Waarom Naum Gabo Instrumentaal Was voor de Beeldhouwkunst van de 20e Eeuw

Naum Gabo was een van de essentiële "belangrijke kunstenaars" van de 20e eeuw. Hij werd gevormd door zijn tijd, en hij ontwikkelde een artistieke positie die zijn tijd, en de onze, in ruil daarvoor vormde. Wat zijn bijdrage bijzonder indrukwekkend maakt, is dat hij omstandigheden heeft doorstaan die iemand gemakkelijk somber hadden kunnen maken. Maar in plaats van te bezwijken voor depressie of nederlaag, ontdekte hij de manieren waarop kunst samenviel met het dagelijks leven, en creëerde hij werk dat zijn kijk op de wereld en die van velen anderen verbeterde. Bovendien maakte Gabo deel uit van de generatie kunstenaars die zich voorstelde dat een kunstenaar niet gebonden hoeft te zijn aan één bepaald type creatieve uitlaatklep. De werken die Gabo creëerde beslaan vele disciplines, van beeldhouwkunst tot schilderkunst, van architectuur tot theaterontwerp. Hij zag de kunstenaar niet als een geïsoleerde figuur alleen in een kamer met zijn genialiteit, maar als een sociaal betrokken creatieve ambassadeur, wiens verbeelding een kanaal kon zijn voor de verspreiding van een breed scala aan ervaringen en concepten. Constructivistische pionier; sleutellid van Abstraction-Création; baanbreker van kinetische kunst; Gabo is werkelijk een voorbeeld voor kunstenaars van elke generatie van hoe je niet alleen jezelf kunt uitdrukken met je werk, maar ook hoe je je werk en jezelf kunt integreren in de weefsel van je cultuur.

De Weg naar Constructivisme

Gebo geboren in een gezin van zeven kinderen in Bryansk, Rusland, werd Gabo op 14-jarige leeftijd van school gestuurd, omdat hij "subversieve" poëzie schreef. Op 15-jarige leeftijd was hij getuige van de gruwelen tijdens de anderhalf jaar durende Russische Revolutie van 1905. De beelden die hij zag van arbeiders die op straat werden geslagen, verstevigden zijn bewustzijn als sociaal revolutionair en een vrijdenker. Maar op zo'n jonge leeftijd was Gabo nog geen kunstenaar. Zijn eerste kennismaking met kunst vond pas plaats toen hij in zijn 20-er jaren was. Op 21-jarige leeftijd schreef hij zich in voor de medische school, met de uitspraak dat hij zijn moeder, die aan hoofdpijn leed, wilde kunnen genezen. Hij veranderde al snel van focus, en bewoog zich snel tussen vakken, waarbij hij eerst wiskunde, daarna wetenschap, filosofie en techniek studeerde. Pas toen hij in 1912 een cursus kunstgeschiedenis volgde en Over het Spirituele in de Kunst van Wassily Kandinsky las, had Gabo een openbaring en realiseerde hij zich hoe de kunstenaars van zijn generatie hun overtuigingen met andere aspecten van het moderne leven intersecteerden. Geïnspireerd om zijn creatieve leven te beginnen, verhuisde hij naar Parijs met zijn broer, Antoine Pevsner, die ook een kunstenaar aan het worden was.

Naum Gabo - Bronzen Gietsel van het Alabaster in ‘Constructie met Alabaster Beeldhouwwerk’, 1966. Brons en perspex. 15 × 18 1/5 × 5 1/10 in; 38 × 46,2 × 12,9 cm. Editie 4/6. Foto met dank aan Annely Juda Fine Art, Londen.

Tijdens zijn verblijf in Parijs bezocht Gabo de Salon des Indépendants en maakte hij kennis met het werk van de toonaangevende abstracte en modernistische kunstenaars van zijn generatie. Die ervaring transformeerde zijn opvattingen over wat kunst sociaal en politiek kon bereiken. Hij begon figuratieve sculpturen te maken, maar kwam al snel tot de conclusie dat de ouderwetse methoden van de historische kunst "dood" waren. Samen met zijn broer publiceerde Gabo in 1920 het Realistic Manifesto. Het verwerpt het verleden ten gunste van de toekomst, verwerpt kleur als een picturaal element; wijst lijn af als een denkbeeldig, grafisch element; verwerpt volume ten gunste van de "continue diepte" van de realiteit; wijst massa af als een sculpturale noodzaak; en verwerpt statische kunst ten gunste van "de kinetische ritmes." Het eindigt met de verklaring dat, "Kunst is geroepen om de mens overal te vergezellen waar zijn onvermoeibare leven zich afspeelt en handelt: aan de werkbank, op kantoor, op het werk, in rust en in vrije tijd; werkdagen en feestdagen, thuis en onderweg, zodat de vlam van het leven niet dooft in de mens." Op het moment dat hij deze epische proclamatie publiceerde, was Gabo 30 jaar oud. Hij had al een episch leven geleid, een leven dat hem perfect voorbereidde om als een revolutionair naar voren te komen in de wereld van de vroege 20e-eeuwse abstracte kunst.

Naum Gabo - Sferisch thema: zwarte variatie, 1937. Transparant rhodoïde en zwarte celluloid.
16 7/10 in diameter; 42,5 cm diameter. Foto met dank aan Galerie Natalie Seroussi

Ruimte creëren

Een belangrijk idee dat Gabo toevoegde aan de geschiedenis van de sculptuur was dat een massa niet hoeft te worden gekerfd of gegoten om een sculptuur tot stand te brengen. Zijn methode was er een van "constructie", waarbij hij een vorm opbouwde uit verschillende elementen op een manier die ruimte tussen de elementen mogelijk maakt - een betekenis van de term Constructivisme. Een andere betekenis van dat woord, constructivisme, heeft te maken met het letterlijk creëren van kunst die constructief is, wat betekent dat het utilitair of nuttig voor de samenleving is. Gabo geloofde dat zijn methode van het bouwen van sculpturen ook aan die beschrijving voldeed, aangezien het het idee van ruimte belichaamde, een modern idee dat werd uitgedrukt door Albert Einstein in zijn Algemene Relativiteitstheorie, die in 1915 werd gepubliceerd, en tijd, een element dat Gabo toevoegde aan zijn kinetische werken, aangezien hij beweging zag als zowel een letterlijke als een artistieke uitdrukking van het verstrijken van momenten.

Naum Gabo - Lineaire Constructie in Ruimte Nr. 1, 1943. Lucite met nylon draad.
24 1/8 × 24 1/4 × 9 7/8 in; 61,3 × 61,6 × 25,1 cm. Phillips Collection

Toen Gabo terugkeerde naar Rusland, waar hij hoopte zijn constructivistische ideeën tot rijpheid te brengen ten dienste van zijn thuisland, kreeg het tijdperk van het socialistisch realisme steeds meer vaart. Zijn abstracte werk had geen waarde voor zijn vaderland, dus werd hij opnieuw gedwongen om te reizen. Hij bracht tijd door in Duitsland, waar hij bevriend raakte met sleutelleden van de Bauhaus; in Parijs, waar hij decors en kostuums ontwierp voor de ballet en bevriend raakte met kunstenaars zoals Piet Mondrian; en in Engeland, waar hij bevriend raakte met leden van de St. Ives School, zoals Barbara Hepworth en Ben Nicholson. Uiteindelijk, na de Tweede Wereldoorlog, kwam Gabo naar Amerika, waar hij zijn esthetische positie bleef ontwikkelen tot hij in 1977 overleed. Het werk dat hij achterliet is zowel een uitvloeisel van zijn ervaringen als een reactie daarop. Zijn visie was gevormd vanuit het idee dat de menselijke beschaving historisch gezien niet veel meer was dan chaos en geweld. Hij toonde door middel van zijn kunst aan dat oppervlakkige dingen niet zo belangrijk zijn als innerlijke substantie en universele ritmes. Zijn belang ligt niet alleen in de uniciteit van zijn esthetische visie, maar ook in de manieren waarop zijn werk laat zien hoe abstracte kunst kan interageren met het dagelijks leven ten dienste van een harmonieuzere wereld.

Uitgelichte afbeelding: Naum Gabo - Witte Steen, 1963-1964. Lichtgrijs marmer op zwart geschilderd marmer. 18 1/10 × 23 1/5 in; 46 × 59 cm. Foto met dank aan Annely Juda Fine Art, Londen.

Door Phillip Barcio