De Betoverende Animaties van Oskar Fischinger

Dit jaar is het 50 jaar geleden dat Oskar Fischinger overleed, een vooruitziend genie dat dichter dan welke andere kunstenaar ook kwam bij het uitdrukken van de mystificerende, abstracte overeenkomsten tussen muziek en beelden. In zijn animatiefilms bracht Fischinger de visuele talen van vormen, figuren, lijnen en kleuren in verband met de muzikale taal van noten, maatritmes, harmonieën en dissonanten. Met zijn uitvinding van de Lumigraph, een lichtgevend apparaat dat met de hand wordt bediend, vergelijkbaar met een muziekinstrument, demonstreerde hij het potentieel om esthetisch-emotionele banden te creëren door geïmproviseerde, dynamische kleurcomposities op een machine te spelen. En met zijn schilderijen bracht hij de versterkte conceptuele niveaus die in zijn bewegende beelden verborgen lagen over door ze vast te leggen op vereenvoudigde, tweedimensionale oppervlakken. Ondertussen zette hij gedurende zijn hele carrière, in geschriften en toespraken, zijn artistieke bedoelingen uitvoerig uiteen. “Ik wil dat dit werk voorziet in de spirituele en emotionele behoeften van ons tijdperk,” schreef hij in 1950. “Want er is iets waar we allemaal naar zoeken—iets waar we ons gedurende ons hele leven voor inspannen... in de hoop... dat er op een dag misschien iets wordt onthuld, dat voortkomt uit het onbekende, iets dat de Ware Schepping: de creatieve waarheid! zal onthullen.”

Oskar Fischinger: een geboren kunstenaar

Sommige kunstenaars worden gevormd; anderen worden geboren. Oskar Fischinger heeft nooit kunst gestudeerd aan een kunstopleiding. Hij werd in 1900 geboren in Hessen, Duitsland, en werd, net als de meeste leden van zijn generatie, als tiener opgeroepen voor militaire dienst. Maar vanwege zijn slechte lichamelijke conditie werd hij niet gedwongen om voor Duitsland te vechten in de oorlog. In plaats daarvan nam hij een baan aan in een orgelfabriek. Die vroege kennismaking met de mechanismen van muzikale creatie zou later beslissend blijken voor Fischinger, vooral in combinatie met de technische opleiding die hij na de oorlog kon volgen, toen zijn familie naar Frankfurt verhuisde. Misschien waren deze ervaringen niet typerend voor iemand die voorbestemd was om een groot kunstenaar te worden, maar in essentie waren ze creatief, en zoals zou blijken waren ze perfect voor het lot dat deze specifieke kunstenaar wachtte.

In 1921 maakte Fischinger kennis met de avant-gardistische Duitse filmregisseur Walter Ruttman. Ruttman was een van een handvol kunstenaars die experimenteerden met film als abstract medium en onderzochten hoe dit met andere kunstvormen kon interageren. Fischinger werd geïnspireerd door het werk van Ruttman en wist dankzij zijn mechanische en technische achtergrond op zijn beurt indruk op Ruttman te maken. Dat deed hij met de uitvinding van een mechanisch animatieapparaat: een “was-snijmachine”. Toen Ruttman over het apparaat hoorde, was hij zo onder de indruk dat hij Fischinger vroeg om de gebruiksrechten. Fischinger verleende Ruttman de rechten op zijn machine en verhuisde vervolgens naar München, waar hij toegang kreeg tot meer apparatuur, zodat hij zelfstandig verder kon experimenteren.

Oskar Fischinger - still uit Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

De films

In München maakte Fischinger enkele van zijn eerste films. In plaats van de realistische wereld na te bootsen, onderzochten ze de andere manieren waarop licht en geluid in een bewegend beeld konden interageren. In 1926 schreef hij een van zijn belangrijkste essays, getiteld Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, of Een nieuwe kunst: ruimtelijke lichtmuziek. Hoewel het tijdens zijn leven nooit lijkt te zijn gepubliceerd, bevindt het zich nu in het archief van The Center for Visual Music in Los Angeles, dat het oeuvre van Fischinger beheert, waaronder zijn films en documenten. De gedachten die Fischinger in dit essay uitdrukte, samen met de prestaties die zichtbaar zijn in zijn vroege films, plaatsten Fischinger filosofisch in het gezelschap van kunstenaars als Wassily Kandinsky, die sterk geloofde in het vermogen van niet-objectieve beeldtaal om op hetzelfde abstracte niveau als muziek spiritueel te communiceren. Maar door zich te richten op films in plaats van schilderkunst kon Fischinger een essentieel verschil tussen muziek en beelden begrijpen: muziek speelt zich, anders dan statische beeldtaal, af in de tijd.

Een enkele noot die slechts een moment duurt, heeft niet hetzelfde emotionele effect op een luisteraar als een symfonie die in de loop van een uur wordt gespeeld. En hetzelfde geldt voor beelden. Een enkele visuele compositie op een schilderij heeft niet hetzelfde emotionele effect op een toeschouwer als een visuele compositie die zich in de loop van de tijd ontvouwt in een bewegend beeld. Vanuit die basisgedachte creëerde Fischinger de volgende twee decennia enkele van de meest vernieuwende abstracte animatiefilms ooit gemaakt. Sommige werden op muziek gezet en zijn de eerste muziekvideo's genoemd. Maar ze leken in niets op muziekvideo's zoals we die tegenwoordig kennen. Ze werden alleen op muziek gezet om de overeenkomsten te onderzoeken in de manier waarop visuele en muzikale composities abstract met onze hersenen communiceren.

Oskar Fischinger - still uit Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Composition in Blue

In 1935 realiseerde Oskar Fischinger, terwijl hij in Berlijn woonde, wat veel mensen als zijn magnum opus beschouwen: een film met de titel Composition in Blue. De korte animatiefilm werd opgenomen op 35mm-kleurenfilm en is gezet op een melodie uit The Merry Wives of Windsor, een opera van de Duitse componist Otto Nicolai, gebaseerd op het gelijknamige toneelstuk van William Shakespeare. In de hele film dansen levendig gekleurde, abstracte vormen perfect synchroon met de muziek. De achtergrond lijkt te verschuiven van twee naar drie dimensies en klapt vaak in zichzelf in, waardoor een eindeloze, speelse visuele betovering ontstaat.

Een opmerkelijk aspect van Composition in Blue is de manier waarop de film werd gemaakt. Fischinger bouwde elk van die kleine vormen die in de film dansen met de hand. Het zijn beschilderde modellen die tijdens het filmen minutieus werden verplaatst, één beeldje per keer. Elk stilstaand beeld zou onder andere omstandigheden een abstract schilderij kunnen vormen. Of, als hij dat had gewild, had elke compositie vóór het filmen als een sculpturale installatie kunnen worden beschouwd. Maar Fischinger geloofde dat deze abstracte beelden pas in beweging, terwijl ze zich in de loop van de tijd ontvouwden, dezelfde impact konden krijgen als muzikale composities. Daarom richtte hij het werk daarop.

Oskar Fischinger - still uit Composition in Blue, 1935, © Center for Visual Music

De schilderijen

Composition in Blue kreeg internationale erkenning. Mede dankzij het succes ervan kon Fischinger in 1936 naar Amerika komen, waar hij verschillende functies in Hollywood bekleedde en voor Paramount, Walt Disney en andere studio's werkte. Maar al snel leerde hij de kloof kennen tussen de idealistische doelen van kunstenaars en die van commerciële filmproductiemaatschappijen. Omdat hij geen financiële steun kon vinden om zijn puur artistieke animatiewerk voort te zetten, werd Fischinger uiteindelijk gedwongen film op te geven. In plaats daarvan richtte hij eind jaren veertig een groot deel van zijn aandacht op zijn uitvinding, de Lumigraph. En ironisch genoeg bracht hij de laatste 15 jaar van zijn leven door als schilder.

De schilderijen die Fischinger maakte zijn opmerkelijk gevarieerd. Net als zijn eerdere animaties lijken ze de abstracte beeldtaal van vrijwel iedere abstracte kunstenaar van de 20e eeuw te bevatten. Maar dit zijn geen afgeleide werken. Integendeel, de meeste van deze beelden waren door Fischinger al ingezet lang voordat kunstenaars als Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis en Kenneth Noland er zelfstandig op uitkwamen. En tegen de verwachtingen in doen zijn schilderijen niets af aan zijn films; ze versterken juist zijn ideeën over muziek en beelden en de effecten van het ervaren ervan in de tijd. Elk schilderij is een vastgelegd moment—een geïsoleerd fragment van een grotere ervaring. Door ze in zijn films te zien, maken we een reis. Door ze in zijn schilderijen te zien, kunnen we ze als kenners waarderen.

Oskar Fischinger - still uit Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

Slechtste eerbetoon ooit

Oskar Fischinger was duidelijk een pionier, dus het is geen verrassing dat mensen vaak eer willen betonen aan hem en zijn prestaties. Maar afgelopen juni, op wat zijn 117e verjaardag zou zijn geweest, bracht Google Fischinger “eer” met een Google Doodle—een van die interactieve afleidingen die Google gebruikers op zijn zoekpagina aanbiedt. De doodle gaf bezoekers de kans om een muzikaal-visuele compositie te veranderen door op het scherm te klikken. Hoewel amusant, was het een absurd eerbetoon aan Fischinger. Fischinger zei ooit, naar aanleiding van zijn ervaringen in Hollywood: “Geen enkele verstandige scheppende kunstenaar zou een verstandig kunstwerk kunnen maken als een staf van allerlei medewerkers ieder zijn of haar zegje heeft in de uiteindelijke creatie... Ze veranderen de ideeën, doden de ideeën voordat ze geboren zijn, verhinderen dat ideeën geboren worden en vervangen de absolute creatieve motieven door goedkope ideeën die passen bij de kleinste gemene deler.”

Hoe Google dacht dat een goedbetaalde programmeur die voor een commerciële fabriek werkt deze kunstenaar eer kon bewijzen door letterlijk iedereen met een internetverbinding een “zegje in de uiteindelijke creatie” te geven, is onbekend. Ergens gaat er iets verloren in de vertaling. Maar zal de rest van de mensheid Oskar Fischinger ooit inhalen? Misschien. Het is niet moeilijk te begrijpen wat Fischinger wilde dat we met zijn werk zouden doen. Hij wilde dat we het zouden gebruiken voor spirituele en emotionele voeding. Misschien kunnen we zijn nalatenschap het beste eren door geen dwaze gezelschapsspelletjes te creëren of zijn prestaties te reduceren tot uitspraken als: “Wauw, heeft hij dat allemaal zonder computer gedaan?!” In plaats daarvan zouden we hem misschien de erkenning moeten geven die hij verdient als kunstenaar, filosoof en dichter, en proberen het diepere doel van zijn werk te begrijpen: het roept ons op om opnieuw contact te maken met de verborgen mysteries die onze uiteenlopende en nog altijd sterk onbegrepen zintuiglijke vermogens met elkaar verbinden.

Google viert de 117e verjaardag van Oskar Fischinger, © Google

Uitgelichte afbeelding: Oskar Fischinger - still uit Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Alle afbeeldingen uitsluitend ter illustratie gebruikt

Door Phillip Barcio 2017

Bewerkt door IdeelArt (2026)