Det mørke, abstrakte kunstverket til Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb var en av hovedpersonene innen abstraksjon på midten av 1900-tallet. Maleriene hans er følelsesladde, sparsomme og primitive, og mange mener de er mørke. Men Gottlieb så på seg selv som det motsatte av mørk. Han følte seg energisk, kompleks, lidenskapelig moderne, og som en som lyste opp, ledet veien med kunsten sin mot noe bedre for menneskeheten. Født i New York City i begynnelsen av en av de mest omveltende periodene i menneskets historie, modnet Gottlieb definitivt i et mørkt tidsrom: en tid med sosial, politisk og økonomisk uro, da samfunnets fremtid var i reell, konkret tvil. Det er tydelig ikke bare fra kunsten hans, men også fra hans skrifter, at angst og tvetydigheter fra første verdenskrig, den store depresjonen og andre verdenskrig absolutt bidro til utviklingen av hans estetiske visjon. Men denne estetiske visjonen var ikke bare preget av sorg eller undergang, slik mange kritikere har antydet. Den var faktisk en gjennom hvilken Gottlieb simpelthen forsøkte å formidle sannheten om det menneskelige hjerte og sinn, på en håpefull måte. Kanskje er det uunngåelig at en slik sannhet som Gottlieb oppfattet, må inkludere en viss grad av galskap og kaos. Men det omfattende verket Gottlieb etterlot seg da han døde i 1974, inkluderte også det vakre, det rolige, det fredfulle og det sublime. Disse paradoksale kompleksitetene, som definerte hans til tider kontroversielle verdenssyn, førte til slutt til at Adolph Gottlieb omdefinerte abstrakt kunst, og resulterte i et kunstnerskap som først nå begynner å bli anerkjent for sin sanne glans og lys.
En kunstner i hjertet
Adolph Gottlieb ble født inn i en arbeiderklassefamilie av innvandrere i New York i 1904. Sammenlignet med mange av de andre barna som vokste opp på Lower East Side på den tiden, fikk han en fremragende start i livet, da foreldrene hans bygde opp en vellykket kontorrekvisita-bedrift og håpet å gi den videre til ham en dag. Men ganske tidlig visste han med sikkerhet at alt han ønsket var å bli kunstner. Han var så sikker på dette at han sluttet på skolen som 15-åring for å vie seg fullt og helt til kunsten sin. Han deltok på forelesninger ved Art Students League, en kunstnerdrevet institusjon hvor mange kunstnere som senere ble en del av den abstrakte ekspresjonistiske bevegelsen, gikk på kurs. Og så, bare 17 år gammel, dro Gottlieb til Europa, og tjente reisen ved å arbeide ombord på et skip på vei til Frankrike.
Hans unge tro på egne evner lønte seg i utlandet, da han raskt ble kjent med den europeiske modernismens verden. I kontrast til amerikansk kunst på 1920-tallet, var europeisk kunst på den tiden fantastisk oppfinnsom. Han ble eksponert for fauvisme, kubisme, suprematisme, futurisme og geometrisk abstraksjon. Han besøkte museer og deltok på alle gratis kunstklasser han kunne finne. Og da visumet hans gikk ut, tilbrakte han nesten et år til med å reise rundt i Europa. Underveis ble han overbevist om at europeiske kunstnere var knyttet til noe viktig. Spesielt ble han fascinert av den økende innflytelsen fra stamme-kunst, en trend som inspirerte ham til å forkaste det folkelige i figurativ amerikansk kunst til fordel for å søke universelle trekk i eldgamle symboler og århundregamle visuelle tradisjoner.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, fargesilketrykk, 31 1/8 × 23 1/8 tommer, 79,1 × 58,7 cm (venstre) og Flying Lines, 1967, fargesilketrykk, 30 × 22 tommer, 76,2 × 55,9 cm, fotokreditter Marlborough Gallery
Den filosofiske kunstneren
Da Gottlieb kom tilbake til New York i 1922, tok han med seg en følelse av eget ansvar som kunstner. Han så på seg selv som en moderniserende kraft for sin kultur, og omfavnet tanken om at kunstnere burde være filosofer og agenter for samfunnsendring. Han fullførte kunstutdannelsen, og i løpet av de neste årene ble han venn med en gruppe andre kunstner/filosofer, som Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith og Milton Avery, noen av dem skulle etter hvert bli de mest kjente amerikanske kunstnerne i sin generasjon. Gottlieb og hans kamerater var unntak. De var abstrakte kunstnere, eller i det minste kunstnere som laget kunst som ble tolket som abstrakt, men de var også ivrige etter å snakke offentlig om meningen med arbeidet sitt.
På den tiden ble avantgardekunstnere, og spesielt abstrakte kunstnere, ikke forstått i USA, og ble definitivt ikke bredt respektert – ikke engang i New York. Mange hadde vanskeligheter med å tale sin egen sak og sin egen verdi, og spesielt verdien av modernistiske estetiske idealer. Men Gottlieb var en naturlig talsmann og en medfødt formidler. Han var politisk og sosialt engasjert, og var rask til å tale til fordel for det han så som viktig. I 1935 satte Gottlieb og vennen Marcus Rothkowitz (senere kjent som Mark Rothko) troen sin ut i livet ved å danne en gruppe kalt The Ten. Den inkluderte Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg og Yankel Kufeld. I åpen protest mot de rådende trendene i New Yorks kuratoriske miljø stilte The Ten ut sine abstrakte verk sammen, og avviste det de kalte «den påståtte likestillingen mellom amerikansk maleri og bokstavelig maleri.»
Adolph Gottlieb - Red Ground, olje på papir montert på lerret
Piktogrammene
Et av de første fremskrittene mot den modne abstrakte stilen Gottlieb til slutt utviklet, kom tidlig på 1940-tallet i form av hans Pictograph-malerier. Disse verkene var i hovedsak forsøk på å skape et nytt symbolsk billedspråk som kunne formidle universelle følelser og stemninger. Gottlieb utformet sine Pictograph-malerier slik at overflaten ble flatet ut, og fjernet dybde og enhver illusjon som kunne knyttes til de figurative elementene. Han demokratiserte også alle områder av lerretet i en forutanelig henvisning til det som snart skulle kalles «all-over»-maling. Hans Pictographs hadde en råhet som minnet om barnslige merker, og vekket estetiske tendenser fra stamme-samfunn.
På en måte forsøkte Gottlieb å skape et nytt bildealfabet i tradisjonen etter hieroglyfer eller kinesiske kanji. Men i stedet for å forsøke å formidle bestemte fortellinger, prøvde han å destillere sine utsagn ned til det mest nødvendige. I stedet for å stave ut mytene han refererte til, forsøkte han å formidle de kollektive menneskelige følelsene som ligger i kjernen av dem. For å oppnå dette skapte han nøye bilder som var helt originale og fri for ytre assosiasjoner, i håp om at deres universelle natur ville overskride de små kulturelle forskjellene som holder folk fra hverandre.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, olje på kunstnerplate, 29 1/4 × 23 1/4 tommer, 74,3 × 59,1 cm, fotokreditter Hollis Taggart Galleries, New York (venstre) og Untitled, 1949, pastell på papir, 24 × 18 tommer, 61 × 45,7 cm, fotokreditter Berggruen Gallery, San Francisco (høyre)
Innbilte landskap
Mens Gottlieb utviklet sine Pictographs, gikk han gjennom en prosess med forenkling. Gjennom denne prosessen kom han fram til en serie verk han kalte Imaginary Landscapes. I motsetning til Pictographs, som ikke la klar vekt på noen del av bildet, delte Gottlieb billedflaten i disse maleriene i to tydelige områder ved å innføre en horisontlinje. Under linjen la Gottlieb til piktografiske kruseduller. Over linjen la han til fargede geometriske former. Imaginary Landscapes antydet et hierarkisk forhold mellom de to bildetyper. Underordnet er en krusedullende, følelsesladet, komplisert uttrykk for menneskelig angst. Over svever et enkelt, direkte uttrykk for universell renhet.
Imaginary Landscape ble deretter ytterligere forenklet til det Gottlieb kalte Burst-malerier. I disse verkene fjernet han horisontlinjen, men beholdt krusedullen nederst og den samlende formen øverst. Burst-verkene brukte store fargeflater, og forente fargeelementet med formelementet. De inviterte til ettertanke på et nesten hellig nivå, og syntes å formidle konseptet om et symbiotisk forhold mellom en høyere og en lavere bevissthet.
Adolph Gottlieb - Imaginary Landscape, 1971, akvatint i farger, på Fabriano-papir, med fulle marger, 26 3/10 × 32 1/2 tommer, 66,7 × 82,6 cm
Arven etter Adolph Gottlieb
I 1970 fikk Gottlieb et slag og mistet bruken av venstre side av kroppen. Han fortsatte likevel å lage kunst, og skapte noen av de mest dype og ekstreme uttrykkene i sin Burst-serie bare ett år før han døde. Da livet hans tok slutt, var han kjent ikke bare for det unike verket han skapte, men også for sin innflytelse på andres arbeid. Hans filosofier var en integrert del av ideene til de abstrakte ekspresjonistene. Og hans estetiske visjon regnes som innflytelsesrik i fremveksten av fargefeltmaling og minimalisme.
Men like viktig for den estetiske arven etter maleriene, skulpturene og trykkene som Adolph Gottlieb skapte i løpet av sine 70 år, er bidraget han ga til det større kunstnerfellesskapet han tilhørte – det som overskrider formelle fremskritt, generasjoner og bevegelser. Gottlieb hadde en visjon om kunstneren som noen som ikke er adskilt fra resten av samfunnet, men tett knyttet til det. Han trodde på kunstens potensial til å forvandle sivilisasjonen, og at det var viktig å diskutere estetiske ideer åpent og i klart språk slik at alle kunne forstå. Han oppfattet at kunstnere er avgjørende for en kulturs evne til å forstå seg selv, og gjennom sitt arbeid viste han det ansvaret alle kunstnere har for å uttrykke galskapen, kaoset, glansen, skjønnheten, mørket og lyset i sin tid.
Utvalgt bilde: Adolph Gottlieb -
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
