Alain Clément: Den ultimate guiden til maleren av begjær, skulpturert farge og sensuell abstraksjon

Få samtidskunstnere har navigert i de turbulente strømningene i etterkrigstidens europeiske abstraksjon med den kompromissløse uavhengigheten, strukturelle stringensen og fysiske vitaliteten til Alain Clément. Den franske mesteren, som ble født i 1941, har brukt over seks tiår på å bygge opp et monumentalt oeuvre som elegant spenner over maleri, grafikk, kunstnerbøker og skulpturer i brettet stål.

Mens mange av samtidens kunstnere på 1960- og 1970-tallet ga etter for tørr konseptualisme eller rigide ideologiske dogmer, fulgte Clément sin egen, dypt personlige vei. Han avviste forestillingen om at abstrakt maleri må være flatt, følelsesløst eller teoretisk, og utviklet i stedet en radikal, kroppssentrert estetikk der sveipende fargebånd, arkitektonisk spenning og rå fysisk tilstedeværelse kolliderer. I dag beskriver han seg uttrykkelig som en «Lystens maler», å omsette erotisk spenning, livskraft og fysisk lidenskap til abstrakte metaforer for feminine kurver, svulmende former og bølgende arabesker.

Enten han arbeider på massive lerreter badet i middelhavslys, skjærer og bretter stålplater på flere tonn i tyske industristøperier (inntil nylig), eller trykker sjeldne kunstnerbøker for hånd, er Alain Clément fortsatt en av Frankrikes mest overbevisende nålevende mestre. Denne ultimate guiden utforsker livet hans, den banebrytende filosofien, markedsarven og den historiske donasjonen til Centre Pompidou i Paris i 2025.

Alain Clément: Kortfakta

• Født: 1941 i Neuilly-sur-Seine, Frankrike

• Primære medier: Olje på lerret, gouache på papir, malt laserskåret stålskulptur, gravering/kobberstikk, monotypier

• Tilknyttede kretser og bevegelser: Fransk etterkrigsabstraksjon, Atelier 17, Éditions Fata Morgana, ABC Productions (uavhengig og nært knyttet til Supports/Surfaces)

• Viktige ateliersteder: Nîmes, Paris, Berlin (inntil nylig)

• Viktige offentlige samlinger: Centre Pompidou (Paris), CNAP / Palais Farnèse (Roma), Carré d’Art (Nîmes), Musée Fabre (Montpellier), Hamburger Kunsthalle (Tyskland), Kunsthalle Bremen (Tyskland), Nirox Foundation (Sør-Afrika)

• Nøkkelbegreper: «Lystens maler», «den falske gesten» (Le faux geste) og det utrullede romplanet

1. Tilblivelse og intellektuelle røtter (1941–1964)

Fra modelltegning i Montparnasse til Hayters Atelier 17

Alain Clément tilbrakte sine første år i Montrouge nær Paris, og vokste opp i et etterkrigsmetropolitansk miljø som ivret etter å fornye den visuelle kulturen. Da han begynte på sin formelle kunstutdanning tidlig på 1960-tallet, gikk han bevisst utenom det tradisjonelle, ofte kvelende pensumet ved École des Beaux-Arts. I stedet valgte han to legendariske, uavhengige institusjoner som prioriterte teknisk grundighet, fysisk kontakt med materialer og hemningsløs utforskning.

Først finpusset han tegneferdighetene sine ved Académie de la Grande Chaumière i Montparnasse. Grande Chaumière var berømt for sine ukorrigerte akttegningstimer og sin frigjøring fra det akademiske hierarkiet, og lærte Clément å se på tegning ikke som en forberedende skisse til maleri, men som et autonomt språk av romlig spenning og flytende arabesker.

Deretter, tidlig på 1960-tallet, begynte Clément i Atelier 17, det verdensberømte grafikkverkstedet i Paris, ledet av den britiske mestergrafikeren Stanley William Hayter. Atelier 17 var kjent for å ha huset fremragende kunstnere fra 1930- til 1950-årene, som Pablo Picasso, Joan Miró, Max Ernst og Jackson Pollock, og forble på 1960-tallet en internasjonal smeltedigel for teknisk innovasjon, særlig innen samtidig fargeviskositetstrykk og kobberstikk. Clément trådte inn i denne historiske tradisjonen og mestret trykkpressens fysiske mekanikk.

67M1P (produsert i 1967 ved Atelier 17) – Alain Cléments personlige arkiv

Grafikk som filosofisk matrise: En analyse av «den falske gesten»

For Clément var det å lære grafikk langt mer enn å tilegne seg et håndverk: Det strukturerte hele hans livslange kreative metode.

I motsetning til spontan action painting krever dyptrykk en sekvens, ekstrem fysisk motstand og kalkulert forutseenhet. Kunstneren må tenke i trinn, beregne hvordan syre etser i kobberplaten, hvordan trykk tvinger blekk inn i fuktig papir, og hvordan mekaniske prosesser forvandler håndbevegelser. Som Clément senere skulle reflektere over, tvinger motstanden i grafikken kunstneren til å foregripe resultatene, samtidig som han aksepterer at den fysiske prosessen uunngåelig vil avspore den rene konseptuelle intensjonen og lede hånden mot uventede gjennombrudd.

Denne dobbeltheten mellom arkitektonisk forberedelse og fysisk prosess har fått kunstkritikere og historikere til å analysere arbeidet hans gjennom tolkningsbegrepet «falsk gest» (le faux geste). Selv om de modne maleriene hans virker vilt spontane, med sveipende malingsbånd som etterligner action painting, påpeker kritikere at hvert strøk er forhåndsbestemt, beregnet og arkitektonisk utformet. Gestene hans er ikke impulsive raseriutbrudd, men svært disiplinerte strukturer utført fysisk.

2. Ord, presser og offentlige rom (1964–1977)

Flyttingen sørover, Fata Morgana og Bulletin

I 1964, på jakt etter lys, rom og uavhengighet fra det parisiske kunstmiljøet, flyttet Clément til Sør-Frankrike og slo seg ned i nærheten av Montpellier og Sainte-Croix-de-Quintillargues. Han fordypet seg i tradisjonell trykking, skaffet seg tunge blytyper og lærte boktrykkets og kobberstikkets taktile fysikk.

I 1966 var han med på å grunnlegge det legendariske forlaget Éditions Fata Morgana sammen med Bruno Roy og Claude Féraud.

Tourmente – Michel Butor – Fata Morgana Editions – 1968

Clément hadde et kompromissløst syn på «kunstnerbøker». Han avviste tradisjonell illustrasjon på det sterkeste, fordi han mente at visuell kunst aldri bare skulle kopiere eller parafrasere en skrevet tekst. I stedet behandlet han trykk, gouacher og kobberstikk som selvstendige plastiske verk som eksisterer i parallell dialog med poesi. Fata Morgana utga monumentale verk med forfattere som André Breton, Roger Caillois og Michel Butor, sammen med visuelle bidrag fra Max Ernst, Joseph Sima og Pierre Alechinsky.

Cléments personlige litterære vennskap med poeten Frédéric Jacques Temple strakte seg over mer enn fem tiår og resulterte i radikale bokobjekter som L'Hiver (1966), en bok innbundet i lerret og brettet som et trekkspill, og fortsatte frem til Meschacebé (2020).

I 1971 utvidet Clément sitt teoretiske og publiseringsmessige arbeid og var med på å grunnlegge det kritiske kunsttidsskriftet Bulletin (Pratique/Peinture/Théorie) sammen med den legendariske konseptkunstneren Claude Rutault, som publiserte essays om samtidens maleriske protokoller og teori.

Avvisningen av Supports/Surfaces og grunnleggelsen av ABC Productions

På slutten av 1960-tallet var fransk kunst dominert av politisk dekonstruksjon. I 1967 stilte Clément ut sammen med kunstnerne som skulle danne den berømte Supports/Surfaces bevegelsen (blant andre Claude Viallat, Vincent Bioulès og Daniel Dezeuze), som ønsket å redusere maleriet til dets rå bestanddeler (uoppspent lerret, trestaver og rå pigmenter), ledet av en streng marxistisk-maoistisk teori.

Selv om Clément delte deres ønske om å omgå borgerlige gallerier og institusjonelle rutiner, nektet han konsekvent å slutte seg til Supports/Surfaces. Han avviste deres kalde, repetitive og avpersonifiserte analytiske metoder. I stedet insisterte Clément på å bevare individuell følelse, fysisk sensualitet, kromatisk glede og kroppslig energi i maleriet.

Utstillingen «100 Artistes dans la Ville» (1970) – Arkivfoto av Alain Clément under overtakelsen av Montpelliers offentlige gater med kunst i mai 1970

For å virkeliggjøre sin visjon om offentlig, umediert kunst uten dogmatisk ideologi var Clément med på å grunnlegge ABC Productions i 1969 sammen med Tjeerd Alkema, Jean Azémard og Vincent Bioulès. I mai 1970 arrangerte ABC Productions den legendariske gatebegivenheten «100 Artistes dans la Ville» (100 kunstnere i byen) i Montpellier. Gruppen tok over gater, plasser og historiske fasader og forvandlet en hel by til et friluftslaboratorium. Denne historiske begivenheten var så banebrytende at kurator Nicolas Bourriaud og MO.CO-museet i 2019 arrangerte en stor internasjonal jubileumsmarkering for å feire arven etter den.

3. Gjennombruddet i Nîmes, ekspresjonismen og begjærets maler (1977–1990)

Nîmes’ kall og europeisk ekspresjonisme

I 1977 begynte Clément ved Beaux-Arts de Nîmes, og flyttet permanent til den historiske romerske byen i 1979. Nîmes bød på et landskap badet i skarpt middelhavslys, omgitt av gammel romersk arkitektur (Arenaen, Maison Carrée), noe som fikk stor innflytelse på fargepaletten hans og opplevelsen av romlig skala.

Clément var direktør for Beaux-Arts de Nîmes fra 1985 til 1990, og forvandlet det til en dynamisk internasjonal institusjon. I 1990 trakk han seg imidlertid fra alle akademiske og administrative oppgaver for å vie seg fullt og helt til arbeidet i atelieret.

Alain Clément - Uten tittel - 1979/1980

I løpet av 1970- og 1980-årene sammenfattet Clément et usedvanlig bredt spekter av påvirkninger. Selv om han var dypt beveget av amerikansk abstrakt ekspresjonisme (Willem de Koonings kroppslighet, Jackson Pollocks romlige rytmer, Barnett Newmans fargefelt og Frank Stellas geometri), studerte han også europeiske mestere. Han hentet inspirasjon fra Tintoretto og Eugène Delacroix for deres virvlende, kompositoriske drama, og fra Borromini og Bernini for deres barokke romlige forvrengninger. Arbeidene hans vakte stor kritisk oppmerksomhet hos ledende skikkelser som filosofen Yves Michaud, som skrev utførlig om Cléments verk (blant annet monografien om Pernod fra 1988 og retrospektivverket Actes Sud fra 2001).

Clément avviste industrielle, ferdigblandede malinger og begynte å male sine egne pigmenter for hånd med oljer og spesialtilpassede bindemidler i atelieret, mens han justerte malingens tetthet og viskositet slik at den reagerte direkte på den fysiske motstanden fra penselen.

Lystens arkitektur: Feminine kurver og organisk sensualitet

Det er i denne syntesen av fysisk intensitet og strukturell beregning at Alain Clément finner sitt grunnleggende kreative impulsmoment: Lyst.

Når Clément beskriver drivkraften bak sin livslange hengivenhet til abstrakt maleri og skulptur, definerer han stolt seg selv som en maler av «Lyst» (lystens maler). For Clément er lyst ikke et abstrakt teoretisk begrep eller en romantisk klisjé; det er den rå, kroppslige drivkraften som får hånden til å sette merker i rommet.

Selv om komposisjonene hans er ikke-narrative og ikke-mimetiske, er det visuelle språket hans dypt kroppslig. De sveipende båndene av malt farge, de frodige løkkene, de sammenflettede knutepunktene og de elastiske arabeskene fungerer som direkte metaforer for feminine kurver, som minner om buen i en hofte, vendingen i en overkropp eller den fysiske rytmen i en omfavnelse. Ved å gi sine abstrakte gester kroppens tyngde, svulmende volum og taktile varme forvandler Clément det abstrakte rommet til et vibrerende felt av erotisk spenning og vital tiltrekning.

Alain Clement - 21 M6 P and 21 M11 P - 2021 - Utstillingsfoto - Carré d'Art (Nimes) 2026 - ©francis berthomier

Det anti-greenbergske lerretet: Farge som fysisk volum

Innen kunstteorien står Alain Clément som en direkte motvekt til den innflytelsesrike amerikanske kritikeren Clement Greenberg. Greenberg hevdet berømt at det moderne maleriets endelige bestemmelse var den absolutte renheten i todimensjonal flathet (flathet).

Clément, gjennomsyret av barokk energi, middelhavets lys og metaforen om feminin sensualitet, avviste flathet fullstendig. For Clément må et lerret ha romlig dybde, fysisk tyngde og vibrerende volum.

I hans visuelle språk er ikke fargen en flat lasur eller en atmosfærisk tåke som hos Mark Rothko. Hver farge har sin egen fysiske form og strukturelle tyngde. Ved å sette tykke, lysende bånd av håndmalt farge opp mot negativt rom skaper han en optisk dybdeillusjon: Han skjærer lerretet bakover mot det uendelige eller skyver tunge, båndlignende strøk frem i betrakterens fysiske rom.

4. Å unnslippe lerretet: Gjennombruddet med foldet stål (1990–i dag)

Fra veggrelieffer til utskåret stål

I 1990, etter en anerkjent utstilling ved Galerie Montenay i Paris, der de malte formene hans begynte å fragmenteres til gjennomskinnelige nettverk, følte Clément et fysisk behov for å bryte ut av det todimensjonale formatet.

I 1994 skapte han sine første tredimensjonale verk ved hjelp av buede eiketønnebord. I 1998 gikk han videre til komplekse veggrelieffer laget av utskåret, polykrom MDF-tre.

Alain clement - Sans Titre - 2005 - Commanderie de Peyrassol

Denne utviklingen kulminerte på slutten av 1990-tallet og begynnelsen av 2000-tallet med hans karakteristiske tredimensjonale gjennombrudd: laserskårne, foldede stålskulpturer.

Skulptur som utrullet maleri

Det er avgjørende å forstå at Cléments overgang til skulptur ikke var et brudd med maleriet, men dets direkte fysiske manifestasjon. Han skulpterer ikke ved å hugge stein ut av en blokk eller modellere leire fra en kjerne. I stedet han skaper volum ved å trekke et flatt plan ut i rommet.

Skulpturprosessen hans begynner alltid på papir som presise gouachet­egninger. Disse todimensjonale, båndlignende designene, som gjenspeiler de bølgende, feminine kurvene i maleriene hans, overføres i naturlig størrelse til tunge industrielle stålplater. Kraftige industrielle lasere skjærer langs de opptegnede linjene, og tungt maskineri folder og vrir metallplaten. Det som en gang var en flat linje på papir, blir til et svevende stålbånd som fanger, slynger seg gjennom og organiserer det atmosfæriske rommet.

Dialektikken: Hvordan skulpturen forvandlet maleriene hans

Arbeidet med tungt stål hadde en dyp og uventet tilbakevirkende effekt på maleriene hans.

Å oppleve ekte, fysisk metall som slynger seg gjennom et tredimensjonalt rom, gjorde det mulig for Clément å fjerne enhver gjenværende dekorativ illusjonisme fra lerretene sine. Da han vendte tilbake til staffeliet, ble de malte strøkene hans dristigere, sikrere og langt enklere. Den romlige autoriteten han oppnådde ved å bøye stål, ga oljemaleriene hans en enestående frontal kraft og arkitektonisk klarhet.

5. Den geografiske aksen: Nîmes, Paris og Berlin

I flere tiår arbeidet Alain Clément ut fra en strategisk geografisk trekant, med atelierer og produksjonsbaser i tre europeiske byer: Nîmes, Paris og Berlin. Hvert sted næret en bestemt dimensjon ved arbeidet hans:

Nîmes: Atelieret og middelhavsslyset

Nîmes er fortsatt hans emosjonelle og fysiske forankring. Det romslige hovedatelieret hans ligger i Saint-Rémy-kvartalet og rommer flere tiår med lerreter, eksperimentelle papirarbeider og prototyper i sveiset metall. Omgitt av den intense middelhavssolen er det i Nîmes fargene hans oppnår sin blendende klarhet, transparens og rå energiske hurtighet.

Alain Clément i skulpturatelieret sitt – Nîmes – 2026 – ©Francis Berthomier

Alain Cléments maleratelier i Nîmes – 2026 – ©Francis Berthomier

Berlin: Industriell kraft og monumental fabrikasjon

Tyskland har lenge hatt en dyp intellektuell og kommersiell tilknytning til Cléments kunst og har beundret hans syntese av strukturert geometri og malerisk følelse.

I Berlin og i det industrielle hjertet langs Rhinen samarbeidet Clément inntil nylig med tungindustrielle stålsmelteverksteder for å realisere sine monumentale skulpturer. Da stålplatene nådde lengder på 3 til 5 meter, var industrikraner, laserskjærere og erfarne sveisere nødvendige. Støttet av ledende gallerier som Die Galerie i Frankfurt/Berlin ga disse tyske anleggene den tekniske kapasiteten som trengtes for å forvandle papirtegningene hans fra Nîmes til monumenter i flere tonn stål.

Paris: Introspeksjon og det grafiske merket

Da han reetablerte et permanent atelier i Paris i 1997, ga hovedstaden ham et konsentrert og introspektivt miljø. Arbeidene hans fra Paris viser ofte en tettere, mer grafisk tetthet. Paris er også sentrum for hans grafiske samarbeid, særlig med Galerie Catherine Putman, som har publisert hans komplekse akvatinter, monotypier og arbeider på papir siden 1993.

6. Institusjonell arv og store museumsgaver (Carré d’Art og Centre Pompidou)

Gjennom en karriere som strekker seg over mer enn 60 år har Alain Clément fått en varig plass i den internasjonale kunstmuseums­historien.

Viktige museumsretrospektiver og offentlige rom

• 1977: Musée Fabre, Montpellier (omfattende retrospektiv midt i karrieren)

• 1982: Galerie Jean Fournier, Paris (banebrytende utstilling av abstraksjoner)

• 1984: Ludwig Museum, Aachen, Tyskland (monumentalt takoppdrag)

• 1996 og 2017: Musée d’Art Moderne de Céret (omfattende retrospektiver)

• 1997 og 2001: Carré d’Art – Musée d’Art Contemporain, Nîmes

• 2012: Hôtel des Arts, Toulon (omfattende presentasjon av stålskulpturer og lerreter)

• 2012 og 2015: Nirox Foundation Sculpture Park, Johannesburg, Sør-Afrika

• 2024: Halle des Sports de Nîmes (samarbeid i monumental arkitektonisk skala)

Hans offentlige tilstedeværelse er anerkjent over hele verden: et monumentalt lerret fra 1982 i den franske nasjonalsamlingen (CNAP) henger inne i det prestisjefylte Palais Farnèse i Roma (Frankrikes ambassade i Italia), mens hans monumentale stålskulpturer har prydet plassen foran Grand Palais i Paris, Commanderie de Peyrassol i Provence og offentlige rom over hele Europa.

De historiske donasjonene: Carré d'Art Nîmes og Centre Pompidou

Den ultimate institusjonelle anerkjennelsen for en nålevende kunstner har utspilt seg gjennom to landemerkedonasjoner de siste årene:

Donasjonen fra Élisabeth og Alain Clément til Carré d'Art (Nîmes):

I 2024 ga Alain og Élisabeth Clément en generøs donasjon på 16 hovedverk (malerier, laserskårne stålskulpturer og gouacher på papir) til Carré d'Art – Musée d'Art Contemporain i Nîmes. Donasjonen, som er utformet for å komplettere museets eksisterende verk fra hans karriere, fremheves i en egen stor utstilling ved Carré d'Art med tittelen «Alain Clément : Exposition d'une donation» (juli 2026–mai 2027), og plasserer hans kunstneriske arv i hjertet av hans adopterte middelhavshjem.

Permanent samling ved Carré D'Art (Nîmes) – Noen av verkene donert av Élisabeth og Alain Clément

Donasjonen til Centre Pompidou i 2025 (Paris):

Tidlig i 2025 ga Alain Clément en historisk, monumental donasjon på 16 hovedverk til Centre Pompidou – Musée National d'Art Moderne i Paris. Donasjonen, som er nøye utvalgt for å representere hele hans kunstneriske utvikling fra 1970-tallet og frem til 2020-tallet, omfatter 6 storformat-oljemalerier på lerret og 10 gouacher på papir. Disse verkene, som er plassert side om side med Frankrikes moderne kunstgiganter i landets fremste nasjonalmuseum, befester Alain Cléments plass i den offisielle historiografien over abstrakt kunst fra det 20. og 21. århundret.

7. Å samle på Alain Clément: Medier, verdi og markedsappell

Alain Clément gir samlere et enestående utgangspunkt for blåbrikke-basert europeisk abstraksjon, med et mangfoldig oeuvre som spenner fra tilgjengelig grafikk på papir til museumsstore, malte stålskulpturer.

Alain Cléments katalog i korte trekk

C Thomas (medgrunnlegger, IdeelArt) foran 77S1 P (1977) – Carré d'Art, Nîmes – 2026

Hvorfor samlere kjøper Alain Clément i dag

1. Institusjonell tyngde: Med sentrale verk i Centre Pompidou, CNAP (Roma) og store tyske museer er den historiske arven hans sikret.

2. Synergi på tvers av medier: Maleriene, skulpturene og arbeidene på papir deler et enhetlig visuelt språk. En stålskulptur plassert ved siden av et oljemaleri skaper en slående dialog mellom skygge, fysisk metall og malte penselstrøk.

3. Arkitektonisk allsidighet: De malte stålskulpturene hans tåler vær og er utformet for å samspille dynamisk med både minimalistiske, moderne interiører og historisk utendørsarkitektur.

8. Ofte stilte spørsmål (FAQ)