De Betoverende Animaties van Oskar Fischinger

Dit jaar is de 50ste verjaardag van de dood van Oskar Fischinger, een vooruitziende genie die dichterbij kwam dan welke andere kunstenaar dan ook in het uitdrukken van de mystieke, abstracte gemeenschappelijkheid die bestaat tussen muziek en beelden. Door zijn geanimeerde films correleerde Fischinger de visuele talen van vormen, lijnen en kleuren met de muzikale taal van noten, ritmes, harmonieën en dissonanten. Door zijn uitvinding van de Lumigraph, een lichtgevende apparaat dat met de hand wordt gemanipuleerd, vergelijkbaar met een muziekinstrument, toonde hij het potentieel aan voor esthetisch-emotionele banden die kunnen worden gecreëerd door geïmproviseerde, dynamische kleurcomposities die op een machine worden gespeeld. En door zijn schilderijen bracht hij de verhoogde conceptuele niveaus over die verborgen zijn in zijn bewegende beelden door ze vast te leggen op vereenvoudigde, tweedimensionale oppervlakken. Ondertussen legde hij gedurende zijn carrière, in geschriften en toespraken, zijn artistieke bedoelingen grondig bloot. “Ik wil dat dit werk voldoet aan de spirituele en emotionele behoeften van onze tijd,” schreef hij in 1950. “Want er is iets dat we allemaal zoeken—iets waar we een leven lang naar streven... hopend... op een dag, misschien, zal er iets onthuld worden, voortkomend uit het onbekende, iets dat de Ware Creatie: de Creatieve Waarheid! onthult.”

Oskar Fischinger: Een Geboren Kunstenaar

Sommige kunstenaars worden gemaakt; anderen worden geboren. Oskar Fischinger heeft nooit kunst op school gestudeerd. Geboren in 1900 in Hessen, Duitsland, werd hij, net als de meeste leden van zijn generatie, als tiener opgeroepen voor militaire dienst. Maar vanwege zijn slechte fysieke conditie werd hij niet gedwongen om voor Duitsland te vechten in de oorlog. In plaats daarvan nam hij een baan in een orgelfabriek. Die vroege blootstelling aan de mechanismen van muzikale creatie zou later fataal blijken voor Fischinger, vooral in combinatie met de technische opleiding die hij na de oorlog kon volgen, toen zijn familie naar Frankfurt verhuisde. Misschien waren deze ervaringen niet typisch voor iemand die bestemd was om een groot kunstenaar te worden, maar ze waren creatief in hun essentie, en zoals het blijkt, waren ze perfect voor het lot dat deze specifieke kunstenaar te wachten stond.

In 1921 maakte Fischinger kennis met de avant-garde Duitse filmregisseur Walter Ruttman. Ruttman was een van de weinige kunstenaars die experimenteerden met film als een abstract medium, waarbij hij de manieren verkende waarop het zou kunnen interageren met andere kunstvormen. Fischinger was geïnspireerd door het werk dat Ruttman deed, en dankzij zijn mechanische en technische achtergrond slaagde hij erin om Ruttman op zijn beurt te imponeren. Hij deed dit door de uitvinding van een mechanisch animatieapparaat: een "was-snijdmachine." Na het horen van het apparaat was Ruttman zo onder de indruk dat hij Fischinger vroeg om de rechten om het te gebruiken. Fischinger verleende Ruttman de licentie voor zijn machine en verhuisde vervolgens naar München, waar hij toegang kreeg tot meer apparatuur, wat hem in staat stelde om verder op eigen houtje te experimenteren.

Oskar Fischinger - still uit Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

De Films

Tijdens zijn verblijf in München maakte Fischinger enkele van zijn vroegste films. In plaats van de realistische wereld na te volgen, bestudeerden ze de andere manieren waarop licht en geluid konden interageren in een film. In 1926 schreef hij een van zijn belangrijkste essays, getiteld Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, of A New Art: Spatial Light Music. Hoewel het lijkt alsof het nooit tijdens zijn leven is gepubliceerd, is het nu gearchiveerd bij The Center for Visual Music in Los Angeles, dat het oeuvre van Fischinger bezit en beheert, inclusief zijn films en documenten. De gedachten die Fischinger in dit essay uitdrukte, samen met de prestaties die evident zijn in zijn vroege films, plaatsen Fischinger in de filosofische kring van kunstenaars zoals Wassily Kandinsky, die sterk geloofden in het vermogen van niet-objectieve beelden om spiritueel te communiceren op hetzelfde abstracte niveau als muziek. Maar door zich te concentreren op films in plaats van schilderkunst, kon Fischinger een essentieel verschil begrijpen tussen muziek en beelden: dat muziek, in tegenstelling tot statische beelden, in de tijd plaatsvindt.

Een enkele noot die slechts een moment duurt, heeft niet hetzelfde emotionele effect op een luisteraar als een symfonie die gedurende een uur wordt gespeeld. En hetzelfde geldt voor beelden. Een enkele visuele compositie in een schilderij heeft niet hetzelfde emotionele effect op een kijker als een visuele compositie die zich in de loop van de tijd ontvouwt in een bewegend beeld. Door dat basisdenkproces toe te passen, bracht Fischinger de volgende twee decennia door met het creëren van enkele van de meest baanbrekende abstracte, geanimeerde films die ooit zijn gemaakt. Sommige waren op muziek gezet en zijn de eerste muziekvideo's genoemd. Maar ze leken in niets op de muziekvideo's zoals we die vandaag de dag kennen. Ze waren alleen op muziek gezet in een poging om de overeenkomsten te onderzoeken in de manieren waarop visuele composities en muzikale composities abstract communiceren met onze hersenen.

Oskar Fischinger - still uit Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Compositie in Blauw

In 1935, terwijl hij in Berlijn woonde, voltooide Oskar Fischinger wat veel mensen beschouwen als zijn magnum opus: een film getiteld Compositie in Blauw. Geschoten op 35 mm kleurfilm, is de geanimeerde korte film gezet op een melodie van De Vrolijke Vrouwen van Windsor, een opera van de Duitse componist Otto Nicolai, gebaseerd op het toneelstuk van dezelfde naam van William Shakespeare. Gedurende de film dansen levendig gekleurde, abstracte vormen in perfecte synchronisatie met de muziek. De achtergrond lijkt te verschuiven van twee naar drie dimensies, en valt vaak in zichzelf in, transformeert in een eindeloze, speelse, visuele verrukking.

Een opmerkelijk aspect van Composition in Blue is hoe het gemaakt is. Fischinger heeft elk van die kleine vormen die in de film dansen met de hand gebouwd. Dit zijn geschilderde modellen, zorgvuldig verplaatst terwijl de film werd opgenomen, één frame per keer. Elk bevroren frame zou, onder andere omstandigheden, een abstract schilderij kunnen vormen. Of, had hij gewild, elke compositie voordat deze gefilmd werd, zou als een sculpturale installatie kunnen worden beschouwd. Maar het was pas in beweging, zich ontvouwend over de tijd, dat Fischinger geloofde dat deze abstracte beelden dezelfde impact konden bereiken als muzikale composities, dus was het met dat doel dat hij het werk leidde.

Oskar Fischinger - still uit Compositie in Blauw, 1935, © Center for Visual Music

De schilderijen

Compositie in Blauw verwierf internationale erkenning. Door het succes ervan kon Fischinger in 1936 naar Amerika komen, waar hij verschillende functies in Hollywood bekleedde voor Paramount, Walt Disney en andere studio's. Maar hij leerde al snel over de kloof die bestaat tussen de idealistische doelen van kunstenaars en die van commerciële filmproductiebedrijven. Omdat hij de financiële steun niet kon vinden om zijn puur artistieke animatiewerk voort te zetten, werd Fischinger uiteindelijk gedwongen om de film op te geven. In plaats daarvan richtte hij in de late jaren 1940 veel van zijn aandacht op zijn uitvinding, de Lumigraph. En ironisch genoeg bracht hij de laatste 15 jaar van zijn leven door als schilder.

De schilderijen die Fischinger heeft gemaakt, zijn opmerkelijk in hun variëteit. Net als zijn eerdere animaties lijken ze de abstracte visuele taal van elke andere abstracte kunstenaar van de 20e eeuw te bevatten. Maar dit zijn geen afgeleide werken. Integendeel, de meeste van deze beelden zijn door Fischinger geïnitieerd lang voordat kunstenaars als Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis en Kenneth Noland ze op eigen kracht ontdekten. En in tegenstelling tot de verwachtingen, nemen zijn schilderijen, in plaats van iets weg te nemen van zijn films, kracht weg van zijn ideeën over muziek en beelden en de effecten van het ervaren ervan in de tijd. Elk schilderij is een vastgelegd moment—een geïsoleerd fragment van een grotere ervaring. Ze in zijn films te zien, neemt ons mee op een reis. Ze in zijn schilderijen te zien, laat ons ze waarderen als connaisseurs.

Oskar Fischinger - still uit Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

Slechtste eerbetoon ooit

Oskar Fischinger was duidelijk een pionier, dus het is geen verrassing dat mensen vaak eerbetoon aan hem en zijn prestaties willen betuigen. Maar afgelopen juni, op wat zijn 117e verjaardag zou zijn geweest, "bracht" Google een eerbetoon aan Fischinger met een Google Doodle—een van die interactieve afleidingen die Google gebruikers op zijn zoekpagina aanbiedt. De doodle gaf bezoekers de kans om een muzikale-visuele compositie te veranderen door op het scherm te klikken. Hoewel het vermakelijk was, was het een absurde eerbetoon aan Fischinger. Fischinger zei ooit in verband met zijn ervaringen in Hollywood: “Geen enkele verstandige creatieve kunstenaar kan een verstandige kunstwerk creëren als een team van medewerkers van allerlei soorten elk zijn of haar zegje heeft in de uiteindelijke creatie... Ze veranderen de ideeën, doden de ideeën voordat ze geboren zijn, voorkomen dat ideeën geboren worden, en vervangen de absolute creatieve motieven alleen door goedkope ideeën die passen bij de laagste gemene deler."

Hoe Google dacht dat een hoogbetaalde programmeur die voor een commerciële fabriek werkt, deze kunstenaar eer kon bewijzen door letterlijk iedereen met een internetverbinding een "stem in de uiteindelijke creatie" te geven, is onbekend. Elders gaat er iets verloren in de vertaling. Maar zal de rest van de mensheid ooit in de buurt komen van Oskar Fischinger? Misschien. Het is niet moeilijk te begrijpen wat Fischinger voor ons bedoelde met zijn werk. Hij bedoelde dat we het moesten gebruiken voor spirituele en emotionele voeding. Misschien is de beste manier om hem eer te bewijzen niet door het creëren van domme gezelschapsspellen, of door zijn prestaties te reduceren tot uitspraken zoals: "Wauw, hij deed dat allemaal zonder computer?!" In plaats daarvan zouden we hem misschien de erkenning moeten geven die hij verdient als kunstenaar, filosoof en dichter en proberen de diepere bedoeling van zijn werk te begrijpen, dat ons oproept om opnieuw verbinding te maken met de verborgen mysteries die onze verschillende, en nog steeds vrij verkeerd begrepen, zintuiglijke krachten verbinden.

Google viert de 117e verjaardag van Oskar Fischinger, © Google

Uitgelichte afbeelding: Oskar Fischinger - still uit Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.

Door Phillip Barcio