Wat was de dematerialisatie van het kunstobject?

Lucy Lippard—reus van de Amerikaanse kunstkritiek, auteur van meer dan 20 boeken, en medeoprichter van Printed Matter, de quintessentiale verkoper van boeken gemaakt door kunstenaars—werd dit jaar 80. Ondanks haar vele andere prestaties is Lippard het meest bekend om “The Dematerialization of Art,” een essay dat ze in 1968 samen met John Chandler schreef (online beschikbaar hier.) In het essay presenteerde Lippard bewijs dat kunst mogelijk een fase van pure intellectualisme ingaat, waarvan het resultaat de volledige verdwijning van het traditionele kunstobject zou kunnen zijn. Het stuk ontstond uit, en hielp de context te schetsen van, het voorgaande decennium of zo van wild inventieve conceptuele kunst, die vaak alleen maar vluchtige, niet-archiefwaardige relieken achterliet, of helemaal geen relieken behalve misschien opnames van ervaringen. Conceptuele kunstenaars waren toegewijd aan het maken van ideeën als het centrale focus van hun werk, en velen betoogden overtuigend dat de objecten die kunstenaars maken om hun ideeën uit te drukken niets meer zijn dan afvalproducten, en dat de ideeën zelf de enige dingen zijn die het overwegen waard zijn. Het essay was destijds enorm invloedrijk: zozeer dat Lippard het opvolgde met een boek genaamd Six Years, waarin ze uitgebreid bewijs van de trend analyseerde. Maar duidelijk was haar voorgevoel op de lange termijn onnauwkeurig, aangezien kunstobjecten nog steeds niet gedematerialiseerd zijn. Desondanks, ter gelegenheid van de aanstaande 50e verjaardag van de oorspronkelijke publicatie van The Dematerialization of Art, dachten we dat we even de tijd zouden nemen om dit invloedrijke essay te verkennen en te benadrukken wat er relevant aan is voor onze tijd.

De wetenschap van kunst

Lippard baseerde de kernconcepten die ze besprak in The Dematerialization of Art op een idee dat voor het eerst werd uiteengezet in een boek genaamd The Mathematical Basis of the Arts, geschreven door de Amerikaanse schilder Joseph Schillinger. In dat boek verdeelde Schillinger de hele kunstgeschiedenis in vijf categorieën van esthetische fenomenen. Eerst, legde hij uit, kwam de "pre-esthetische" fase van nabootsing. Vervolgens kwam rituele of religieuze kunst. Daarna kwam emotionele kunst. Toen rationele, empirisch gebaseerde kunst. En de vijfde, en naar verluidt "finale" esthetische fase die door Schillinger werd beschreven was "wetenschappelijk", of wat hij "post-esthetisch" noemde. Deze laatste fase, voorspelde hij, zou culmineren in de "bevrijding van het idee" en leiden tot de "desintegratie van kunst."

Terwijl ze nadacht over de evolutie van de kunst in de jaren 50 en 60, geloofde Lippard dat wat ze waarnam de opkomst was van deze vijfde fase van de kunst. En ze was enthousiast over het idee. Ze beschouwde dematerialisatie als een positieve, vitale verschuiving. Immers, als het esthetische object kon ophouden te bestaan als de centrale focus van de kunst, dan kon de kunst worden bevrijd van commodificatie, het vaak vreselijke systeem dat zoveel destructieve kracht uitoefent op het leven en het werk van veel kunstenaars.

Joseph Schillinger - Groene Vierkanten, uit de serie, De Wiskundige Basis van de Kunsten, ca. 1934, tempera op papierboard, Smithsonian, foto via rendaan.com

De Wetenschap van Grondstoffen

Als bewijs dat dematerialisatie was begonnen, noemde Lippard bewegingen zoals Light and Space, die visueel van aard waren maar niet object-gebaseerd, en Minimalisme, dat het esthetische object drastisch vereenvoudigde. Dergelijke bewegingen geloofde ze de betekenis van het visuele aspect van een kunstwerk verminderden, waarbij het visuele meer werd gedefinieerd als een springplank voor een immateriële, intellectuele ervaring. Maar een van de vroege, en voor de hand liggende, kritieken op De Dematerialisatie van Kunst was dat, hoewel deze ephemerale, conceptuele ideeën minder object-gebaseerd waren, ze toch resulteerden in fysieke fenomenen. Zelfs een performancekunstenaar creëert een ding—een performance—die kan worden verkocht als een ervaring, of opgenomen.

Ongeacht hoe klein een relikwie is dat een kunstenaar creëert, het kan gefetisjiseerd worden en verhandeld als een handelswaar. De enige manier om de mogelijkheid van commodificatie volledig te vermijden, is om nooit een idee te delen: dan kan misschien de eerbied en heiligheid van de intellectuele ervaring behouden blijven. Maar alleen gedeelde ideeën kunnen echt kunst worden genoemd. En zodra een idee wordt gedeeld, kan het worden bezeten, gemanipuleerd en op andere manieren worden uitgedrukt, of met andere woorden, gematerialiseerd. En zodra iets gematerialiseerd is, kan het als een handelswaar worden gekocht en verkocht.

Joseph Schillinger - Onvoltooid Studie in Ritme, Serie ontwikkeld uit De Wiskundige Basis van de Kunsten, ca. 1934, krijt en potlood op illustratiebord, blad: 14 7/8 x 19 7/8 inch (37,78 x 50,48 cm), Collectie Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

De vijf fasen

Het herlezen van The Dematerialization of Art vandaag, de enige echte fout die evident lijkt, is hoe het de vijf fasen van kunst presenteert, zoals uitgelegd door Schillinger, als iets lineairs. Het is altijd verleidelijk voor elke generatie om zichzelf te zien als staande aan de voorhoede van de moderniteit. Schillinger dacht dat kunst historisch was voortgeschreden door fasen, en Lippard dacht dat zij deel uitmaakte van de generatie die kunst naar zijn evolutionaire apex voortstuwde. Maar de tijd beweegt niet vooruit; hij verstrijkt gewoon. Cultuur is niet lineair; het herhaalt zichzelf. De mensheid devolueert even snel als dat het evolueert. En de waarheid was in de jaren '60 en '70, en is het nog steeds vandaag, dat kunstenaars manieren vinden om te dematerialiseren even snel als anderen herontdekken hoe ze het kunnen materialiseren.

Uiteindelijk moet Lippard dit ook hebben gerealiseerd, zelfs terwijl ze over het onderwerp dematerialisatie schreef, omdat haar essay eindigt met de vraag of het zogenaamde nulpunt in de kunst waarschijnlijk binnenkort zal worden bereikt. Het antwoord, zegt ze, is: "Het lijkt nauwelijks waarschijnlijk." Zelfs vandaag de dag, terwijl kunstenaars virtuele creaties verkopen die alleen in digitale ruimte bestaan, kunnen we nog steeds beargumenteren dat dematerialisatie een fantasie is. Alles wat kan worden gezien is per definitie materieel, zelfs als het alleen kan worden gezien door virtual reality-brillen. Maar naar onze mening bewijst dat alleen maar dat het misschien nooit echt de bedoeling was om dematerialisatie te bereiken. Het punt dat Lippard werkelijk maakte, was simpelweg dat een belangrijk aspect van visuele kunst is om onvermoeibaar te zoeken naar manieren om meer met minder uit te drukken. Elke kunstenaar die werkt aan dematerialisatie werkt ook aan eenvoud. En eenvoud leidt tot de ontdekking van wat echt onmisbaar is, en dus echt betekenisvol. Dat is zeker niet de laatste fase van kunst. Maar het is er een die ons in staat is te herinneren wat de waarde van kunst werkelijk is.

Uitgelichte afbeelding: Joseph Schillinger - Red Rhythm (detail), Serie ontwikkeld uit The Mathematical Basis of Ars, ca. 1934, gouache op papier, afbeeldingsgebied: 8 x 11 15/16 inch (20,32 x 30,32 cm); blad: 10 1/2 x 13 7/8 inch (26,67 x 35,24 cm), Collectie Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.

Door Phillip Barcio