De Betoverende Animaties van Oskar Fischinger

Dit jaar is het 50-jarig jubileum van de dood van Oskar Fischinger, een vooruitziende genie die dichterbij kwam dan welke andere kunstenaar ook om de raadselachtige, abstracte overeenkomsten tussen muziek en beelden uit te drukken. Door zijn geanimeerde films bracht Fischinger de visuele talen van vormen, lijnen en kleuren in verband met de muzikale taal van noten, ritmes, harmonieën en dissonanten. Met zijn uitvinding van de Lumigraph, een lichtgevend apparaat dat met de hand werd bediend zoals een muziekinstrument, toonde hij het potentieel aan voor esthetisch-emotionele verbindingen die kunnen ontstaan door geïmproviseerde, dynamische kleurcomposities gespeeld op een machine. En via zijn schilderijen bracht hij de verhoogde conceptuele lagen die verborgen zijn in zijn bewegende beelden over door ze te bevriezen op vereenvoudigde, tweedimensionale oppervlakken. Ondertussen legde hij gedurende zijn hele carrière in geschriften en toespraken zijn artistieke bedoelingen grondig uit. “Ik wil dat dit werk voldoet aan de geestelijke en emotionele behoeften van onze tijd,” schreef hij in 1950. “Want er is iets wat we allemaal zoeken—iets waar we een leven lang naar streven...hopend...dat op een dag, misschien, iets zal worden onthuld, voortkomend uit het onbekende, iets dat de Ware Schepping: de Creatieve Waarheid! zal onthullen”

Oskar Fischinger: Een geboren kunstenaar

Sommige kunstenaars worden gemaakt; anderen worden geboren. Oskar Fischinger heeft nooit kunst gestudeerd op school. Geboren in 1900 in Hessen, Duitsland, werd hij, net als de meeste leden van zijn generatie, als tiener opgeroepen voor militaire dienst. Maar vanwege zijn slechte lichamelijke conditie hoefde hij niet te vechten voor Duitsland in de oorlog. In plaats daarvan nam hij een baan aan in een orgelfabriek. Die vroege kennismaking met de mechanismen van muzikale creatie zou later van groot belang blijken voor Fischinger, vooral in combinatie met de technische opleiding die hij na de oorlog kon volgen, toen zijn familie naar Frankfurt verhuisde. Misschien waren deze ervaringen niet typisch voor iemand die bestemd was een groot kunstenaar te worden, maar ze waren creatief van aard, en zoals het bleek, perfect voor het lot dat deze bijzondere kunstenaar te wachten stond.

In 1921 maakte Fischinger kennis met de avant-gardistische Duitse filmregisseur Walter Ruttman. Ruttman was een van de weinige kunstenaars die experimenteerden met film als een abstract medium, waarbij ze onderzochten hoe het kon samenwerken met andere kunstvormen. Fischinger raakte geïnspireerd door het werk van Ruttman en dankzij zijn mechanische en technische achtergrond slaagde hij erin Ruttman op zijn beurt te imponeren. Dat deed hij door de uitvinding van een mechanisch animatieapparaat: een “was snijmachine.” Nadat Ruttman over het apparaat had gehoord, was hij zo onder de indruk dat hij Fischinger vroeg om de rechten om het te gebruiken. Fischinger verleende de rechten op zijn machine aan Ruttman en verhuisde daarna naar München, waar hij toegang kreeg tot meer apparatuur, wat hem in staat stelde verder te experimenteren op eigen kracht.

Oskar Fischinger - still uit Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

De films

Terwijl hij in München was, maakte Fischinger enkele van zijn vroegste films. In plaats van de realistische wereld na te bootsen, onderzochten ze de andere manieren waarop licht en geluid konden samenwerken in een bewegend beeld. In 1926 schreef hij een van zijn belangrijkste essays, getiteld Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, of Een nieuwe kunst: ruimtelijk lichtmuziek. Hoewel het lijkt alsof het tijdens zijn leven nooit is gepubliceerd, is het nu in bezit van The Center for Visual Music in Los Angeles, dat het werk van Fischinger beheert, inclusief zijn films en documenten. De gedachten die Fischinger in dit essay uitte, samen met de prestaties die zichtbaar zijn in zijn vroege films, plaatsen Fischinger in het filosofische gezelschap van kunstenaars zoals Wassily Kandinsky, die sterk geloofden in het vermogen van niet-figuratieve beelden om spiritueel te communiceren op hetzelfde abstracte niveau als muziek. Maar door zich te richten op films in plaats van schilderijen, kon Fischinger een essentieel verschil tussen muziek en beelden begrijpen: dat muziek, in tegenstelling tot statische beelden, zich in de tijd afspeelt.

Een enkele noot die slechts een moment duurt, heeft niet hetzelfde emotionele effect op een luisteraar als een symfonie die een uur lang wordt gespeeld. En hetzelfde geldt voor beelden. Een enkele visuele compositie op een schilderij heeft niet hetzelfde emotionele effect op een kijker als een visuele compositie die zich in de loop van de tijd ontvouwt in een bewegend beeld. Door die eenvoudige gedachte toe te passen, bracht Fischinger de volgende twee decennia door met het maken van enkele van de meest baanbrekende abstracte, geanimeerde films ooit gemaakt. Sommige waren op muziek gezet en worden wel de eerste muziekvideo’s genoemd. Maar ze waren totaal anders dan de muziekvideo’s zoals we die nu kennen. Ze waren alleen op muziek gezet om de overeenkomsten te onderzoeken in de manier waarop visuele en muzikale composities abstract communiceren met onze hersenen.

Oskar Fischinger - still uit Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Compositie in Blauw

In 1935, terwijl hij in Berlijn woonde, voltooide Oskar Fischinger wat velen beschouwen als zijn meesterwerk: een film getiteld Compositie in Blauw. Gefilmd op 35 mm kleurenfilm, is de korte animatiefilm gezet op een melodie uit De vrolijke wijven van Windsor, een opera van de Duitse componist Otto Nicolai, gebaseerd op het gelijknamige toneelstuk van William Shakespeare. Door de hele film dansen levendig gekleurde, abstracte vormen perfect synchroon met de muziek. De achtergrond lijkt te verschuiven van twee naar drie dimensies en stort vaak in zichzelf in, transformeert in een eindeloze, speelse visuele verrukking.

Een opmerkelijk aspect van Compositie in Blauw is hoe het gemaakt is. Fischinger bouwde elk van die kleine dansende vormen met de hand. Het zijn beschilderde modellen, zorgvuldig bewogen terwijl de film werd opgenomen, frame voor frame. Elk bevroren frame zou, onder andere omstandigheden, een abstract schilderij kunnen zijn. Of, als hij had gewild, had elke compositie vóór het filmen als een sculpturale installatie kunnen worden beschouwd. Maar het was alleen in beweging, zich ontvouwend in de loop van de tijd, dat Fischinger geloofde dat deze abstracte beelden dezelfde impact konden hebben als muzikale composities, en daarom richtte hij het werk daarop.

Oskar Fischinger - still uit Compositie in Blauw, 1935, © Center for Visual Music

De schilderijen

Compositie in Blauw kreeg internationale erkenning. Mede dankzij het succes daarvan kon Fischinger in 1936 naar Amerika komen, waar hij verschillende functies vervulde in Hollywood bij Paramount, Walt Disney en andere studio’s. Maar hij ontdekte al snel de kloof die bestaat tussen de idealistische doelen van kunstenaars en die van commerciële filmproductiebedrijven. Omdat hij de financiële steun miste om zijn puur artistieke animatiewerk voort te zetten, werd Fischinger uiteindelijk gedwongen de film te verlaten. Hij richtte zich in de late jaren veertig in plaats daarvan vooral op zijn uitvinding, de Lumigraph. En ironisch genoeg bracht hij de laatste 15 jaar van zijn leven door als schilder.

De schilderijen die Fischinger maakte zijn opmerkelijk in hun verscheidenheid. Net als zijn eerdere animaties lijken ze de abstracte beeldtaal te bevatten van alle andere abstracte kunstenaars van de 20e eeuw. Maar dit zijn geen afgeleide werken. Integendeel, de meeste van deze beelden werden door Fischinger al lang gemaakt voordat kunstenaars als Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis en Kenneth Noland er zelf toe kwamen. En in tegenstelling tot wat men zou verwachten, onttrekken zijn schilderijen niets aan zijn films, maar versterken ze juist zijn ideeën over muziek en beelden en de effecten van het ervaren ervan in de tijd. Elk schilderij is een vastgelegd moment—een geïsoleerd fragment van een grotere ervaring. Ze in zijn films zien neemt ons mee op reis. Ze in zijn schilderijen zien laat ons ze waarderen als kenners.

Oskar Fischinger - still uit Motion Painting nr. I, 1947, © Center for Visual Music

Slechtste eerbetoon ooit

Oskar Fischinger was duidelijk een pionier, dus het is geen verrassing dat mensen vaak eer willen betonen aan hem en zijn prestaties. Maar afgelopen juni, op wat zijn 117e verjaardag zou zijn geweest, “bracht” Google een eerbetoon aan Fischinger met een Google Doodle—een van die interactieve afleidingen die Google aanbiedt op zijn zoekpagina. De doodle gaf bezoekers de kans een muziek-visuele compositie te veranderen door op het scherm te klikken. Hoewel amusant, was het een absurd eerbetoon aan Fischinger. Fischinger zei ooit over zijn ervaringen in Hollywood: “Geen verstandig creatief kunstenaar kan een verstandig kunstwerk maken als een staf van medewerkers van allerlei aard allemaal hun zegje hebben in de uiteindelijke creatie...Ze veranderen de ideeën, doden de ideeën voordat ze geboren zijn, voorkomen dat ideeën geboren worden, en vervangen de absolute creatieve motieven door goedkope ideeën die passen bij de laagste gemene deler.”

Hoe Google dacht dat een hoogbetaalde programmeur die voor een commerciële fabriek werkt eer kon betonen aan deze kunstenaar door letterlijk iedereen met een internetverbinding een “zegje in de uiteindelijke creatie” te geven, is onbekend. Er gaat ergens iets verloren in de vertaling. Maar zal de rest van de mensheid ooit Oskar Fischinger inhalen? Misschien. Het is niet moeilijk te begrijpen wat Fischinger bedoelde dat wij met zijn werk moesten doen. Hij wilde dat wij het gebruikten voor geestelijke en emotionele voeding. Misschien is de beste manier om eer te betonen aan zijn nalatenschap niet door het maken van dwaze spelletjes, of door zijn prestaties te reduceren tot uitspraken als: “Wauw, hij deed dat allemaal zonder computer?!” In plaats daarvan zouden we hem misschien moeten erkennen als kunstenaar, filosoof en dichter en proberen het diepere doel van zijn werk te begrijpen, dat ons oproept om opnieuw verbinding te maken met de verborgen mysteries die onze uiteenlopende, en nog steeds grotendeels onbegrepen, zintuiglijke vermogens binden.

Google viert 117e verjaardag van Oskar Fischinger, © Google

Uitgelichte afbeelding: Oskar Fischinger - still uit Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt

Door Phillip Barcio