazi’s nooit in de Verenigde Staten zou hebben bestaan. Het was alleen omdat deze docenten uit hun vaderland waren verbannen dat ze bereid waren bijna zonder loon te werken, het land te bewerken en hun eigen maaltijden te koken. Net als bij haar eigen ervaring in de interneringskampen zag ze Black Mountain College als een voorbeeld van de geweldige dingen die kunnen voortkomen uit het beste maken van elke kans in het leven, zelfs de pijnlijke.

Ruth Asawa - Zonder titel (S.454/50), 1957. Beeldhouwwerk, koperdraad. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 inch). Michael Rosenfeld Galerie

De Fonteinvrouw

Haar opbouwende kijk op het leven maakte Asawa tot een uitzonderlijke kunstenaar, omdat ze het belang begreep van kunst die waardevol is voor de mensheid. “Activisme is verspilling,” zei ze. “Het is beter om aan een idee te werken en daarop voort te bouwen dan iets af te breken en te protesteren tegen wat bestaat.” Een van de meest impactvolle manieren waarop ze constructief met haar werk omging, was het maken van publieke kunst. In haar gekozen thuisbasis San Francisco stond ze bekend als “De Fonteinvrouw,” vanwege de vele fonteinen die ze overal in de stad maakte. Misschien is haar bekendste de zeemeerminnenfontein die staat op Ghirardelli Square, voor het iconische Ghirardelli Chocolate Company. De fontein waar de lokale bevolking Asawa het meest om waardeert, heet echter simpelweg San Francisco Fountain, en die belichaamt haar inzet voor opbouwende schoonheid.

Ruth Asawa - Detail van San Francisco fontein in Union Square.

De fontein is ingebouwd in een onopvallende trap die leidt naar een klein parkje vlak bij Union Square. Om het te maken werkte Asawa met kinderen uit de hele stad, die ze uitnodigde kleimodellen te maken die hun favoriete aspecten van San Francisco uitbeeldden. Nadat de kinderen de modellen hadden gemaakt, liet Asawa de kleivormen in brons gieten om het reliëf aan de buitenkant van de fontein te vormen. Asawa zei: “Als ik aan grote projecten werk, zoals een fontein, vind ik het fijn om mensen mee te nemen die hun creatieve kant nog niet hebben ontwikkeld—mensen die verlangen om hun creativiteit te uiten.” De San Francisco Fountain is iets wat iedereen zomaar kan tegenkomen. Het is gemakkelijk te begrijpen en spreekt tot het feit dat we hier allemaal samen in zitten. Hoewel het niets lijkt op het werk waarvoor Asawa het meest bekend is, is het misschien wel de meest perfecte uitdrukking van haar kunst: het is een directe, hoopvolle esthetische uitdrukking, niet geleid door academische theorie, maar door een begrip van onze natuur—dat we hier allemaal samen in zitten.

Afbeelding in de spotlight: Ruth Asawa - Zonder titel (S.383, aan de muur bevestigde gebonden draad, open midden, zespuntige ster, met zes takken), 1967. Hangend beeldhouwwerk—bronsdraad. 116,8 x 116,8 x 15,2 cm (46 x 46 x 6 inch). Getoond in de David Zwirner Galerie, 2017.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio