Wat was de dematerialisatie van het kunstobject?

Lucy Lippard—reus van de Amerikaanse kunstkritiek, auteur van meer dan 20 boeken, en medeoprichter van Printed Matter, de toonaangevende verkoper van boeken gemaakt door kunstenaars—werd dit jaar 80. Ondanks haar vele andere prestaties is Lippard vooral bekend van “De Dematerialisatie van Kunst,” een essay dat ze in 1968 samen met John Chandler schreef (online beschikbaar hier). In het essay presenteerde Lippard bewijs dat kunst mogelijk een fase van puur intellectueel denken ingaat, waarvan het resultaat de volledige verdwijning van het traditionele kunstvoorwerp zou kunnen zijn. Het stuk groeide voort uit, en hielp de voorgaande tien jaar van buitengewoon vindingrijke conceptuele kunst te plaatsen, die vaak slechts vluchtige, niet-archiefwaardige overblijfselen achterliet, of helemaal geen overblijfselen behalve misschien opnames van ervaringen. Conceptuele kunstenaars waren toegewijd aan het maken van ideeën als het centrale punt van hun werk, en velen betoogden overtuigend dat de voorwerpen die kunstenaars maken om hun ideeën uit te drukken niets anders zijn dan afvalproducten, en dat de ideeën zelf de enige dingen zijn die de moeite waard zijn om te overwegen. Het essay was destijds enorm invloedrijk: zozeer zelfs dat Lippard het opvolgde met een boek genaamd Zes Jaar, waarin ze uitgebreid bewijs van de trend analyseerde. Maar uiteraard was haar voorgevoel op de lange termijn onjuist, aangezien kunstvoorwerpen nog steeds niet zijn verdwenen. Niettemin, ter viering van het aanstaande 50-jarig jubileum van de oorspronkelijke publicatie van De Dematerialisatie van Kunst, dachten we dat het goed was om even stil te staan bij dit invloedrijke essay en te benadrukken wat eraan relevant is voor onze tijd.

De Wetenschap van Kunst

Lippard baseerde de kernbegrippen die ze besprak in De Dematerialisatie van Kunst op een idee dat eerst werd uiteengezet in een boek genaamd De Wiskundige Basis van de Kunsten, geschreven door de Amerikaanse schilder Joseph Schillinger. In dat boek verdeelde Schillinger de hele kunstgeschiedenis in vijf categorieën van esthetische verschijnselen. Eerst, legde hij uit, kwam de “pre-esthetische” fase van nabootsing. Daarna kwam rituele of religieuze kunst. Vervolgens emotionele kunst. Daarna rationele, op ervaring gebaseerde kunst. En dan de vijfde, en zogenaamd “laatste” esthetische fase die Schillinger beschreef, was “wetenschappelijk,” of wat hij noemde “post-esthetisch.” Deze laatste fase, voorspelde hij, zou uitmonden in de “bevrijding van het idee” en leiden tot de “ontbinding van kunst.”

Terwijl ze nadacht over de evolutie van kunst in de jaren 50 en 60, geloofde Lippard dat ze getuige was van het ontstaan van deze vijfde fase van kunst. En ze was enthousiast over dat idee. Ze beschouwde dematerialisatie als een positieve, vitale verschuiving. Immers, als het esthetische voorwerp kon ophouden te bestaan als het centrale punt van kunst, dan kon kunst worden bevrijd van verhandelbaarheid, het vaak verachtelijke systeem dat zoveel vernietigende kracht uitoefent op het leven en werk van veel kunstenaars.

Joseph Schillinger - Groene Vierkanten, uit de serie De Wiskundige Basis van de Kunsten, ca. 1934, tempera op karton, Smithsonian, foto via rendaan.com

De Wetenschap van Goederen

Als bewijs dat dematerialisatie was begonnen, noemde Lippard bewegingen zoals Light and Space, die visueel van aard waren maar niet op voorwerpen gebaseerd, en Minimalisme, dat het esthetische voorwerp drastisch terugbracht. Zulke bewegingen, geloofde ze, verminderden het belang van het visuele aspect van een kunstwerk, waarbij het visuele meer werd gezien als een vertrekpunt voor een onstoffelijke, intellectuele ervaring. Maar een van de vroege, en voor de hand liggende, kritieken op De Dematerialisatie van Kunst was dat hoewel deze vluchtige, conceptuele ideeën minder op voorwerpen waren gebaseerd, ze toch nog steeds resulteerden in fysieke verschijnselen. Zelfs een performancekunstenaar creëert iets—een uitvoering—die verkocht kan worden als een ervaring, of opgenomen.

Hoe klein ook het overblijfsel is dat een kunstenaar maakt, het kan worden verafgood en verhandeld als een goed. De enige manier om de mogelijkheid van verhandelbaarheid volledig te vermijden is om een idee nooit te delen: dan kan misschien de eerbied en heiligheid van de intellectuele ervaring worden bewaard. Maar alleen gedeelde ideeën kunnen echt kunst worden genoemd. En zodra een idee wordt gedeeld, kan het worden bezeten, gemanipuleerd en op andere manieren uitgedrukt, of met andere woorden, gematerialiseerd. En zodra iets gematerialiseerd is, kan het worden gekocht en verkocht als een goed.

Joseph Schillinger - Onvoltooide Studie in Ritme, serie ontwikkeld vanuit De Wiskundige Basis van de Kunsten, ca. 1934, krijt en potlood op illustratiekarton, blad: 37,78 x 50,48 cm, Collectie Albright-Knox Kunstgalerij, Buffalo, New York

De Vijf Fasen

Bij herlezing van De Dematerialisatie van Kunst vandaag, lijkt de enige echte fout hoe het de vijf fasen van kunst, zoals uitgelegd door Schillinger, presenteert als iets lineairs. Het is altijd verleidelijk voor elke generatie om zichzelf te zien als staande aan de voorhoede van de moderniteit. Schillinger dacht dat kunst historisch door fasen heen was gegroeid, en Lippard dacht dat zij deel uitmaakte van de generatie die kunst naar haar evolutionaire hoogtepunt bracht. Maar de tijd beweegt niet vooruit; hij gaat gewoon voorbij. Cultuur is niet lineair; ze herhaalt zich. De mensheid gaat net zo snel achteruit als vooruit. En de waarheid was in de jaren 60 en 70, en is dat nog steeds vandaag, dat kunstenaars manieren vinden om te dematerialiseren net zo snel als anderen ontdekken hoe ze het kunnen materialiseren.

Uiteindelijk moet Lippard dit ook hebben ingezien terwijl ze over dematerialisatie schreef, want haar essay eindigt met de vraag of het zogenaamde nulpunt in kunst binnenkort waarschijnlijk zal worden bereikt. Het antwoord, stelt ze, is: “Het lijkt nauwelijks waarschijnlijk.” Zelfs vandaag, terwijl kunstenaars virtuele creaties verkopen die alleen in digitale ruimte bestaan, kunnen we nog steeds beweren dat dematerialisatie een droombeeld is. Alles wat gezien kan worden is per definitie materieel, ook al kan het alleen worden gezien door een virtuele realiteitsbril. Maar naar onze mening bewijst dat alleen maar dat het misschien nooit echt de bedoeling was om dematerialisatie te bereiken. Het punt dat Lippard werkelijk maakte, was simpelweg dat een belangrijk aspect van beeldende kunst is om onvermoeibaar te zoeken naar manieren om meer met minder uit te drukken. Elke kunstenaar die naar dematerialisatie streeft, werkt ook aan eenvoud. En eenvoud leidt tot de ontdekking van wat werkelijk onmisbaar is, en dus werkelijk betekenisvol. Dat is zeker niet de laatste fase van kunst. Maar het is er wel een die ons kan herinneren aan wat de waarde van kunst werkelijk is.

Uitgelichte afbeelding: Joseph Schillinger - Rood Ritme (detail), serie ontwikkeld vanuit De Wiskundige Basis van de Kunsten, ca. 1934, gouache op papier, beeldvlak: 20,32 x 30,32 cm; blad: 26,67 x 35,24 cm, Collectie Albright-Knox Kunstgalerij, Buffalo, New York

Alle afbeeldingen worden alleen ter illustratie gebruikt

Door Phillip Barcio