Det mørke, abstrakte kunstverket til Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb var en av de sentrale skikkelsene innen midten av 1900-tallets abstraksjon. Maleriene hans er følelsesladede, sparsomme og primitive, og mange mennesker anser dem for å være mørke. Men Gottlieb så på seg selv som det motsatte av mørke. Han følte at han var energisk, kompleks, lidenskapelig moderne, og noen som skinte et lys, ledet veien med kunsten sin mot noe bedre for menneskeheten. Født i New York City i begynnelsen av en av de mest tumultariske tidene i menneskets historie, kom Gottlieb definitivt til modenhet i en mørk tid: en tid med sosial, politisk og økonomisk nød, da samfunnets fremtid var i spørsmål i en reell, konkret forstand. Det er klart, ikke bare fra kunsten hans, men fra skriftene hans, at angsten og tvetydighetene fra første verdenskrig, den store depresjonen og andre verdenskrig absolutt bidro til utviklingen av hans estetiske visjon. Men den estetiske visjonen var ikke bare en av tristhet eller undergang, som så mange kritikere har antydet. Det var faktisk en gjennom hvilken Gottlieb bare strevde etter å kommunisere sannheten om det menneskelige hjertet og sinnet, på en håpefull måte. Kanskje er det uunngåelig at en slik sannhet som Gottlieb oppfattet den, må inkludere en viss grad av galskap og kaos. Men det omfattende verk Gottlieb etterlot seg da han døde i 1974 inkluderte også det vakre, det rolige, det fredelige og det sublime. Disse paradoksale kompleksitetene, som definerte hans til tider kontroversielle verdensbilde, førte til slutt Adolph Gottlieb til å redefinere abstrakt kunst, og resulterte i skapelsen av et verk som først nå begynner å bli anerkjent for sin sanne briljans og lys.
En kunstner i hjertet
Adolph Gottlieb ble født inn i en arbeiderklasse, innvandrerfamilie i New York i 1904. Sammenlignet med mange av de andre barna som vokste opp på Lower East Side på den tiden, fikk han en fantastisk start i livet, ettersom foreldrene hans bygde en vellykket papirvareforretning og håpet å overlevere den til ham en dag. Men ganske ung visste han med sikkerhet at alt han ønsket å være, var en kunstner. Han var så sikker på dette faktum at han droppet ut av skolen i en alder av 15 for å vie seg fullt ut til kunsten sin. Han deltok på forelesninger ved Art Students League, en kunstnerdrevet institusjon hvor mange kunstnere som senere ble en del av Abstract Expressionist-bevegelsen, deltok på klasser. Og så, bare 17 år gammel, dro Gottlieb til Europa, og tjente til billetten sin ved å arbeide om bord på et skip som gikk til Frankrike.
Hans ungdommelige tro på sine evner ga resultater i utlandet, da han raskt ble kjent med verden av europeisk modernisme. I kontrast til amerikansk kunst på 1920-tallet var europeisk kunst på den tiden fantastisk nyskapende. Han ble eksponert for fauvisme, kubisme, suprematisme, futurisme og geometrisk abstraksjon. Han besøkte museer og deltok på alle gratis kunstklasser han kunne finne. Og da visumet hans gikk ut, tilbrakte han nesten et år til med å reise rundt i Europa. Underveis ble han overbevist om at europeiske kunstnere var knyttet til noe viktig. Spesielt ble han fascinert av den spredende innflytelsen fra stammekunst, en trend som inspirerte ham til å avvise det folkelige i figurativ amerikansk kunst til fordel for å søke universelle elementer innenfor gamle symboler og århundregamle visuelle tradisjoner.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Farge silketrykk, 31 1/8 × 23 1/8 tommer, 79.1 × 58.7 cm (Venstre) og Flying Lines, 1967, Farge silketrykk, 30 × 22 tommer, 76.2 × 55.9 cm, foto kreditering Marlborough Gallery
Den Filosofiske Kunstner
Da Gottlieb kom tilbake til New York i 1922, brakte han med seg en følelse av sitt eget ansvar som kunstner. Han så på seg selv som en moderniserende kraft for sin kultur, og omfavnet tanken om at kunstnere burde være filosofer og agenter for sosial endring. Han fullførte sin kunstutdanning, og i løpet av de neste årene ble han venn med en gruppe andre kunstner/filosofer, som Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith og Milton Avery, hvorav noen til slutt ville bli de mest kjente amerikanske kunstnerne i sin generasjon. Gottlieb og hans kamerater var anomalier. De var abstrakte kunstnere, eller i det minste kunstnere som laget kunst som ble tolket som abstrakt, men de var også ivrige etter å snakke offentlig om meningen med arbeidet sitt.
På den tiden ble avantgarde-kunstnere, og spesielt abstrakte kunstnere, ikke forstått i USA, og de var definitivt ikke bredt respektert – ikke engang i New York. Mange hadde vanskeligheter med å tale for seg selv og sin verdi, og spesielt for verdien av modernistiske estetiske idealer. Men Gottlieb var en naturlig talsmann og en født kommunikator. Han var politisk og sosialt engasjert, og var rask til å tale for det han så som viktig. I 1935 satte Gottlieb og vennen hans Mark Rothko (da kjent som Marcus Rothkowitz) sine overbevisninger ut i livet ved å danne en gruppe kalt The Ten. Den inkluderte Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg og Yankel Kufeld. I åpen protest mot de rådende trendene i den kuratoriske scenen i New York, stilte The Ten ut sitt abstrakte arbeid sammen, og avviste det de kalte "den påståtte ekvivalenten mellom amerikansk maleri og bokstavelig maleri."
Adolph Gottlieb - Rød bakgrunn, olje på papir montert på lerret
Piktografene
En av de første fremskrittene mot den modne abstrakte stilen Gottlieb til slutt utviklet, kom tidlig på 1940-tallet, i form av hans Pictograph-malerier. Disse verkene var i hovedsak forsøk på å skape et nytt symbolsk språk av bilder som kunne kommunisere universelle følelser og stemninger. Gottlieb konseptualiserte sine Pictograph-malerier på en måte som gjorde at overflaten ble flatet ut, og eliminerte dybde og enhver følelse av illusjon som kunne være assosiert med deres figurative elementer. Han demokratiserte også alle områder av lerretet i en prescient referanse til det som snart ville bli kalt "all-over" maleri. Hans Pictographs benyttet en råhet som minnet om barnslige merker, og fremkalte de estetiske tendensene til stamme-samfunn.
I en forstand prøvde Gottlieb å skape et nytt bildealfabet i tradisjonen til hieroglyfer eller kinesiske kanji. Men i stedet for å forsøke å kommunisere spesifikke narrativer, prøvde han å destillere uttalelsene sine ned til de mest grunnleggende elementene. I stedet for å stave ut mytene han refererte til, forsøkte han å kommunisere de kollektive menneskelige følelsene som bor i kjernen av dem. For å oppnå dette målet skapte han nøye bilder som var helt originale og fri for ytre assosiasjoner, i håp om at deres universelle natur ville overskride de små kulturelle forskjellene som holdt folk adskilt.
Adolph Gottlieb - Piktogram, 1942, Olje på kunstnerpanel, 29 1/4 × 23 1/4 tommer, 74,3 × 59,1 cm, foto kreditering Hollis Taggart Galleries, New York (Venstre) og Uten tittel, 1949, Pastell på papir, 24 × 18 tommer, 61 × 45,7 cm, foto kreditering Berggruen Gallery, San Francisco (Høyre)
Fiktive Landskap
Da Gottlieb utviklet sine Piktogrammer, engasjerte han seg i en prosess med forenkling. Gjennom den prosessen kom han frem til en serie verk han kalte Imaginary Landscapes. I motsetning til Piktogrammene, som ikke la noen klar vekt på noen del av bildet, delte Gottlieb bildeflaten i disse maleriene inn i to distinkte områder gjennom introduksjonen av en horisontlinje. Under linjen la Gottlieb til piktografiske kruseduller. Over linjen la han til fargede geometriske former. Imaginary Landscapes antydet et hierarkisk forhold mellom de to typene bilder. Avbildet som underdanig er en krusedullende, følelsesmessig, komplisert uttrykk for menneskelig angst. Svevende over er et enkelt, direkte uttrykk for universell renhet.
Det imaginære landskapet ble deretter ytterligere forenklet til det Gottlieb kalte Burst-malerier. I disse verkene eliminerte han horisontlinjen, men beholdt krusedullen nederst og den enhetlige formen øverst. Bursts benyttet store fargefelt, og forente fargeelementet med form. De inviterte til kontemplasjon på et nesten hellig nivå, og så ut til å kommunisere konseptet om et symbiotisk forhold mellom en høyere og en lavere bevissthet.
Adolph Gottlieb - Fantas landskap, 1971, akvatint i farger, på Fabriano-papir, med fulle marger, 26 3/10 × 32 1/2 tommer, 66,7 × 82,6 cm
Arven etter Adolph Gottlieb
I 1970 fikk Gottlieb et slag og mistet bruken av venstre side av kroppen. Han fortsatte likevel å lage verk, og skapte noen av de mest dyptgripende og ekstreme uttrykkene i sin Burst-serie bare ett år før han døde. Da livet hans tok slutt, var han kjent ikke bare for det unike kunstverket han hadde skapt, men også for sin innflytelse på andres arbeid. Hans filosofier var integrale for ideene til de abstrakte ekspresjonistene. Og hans estetiske visjon anses å ha vært innflytelsesrik i fremveksten av Color Field Painting og Minimalisme.
Men like viktig for den estetiske arven etter maleriene, skulpturene og trykkene som Adolph Gottlieb skapte i løpet av sine 70 år, er bidraget han ga til det større kunstneriske fellesskapet han tilhørte—det som overskrider formelle fremskritt, generasjoner og bevegelser. Gottlieb hadde en visjon om kunstneren som noen som ikke er adskilt fra resten av samfunnet, men intrikat knyttet til det. Han trodde på potensialet for kunst til å transformere sivilisasjonen, og at det var viktig å diskutere estetiske ideer åpent og i klart språk slik at de kunne forstås av alle. Han oppfattet at kunstnere er essensielle for evnen en kultur har til å forstå seg selv, og gjennom sitt arbeid demonstrerte han ansvaret alle kunstnere har for å uttrykke galskapen, kaoset, briljansen, skjønnheten, mørket og lyset i sin tid.
Fremhevet bilde: Adolph Gottlieb -
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio
