Den ultimate guiden til Mark Rothko: Fargens mester på jakt etter det menneskelige dramaet

Når man står foran et sent Rothko-lerret, med det enorme feltet av skjelvende burgunder som flyter over i svart, ser man ikke bare på et maleri. Man blir sett på. Få kunstnere i abstraksjonens 1900-tallshistorie har fremsatt denne påstanden med en så stillferdig, uimotståelig kraft som Mark Rothko (1903–1970): en Latvia-født immigrant som ble samvittigheten i amerikansk malerkunst, og hvis verk fortsatt er blant de mest følelsesmessig krevende objektene som noen gang er plassert foran et menneske.

Som en sentral aktør innen abstrakt ekspresjonisme og color field-måleri var Rothkos lerreter langt fra bare utforskninger av malerisk form. Til tross for utallige tolkninger basert på deres formale egenskaper begynte Rothko på en livslang reise for å fengsle betrakteren, utforske følelser og utløse en opplevelse gjennom rike pigmenter, lysende fargefelt og de ladede relasjonene mellom fargene – noe som fremkaller en dypt menneskelig forbindelse som ofte unndrar seg fornuften og motstår forklaring. Denne ultimate guiden bygger på arkivkilder, utstillingsdokumentasjon og kunstnerens egne tekster for å følge denne reisen fra dens opprinnelse til dens mest ekstreme konklusjoner.

Rothko var først og fremst autodidakt og på en måte en outsider – en mann med et komplekst sinn som motsatte seg merkelapper, særlig betegnelsen «kolorist», og en maler i konstant søken etter å skildre menneskedramaets prekære natur. Gjennom hele karrieren omfavnet han aldri en gruppekultur, men skapte et unikt oeuvre som fulgte sin egen bane, formet av tragedie, mytologi, filosofi og en urokkelig tro på at maleriet kunne være et middel til transcendens.

Mark Rothko: Kortfakta

• Født: 25. september 1903, Dvinsk (Daugavpils), Det russiske imperiet (dagens Latvia)
• Død: 25. februar 1970, New York City, USA (66 år gammel)
• Fødenavn: Marcus Yakovlevich Rotkovich
• Utdanning: Yale University (stipend, 1921–1923); Art Students League of New York (under Max Weber)
• Viktigste medier: olje på lerret, eggtempera, arbeider på papir, gouache
• Tilknyttede bevegelser: abstrakt ekspresjonisme, color field-måleri, surrealisme (tidlig), Art Informel
• Viktige kunstnerkolleger: Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Clyfford Still, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Milton Avery
• Viktige samlinger: Tate Modern (London), Museum of Modern Art (MoMA, New York), National Gallery of Art (Washington D.C.), Kunstmuseum Basel, Fondation Louis Vuitton (Paris), Rothko Chapel (Houston)
• Sentrale begreper: Farge som drama, lysende lagdeling (lasering), oppslukende skala, «multiform», tragisk sublimitet, elimineringen av rammen
• Publiserte skrifter: The Artist's Reality (skrevet ca. 1940-årene, utgitt posthumt i 2004)

Fra Rotkovich til Rothko: De formative årene (1903–1935)

Dvinsk og emigrasjonen (1903-1913)

Marcus Yakovlevich Rotkovich ble født 25. september 1903 i Dvinsk (Daugavpils), en by i Det russiske imperiet som i dag ligger i Latvia. Han vokste opp i en liberal jødisk familie med sterke intellektuelle tradisjoner og opplevde fordrivelse tidlig: Faren døde da han fortsatt var barn, og som tiåring emigrerte han med familien til Portland i Oregon. Tyngden av denne omveltningen – kulturell, språklig og eksistensiell – skulle prege hele hans virke som maler.

Yale og New York (1921–1925)

I 1921 fikk han et stipend til Yale University, der han ble i to år før institusjonens rigide sosiale hierarkier tæret på ham. Han sluttet uten grad og flyttet til New York, der han begynte ved Art Students League under den kubistiske maleren Max Weber. Det var der han for første gang møtte europeisk modernisme på nært hold: Cézannes strukturelle strenghet, Matisses kromatiske frigjøring og det hjemsøkte ekspresjonistiske uttrykket hos Klee og Rouault – han tok opp i seg alt, samtidig som han nektet å la seg oppsluke av én enkelt innflytelse.

Det tidlige New York-miljøet (1929–1935)

Mot slutten av 1920-årene og begynnelsen av 1930-årene hadde Rotkovich, som ikke tok navnet Rothko før i 1940, funnet sitt miljø i New Yorks avantgarde. Han møtte Adolph Gottlieb og Barnett Newman, fremtidige søyler innen abstrakt ekspresjonisme, og ble venn med maleren Milton Avery, hvis løse, lyriske tilnærming til farger som en flat, pustende overflate skulle bli avgjørende for Rothkos egen utvikling. Hans første separatutstilling åpnet i 1933; verkene var fortsatt figurative og fortsatt søkende.

The Ten (1935–1939)

I 1935 var han med på å grunnlegge The Ten, offisielt The Ten Whitney-dissidentene, en uavhengig gruppe New York-malere som var forent i sin motstand mot den konservative nasjonalismen i amerikansk scenemaleri og institusjonell portvaktvirksomhet ved visningssteder som Whitney Museum. De stilte ut sammen årlig fra 1935 til 1939, bevisst utenfor hovedstrømmen, og utstedte i 1938 en felles erklæring der de fordømte det de kalte Whitneys «stormannsgalskap».

Gruppens mest kjente medlemmer var Rothko og Adolph Gottlieb, som begge senere skulle være med på å definere abstrakt ekspresjonisme. Mindre feiret i dag, men like betydningsfulle i gruppen, var Ilya Bolotowsky, en geometrisk abstraksjonist påvirket av Mondrian; Louis Harris, hvis ekspresjonistiske figurasjon bygget bro mellom representasjon og abstraksjon; Ben-Zion, en maler og poet som brakte en dypt jødisk litterær sensibilitet inn i lerretet; og Joseph Solman, hvis psykologisk ladede portretter og urbane scener hadde en rå emosjonell umiddelbarhet som varslet New Yorks bredere vending mot følelsen som motiv. Mark Schwartz og Nahum Tschacbasov fullførte oversikten.

Rothko – Inngang til T-banen – 1938

Ingen av de ti hadde ennå funnet sitt modne uttrykk; Rothko malte fortsatt figurative T-banescener og urbane interiører. Men den felles overbevisningen om at maleriet måtte bære emosjonell og filosofisk tyngde, og ikke bare illustrere Amerika, var nettopp den drivkraften som skulle føre Rothko til å trekke seg bort fra figurasjonen i det følgende tiåret.

Jakten på en moderne myte (1938–1946)

Da gruene under fra andre verdenskrig omformet kulturlandskapet, vendte Rothko, i likhet med mange malere i New York, seg mot antikk mytologi og dybdepsykologi som rammeverk som kunne bære tyngden av samtidens tragedie. Dypt påvirket av Sigmund Freuds Drømmetydningen og Carl Jungs teorier om det kollektive ubevisste begynte Rothko å innarbeide mytologiske arketyper i lerretene sine: skikkelser fra gresk tragedie, urtidsvesener og biomorfe former hentet fra surrealismen.

Verk som The Omen of the Eagle (1942) og Antigone (1941) viser en kunstner som forsøkte å skape, med sine egne ord, en «moderne myte» – et visuelt språk som var tilstrekkelig gammelt til å bære universelle menneskelige følelser, men likevel helt forankret i sin egen tid. Aeolian Harp /7 (1946), som er illustrert her, viderefører denne mytologiske rekkevidden inn i hans modne arbeid med fargefelt: Tittelen – som fremkaller det gamle vindinstrumentet som angivelig ble spilt av naturen selv – signaliserer at Rothko, selv på høyden av abstraksjonen, aldri forlot troen på at maleriet skulle gi gjenklang med noe eldre og dypere enn øyet. I 1943 publiserte Rothko og Gottlieb sitt berømte brev i New York Times, der de skrev: «Vi hevder at motivet er avgjørende, og at bare det motivet er gyldig som er tragisk og tidløst.»

Rothko – Aeolian Harp /7 – 1946

Multiformene og fremveksten av Color Field (1946–1950)

I 1946 tok Rothko et avgjørende brudd. Befridd for alle figurative eller mytologiske referanser begynte han å male sine «Multiforms»: lerreter som utelukkende besto av myke, lysende, overlagrede fargefelt. Dette var ikke dekorative komposisjoner; de var emosjonelle miljøer. De rektangulære fargesonene, som aldri helt berører hverandre og blør mykt inn i hverandre langs kantene, var utformet for å skape et indre lys, en vibrasjon som betrakteren føler fysisk snarere enn leser intellektuelt.

"Et maleri er ikke et bilde av en opplevelse. Det er en opplevelse," erklærte Rothko, og satte skala, atmosfære og kromatisk vibrasjon i sentrum av sin praksis. Han begynte å arbeide på svært store lerreter nettopp for å overvelde sidesynet, for å omslutte den stående betrakteren med farger i stedet for å tilby fargen som et objekt å betrakte på avstand.

Mark Rothko – No. 14, 1960. Olje på lerret. 290.83 x 268.29 cm. San Francisco Museum of Modern Art.
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / ADAGP, Paris

Fargens vitenskap: Hvordan Rothko bygde lys innenfra

Lasering og den lagdelte overflaten

Rothkos teknikk var villedende arbeidskrevende. Han påførte fargefeltene sine i flere gjennomskinnelige lag – en prosess hentet fra de gamle mesternes laseringsteknikk – og bygde opp tynne pigmentstrøk suspendert i en blanding av olje, egg og kaninlim. Hvert påfølgende lag endrer det underliggende uten å utslette det, og skaper en dybde og luminositet som synes å stråle innenfra lerretet snarere enn fra overflaten.

C Thomas foran Untitled (Red,Black,White on Yellow) b av Rothko - 1955 
© IdeelArt

De myke, fjæraktige kantene mellom fargesonene hans, aldri en hard linje, men alltid en diffus overgang, er resultatet av å arbeide vått-i-vått på et ugrundert eller lett grunnet lerret som ligger flatt på ateliergulvet. Pigmentet trekker inn og blomstrer, og skaper overganger som føles organiske, nesten som pust.

Farge som emosjonell arkitektur

Rothko var bestemt på at maleriene hans ikke handlet om farge i noen formalistisk forstand. «Jeg er ikke interessert i farge. Det er lys jeg er ute etter», sa han, og med lys mente han det indre dramaet som farger, i tilstrekkelig størrelse og med tilstrekkelig lysstyrke, kan fremkalle i betrakterens nervesystem. Valget hans av komplementærfarger – varme røde mot kjølige fiolette, glødende oransje mot dempede okertoner, blåmerkelignende rødbrune toner som svever over absolutt svart – skaper en kromatisk spenning som etterligner følelsestilstander: oppstemthet, melankoli, ærefrykt, redsel.

Mark Rothko ved Fondation Louis Vuitton – desember 2023 © IdeelArt

De store oppdragene: Arkitektur, fordypning og det hellige (1954–1967)

Seagram-veggmaleriene: Et avslått oppdrag

Historien om Seagram-veggmaleriene avslører alt som er vesentlig ved Rothkos kompromissløse kunstneriske etikk. I 1958 takket han ja til et prestisjefylt oppdrag om å male store veggmalerier til restauranten Four Seasons i Mies van der Rohes ikoniske Seagram Building på Park Avenue i New York, den gang byens dyreste restaurant. Rothko begynte entusiastisk på serien og så for seg malerier som skulle «ødelegge appetitten til enhver jævel som noen gang spiser i det rommet».

Men under en middag på Four Seasons i 1959, der han satt blant stedets velstående gjester, følte Rothko den dype uforenligheten mellom lokalets luksuriøse skuespill og den tragiske alvoret i maleriene hans. Han betalte tilbake forskuddet, trakk tilbake alle lerretene og donerte til slutt en gruppe av dem til Tate Gallery – en handling av enestående moralsk klarhet fra en kunstner som nektet å la verkene sine bli dekorasjon for de mektige.

Rothko – Red on Maroon – 1959 (del av Seagram-maleriene) © IdeelArt

Rothko-kapellet: Maleri som fristed

Rothko-kapellet (åpnet i 1971, ett år etter hans død), som ble bestilt av Houston-filantropene John og Dominique de Ménil, representerer den fulleste realiseringen av Rothkos overbevisning om at maleri kunne fungere som et hellig rom. De fjorten maleriene, med en palett redusert til nesten svarte plomme- og kulltoner, henger i en åttekantet struktur som er utformet for å fylle interiøret med diffust naturlig lys fra et sentralt takvindu.

Utsikt fra Rothko-kapellet

Kapellet er samtidig en kunstinstallasjon, et tverrreligiøst åndelig fristed og et forum for menneskerettigheter. Det har vært vertskap for Dalai Lama, Jimmy Carter og en rekke internasjonale humanitære arrangementer – et vitnesbyrd om den universelle tyngden Rothko mente at stor kunst kunne oppnå.

Serien Black and Grey og de siste årene (1968–1970)

I 1968 fikk Rothko en alvorlig aortaaneurisme. Legene forbød ham å arbeide på store, vertikale lerreter, og han begynte derfor å male på papir – et medium han tidligere bare hadde brukt til studier – og skapte den hjemsøkende serien Black and Grey. Disse verkene, radikalt redusert til ett enkelt horisontalt svart bånd over et grått felt, har blitt tolket som dødsvarsler, handlinger av endelig renselse eller, mer velvillig, som den ytterste destilleringen av hans livslange prosjekt: farge strippet ned til sitt mest grunnleggende eksistensielle minimum.

Rothko – serien Black and Grey – 1969 © IdeelArt

Om morgenen 25. februar 1970 ble Rothko funnet død i atelieret sitt i New York av assistenten Oliver Steindecker. Han var 66 år. Rothko-kapellet åpnet året etter.

Kunstnere i dialog: Rothkos arv hos Ideelart

Rothkos overbevisning om at farge kunne bære hele tyngden av menneskelige følelser, døde ikke med ham. Kunstnerne hos Ideelart som fører denne arven videre, er mange – hver på sin måte på jakt etter det ladede feltet, den lysende overflaten, maleriet som ber om å bli følt snarere enn avkodet.

Yari Ostovany – Farge som transcendens

Av alle malerne som arbeider i Rothkos kjølvann i dag, er den iranskfødte amerikanske kunstneren Yari Ostovany kanskje den som står nærmest kjernen i det Rothko søkte. I likhet med Rothko bygger Ostovany overflatene sine gjennom tålmodig opphopning av gjennomskinnelige lag – pigment tilføres, vaskes ut, skrapes bort, løses opp og bygges deretter opp igjen – til komposisjonen, med hans egne ord, blir «dypere og mer lysende» i hver fase. Verkene hans, som er påvirket av persisk mystikk, vestlig abstraksjon, musikk og poesi, finnes i samlingene til New Britain Museum of American Art, Pasargad Bank Museum i Teheran og en rekke private samlinger over hele verden.

Numinous 19 - Yari Ostovany

Jean Feinberg – Lys som motiv

Den New York-baserte Jean Feinberg er blant de stillferdig kraftfulle koloristene som arbeider i USA i dag. Lerretene hennes – bygget opp gjennom påfølgende vaskinger og lagvise lasurer av rent pigment – skaper en glød som synes å stråle ut fra selve overflaten, en kvalitet Rothko beskrev som sin sentrale ambisjon. Der Rothko søkte det tragiske og sublime, beveger Feinberg seg i et mer intimt register: Lyset i maleriene hennes er kontemplativt, til og med ømt, og trekker betrakteren inn i en langvarig visuell oppmerksomhet som speiler den meditative tilstanden overflatene hennes beskriver.

R/Y/B - Jean Feinberg

Gudrun Mertes-Frady – Den vibrerende terskelen

Den tyskfødte, New York-baserte Gudrun Mertes-Frady arbeider i den direkte tradisjonen etter amerikansk Color Field-maleri og bygger tette, vibrerende overflater gjennom opphopning av kromatiske lag som svever i en tilstand av vedvarende visuell spenning. Komposisjonene hennes holder motstridende krefter i suspensjon – tyngde og letthet, ugjennomsiktighet og transparens, stillhet og skjelving – en dynamikk som plasserer henne tydelig i tradisjonen Rothko bidro til å definere. Overflatene hennes illustrerer ikke følelser; de frembringer dem og formidler det samme stille kravet som Rothkos store lerreter stiller til alle som er villige til å stå foran dem.

Motstridende strømmer nr. I - Gudrun Mertes-Frady

Tracey Adams – Enkaustisk lys

Den amerikanske kunstneren Tracey Adams arbeider hovedsakelig med enkaustikk – smeltet, pigmentert voks påført i lag og bundet sammen med varme – et medium som deler den grunnleggende egenskapen ved Rothkos lasurteknikk: å bygge lys innenfra. Hvert vokslag er samtidig gjennomskinnelig og fysisk, fanger dybde i overflaten og skaper en varm, indre glød som øyet oppfatter som om verket puster. Komposisjonene hennes er sparsomme og meditative, destillert til essensielle kromatiske relasjoner som bærer emosjonell tyngde uten narrativ – nettopp det området Rothko gjorde krav på som sitt eget.

0218-10 - Tracey Adams

Dana Gordon – Det vibrerende feltet

Dana Gordon tilfører denne dialogen et særegent perspektiv, forankret i over fem tiår med abstrakt praksis og en sjelden nærhet til Rothkos verden – hun er forfatteren av Notes and Reflections on Rothko in Paris, publisert på Ideelart, en førstehåndsberetning om å stå foran maleriene hans på retrospektivet ved Fondation Louis Vuitton. Hun legger flate, massive fargeblokker over tette, håndmalte rutenett av kaleidoskopiske spiralformer og skaper en optisk «push-pull»-dynamikk som forvandler lerretet til et gledesfylt, vibrerende felt av rene spektralfarger – og stiller betrakteren det samme spørsmålet som Rothko gjorde: Kan du føle fargen før du tenker på den?

Altitude - Dana Gordon

Martina Nehrling – Kromatisk tetthet

Chicago-baserte Martina Nehrling bygger lerretene sine gjennom tette opphopninger av livlige, lagvise farger som skaper en visuell varme – et indre trykk som beveger seg utover fra overflaten mot betrakteren. I likhet med Rothko forstår hun farge ikke som beskrivelse, men som en fysisk hendelse: Overflatene hennes avbilder ikke energi, de produserer den. Den kromatiske arkitekturen i maleriene hennes – varme nyanser som presses mot kalde, mettede soner som holder spenningen sammen med dempede partier – skaper en emosjonell ladning som kroppen registrerer før sinnet kan sette ord på den.

Fume - Martina Nehrling

Jill Moser – Gest og lysstyrke

New York-baserte Jill Moser arbeider i rommet mellom gest og felt – merkene hennes er fysiske, nesten kalligrafiske, men samler seg til kromatiske miljøer som omslutter snarere enn å punktere. Denne spenningen mellom den enkelte gesten og helheten i atmosfæren har tydelig rothskoianske ambisjoner: Begge kunstnerne avviser ren formalismes bekvemmelighet og insisterer på at den fysiske skapelseshandlingen forblir innvevd i det ferdige verkets emosjonelle innhold. Mosers malerier beholder sin ladning med en lyrisk intensitet som belønner langvarig betraktning.

7.3 - Jill Moser

Janise Yntema – Gjennomskinnelige dybder

Den amerikanske kunstneren Janise Yntema arbeider med enkaustikk – lag av pigmentert voks som bygger gjennomskinnelig dybde og indre lys på en måte som direkte speiler Rothkos ambisjon med lasurteknikken. Overflatene hennes har en kvalitet av svevende lysstyrke, som om fargen er fanget inne i materialet i stedet for å være påført utsiden. Enkaustikkmediet tvinger frem en langsom og bevisst prosess der man bygger opp og avdekker, noe som gir arbeidene hennes den meditative tyngden Rothko mente at all seriøs malerkunst må bære.

The Whisper of Solitude – Janise Yntema

Kim Uchiyama – Lagdelt glans

Den New York-baserte Kim Uchiyama bygger maleriene sine gjennom en langsom, meditativ prosess der oljemaling legges i tynne, gjennomskinnelige lag – hvert fargelag endrer og beriker det som ligger under uten å utslette det, og skaper en overflateglans som oppleves som indre lys snarere enn reflektert overflatelys. Fargerelasjonene i maleriene hennes – ofte der varme og kalde registre kombineres ved omtrent samme toneverdi – skaper en visuell vibrasjon som kroppen opplever som en sansning før sinnet bearbeider den som form. Praksisen hennes er en direkte videreføring av den lysende, følelsesbaserte ambisjonen som preget Rothkos modne verk.

Chord – Kim Uchiyama

Paul Landauer – Den opptelte gesten

Den østerrikske abstrakte kunstneren Paul Richard Landauer nærmer seg maleriet fra en annen vinkel, men kommer frem til en lignende overbevisning: at prosessen med å skape er selve meningen. Mens Rothko bygget sine lysende fargefelt gjennom transparente lasurer som ble påført og raffinert over flere uker, konstruerer Landauer overflatene sine gjennom en tilsynelatende enkel, men strengt disiplinert handling: gjentatt, opptalt påføring av individuelle penselstrøk, hvert av dem bevisst, målt og registrert. Begge kunstnerne avviser dekorasjon; begge finner mening i kroppens direkte møte med pigmentet; begge skaper verk hvis fulle emosjonelle tyngde først åpenbarer seg i fysisk nærvær. Forankret i tradisjonen til Art Informel og abstrakt ekspresjonisme fremstår Landauers overflater som dypt harmoniske og musikalske – en meditativ partitur fremført i stillhet, strøk for strøk.

Forever – Paul Landauer

Å samle på Mark Rothko: Marked, medier og autentisering

Rothko er fortsatt en av de kommersielt mest betydningsfulle kunstnerne i auksjonshistorien, med et samlet livstidssalg på over 2 milliarder dollar. Markedet hans kjennetegnes av ekstrem knapphet på toppen – færre enn 1 000 oljemalerier på lerret er kjent – og sterk institusjonell etterspørsel.

Autentisering

Boet etter Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko håndterer forespørsler om autentisering. Rothkos catalogue raisonné, utgitt i 1998, er fortsatt den definitive referansen. Alle større verk bør kryssjekkes mot denne katalogen og ledsages av verifiserbar dokumentasjon på proveniens.

Ofte stilte spørsmål

1. Var Rothko egentlig en «fargefeltmaler»?

Rothko motsatte seg berømt denne betegnelsen. Han var sterkt imot å bli kategorisert som formalist eller «kolorist», og insisterte på at maleriene hans handlet om tragedie, ekstase og det menneskelige dramaet – ikke om farge som et estetisk mål i seg selv. Betegnelsen fargefeltmaleri, lansert av kritikeren Clement Greenberg, ble brukt om Rothko sammen med kunstnere som Barnett Newman og Clyfford Still, men Rothko fastholdt alltid at betegnelsen overså det vesentlige ved arbeidet hans.

2. Hvorfor er Rothkos malerier så store?

Skalaen var et bevisst filosofisk valg. Rothko ønsket å overvelde betrakterens perifere syn og eliminere den psykologiske avstanden mellom betrakteren og lerretet. «Jeg ønsker å være svært intim og menneskelig», sa han. «Å male et lite bilde er å plassere seg utenfor sin egen erfaring.» I naturlig størrelse ser betrakteren ikke på maleriet – de befinner seg inne i det.

3. Hvilken teknikk brukte Rothko for å skape sine lysende fargefelt?

Rothko påførte fargen i flere tynne, gjennomskinnelige lag – en teknikk beslektet med de gamle mesternes lasering – ved hjelp av en kompleks blanding av oljemaling, eggtempera og lim av kaninhud. Han arbeidet på ugrundert eller lett grunnet lerret som lå flatt på ateliergulvet, slik at pigmentet kunne trenge inn og flyte ut langs kantene. Resultatet er en overflate som ser ut til å stråle lys innenfra, snarere enn å reflektere det utenfra.

4. Hvorfor avslo Rothko Seagram-oppdraget?

Rothko takket ja til Seagram-oppdraget i 1958 for å male veggmalerier til restauranten Four Seasons i New York. Deretter returnerte han honoraret og trakk tilbake maleriene etter å ha spist der og følt den dype uforenligheten mellom luksuriøs sosial iscenesettelse og den tragiske alvoret i arbeidet hans. Til slutt donerte han en gruppe av lerretene til Tate Gallery i London, der de nå utgjør det berømte Rothko-rommet.

5. Hva er Rothko Chapel?

Rothko Chapel i Houston, Texas (åpnet i 1971), er Rothkos mest ambisiøse realiserte prosjekt: fjorten store malerier i nesten svarte plomme- og kulltoner, installert i et åttekantet, ikke-konfesjonelt rom utformet for å huse dem. Prosjektet ble bestilt av John og Dominique de Ménil og fungerer både som en kunstinstallasjon og et åndelig rom på tvers av trosretninger. Her har Dalai Lama, menneskerettighetstoppmøter og en rekke internasjonale seremonier funnet sted.

6. Skrev Rothko om sitt eget arbeid?

Ja. Rothko skrev omfattende, men publiserte nesten ingenting mens han levde. Boken hans The Artist's Reality, skrevet rundt 1940, ble utgitt posthumt i 2004 av Yale University Press. Den gir en bemerkelsesverdig filosofisk fremstilling av hans syn på kunst, kunstnerens rolle og forholdet mellom form og følelser – viktig lesning for alle som ønsker å forstå maleriene hans.

7. Hva er serien Black and Grey?

Serien Black and Grey ble produsert mellom 1969 og 1970, etter en alvorlig aortaaneurisme som begrenset hans fysiske kapasitet. Den representerer en radikal reduksjon av Rothkos visuelle språk til to kromatiske soner: et svart bånd over et grått felt. Verkene ble hovedsakelig utført på papir og er blant de mest asketiske og følelsesmessig rystende arbeidene i 1900-tallets malerkunst.

8. Hvordan bør jeg vise et Rothko-verk på papir?

Rothkos arbeider på papir er svært lysfølsomme. De bør vises beskyttet mot direkte sollys og sterke kunstige UV-kilder. Ram dem inn bak museums glass med UV-filter, og monter dem på syrefri kartong. Oppretthold en relativ luftfuktighet på 45–55 % og en temperatur på 18–21 °C. Roter visningsperiodene hvis mulig for å begrense den samlede lyseksponeringen.

9. Hvilke av Rothkos verk er de dyreste som noen gang er solgt?

Rothko har oppnådd noen av de høyeste auksjonsprisene i kunsthistorien. Viktige referanser inkluderer: Orange, Red, Yellow (1961), solgt for 86,9 millioner dollar hos Christie's i New York (2012); White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose) (1950), solgt for 72,8 millioner dollar hos Sotheby's i New York (2007); og No. 6 (Violet, Green and Red) (1951), som angivelig ble solgt privat for omtrent 186 millioner dollar i 2014.

10. Er Rothko knyttet til abstrakt ekspresjonisme eller Color Field-maleri?

Begge deler, men ikke fullt ut noen av dem. Rothko sprang ut fra den første generasjonen av abstrakt ekspresjonisme i New York sammen med Pollock, de Kooning og Newman, men de modne verkene hans utviklet et stillere, mer meditativt uttrykk som kritikere klassifiserte separat som Color Field-maleri. Rothko avviste begge betegnelsene og insisterte på at temaet hans alltid var det samme: tragedien og ekstasen i menneskets tilværelse.

11. Hva påvirket Rothkos bruk av mytologi i de tidlige verkene hans?

Rothko var dypt påvirket av Nietzsches Tragediens fødsel, Freuds psykoanalytiske teori og Carl Jungs begrep om det kollektive ubevisste. Han mente at gresk mytologi rommet universelle emosjonelle arketyper som kunne kommunisere direkte på tvers av kulturelle grenser – en overbevisning som til slutt fikk ham til å forkaste mytologien til fordel for et enda mer direkte uttrykksmiddel: et rent kromatisk felt.

12. Hvorfor malte Rothko uten ramme?

Rothko betraktet den tradisjonelle bilderammen som en psykologisk barriere mellom betrakteren og maleriet. Ved å fjerne den ønsket han å skape et uavbrutt kromatisk miljø, et fargefelt uten noen kant som skilte det fra betrakterens rom. Han angav også svært nøyaktige høyder for opphengingen av verkene sine: lavt, nær gulvet, slik at lerretene pustet på samme nivå som den stående menneskekroppen.

13. Hvilke samtidskunstnere hos Ideelart står nærmest Rothkos arv?

Ideelart representerer en rekke kunstnere hvis praksis fører Rothkos arv videre på særpregede, men utfyllende måter.

Yari Ostovany er kanskje den mest direkte arvingen: lagdelt, gjennomskinnelig pigment, emosjonell impuls, fargefelt med bemerkelsesverdig dybde og transcendens.

Numinous 19 - Yari Ostovany

Jean Feinberg søker en stillere, intim lysstyrke – suksessive lasurer av rent pigment som stråler fra lerretets indre, et kontemplativt lys som belønner tålmodig betraktning.

R/Y/B - Jean Feinberg

Gudrun Mertes-Frady arbeider i den direkte tradisjonen fra Color Field-maleriet – tette, vibrerende overflater som holder tyngde og letthet, opasitet og transparens i suspensjon.

Motstridende strømmer nr. I - Gudrun Mertes-Frady

Tracey Adams arbeider med encaustikk – lag av pigmentert voks smeltet sammen med varme – og skaper en varm, indre lysstyrke og meditativ enkelhet som speiler Rothkos ambisjon med lasering.

0218-10 - Tracey Adams

Dana Gordon – forfatter av Notater og refleksjoner om Rothko i Paris – utforsker farge som vibrerende optisk energi gjennom sitt spill mellom flate fargeblokker over kaleidoskopiske rutenett.

Altitude - Dana Gordon

Martina Nehrling bygger opp tette kromatiske ansamlinger hvis indre trykk presses utover – farge som fysisk begivenhet, en emosjonell ladning som kroppen registrerer før sinnet kan sette ord på den.

Fume - Martina Nehrling

Jill Moser beveger seg mellom gest og felt – merkene hennes samler seg til kromatiske miljøer som omslutter betrakteren, mens den fysiske skapelsesakten er innvevd i det ferdige verkets emosjonelle innhold.

7.3 - Jill Moser

Janise Yntema arbeider med lag av encaustikk som bygger gjennomskinnelig dybde og indre lys – farge fanget i materialet, en suspendert lysstyrke som speiler Rothkos ambisjon med lasering.

The Whisper of Solitude – Janise Yntema

Kim Uchiyama legger oljemaling i tynne, gjennomskinnelige lag – hvert strøk beriker det som ligger under – og skaper en overflateglans som oppfattes som indre lys, en visuell vibrasjon kroppen opplever før sinnet bearbeider den.

Chord – Kim Uchiyama

Paul Richard Landauer deler Rothkos overbevisning om at maleri er en handling snarere enn et bilde – hans opptalte, rytmiske penselstrøk utgjør en meditativ disiplin innen Art Informel-tradisjonen, med resultater som bærer den samme stille intensiteten.

Forever – Paul Landauer

14. Hvor kan jeg se Rothkos verk i Europa?

Viktige europeiske samlinger omfatter Tate Modern i London (Rothko-rommet med Seagram-maleriene), Kunstmuseum Basel, Centre Pompidou i Paris og Fondation Louis Vuitton i Paris, som var vertskap for en stor retrospektiv utstilling i 2023. Beyeler Foundation i Basel har også betydningsfulle verk.

15. Hva bør jeg lese for å forstå Rothko bedre?

Begynn med Rothkos egen The Artist's Reality (Yale University Press, 2004), en viktig primærkilde. Deretter: James E.B. Breslins biografi Mark Rothko: A Biography (1993), utstillingskatalogen fra retrospektivet ved National Gallery of Art i 1998, og Tates katalog fra Rothko-retrospektivet i 2008. For en personlig samtidsberetning kan du også lese: Notes and Reflections on Rothko in Paris av Dana Gordon, publisert på Ideelart.

Av Francis Berthomier – oppdatert og utvidet september 2026

Fremhevet bilde: Untitled (Multiform) 1948, detalj

RELATERTE KUNSTVERK