De Eeuwigdurende Erfenis van Jack Whitten
Jack Whitten—gevierd abstract schilder, sociaal filosoof en cultureel leider—is overleden op 78-jarige leeftijd. In een tentoonstellingcarrière die meer dan 50 jaar besloeg, creëerde Whitten een artistiek erfgoed gebaseerd op hetzelfde principe waarop hij leefde—dat door onze perceptie te veranderen, we een meer vreedzame cultuur kunnen creëren. In de studio was hij conceptueel rigoureus, esthetisch dynamisch en een onvermoeibare experimentator. De meeste kunstenaars hebben geluk als ze gedurende hun carrière een enkele unieke visuele positie ontwikkelen. Whitten ontwikkelde er verschillende. Zijn benadering was zo innovatief en experimenteel, dat het hem vaak deed worden verkeerd begrepen, zelfs door zijn supporters. Die realiteit zorgde ervoor dat Whitten gedurende het grootste deel van zijn leven ondergewaardeerd werd door de markt en onderbelicht in het kunsthistorische gesprek. Maar de mindset van kunsthandelaren en kopers is de afgelopen anderhalf decennium eindelijk begonnen bij te benen met Whitten, gedurende welke periode zijn werk in meer dan 40 tentoonstellingen is verschenen. Mensen beginnen te waarderen dat ondanks de verscheidenheid aan stijlen die Whitten gebruikte, er veel verenigende aspecten zijn in zijn oeuvre. Bijvoorbeeld, het idee van lagen is belangrijk voor alles wat Whitten produceerde. Evenzo is het concept van perceptie belangrijk. Licht is ook belangrijk. En dat geldt ook voor patroon. Die vier elementen hebben betrekking op wat Whitten losjes beschreef als zijn "wereldbeeld." Zoals hij uitlegde, "Wereldbeeld is een kosmische verklaring van bestaan." Zijn wereldbeeld was dat licht ons helpt te waarnemen; en perceptie ons helpt patronen te herkennen; patronen leiden ons ertoe onze overtuigingen te formuleren; en onze overtuigingen bepalen hoe we de samenleving structureren. Whitten volhield dat kunst een krachtige agent van verandering kan zijn, omdat het onze perceptie aanpakt, en ons zo kan helpen een meer ethische en empathische wereld te creëren.
Kunst is Onze Enige Hoop
Whitten omarmde het transformerende potentieel van kunst in zijn vroege 20-er jaren. Hij zag het als een methode om om te gaan met wat tot dat moment voor hem een verschrikkelijke ervaring van de wereld was geweest. Hij beschreef het opgroeien in het Amerikaanse zuiden in duidelijke termen—non-stop racisme en geweld gericht op hem en elke andere persoon van kleur. Hij verliet zijn thuisstaat Alabama in 1960, op 21-jarige leeftijd, en keerde nooit terug. Hij verhuisde naar New York City en schreef zich in bij Cooper Union. Veertien jaar later werd zijn werk gevierd in een solo-expositie in het Whitney Museum of American Art. Veel van de werken in die tentoonstelling behoorden tot wat wordt beschouwd als zijn eerste iconische visuele positie—zijn zogenaamde "slab" schilderijen. Om deze werken te maken, legde Whitten zijn doeken op de vloer en duwde verf eroverheen met een trekker. Zodra een laag verf droog was, bracht hij een andere aan, en zo verder. Hij bouwde de lagen op totdat het oppervlak dicht en dimensionaal was. Elke onderkleur komt uiteindelijk door.
Jack Whitten - Untitled, 1968, Pastel on paper, 11 3/8 × 19 3/4 in, 28.9 × 50.2 cm, photo credits Allan Stone Projects, New York
Voor Whitten waren deze schilderijen een filosofische poging om door te breken naar een alternatief voorbij zijn gewelddadige verleden. Het was niet zozeer een poging om te ontdekken wat universeel is, maar eerder om te ontdekken wat er bestaat buiten het zelf. Hij geloofde dat de cultuur vol stereotypen zat, en dat dit proces van werken, van het laten doorschijnen van alle verschillende kleuren en lagen naar de uiteindelijke abstracte compositie, een manier was om de verwachtingen te vernietigen waarop die stereotypen zijn gebaseerd. Zijn "slab" schilderijen zijn uitnodigingen om te verwonderen wat er aan de hand is; om te vragen hoe iets wordt gecreëerd; om vooraf bestaande aannames te analyseren; en om na te denken over iets anders dan wat bekend is. Hij zag ze als een directe poging om rigide denken te verwarren. Zoals hij ooit zei: “Kunst heeft de kracht om barrières af te breken die zijn opgericht door simplistische fundamentalistische denkers die proberen de macht te behouden. Als fundamentalisten bang zijn voor Rood, Geel en Blauw, dan moeten Rood, Zwart en Groen, of Roze en Lavendel hen nachtmerries bezorgen!”
Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York
Geen Bestemming, Alleen Structuur
Zodra Whitten bekend werd om zijn "slab" schilderijen, verliet hij die techniek en begon hij te werken in een collage-stijl, waarbij hij uitgedroogde stukjes acrylverf als tegels gebruikte. Met de tegels maakte hij wat op mozaïeken leek. Hij realiseerde zich dat door deze verfchips niet plat te leggen, ze het licht anders weerkaatsten, wat dimensie en leven aan de werken toevoegde. Dit werd zijn volgende iconische visuele positie. Hij bleef het in de loop der jaren ontwikkelen en kwam uiteindelijk aan een techniek waarbij hij mallen maakte voor zijn verftegels, in plaats van afhankelijk te zijn van verfchips. Hij noemde deze gemolde verftegels "ready nows" en gebruikte ze om architectonische composities te construeren die op bakstenen muren leken. Hij gebruikte deze techniek om zijn "herinnerings" schilderijen te maken, zoals 9-11-01, die de aanvallen op het World Trade Center herdenkt, die hij vanuit zijn appartement in Tribeca heeft gezien. Maar zelfs deze techniek, die de populairste bleek te zijn bij verzamelaars en instellingen, was niet zijn laatste esthetische bestemming. Hij bleef experimenteren en evolueren tot het einde van zijn leven.
Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York
Er bestaan meerdere clichés om de metafysische vraag te adresseren welke belangrijker is in het leven: de reis of de bestemming. Whitten had een favoriete uitspraak, die hij van zijn voormalige dealer Allan Stone had opgepikt. Het ging als volgt: "Er is geen bestemming." Voor Whitten bestond het leven op een continuüm - een weg naar nergens. Wat voor hem telde, waren processen - processen van zien; van denken; van experimenteren; van maken. Gedurende zijn carrière bleef hij trouw aan de opvatting dat er altijd iets nieuws om de hoek wachtte. Zoals een jazzmuzikant die in een bepaalde toonsoort speelt, gaf hij zichzelf onderliggende structuren - intellectuele uitgangspunten gebaseerd op kernfilosofieën. En van daaruit improviseerde hij. De patronen, lagen en het licht die hij achterliet voor ons om te bewonderen, bieden ons paden naar nieuwe systemen van waarneming. Ze tonen ons een weg vooruit naar iets diepers en belangrijkers dan het zelf.
Jack Whitten - Black Monolith, II: Homage To Ralph Ellison The Invisible Man, 1994, Acrylic, molasses, copper, salt, coal, ash, chocolate, onion, herbs, rust, eggshell, razor blade on canvas, 58 × 52 in, 147.3 × 132.1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), New York
Uitgelichte afbeelding: Jack Whitten - Vijf Decennia van Schilderen, Target en Friedman Galerijen, 13 september 2015 - 24 januari 2016, Georganiseerd door het Museum of Contemporary Art, San Diego
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio
