Waarom Naum Gabo Instrumentaal Was voor de Beeldhouwkunst van de 20e Eeuw

Naum Gabo was een van de essentiële “belangrijke kunstenaars” van de 20e eeuw. Hij werd gevormd door zijn tijd, en hij ontwikkelde een artistieke positie die zijn tijd, en de onze, op haar beurt vormgaf. Wat zijn bijdrage bijzonder indrukwekkend maakt, is dat hij omstandigheden meemaakte die iemand gemakkelijk somber hadden kunnen maken. Maar in plaats van toe te geven aan depressie of nederlaag, ontdekte hij de manieren waarop kunst het dagelijks leven kruist, en creëerde werk dat zijn kijk op het leven en die van velen verbeterde. Bovendien behoorde Gabo tot de generatie kunstenaars die zich voorstelden dat een kunstenaar niet gebonden hoeft te zijn aan één bepaald soort creatieve uiting. De werken die Gabo maakte, beslaan vele disciplines, van beeldhouwkunst tot schilderkunst, architectuur en theaterontwerp. Hij zag de kunstenaar niet als een geïsoleerd figuur alleen in een kamer met zijn genialiteit, maar als een sociaal betrokken creatieve ambassadeur, iemand wiens verbeelding een kanaal kon zijn voor de verspreiding van een breed scala aan ervaringen en ideeën. Pionier van het constructivisme; sleutelfiguur van Abstraction-Création; baanbreker van kinetische kunst; Gabo is werkelijk een voorbeeld voor kunstenaars van elke generatie over hoe ze niet alleen zichzelf kunnen uitdrukken met hun werk, maar ook hoe ze hun werk en zichzelf kunnen verweven in het weefsel van hun cultuur.

De weg naar het constructivisme

Geboren in een gezin met zeven kinderen in Bryansk, Rusland, werd Gabo op veertienjarige leeftijd van school gestuurd omdat hij “ondermijnende” poëzie schreef. Op vijftienjarige leeftijd maakte hij de gruwelen van de anderhalf jaar durende Russische Revolutie van 1905 van dichtbij mee. De aanblik van arbeiders die op straat werden geslagen, verstevigde zijn bewustzijn als sociale revolutionair en buitenbeentje. Maar op die jonge leeftijd was Gabo nog geen kunstenaar. Zijn eerste kennismaking met kunst was pas toen hij in de twintig was. Op eenentwintigjarige leeftijd schreef hij zich in aan de medische faculteit, omdat hij zei dat hij zijn moeder wilde kunnen genezen, die last had van hoofdpijn. Al snel veranderde hij van richting en wisselde snel van studie, eerst wiskunde, daarna natuurwetenschappen, filosofie en techniek. Pas toen hij in 1912 een kunstgeschiedenis-cursus volgde en Over het geestelijke in de kunst van Wassily Kandinsky las, kreeg Gabo een openbaring en realiseerde hij zich hoe de kunstenaars van zijn generatie hun overtuigingen verweefden met andere aspecten van het moderne leven. Geïnspireerd om zijn creatieve leven te beginnen, verhuisde hij naar Parijs met zijn broer Antoine Pevsner, die ook kunstenaar werd.

Naum Gabo - Bronzen afgietsel van het albast in ‘Constructie met albastbewerking’, 1966. Brons en perspex. 15 × 18 1/5 × 5 1/10 inch; 38 × 46,2 × 12,9 cm. Editie 4/6. Foto met dank aan Annely Juda Fine Art, Londen

Tijdens zijn verblijf in Parijs bezocht Gabo de Salon des Indépendants en raakte hij in contact met het werk van de toonaangevende abstracte en modernistische kunstenaars van zijn generatie. Die ervaring veranderde zijn opvattingen over wat kunst sociaal en politiek kon bereiken. Hij begon figuratieve beelden te maken, maar kwam al snel tot de conclusie dat de ouderwetse methoden van de historische kunst “dood” waren. Samen met zijn broer publiceerde Gabo in 1920 het Realistisch Manifest. Het verwerpt het verleden ten gunste van de toekomst, verwerpt kleur als beeldend element; wijst lijn af als een denkbeeldig, grafisch element; ontkent volume ten gunste van de “continue diepte” van de werkelijkheid; verwerpt massa als beeldhouwkundig vereiste; en verwerpt statische kunst ten gunste van “de kinetische ritmes.” Het eindigt met de verklaring dat, “Kunst geroepen is de mens overal te vergezellen waar zijn onvermoeibare leven zich afspeelt en handelt: aan de werkbank, op kantoor, aan het werk, in rust en in vrije tijd; werkdagen en feestdagen, thuis en onderweg, zodat de levensvlam in de mens niet dooft.” Toen hij deze epische proclamatie publiceerde, was Gabo dertig jaar oud. Hij had al een episch leven geleid, dat hem perfect voorbereidde om als revolutionair tevoorschijn te komen in de wereld van de abstracte kunst van het begin van de 20e eeuw.

Naum Gabo - Sferisch thema: zwarte variant, 1937. Transparant rhodoïde en zwart celluloid.
Diameter 16 7/10 inch; diameter 42,5 cm. Foto met dank aan Galerie Natalie Seroussi

Ruimte scheppen

Een belangrijk idee dat Gabo aan de geschiedenis van de beeldhouwkunst toevoegde, was dat een massa niet hoeft te worden uitgehouwen of gegoten om een beeldhouwwerk te laten ontstaan. Zijn methode was die van “bouwen,” het opbouwen van een vorm uit uiteenlopende elementen op een manier die ruimte laat bestaan tussen de elementen—een van de betekenissen van de term constructivisme. Een andere betekenis van dat woord, constructivisme, heeft te maken met het letterlijk creëren van kunst die constructief is, wat betekent dat het nuttig is voor de samenleving. Gabo geloofde dat zijn methode van het bouwen van beelden ook aan die beschrijving voldeed, omdat het het idee van ruimte belichaamde, een modern idee dat door Albert Einstein werd uitgedrukt in zijn Algemene relativiteitstheorie, die in 1915 werd gepubliceerd, en tijd, een element dat Gabo toevoegde aan zijn kinetische werken, omdat hij beweging zag als zowel een letterlijke als een artistieke uitdrukking van het verstrijken van momenten.

Naum Gabo - Lineaire constructie in ruimte nr. 1, 1943. Lucite met nylondraad.
24 1/8 × 24 1/4 × 9 7/8 inch; 61,3 × 61,6 × 25,1 cm. Phillips Collectie

Toen Gabo terugkeerde naar Rusland, waar hij hoopte zijn constructivistische ideeën tot volle wasdom te brengen ten dienste van zijn vaderland, kreeg het tijdperk van het socialistisch realisme steeds meer kracht. Zijn abstracte werk was van geen waarde voor zijn thuisland, dus werd hij opnieuw gedwongen te reizen. Hij bracht tijd door in Duitsland, waar hij bevriend raakte met sleutelfiguren van het Bauhaus; in Parijs, waar hij decors en kostuums voor het ballet ontwierp en bevriend raakte met kunstenaars als Piet Mondriaan; en in Engeland, waar hij bevriend raakte met leden van de St. Ives School, zoals Barbara Hepworth en Ben Nicholson. Uiteindelijk, na de Tweede Wereldoorlog, kwam Gabo naar Amerika, waar hij zijn esthetische positie bleef ontwikkelen tot zijn dood in 1977. Het werk dat hij naliet is zowel een uitvloeisel van zijn ervaringen als een reactie daarop. Zijn visie was gevormd door het idee dat de menselijke beschaving historisch gezien niet meer was dan chaos en geweld. Hij toonde met zijn kunst aan dat oppervlakkige zaken minder belangrijk zijn dan innerlijke substantie en universele ritmes. Zijn belang ligt niet alleen in de uniekheid van zijn esthetische visie, maar ook in de wijze waarop zijn werk laat zien hoe abstracte kunst kan samenleven met het dagelijks leven ten dienste van een meer harmonieuze wereld.

Afbeelding in de kijker: Naum Gabo - Wit steen, 1963-1964. Lichtgrijs marmer op zwart beschilderd marmer. 18 1/10 × 23 1/5 inch; 46 × 59 cm. Foto met dank aan Annely Juda Fine Art, Londen.

Door Phillip Barcio